Paul Klee était un artiste allemand né en Suisse. Son style très personnel a été influencé par des mouvements artistiques tels que l’expressionnisme, le cubisme et le surréalisme
Klee était un dessinateur naturel qui a expérimenté la théorie des couleurs et l’a explorée en profondeur, en écrivant abondamment à ce sujet ; ses conférences intitulées » Écrits sur la théorie de la forme et du design » (Schriften zur Form und Gestaltungslehre), publiées en anglais sous le titre Paul Klee Notebooks, sont considérées comme aussi importantes pour l’art moderne que le Traité de la peinture de la Renaissance de Léonard de Vinci
Lui et son collègue, le peintre russe Wassily Kandinsky, ont tous deux enseigné à l’école d’art, de design et d’architecture Bauhaus en Allemagne. Ses œuvres reflètent son humour pince-sans-rire et son regard parfois enfantin, ses états d’âme et ses convictions personnelles, ainsi que sa musicalité.
Dans cet article, nous présentons 10 de leurs œuvres les plus connues
1- Insula Dulcamara
Insula dulcamara est une peinture à l’huile sur papier journal collé à de la toile de jute, peinte en 1938, alors qu’il souffrait de sclérodermie. Il s’agit de sa plus grande œuvre et elle fait partie de la collection du Zentrum Paul Klee à Berne.
Comme une grande partie de la production de Klee, l’image transmet un message codé au spectateur, l’invitant à réfléchir au processus de réflexion de l’artiste pendant sa création
L’interprétation conventionnelle, basée sur le fait que le titre original du tableau devait être L’île de la Calypso, est que les symboles disposés sur un fond uni représentent une île déserte avec une idole et un bateau à vapeur qui passe.
Cependant, une analyse plus récente de l’universitaire Chris Pike suggère que les symboles représentent la propre identité et la mortalité de Klee, épelant son nom et faisant référence à des aspects de sa vie et de ses intérêts. A partir du signe en pointillé enfermé au centre gauche, qui représente « l’origine », il est possible de distinguer les lettres du mot Paul
Les lettres du mot Klee ne sont pas si évidentes, mais on peut les déterminer avec l’imagination, surtout en comparaison avec sa signature écrite. Le visage pâle de la lettre P peut représenter le ton de sa peau, le résultat de son état de santé et la proximité de la mort. Les taches rouges peuvent représenter les baies de la plante Solanum dulcamara (belladone) mentionnée dans le titre de l’ouvrage.
2- Senecio
Senecio ou Tête d’un homme vieillissant est une peinture cubiste de Klee datant de 1922. Elle se trouve actuellement au Kunstmuseum de Bâle.
L’adaptation de la tête humaine par Klee divise le visage d’un vieil homme en rectangles orange, rouges, jaunes et blancs. Les carrés géométriques plats à l’intérieur du cercle ressemblent à un masque ou aux taches d’un arlequin, d’où la référence du titre à l’artiste-performeur Senecio. Le triangle et la ligne courbe au-dessus des yeux gauche et droit donnent respectivement l’illusion d’un sourcil levé.
L’utilisation des lignes, des formes ambiguës et de l’espace démontre les principes de l’art de Klee, dans lequel des éléments graphiques simples sont « mis en mouvement par l’énergie de l’esprit de l’artiste ».
3- Fish Magic
Fish Magic est une peinture surréaliste de 1925. Le tableau a appartenu à la collection de Walter et Louise Arensberg avant d’être donné en 1950 au Philadelphia Museum of Art, où il se trouve actuellement.
Il est considéré comme un mélange d’entités aquatiques, célestes et terrestres. Le tableau est recouvert d’une délicate surface de peinture noire, sous laquelle se trouve une couche dense de pigments multicolores. Les figures colorées ont été griffonnées et gribouillées par Klee sur le fond sombre
Un carré de mousseline a été collé à la peinture au centre, donnant à la peinture l’impression d’un collage. La palette sombre de la peinture et la fragilité de la mousseline créent une atmosphère mystérieuse et encrée.
Selon Ann Temkin, la magie du poisson est un chef-d’œuvre dans lequel les forces intellectuelles et imaginatives des dons artistiques de Klee se réconcilient, produisant un « sentiment de magie ». Temkin souligne en particulier la fine ligne diagonale qui s’étend du centre droit de la toile jusqu’au sommet de la tour de l’horloge, écrivant que « la longue ligne peinte depuis le côté semble prête à déchirer le carré de mousseline pour révéler quelque chose en dessous ».
4-Mort et Feu
Mort et feu, connu en allemand sous le nom de Tod und Feuer, est un tableau expressionniste de Paul Klee datant de 1940. C’est l’un des derniers avant sa mort le 29 juin de la même année
En 1935, Klee commence à souffrir de sclérodermie, qui se manifeste par de la fatigue, des éruptions cutanées, des difficultés à avaler, un essoufflement et des douleurs dans les articulations des mains
Les peintures de cette période ont tendance à être plus simples et plus représentatives des souffrances qu’il a endurées. « Tod », le mot allemand pour la mort, est un motif commun à toutes les peintures. Elle est surtout visible dans les traits du visage, bien que le « d » et le « t » soient tournés. Le mot peut également être vu dans le bras levé du personnage comme le « T », l’orbe jaune comme le « O » et la tête (ou le torse) du personnage comme le « D ».
Le tableau représente également des hiéroglyphes, un intérêt de Klee à cette époque, que l’on retrouve également dans de nombreux autres tableaux de la fin des années 1930, tels que Insula dulcamara et Heroische Rosen. Depuis 2014, elle est exposée au Zentrum Paul Klee, un musée de Berne (Suisse) consacré aux œuvres de Paul Klee.
5- Chat et oiseau
Chat et l’oiseau est une œuvre de 1928. Elle a été exécutée à l’huile et à l’encre sur une toile gessée montée sur bois. Il se trouve maintenant au Musée d’art moderne de New York.
Klee était l’un des nombreux artistes modernistes qui voulaient pratiquer ce qu’il appelait« la culture pure des médias » de la peinture, c’est-à-dire utiliser la ligne, la forme et la couleur pour elles-mêmes et non pour décrire quelque chose de visible. Cette priorité lui a permis de créer des images qui relèvent moins de la perception que de la pensée, de sorte que l’oiseau de ce tableau semble voler non pas devant le front du chat, mais à l’intérieur de celui-ci : l’oiseau est littéralement dans l’esprit du chat
En faisant du chat une tête entière, Klee se concentre sur la pensée, la fantaisie, l’appétit, les envies du cerveau. L’un de ses objectifs en tant qu’artiste, disait-il, était de « rendre visibles des visions secrètes ».
Le chat est vigilant, terrifiant, mais également calme, et la palette de Klee est également calme, dans une gamme étroite allant du fauve au rose avec des zones de vert bleuté. Ceci et la suggestion d’un dessin d’enfant détendent l’atmosphère
Convaincu que les enfants sont proches des sources de la créativité, Klee était fasciné par leur art, qu’il évoque ici par des lignes et des formes simples : des ovales pour les yeux et les pupilles du chat (et, plus librement, pour le corps de l’oiseau), des triangles pour ses oreilles et son nez. Et au bout de ce nez se trouve un cœur rouge, signe du désir du chat.
6- Twittering Machine
Twittering Machine (Die Zwitscher-Maschine) est une aquarelle et un transfert d’huile et d’encre sur papier de 1922
Comme d’autres œuvres de Klee, elle combine biologie et machinerie, représentant un groupe d’oiseaux vaguement dessinés sur un fil ou une branche reliés à une manivelle
Les interprétations de l’œuvre varient largement : elle a été perçue comme un leurre cauchemardesque pour le spectateur ou une représentation de l’impuissance de l’artiste, mais aussi comme un triomphe de la nature sur les activités mécaniques. Il a été considéré comme une représentation visuelle de la mécanique du son.
Exposée à l’origine en Allemagne, l’image a été déclarée« art dégénéré » par Adolf Hitler en 1933 et vendue par le parti nazi à un marchand d’art en 1939, d’où elle a atteint New York. C’est l’une des plus connues des quelque 9 000 œuvres de Klee, et l’une des images les plus célèbres du Museum of Modern Art de New York (MoMA)
Il a inspiré plusieurs compositions musicales et, selon un article paru dans le New York Magazine en 1987, il a été très apprécié pour être accroché dans les chambres d’enfants.
7- Château et soleil
Château et le soleil, 1928, est un paysage urbain abstrait de Paul Klee.
Les couleurs de cette œuvre sont vraiment étonnantes, avec des triangles et des rectangles offrant une forme abstraite d’une scène urbaine. Cette luminosité a contribué à faire de cette œuvre l’une des plus reproduites de toutes les œuvres de Klee, aux côtés d’autres comme Angelus Novus et Twittering Machine
Burg und Sonne était le titre original de cette œuvre, qui se traduit directement par Château et Soleil, capturant ainsi les principaux points d’attention de cette peinture. Certains ont interprété à tort le soleil comme étant en réalité une lune, mais le titre du tableau le précise. Klee a lui-même exécuté plusieurs de ces scènes de carreaux complexes, qui se sont avérées être parmi les plus appréciées de ses admirateurs.
La création de la forme par une formation abstraite de formes géométriques rappelle davantage l’œuvre de Wassily Kandinsky et d’autres membres du mouvement Bauhaus. Klee est connu pour s’être aligné sur les artistes du Bauhaus au début du 20e siècle, les similitudes sont donc à prévoir. La palette de couleurs de Klee l’a aidé à conserver son indépendance artistique.
8- Flower Myth
Flower Myth est une œuvre expressionniste de Paul Klee datant de 1918. Elle a été créée au cours de la première période abstraite-mystique de Klee et contient bien plus que ce que l’on pourrait croire à première vue.
Sur un fond rouge profond, apparemment spatial, une plante flottante pousse au centre du tableau, accompagnée de symboles simples représentant le soleil, la lune et les étoiles. Un oiseau s’approche de l’ouverture de la fleur par le haut. Une fine ligne argentée encadre la composition.
Paul Klee ne représentait pas d’objets. Il a plutôt utilisé les symboles typiques des plantes et des arbres, des corps célestes et de la terre, entre autres. Cela montre qu’il s’est écarté de la représentation « réaliste ». Il ne s’est pas préoccupé d’une heure, d’une date ou d’une saison spécifique. Klee a considéré la totalité de la création. La proximité de la représentation simultanée des éléments esquissés – la terre, le soleil, la lune et les étoiles – le suggère.
Paul Klee n’a pas non plus fait référence à une plante spécifique. Il s’intéresse aux plantes en général : une plante qui pousse à partir d’un bulbe ; qui a des racines, des feuilles et un bourgeon qui s’épanouit au sommet, déjà en train de devenir le fruit qu’il deviendra. Une créature s’approche pour recueillir le pollen. Le caractère cyclique de la vie et de la croissance dans l’univers est souligné.
9- Angelus Novus
Angelus Novus de Paul Klee est une œuvre de 1920, qui montre « un ange, contemplé et fixé sur un objet, s’en éloignant lentement« , selon l’acquéreur de l’œuvre, le philosophe allemand Walter Benjamin.
C’est l’opinion de Benjamin sur l’œuvre qui l’a rendue particulièrement célèbre, mais il n’était pas le seul propriétaire. Il l’a acheté à Klee en 1921 avant qu’il ne passe entre les mains de ses proches, Theodor W. Adorno et plus tard Gershom Scholem.
Selon divers experts et philosophes, Paul Klee a peint ce que beaucoup imaginent être l’Ange de l’Histoire. Klee a été enrôlé dans les forces allemandes pendant la Première Guerre mondiale, ce qui l’a profondément affecté.
La méthode utilisée par Klee pour peindre l’Angelus Novus est une invention personnelle. Sa technique de transfert d’huile (monoprint) consistait à recouvrir d’encre une feuille de papier calque, à placer une feuille de papier à dessin en dessous et à gratter le papier supérieur avec une aiguille ou un autre objet pointu pour faire une copie sur le papier inférieur.
L’Angelus Novus montre un ange apparemment stupéfait, les yeux fixés dans une image de désespoir, bloqué dans un mouvement de vol qui n’avance ni ne recule. On ne voit pas beaucoup de tableaux comme celui-ci dans le monde, à la fois en raison de l’inventivité de la nouvelle technique de Klee et du sujet à partir duquel Paul a créé son œuvre.
10- Highway and Byways
Highway and Byways est une peinture à l’huile sur toile. Elle appartient au groupe de ses nombreuses peintures de couches et de rayures et a été créée en janvier 1929 après le deuxième voyage de Klee en Égypte
Prêtée par Werner Vowinckel, elle a été exposée pour la première fois au Musée Wallraf-Richartz de Cologne et peut maintenant être vue au Musée Ludwig, également à Cologne.
Le titre du tableau correspond à sa structure. Au centre s’étend le chemin principal, rectiligne et profilé, divisé en plusieurs parties, différenciées par des contrastes de couleurs, qui évoluent principalement entre le bleu-orange et le rouge-vert, presque alignées avec le centre du tableau et s’effilant en couches dans sa structure interne horizontale
Le chemin principal n’est pas seulement une route, mais aussi une « bande de champs qui se divise 45 fois à travers la zone haute de l’horizon rayé de bleu et de violet », plutôt une « peinture de l’escalier céleste d’une pyramide à degrés »
À gauche et à droite de celle-ci, les petites routes secondaires sont beaucoup plus irrégulières, en chemins tortueux et désordonnés, se terminant en partie dans le néant, en partie aussi dans le même horizon bleu-gris, qui semble également donner à la route principale sa destination claire.
