Ukiyo-e. Histoire et caractéristiques

Le mouvement artistique Ukiyo-e a façonné l’art japonais et occidental que nous connaissons aujourd’hui.

Ce qui a commencé au Japon au XVIIe siècle a trouvé sa place dans l’art et le design occidentauxcontemporains. Dans cet article, nous allons examiner comment le dessin Ukiyo-e est apparu et à quoi il a servi lorsqu’il a fait son chemin dans le monde

Qu’est-ce que l’Ukiyo-e ?

L’ukiyo-e est un type de gravure sur bois et de peinture qui remonte au 17e siècle au Japon. À l’époque, ce nouveau style artistique s’écartait des œuvres traditionnellement hyperréalistes que de nombreux artistes s’efforçaient de réaliser.

Ces dessins étaient minimalistes, généralement créés à l’aide d’un simple travail au trait, puis finis de façon magistrale avec des couleurs vives. Ce contraste entre un design simpliste et ciblé et des couleurs vives et spectaculaires contribue à donner vie à un design plat et bidimensionnel.

Plutôt que de remplir l’espace de détails distrayants, l’Ukiyo-e se concentre sur un seul sujet et permet au trait et aux couleurs intentionnels de le mettre en valeur au milieu d’un arrière-plan naturel et magnifique. Bien qu’il existe de nombreuses variantes, ces éléments particuliers le définissent et le distinguent des autres formes de design.

Signification du mot Ukiyo-e

Le mot ukiyo exprimait à l’origine l’idée bouddhiste de la nature transitoire de la vie. Cette notion plutôt pessimiste a été dépassée pendant la période Edo, et le caractère signifiant « flottant » a été remplacé par l’homonyme « transitoire » pour exprimer une attitude de joie de vivre

Cette culture hédoniste glorifiant la vie dans le « monde flottant » s’est particulièrement bien exprimée dans la production de gravures sur bois, qui mettaient à la disposition de quiconque disposait d’un peu d’argent supplémentaire des images captivantes de courtisanes séduisantes, d’acteurs de kabuki excitants et de vues romantiques célèbres. Pour la première fois, les artistes se sont inspirés des intérêts et des préférences du grand public et y ont répondu.

Histoire de l’Ukiyo-e

Pendant la période Edo, appelée ainsi parce que la capitale du Japon avait été déplacée à Tokyo (alors appelée Edo), le pays était dirigé par le shogunat Tokugawa. Ce régime militaire a renforcé la ségrégation sociale en mettant l’accent sur un système de classes hiérarchisées, avec les guerriers au sommet, suivis des agriculteurs, des artisans et des marchands à la base

Le régime a également réservé certaines zones fortifiées dans les villes où les théâtres, les salons de thé et les bordels étaient autorisés et qui ont été connues sous le nom de« quartiers de plaisir »

C’était uneépoque relativement pacifique sur le plan intérieur et isolationniste par rapport au reste du monde. En conséquence, l’art qui reflétait ce style de vie résolument japonais a trouvé un nouveau public dans la classe moyenne montante. L ‘ukiyo-e est né comme une évolution du yamato-e, dans lequel le nouveau style de vie était mis en valeur et célébré.

Lessujets de ces plaisirs mondains, ainsi que leurs habitants, tels que les courtisanes célèbres, les acteurs de kabuki et autres, sont devenus la matière première créative privilégiée pour les estampes ukiyo-e. Les estampes étaient des formes d’art populaire « basses », créées pour la classe marchande et la population ouvrière urbaine, mais elles ont rapidement été considérées comme des chefs-d’œuvre de l’art.

Iwasa Matabei était un peintre réputé d’œuvres représentées en byobu durant cette période. Bien qu’il se soit formé à l’ école Kanō, les thèmes et les styles japonais traditionnels de l’école Tosa ont principalement influencé son œuvre de maturité. Ses représentations de geishas, des courtisanes qui se divertissent en jouant d’un instrument, en dansant et en récitant de la poésie japonaise classique, ainsi que de la vie de loisirs de la classe moyenne, sont devenues les premiers exemples de la peinture ukiyo-e.

Un autre artiste, Hishikawa Moronobu, est considéré comme le premier grand maître et créateur d’estampes ukiyo-e pour les illustrations de livres qu’il a commencé à produire en 1672. L’impression en couleur n’ayant pas encore été inventée, ses tirages étaient principalement monochromes, bien qu’il ait également peint à la main certains d’entre eux. Il a rassemblé les éléments disparates de l’imagerie et des sujets de l’ukiyo-e précédent et a formalisé la forme d’art grâce à sa maîtrise de la ligne dérivée de la calligraphie

Ses images comprenaient des scènes de rue de la vie ordinaire, des images faisant référence à des histoires, des poèmes ou des événements historiques célèbres, ainsi que des paysages, des images de belles femmes et des gravures érotiques. Il est donc considéré à la fois comme le dernier des artistes proto-Ukiyoyo-e et comme le premier artiste véritablement ukiyo-e.

L’ukiyo-e est resté la forme d’art dominante pendant le dernier siècle de la période Edo.

La fabrication de l’ ukiyo-e

L‘ Ukiyo-e dépendait de la collaboration de quatre personnes. L’artiste, à l’aide d’encre sur papier, a dessiné l’image, qui a ensuite été gravée par un artisan dans un bloc de bois. Un imprimeur appliquait ensuite le pigment sur la planche de bois, et un éditeur supervisait et coordonnait le processus et commercialisait les œuvres

Les ukiyo-e étaient généralement produits sous la forme de plaques, qui étaient si bon marché que beaucoup de gens pouvaient les acheter. Ils étaient également rassemblés dans des livres, appelés e-hon. Parfois, une impression pouvait être réalisée en utilisant deux ou trois feuilles de papier, créant ainsi un effet de triptyque

Les portraits utilisaient un format vertical, les paysages un format horizontal, mais des tirages verticaux étroits étaient parfois réalisés, créant l’effet d’un rouleau exposé sur des colonnes ou des piliers.

Suzuki Horunobu a révolutionné l’ukiyo-e lorsqu’il a inventé, en 1765, le procédé de fabrication des nishiki-e, ou « impressions de brocart », qui permet d’utiliser pleinement les couleurs. Le processus consistait à réaliser une série de blocs de bois, tous avec la même image, puis à appliquer une seule couleur sur chaque bloc, de sorte que la couleur de l’impression finale soit le résultat de couches de pigments

Les pigments utilisés, à base de plantes et solubles dans l’eau, ont permis d’obtenir une palette subtile et riche. Jusqu’à 20 blocs de bois, chacun avec une couleur différente, pouvaient être utilisés pour imprimer une seule image sur du papier fait main. L’œuvre d’Horunobu a influencé d’innombrables artistes d’ ukiyo-e.

Concepts et thèmes courants de l’Ukiyo-e

Comme pour tous les courants artistiques, il y avait un certain nombre de concepts et de thèmes dans l’ukiyo-e qui étaient populaires parmi les artistes et qui étaient répétés à l’infini. Ces thèmes étaient :

Paysages

Le shogunat, ou régime militaire, de la période Edo exigeait que tous les seigneurs féodaux aient une résidence à Tokyo (Edo) et partagent leur temps entre la résidence dans la ville et leurs domaines. En conséquence, cinq grandes routes, comme la route Tôkaidô, qui s’étend sur plus de 300 miles entre Tokyo et Kyoto, ont été construites et sont devenues des voies de circulation pour les marchands, les pèlerins et les touristes en route vers des lieux célèbres

Ces lieux avaient souvent une signification historique et spirituelle, influencée par la religion shintoïste du Japon, selon laquelle chaque lieu était occupé par un kami, que l’on traduit diversement par« dieu« ,« esprit » ou« essence divine« .

Les sanctuaires en l’honneur des kami étaient courants dans tout le Japon. Katsushika Hokusai et Utagawa Hiroshige sont les artistes ukiyo-e les plus connus de l’art du paysage. Hiroshige a fait du paysage une priorité, comme en témoignent ses Cinquante-trois étapes du Tôkaido (1833-1834 ) et Cent vues de lieux célèbres d’Edo (1856-1859)

LesTrente-six vues du mont Fuji (1830-1832) de Hakusai représentent des scènes variées, allant des agriculteurs dans leurs champs aux voyageurs sur une route, tandis que le mont Fuji, omniprésent et sacré, traditionnellement considéré comme détenant le secret de l’immortalité dans la culture japonaise, domine l’arrière-plan.

Cette collection comprend également « La Grande Vague de Kanagawa« , l’une des œuvres d’art les plus célèbres au monde

Yakusha-e (Portraits d’acteurs)

Les yakusha-e, ou « tableaux d’acteurs », étaient des gravures représentant des acteurs de kabuki (théâtre japonais). Ils étaient souvent vendus en feuilles volantes et étaient bon marché et disponibles comme souvenirs après une production théâtrale particulière

Les gravures contribuaient également à promouvoir la célébrité de l’acteur, et en reconnaissance de cela, les productions de théâtre kabuki invitaient parfois les interprètes à assister aux répétitions.

Dans les premiers yakusha-e, les acteurs étaient représentés comme des types génériques, bien que des maîtres notables comme Katsukawa Shunshō aient commencé à créer des portraits réalistes. Cependant, le plus grand maître du genre Tōshūsai Sharaku n’était associé à aucune école, comme en témoignent ses traitements dynamiques et souvent peu flatteurs qui ont révolutionné le genre à la fin du XVIIIe siècle.

Kacho-ga (Oiseaux et fleurs)

Un autre genre important de l’ukiyo-e était les peintures kachō-ga ou  » oiseaux et fleurs « , un style influencé par le genre traditionnel chinois consistant à peindre des fleurs, des oiseaux, des poissons et des insectes

L‘espace blanc était un élément important du kachô-ga, comme en témoigne la sélection d’une seule espèce d’oiseau associée à une seule plante, et le fait de laisser une grande partie de l’espace environnant en larges plans de couleur, afin de créer le sentiment de simplicité et d’harmonie de la nature.

En tant que genre traditionnel de peinture, la réalisation d’images d’oiseaux et de fleurs a donné aux artistes de l’ukiyo-e un sentiment d’authenticité artistique, inscrivant leur travail dans une longue tradition. Plusieurs d’entre eux, dont Hokusai et Hiroshige, créeront de telles œuvres, incluant souvent le texte d’un poème classique ou faisant allusion à une référence historique ou culturelle.

Shunga

Le terme shunga peut être traduit en japonais par « images du printemps », le printemps faisant métaphoriquement référence au sexe. Le terme est également tiré de shunkyū-higi-ga, terme japonais désignant les parchemins chinois représentant les douze actes sexuels qui sont l’expression du yin et du yang

Leshunga est devenu un sujet populaire, les hommes et les femmes achetant les images, qui étaient souvent vendues dans de petits livres. Le Shunga représentait des gens ordinaires, mais aussi des courtisanes, et bien que les images soient principalement hétérosexuelles, les relations homosexuelles et lesbiennes étaient également représentées.

Le genre est régi par un certain nombre de conventions ; les personnages sont souvent représentés vêtus, car cela identifie leur position sociale, et leurs organes génitaux sont exagérés. Au Japon, la coutume traditionnelle du bain collectif fait que la nudité n’est pas érotisée.

Le shunga pouvait être à la fois subtil, comme on le voit dans les premières œuvres de Moronobu, où les gestes du couple ou les lignes fluides de leurs manches évoquent la rencontre érotique, et tellement explicite que, à plusieurs reprises au cours de la période Edo, le gouvernement a tenté d’interdire ou de censurer les œuvres en les qualifiant de pornographiques.

Bijin-ga

Le bijin-ga, qui signifie  » image d’une belle personne « , était un genre dominant dans l’ukiyo-e. Les premières estampes avaient tendance à représenter des courtisanes célèbres qui étaient souvent considérées comme des célébrités, mais les artistes ultérieurs, comme Utamaro , ont dépeint des femmes connues pour leur beauté parmi la population urbaine

Les autres grands maîtres du genre sont Suzuki Harunobu, Keisai Eisen, Itō Shinsui, Toyohara Chikanobu, Uemura Shōen, Isoda Koryûsai et Torii Kiyonaga.

Ces portraits reflètent non seulement l’évolution des critères de beauté dans la culture japonaise, mais aussi la sensibilité de l’artiste. Les estampes d’Isoda Koryûsai du milieu des années 1760 avaient tendance à représenter une figure féminine élancée, tandis qu’à la même époque, Kitao Shigemasa mettait l’accent sur une figure délicate

Les figures d’Utamaro, réalisées à la fin du XVIIIe siècle, ont été parmi les premières à être individualisées, communiquant la personnalité et l’humeur du personnage. Plutôt que de suivre un traitement idéalisé, il a développé son propre style, car ses personnages étaient souvent minces mais avec des têtes proportionnellement longues, ce qui a conduit à surnommer ses œuvres ōkubi-e, ou portraits « à grosse tête « .

Les écoles d’Ukiyo-e

La plupart des artistes ukiyo-e ont non seulement étudié sous la direction d’un maître particulier, mais ont également pris le nom de ce dernier. Entre 1672 et 1890, trente écoles d’ukiyo-e se sont développées, chacune représentant le style particulier de son fondateur, ainsi que plusieurs générations de ses artistes ultérieurs.

École Torii

L’école Torii a débuté au début du 18e siècle avec les travaux de Torii Kiyonobu I, qui était un élève de Moronobu. Kiyonobu I était issu d’une famille d’éminents concepteurs de matériel promotionnel pour le kabuki et, en raison de sa propre expérience et de son intérêt pour le théâtre, l’école Torii a lancé le thème du théâtre kabuki, qui est devenu l’un des thèmes dominants des estampes ukiyo-e

Le style de l’école mettait l’accent sur le drame kabuki et ses acteurs aux apparitions très répandues, à travers des dessins audacieux aux lignes épaisses et énergiques.

L’école Torii est devenue le style dominant des années 1700, lorsqu’une nouvelle génération d’artistes est arrivée sur le devant de la scène. L’école était innovante dans son utilisation des impressions urushi-e, dans lesquelles l’encre pouvait être mélangée à de la colle pour créer un effet de laque ou dans lesquelles de la poudre de mica ou de métal était ajoutée pour créer une qualité brillante. Ils ont également exploré les estampes Benizuri-e, « estampes cramoisies » ou « estampes roses », dans lesquelles un nombre limité de couleurs, comprenant souvent du vert et du rose, étaient appliquées lors du processus d’impression.

Les artistes associés à l’école Torii comprennent Suzuki Harunobo, qui a inventé les impressions de brocart nishiki-e, Kitagawa Utamaro et le fondateur Torii Kiyonaga. Ces trois artistes étaient célèbres pour leurs gravures bijin-ga, qui représentent de belles femmes.

École de Katsukawa

L’école de Katsukawa, fondée par Miyagawa Shunsui vers 1750, a été la première à représenter les acteurs de kabuki d’une manière qui s’éloigne de la représentation générique et met l’accent sur leurs caractéristiques individuelles et leur personnalité. Katsukawa Shunshō a été le pionnier de ces portraits reconnaissables entre tous, faisant parfois le portrait des acteurs dans leur loge.

La représentation plus réaliste des gens s’est étendue à d’autres genres d’ukiyo-e, comme en témoignent les célèbres images de gens ordinaires dans la vie quotidienne de Katsushika Hokusai

Au début de sa carrière, Hokusai était membre de l’école de Katsukawa sous le nom de Shunro. Cependant, il a commencé à explorer de manière innovante la perspective et l’ombrage de l’art occidental dans ses gravures, ce qui a conduit à son expulsion de l’école

Hokusai a décrit cet événement important :« Ce qui a vraiment motivé le développement de mon style artistique, c’est l’embarras que j’ai subi aux mains de Shunko. Implacable et novateur, il a créé plus de 30 000 œuvres et a adopté, au cours de sa longue vie, 30 noms d’artistes

Il est d’abord devenu célèbre pour ses mangas, des livres contenant des gravures sur bois de ses croquis et qui, selon le critique d’art John-Paul Stonnard, contenaient « tous les sujets imaginables : personnages et animaux réels et imaginaires, plantes et scènes naturelles, paysages et marines, dragons, poètes et divinités combinés d’une manière qui défie toute tentative de tisser une histoire autour d’eux ».

École Utagawa

L’école d’Utagawa a été fondée par Utagawa Toyoharu dans les années 1760 et a duré jusque dans les années 1850, étant en fait la dernière grande école d’ukiyo-e. Toyoharu était connu pour avoir incorporé la perspective de l’art occidental dans ses estampes, comme les peintures en perspective de lieux japonais : Sanjūsangen-dō à Kyoto, (vers 1772-1781 ) et plusieurs de ses élèves ont poursuivi cette exploration

Quelque 400 à 500 artistes étaient membres de l’école ou associés à elle, et l’école a créé la plupart des estampes ukiyo-e connues

Au milieu du XIXe siècle, la production prodigieuse de l’école a donné naissance à une sorte de portrait stéréotypé, mettant en scène des nez de lanterne et des nez quelque peu exagérés, ce qui a suscité des critiques et un sentiment de déclin de l’ukiyo-e

Le célèbre Hokusai a même protesté auprès de son éditeur contre le fait que le graveur de bois ne cessait de modifier le nez de ses personnages. Néanmoins, cette école est devenue la plus connue de toutes les écoles d’ukiyo-e car elle comptait parmi ses membres les artistes Toyokuni et Utagawa Hiroshige

Hiroshige s’est fait connaître comme l’un des grands maîtres de l’ukiyo-e de tous les temps, qui a fait revivre cet art en se concentrant sur des vues en série de paysages et de scènes de la vie quotidienne.

L’influence de l’ Ukiyo-e sur l’art occidental

En Europe, l’arrivée des gravures sur bois dans les années 1850 a donné naissance à un mouvement informel appelé  » Japonisme » . Cet enthousiasme pour tout ce qui est japonais a eu un impact important, presque incommensurable, sur les artistes et les mouvements artistiques. James Abbot McNeill Whistler, qui a dirigé à la fois le mouvement de peinture du tonalisme et le mouvement esthétique, a été fortement influencé par l’utilisation de la couleur et de la composition dans les estampes japonaises

La plupart des grands impressionnistes, tels qu’Edgar Degas, Mary Cassatt et Claude Monet, et les post-impressionnistes, tels qu’Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh et Paul Gauguin, ont été inspirés par l’ukiyo-e, tout comme Gustav Klimt, dont l’œuvre a donné naissance à l’Art nouveau.

Cependant, la même ouverture au commerce qui a conduit au japonisme en Europe a alimenté le déclin de l’ukiyo-e au Japon. L’afflux d’idées, de technologies et d’art européens a radicalement transformé la culture, et l’ukiyo-e traditionnel a pris fin dans les années 1880. Bien que certains artistes continuent à travailler dans le domaine de la gravure, le marché pour eux a disparu, remplacé par le désir d’un art d’inspiration européenne.

Au Japon du début du XXe siècle, plusieurs mouvements artistiques japonais ont été influencés par l’ukiyo-e. LaNihonga, une école qui mettait l’accent sur la peinture traditionnelle japonaise par opposition aux œuvres d’influence occidentale (appelée le mouvement Yōga), s’est inspirée d’artistes ukiyo-e tels que Kōno Bairei. En outre, les mouvements sōsaku-hanga et shin-hanga devaient faire revivre des éléments de l’ukiyo-e.

Le mouvement Sōsaku-hanga, ou estampes créatives, a débuté en 1904 avec la création du Pêcheur de Kanae Yamamoto (1904). L’artiste a renoncé au processus de collaboration traditionnel de la gravure sur bois, dessinant, sculptant, imprimant et publiant seul. Le mouvement a mis l’accent sur ce processus solitaire et l’a relié à un sens moderne de l’art en tant qu’expression de l’individualité.

En 1915, le mouvement Shin-hanga, ou nouvelles estampes, a suivi. En revanche, le shin-hanga est revenu au procédé de l’ukiyo-e à quatre personnes et s’est concentré sur les sujets traditionnels de l’ukiyo-e, tout en étant fortement influencé par l’impressionnisme et en créant des estampes destinées principalement aux marchands d’art et aux collectionneurs occidentaux. La« Femme après le bain » (1915) de Hashiguchi Goyô reflète à la fois l’influence de Kitagawa Utamaro et de Jean-Auguste-Domique Ingres dans sa représentation d’un nu dans la tradition occidentale.

Leshin-hanga et le sōsaku-hanga se sont poursuivis dans les décennies suivantes, attirant la génération suivante d’artistes. Les deux mouvements ont connu une résurgence après la Seconde Guerre mondiale, lorsque les estampes sont devenues populaires parmi les Américains pendant l’occupation du Japon.

Dans les années 1950, certains graveurs créatifs, comme Hagiwara Hideo, se sont tournés vers l’abstraction, et la génération suivante, comme Keiji Shinohara, a commencé à réviser et à reconceptualiser l’ukiyo-e. Shinohara s’est installé aux États-Unis au début des années 1980, où il a collaboré avec des artistes aussi célèbres que Balthus, Chuck Close et Sean Scully. L’Ukiyo-e a également influencé les couleurs plates, les thèmes et les contours noirs des anime et des mangas japonais

Le fondateur du mouvement Superflat, Takashi Murakami, a été influencé par les peintres excentriques de la période Edo, comme en témoignent ses tableaux Durama (2011). De même, en Occident, les artistes contemporains continuent de s’inspirer des estampes japonaises, comme en témoigne la déclaration de l’artiste britannique contemporain Julian Opie à propos des estampes Hiroshige : « Je les utilise souvent comme source d’inspiration »