Renné Magritte fue un artista belga que nació en 1898 y se convirtió en uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista. Su obra se caracteriza por explorar la relación entre la imagen y la realidad, desafiando las leyes de la percepción y la lógica.
Magritte es conocido por sus pinturas en las que combina elementos inesperados para crear imágenes inquietantes y misteriosas. Utilizando la técnica del trompe l’oeil, Magritte lograba crear ilusiones ópticas que desafiaban la percepción del espectador y lo invitaban a cuestionar la realidad.
Además, la obra de Magritte a menudo presenta objetos cotidianos que son descontextualizados y presentados de una manera surrealista. Estos objetos se transforman en símbolos que invitan a la reflexión sobre el significado de la realidad y la existencia humana.
Magritte también utilizaba la técnica de la repetición en sus obras, creando series de imágenes que presentaban variaciones sutiles. Estas series exploraban temas recurrentes en la obra del artista, como la relación entre la imagen y la realidad, la identidad y la percepción.
En general, el arte de Magritte se caracteriza por su carácter enigmático y provocativo, que desafía al espectador a explorar los límites de la percepción y la comprensión de la realidad. Su obra ha sido objeto de estudio y admiración en todo el mundo, y sigue siendo una fuente de inspiración para artistas y amantes del arte.
La obra de Magritte es un tesoro de la historia del arte, que sigue inspirando a artistas y amantes del arte en todo el mundo. En este artículo, exploraremos diez de sus obras más destacadas
13 Obras destacadas de Renné Magritte
1- La traición de las imágenes (Esto no es una pipa)
La traición de las imágenes es un cuadro de 1929 del pintor surrealista belga René Magritte. También se conoce como Esto no es una pipa y El viento y la canción. Magritte lo pintó cuando tenía 30 años.
Está expuesto en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
El cuadro muestra la imagen de una pipa. Debajo, Magritte pintó «Ceci n’est pas une pipe«, que en francés significa «Esto no es una pipa«.
El cuadro se cita a veces como ejemplo de metamensaje transmitido por el paralenguaje, como «La palabra no es la cosa» y «El mapa no es el territorio» de Alfred Korzybski, así como Esto no es un cuento de Denis Diderot.
2- El imperio de las luces
El Imperio de las luces es el título de una serie de pinturas de René Magritte que representan la imagen paradójica de un paisaje nocturno bajo un cielo iluminado por el sol.
Magritte exploró el tema en 27 pinturas (17 óleos y 10 gouaches) entre los años 40 y 60. Las pinturas no se planearon como una serie formal. Nunca se han expuesto todos juntos y rara vez se exhiben en grupos más pequeños.
El título original en francés, L’Empire des Lumieres se traduce a veces como singular, El Imperio de la Luz, y a veces como plural El Imperio de las Luces. Otras traducciones incluyen El Dominio de la Luz: haciendo la distinción: «un imperio existe en relación con un gobernante, un dominio no requiere necesariamente esto.
3- Golconda
Golconda es un óleo sobre lienzo pintado en 1953. Suele conservarse en la Colección Menil de Houston (Texas).
La obra representa una escena de «hombres lloviendo», casi idénticos entre sí, vestidos con abrigos oscuros y bombines, que parecen estar cayendo como gotas de lluvia, flotando como globos de helio, o simplemente estacionados en el aire, ya que no hay movimiento implícito.
El telón de fondo está formado por edificios de tejados rojos y un cielo azul parcialmente nublado, lo que da credibilidad a la teoría de que los hombres no están lloviendo. Los hombres están espaciados por igual en una celosía, de cara al punto de vista y retrocediendo en capas de cuadrícula rómbica.
Magritte vivía en un entorno suburbano similar y vestía de forma parecida. El bombín era un elemento habitual en gran parte de su obra, y aparece en cuadros como El hijo del hombre.
Una interpretación es que Magritte está demostrando la línea que separa la individualidad de la asociación grupal, y cómo se difumina. Todos estos hombres visten igual, tienen los mismos rasgos corporales y están flotando/cayendo. Esto nos lleva a ver a los hombres como un grupo. Mientras que si uno mira a cada persona, puede predecir que puede ser completamente diferente de otra figura.
Como ocurría a menudo con las obras de Magritte, el título Golconda fue encontrado por su amigo poeta Louis Scutenaire. Golkonda es una ciudad en ruinas del estado de Telangana (India), cerca de Hyderabad, que desde mediados del siglo XIV hasta finales del XVII fue la capital de dos reinos sucesivos; la fama que adquirió por ser el centro de la legendaria industria del diamante de la región fue tal que su nombre sigue siendo, según el Oxford English Dictionary, «un sinónimo de ‘mina de riqueza'».
4- El hijo del hombre
El hijo del hombre es un cuadro pintado en 1964 y quizá la obra más conocida de Magritte.
Magritte lo pintó como un autorretrato. El cuadro consiste en un hombre con abrigo y bombín de pie frente a un muro bajo, más allá del cual se ven el mar y un cielo nublado. El rostro del hombre está oculto en gran parte por una manzana verde que flota en el aire. Sin embargo, sus ojos asoman por el borde de la manzana. Otro rasgo sutil es que el brazo izquierdo del hombre parece doblarse hacia atrás a la altura del codo.
5- Tiempo paralizado
Tiempo paralizado es un óleo sobre lienzo de 1938. Forma parte de la colección permanente del Instituto de Arte de Chicago y suele exponerse en el Ala Moderna del museo.
El cuadro fue uno de los muchos realizados para el mecenas surrealista y seguidor de Magritte Edward James. Fue el segundo cuadro entregado a James para su salón de baile londinense. El primero fue el retrato de James. Tiempo paralizado fue comprado por el Art Institute a James en 1970, cuando estaba reuniendo capital para construir su jardín de esculturas surrealistas Las Pozas
El cuadro representa una locomotora LMS Stanier 5MT Black 5 4-6-0 que sobresale de una chimenea, a todo vapor, en una habitación vacía. Sobre la repisa de la chimenea hay un espejo alto. En el espejo sólo se reflejan el reloj y un candelabro que hay sobre la repisa.
6- Los amantes
Los amantes es una obra emblemática de René Magritte, creada en 1928. La pintura presenta dos figuras en primer plano, un hombre y una mujer, ambos con sus rostros cubiertos por telas blancas. Las telas les impiden verse y, al mismo tiempo, les privan de cualquier contacto físico. La obra es una expresión enigmática y evocadora de la naturaleza del amor, la comunicación y la alienación.
La tela blanca que cubre los rostros de las figuras representa una barrera invisible que los separa y los condena a una relación en la que no pueden conocerse ni comunicarse plenamente. Así, Magritte plantea una reflexión sobre la imposibilidad de conocer al otro completamente y sobre la soledad inherente al ser humano, incluso cuando está en pareja.
7- La voz del espacio
La voz del espacio es una obra de René Magritte, pintada al óleo en 1931 y conservada en la colección Peggy Guggenheim de Venecia.
Existen cuatro versiones al óleo de esta obra. La más famosa es la de la Solomon R. Guggenheim Foundation, Peggy Guggenheim Collection de Venecia. Otra versión expuesta al público se encuentra en la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo (Nueva York).
La obra presenta tres grandes campanas (o esferas o globos) suspendidas en el cielo, todo ello en un paisaje ordinario que representa una pradera, en cuyo horizonte se ve una especie de franja marina. Todo el paisaje es muy apacible, casi surrealista.
La sencillez del paisaje recuerda a la región de Bélgica donde Magritte creció, el Black Country. El cielo era a menudo gris y el fondo del cuadro hace referencia a las laderas de escoria de hierro que salpicaban el paisaje.
Las formas flotantes, que confieren una resonancia misteriosa, se inspiran en los cascabeles que colgaban de los collares de los caballos, cuyo sonido resonaba en el aire nocturno a grandes distancias.
Las rendijas de las esferas reflejan la obsesión de Magritte por la ocultación y la evocación del misterio de la experiencia humana. En este cuadro, las campanas agrupadas flotan y pesan al mismo tiempo como símbolos de algo que puede aplastar y convertirse en la premonición de una amenaza1
Los colores son fríos y claros. Las tres campanas son desproporcionadas con respecto al paisaje y a la realidad. El uso de la perspectiva aérea, ya utilizada por Leonardo da Vinci, está presente. El espacio está representado fotográficamente, el horizonte está muy bajo y las campanas ocupan la mitad de la obra.
En esta obra podemos reconocer algunos de los aspectos típicos de la obra de Magritte, como la desproporcionalidad de los objetos y su colocación en un contexto real (también en su obra Los príncipes de otoño), o la flotación de objetos aparentemente pesados (también en su obra El castillo de los Pirineos).
La campana es un motivo recurrente en la obra de Magritte. En La voz del espacio, coloca tres de ellas en un nuevo escenario y cambia sus proporciones reales. Las extrae de su mundo ordinario y las aparta de su función primaria para cambiar nuestra percepción de ellas y darles otros significados y una irracionalidad surrealista. Escribió: «He hecho que las campanas de hierro que cuelgan del cuello de nuestros admirables caballos broten como plantas peligrosas al borde de un abismo.
El compositor neerlandés Johan de Meij representó el cuadro en el primer movimiento de su suite La colección veneciana.
8- El Castillo de los Pirineos
El castillo de los Pirineos es un óleo sobre lienzo terminado en 1959. El cuadro representa una gran roca flotando sobre el mar y coronada por un castillo de piedra.
El amigo de Magritte, Harry Torczyner, abogado y escritor, encargó el cuadro y eligió su tema. El cuadro se expone en el Museo de Israel de Jerusalén junto con la correspondencia de Magritte con Torczyner.
El cuadro es una de las muchas obras de Magritte que representan piedras, un tema frecuente en su obra de los años cincuenta. La obra está influenciada por la expresión francesa «châteaux en Espagne», o castillos en España, que hace referencia a sueños imposibles; la cordillera de los Pirineos se extiende a lo largo de la frontera entre Francia y España.
Es uno de los cuadros más reproducidos de Magritte y ha servido de inspiración a artistas como John Baldessari, Edward Ruscha y Martin Kippenberger.
9- El retrato
El retrato es un cuadro de 1935
Representa una mesa casi fotorrealista con una loncha de jamón en el centro y un ojo que mira al espectador desde el centro del jamón.
Este cuadro formó parte de la colección privada de la pintora surrealista Kay Sage. En 1956 lo donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York.
10- El falso espejo
El falso espejo es un óleo surrealista de 1928 que representa un ojo humano enmarcando un cielo azul nublado. En la representación del ojo en el cuadro, las nubes ocupan el lugar normalmente ocupado por el iris.
11- La condición humana
La condición humana es el título de cuatro cuadros de Renné Magritte. Uno fue terminado en 1933 y forma parte de la colección de la Galería Nacional de Arte de Washington, D.C. Otro fue terminado en 1935 y forma parte de la Colección Simon Spierer de Ginebra, Suiza. Un dibujo con el mismo nombre se conserva en el Museo de Arte de Cleveland y otro cuadro forma parte de las Colecciones del Museo de Norfolk.
Al principio, uno supone automáticamente que el cuadro del caballete representa la parte del paisaje que oculta fuera de la ventana. Sin embargo, tras un momento de reflexión, uno se da cuenta de que esta suposición se basa en una premisa falsa: es decir, que las imágenes del cuadro de Magritte son reales, mientras que el cuadro del caballete es una representación de esa realidad. De hecho, no hay ninguna diferencia entre ellos. Ambos forman parte del mismo cuadro, de la misma fabricación artística.
Quizás sea a este ciclo repetitivo, en el que el espectador, incluso en contra de su voluntad, ve uno como real y el otro como representación, al que hace referencia el título de Magritte.
12- La reproducción prohibida
La reproducción prohibida es un cuadro de 1937 . Actualmente es propiedad del Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.
Este cuadro fue encargado por el poeta y mecenas de Magritte Edward James y se considera un retrato de James, aunque el rostro de éste no aparece. Fue uno de los tres realizados por Magritte para el salón de baile de la casa londinense de James. Los otros dos fueron El modelo rojo (1937) y Tiempo paralizado (1938).
La obra representa a un hombre de pie frente a un espejo, pero mientras que el libro de la repisa de la chimenea se refleja correctamente, el reflejo del hombre también le muestra de espaldas.
El libro de la repisa es un ejemplar muy usado de la novela de Edgar Allan Poe de 1838 La narración de Arthur Gordon Pym (escrita aquí en francés como Les aventures d’Arthur Gordon Pym).
Poe era uno de los autores favoritos de Magritte, que hizo otras referencias al autor en su obra. Por ejemplo, el título del cuadro de 1938 El dominio de Arnheim está tomado del cuento de Poe de 1847 del mismo nombre.
Magritte pintó otro retrato de Edward James titulado El principio del placer (1937). Representa a James de frente, sentado a una mesa, pero su rostro está oscurecido por una luz brillante, como la producida por el flash de una cámara.
13- Hombre con sombrero de hongo
Hombre con sombrero de hongo es una obra de Magritte de 1964
Magritte utilizó la imagen de un hombre con bombín en varios de sus cuadros. Este cuadro quizás no sea tan conocido como otros cuadros de Magritte, sin embargo, se identifica fácilmente como un cuadro de Magritte y recuerda al conocido cuadro El hijo del hombre, 1964.
El rostro del hombre está cubierto, como si la paloma hubiera entrado volando en el cuadro justo en el momento en que Magritte lo «fotografiaba». El pájaro vuela de la izquierda a la derecha del hombre, hacia la luz. No vemos los ojos del hombre, pero sí el ojo izquierdo del pájaro; en el cuadro El hijo del hombre, podemos ver el ojo izquierdo del hombre. Y la corbata del hombre es rosa pálido en comparación con la corbata roja brillante que aparece en El hijo del hombre. Y, a diferencia de aquel cuadro, éste es un primer plano «al hombro» del hombre. El fondo azul que tiene detrás: ¿es el cielo o está sentado delante de un telón de fondo para un retrato?
