Las obras de Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) son admiradas por una representación extraordinariamente realista de las emociones y los sentimientos humanos con todos sus matices, y por el brillante uso de la luz y las sombras.
El pintor holandés del Siglo de Oro produjo un gran número de cuadros (más de 300 en total), pero muchas obras que se le atribuyeron durante siglos son ahora discutidas porque sus numerosos seguidores e imitadores crearon copias casi perfectas de su estilo.
En este artículo hemos seleccionado 10 de las obras más famosas y destacadas del artista holandés.
1- La Ronda de Noche
La Compañía de Milicias del Distrito II bajo el mando del capitán Frans Banninck Cocq, también conocida como La Compañía de Tiradores de Frans Banning Cocq y Willem van Ruytenburch, pero comúnmente denominada La Ronda de Noche (en holandés: De Nachtwacht), es un cuadro de 1642.
Pertenece a la colección del Museo de Ámsterdam, pero se exhibe de forma destacada en el Rijksmuseum como el cuadro más conocido de su colección. La ronda de noche es uno de los cuadros más famosos del Siglo de Oro holandés.
El cuadro es famoso por tres cosas: su tamaño colosal (363 por 437 centímetros), el uso dramático de la luz y la sombra (tenebrismo) y la percepción de movimiento en lo que tradicionalmente habría sido un retrato militar de grupo estático.
Se completó en 1642, en el apogeo del Siglo de Oro holandés. Representa a la compañía homónima en marcha, dirigida por el capitán Frans Banninck Cocq (vestido de negro, con faja roja) y su lugarteniente, Willem van Ruytenburch (vestido de amarillo, con faja blanca).
Con un uso eficaz de la luz y la sombra, Rembrandt dirige la mirada hacia los tres personajes más importantes de la multitud: los dos hombres del centro (de los que el cuadro recibe su título original), y la mujer del fondo del centro izquierda que lleva un pollo. Detrás de ellos, el alférez Jan Visscher Cornelissen porta los colores de la compañía. Las figuras son casi de tamaño natural.
Rembrandt ha representado el emblema tradicional de los arcabuceros de forma natural, con la mujer del fondo portando los símbolos principales. Ella misma es una especie de mascota; las garras de una gallina muerta en su cinturón representan a los clauweniers (arcabuceros), la pistola detrás de la gallina representa el trébol y ella sostiene la copa de la milicia. El hombre que está frente a ella lleva un casco con una hoja de roble, un motivo tradicional de los arcabuceros. El pollo muerto también representa a un adversario derrotado. El color amarillo se asocia a menudo con la victoria.
2- La tormenta en el mar de Galilea
La tormenta en el mar de Galilea es un óleo sobre lienzo de 1633 . Anteriormente se encontraba en el Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, pero fue robado en 1990 y sigue desaparecido.
El cuadro representa la historia bíblica de Jesús calmando la tormenta en el Mar de Galilea, tal y como se describe en el cuarto capítulo del Evangelio de Marcos.
El cuadro, de formato vertical, muestra un primer plano de los discípulos de Cristo luchando frenéticamente contra la fuerte tormenta para recuperar el control de su barco de pesca. Una enorme ola golpea la proa y rasga la vela. Se ve a uno de los discípulos vomitando por la borda. Otro, que mira directamente al espectador, es un autorretrato del artista. Sólo Cristo, representado a la derecha, permanece tranquilo.
El tratamiento en primer plano del tema y la composición general se remontan al grabado realizado por Adriaen Collaert a partir de un diseño del artista flamenco Maerten de Vos. Este grabado, que representa La tormenta en el mar de Galilei, fue la lámina 8 de la Vita, passio et Resvrrectio Iesv Christ, en 12 partes, publicada por Jan y Raphael Sadeler en Amberes en 1583.
El cuadro de Rembrandt sigue el formato de retrato en su composición y también representa la barca en posición inclinada hacia delante. Al igual que en el grabado, la mayor parte del espacio de la obra está ocupada por el motivo principal, que son los discípulos en la barca luchando contra los elementos.
3- La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp
La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp es un óleo sobre lienzo de 1632 de Rembrandt que se conserva en el museo Mauritshuis de La Haya (Países Bajos). El cuadro está considerado como una de las primeras obras maestras de Rembrandt.
En la obra, Nicolaes Tulp aparece explicando la musculatura del brazo a un grupo de médicos. Algunos de los espectadores son varios médicos que pagaron comisiones para ser incluidos en el cuadro.
El cuadro está firmado en la esquina superior izquierda por Rembrandt. Es posible que sea la primera vez que Rembrandt firma un cuadro con su nombre de pila (en su forma original), en lugar del monograma RHL (Rembrandt Harmenszoon de Leiden), y es, por tanto, un signo de su creciente confianza artística.
4- El Retorno del hijo pródigo
El retorno del hijo pródigo (en holandés: De terugkeer van de verloren zoon) es un óleo de Rembrandt que forma parte de la colección del Museo del Hermitage de San Petersburgo.
Es una de las últimas obras del maestro holandés, probablemente completada dos años antes de su muerte en 1669.
Representa el momento del regreso del hijo pródigo a su padre en la parábola bíblica, y es una obra de renombre descrita por el historiador de arte Kenneth Clark como «un cuadro que aquellos que han visto el original en San Petersburgo pueden ser perdonados por afirmar que es el mejor cuadro jamás pintado».
En el cuadro, el hijo ha regresado a casa en un estado miserable tras un viaje en el que ha malgastado su herencia y ha caído en la pobreza y la desesperación. Se arrodilla ante su padre en señal de arrepentimiento, deseando el perdón y la posición de un sirviente en la casa de su padre, tras darse cuenta de que incluso los sirvientes de su padre tenían una mejor posición en la vida que él. Su padre lo recibe con un gesto tierno y lo acoge como si fuera su propio hijo.
Sus manos parecen sugerir maternidad y paternidad a la vez; la izquierda parece más grande y masculina, puesta sobre el hombro del hijo, mientras que la derecha es más suave y receptiva en el gesto. De pie a la derecha está el hermano mayor del hijo pródigo, que cruza las manos en señal de juicio; en la parábola se opone a la compasión del padre por el hijo pecador.
Rembrandt se sintió conmovido por la parábola, y realizó una serie de dibujos, grabados y pinturas sobre el tema que abarcaron varias décadas, empezando por un grabado de 1636.
El retorno del hijo pródigo incluye figuras que no están directamente relacionadas con la parábola, pero que se ven en algunas de estas obras anteriores; sus identidades han sido debatidas. La mujer de la parte superior izquierda, apenas visible, es probablemente la madre, mientras que el hombre sentado, cuya vestimenta implica riqueza, puede ser un consejero de la hacienda o un recaudador de impuestos.
5- La Novia Judía
La novia judía (en neerlandés: Het Joodse bruidje) es un cuadro de Rembrandt, pintado hacia 1665-1669.
El cuadro adquirió su nombre actual a principios del siglo XIX, cuando un coleccionista de arte de Ámsterdam identificó el tema como el de un padre judío que entrega un collar a su hija el día de su boda. Esta interpretación ya no se acepta, y la identidad de la pareja es incierta. La ambigüedad se ve acentuada por la falta de contexto anecdótico, dejando sólo el tema universal central, el de una pareja unida por el amor.
Se han hecho sugerencias especulativas sobre la identidad de la pareja, desde el hijo de Rembrandt, Tito, y su novia, hasta el poeta de Ámsterdam Miguel de Barrios y su esposa. También se han barajado varias parejas del Antiguo Testamento, como Abraham y Sara, Booz y Rut, o Isaac y Rebeca, que se apoya en un dibujo realizado por el artista varios años antes.
Aunque las pruebas técnicas sugieren que Rembrandt imaginó inicialmente una composición más grande y elaborada, la colocación de su firma en la parte inferior izquierda indica que sus dimensiones actuales no difieren significativamente de las que tenía en el momento de su realización. Según el biógrafo de Rembrandt, Christopher White, la composición terminada es «una de las mayores expresiones de la tierna fusión del amor espiritual y físico en la historia de la pintura».
El cuadro se encuentra en la colección permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam.
6- Danaë
Danaë es un cuadro del artista holandés Rembrandt, pintado por primera vez en 1636, aunque posteriormente fue ampliamente retocado por Rembrandt, probablemente en la década de 1640, y quizá antes de 1643.
En su día formó parte de la colección de Pierre Crozat, y desde el siglo XVIII se encuentra en el Museo del Hermitage, en San Petersburgo, Rusia.
Se trata de una representación a tamaño natural del personaje de la mitología griega Dánae, la madre de Perseo. Es de suponer que se la representa recibiendo a Zeus, que la impregnó en forma de lluvia de oro.
Dado que se trata de uno de los cuadros más magníficos de Rembrandt, no es descartable que lo apreciara, pero también es posible que fuera difícil de vender debido a su tamaño de dos metros por tres. Aunque la esposa del artista, Saskia, fue la modelo original de Danaë, Rembrandt cambió posteriormente el rostro de la figura por el de su amante Geertje Dircx.
La reelaboración cambió la posición, entre otras cosas, de la cabeza, el brazo extendido y las piernas de Danaë. El cuadro ha sido considerablemente recortado. Tiene una firma difícil de leer con una fecha que termina en «6», pero es posible que no sea auténtica.
Fue objeto de graves actos de vandalismo en 1985, pero ha sido restaurado.
7- La conspiración de Claudio Civilis
La conspiración de Claudio Civilis (en neerlandés: De samenzwering van de Bataven onder Claudius Civilis) es un cuadro al óleo de 1661-62, que fue originalmente el más grande que pintó, de unos cinco por cinco metros en forma de luneta.
El cuadro fue encargado por el ayuntamiento de Ámsterdam para el Ayuntamiento. Después de que la obra estuviera brevemente en su lugar, fue devuelta a Rembrandt, que posiblemente nunca recibió el pago. Rembrandt redujo drásticamente el cuadro a una cuarta parte del tamaño original para venderlo. Es el último cuadro de historia secular que terminó.
El cuadro sigue a las Historias de Tácito en la representación de un episodio de la rebelión de los bátavos , dirigido por el jefe tuerto Claudio Civilis en la que «reunió en uno de los bosques sagrados, aparentemente para un banquete, a los jefes de la nación y a los espíritus más audaces de la clase baja», los convenció para que se unieran a su rebelión, y luego «ató a toda la asamblea con ritos bárbaros y extrañas formas de juramento».
El cuadro está expuesto en el Nationalmuseum de Estocolmo (Suecia).
8- Betsabé en el baño
Betsabé en el baño (o Betsabé con la carta del rey David) es un óleo terminado en 1654.
Una representación sensual y empática a la vez, muestra un momento de la historia del Antiguo Testamento relatada en 2 Samuel 11 en la que el rey David ve a Betsabé bañándose y, embelesado, la seduce y embaraza. Para casarse con Betsabé y ocultar su pecado, David envía a su marido a la batalla y ordena a sus generales que lo abandonen, dejándolo a merced de una muerte segura.
Aunque la escena de David espiando a Betsabé ya había sido pintada por artistas anteriores, la representación de Rembrandt difiere en su enfoque pictórico y en su vitalidad erótica, lograda a través de pinceladas anchas y gruesas y un colorido vibrante.
El cuadro está colgado en el Louvre; es una de las 583 obras donadas por el Dr. Louis La Caze en 1869. Para Kenneth Clark, el lienzo es «la mejor pintura de Rembrandt sobre el desnudo». Su visión del dilema moral de Betsabé ha sido descrita como «uno de los grandes logros de la pintura occidental».
9- El Festín de Baltasar
El festín de Baltasar es un importante cuadro de Rembrandt que se encuentra actualmente en la National Gallery de Londres.
El cuadro es el intento de Rembrandt de establecerse como pintor de grandes cuadros históricos barrocos. La fecha del cuadro es desconocida, pero la mayoría de las fuentes dan una fecha entre 1635 y 1638.
La historia de Baltasar y la escritura en la pared tiene su origen en el Libro de Daniel del Antiguo Testamento. El rey babilónico Nabucodonosor saqueó el Templo de Jerusalén y robó los objetos sagrados, como las copas de oro. Su hijo Baltasar utilizó estas copas para una gran fiesta en la que apareció la mano de Dios y escribió la inscripción en la pared profetizando la caída del reinado de Belsasar.
El texto en la pared dice «mene, mene, tekel, upharsin«. Los eruditos bíblicos interpretan que esto significa «Dios ha contado los días de tu reino y lo ha llevado a su fin; has sido pesado en la balanza y hallado falto; tu reino ha sido entregado a los medos y a los persas«.
10- El hijo pródigo en la taberna
El hijo pródigo en el burdel o El hijo pródigo en la taberna o Rembrandt y Saskia en la parábola del hijo pródigo . Se encuentra en la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, Alemania. Está firmado «REMBRANDT F.».
Retrata a dos personas que han sido identificadas como el propio Rembrandt y su esposa Saskia. En el mundo contemporáneo protestante, el tema del hijo pródigo era un tema frecuente en las obras de arte por su trasfondo moral. El propio Rembrandt pintó el Retorno del hijo pródigo en 1669.
El lado izquierdo del lienzo fue cortado, quizá por el propio artista, para eliminar los personajes secundarios y centrar la atención del observador en el tema principal.
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