Il movimento artistico Ukiyo-e ha plasmato l’arte giapponese e occidentale che vediamo oggi.
Ciò che è iniziato nel Giappone del XVII secolo ha trovato la sua strada nell’arte e nel design occidentalicontemporanei. In questo articolo esploreremo come è nato il disegno Ukiyo-e e lo scopo che ha avuto nel corso della sua diffusione in tutto il mondo.
Che cos’è l’Ukiyo-e?
L’Ukiyo-e è un tipo di stampa e pittura su blocco di legno che risale al Giappone del XVII secolo. All’epoca, questo nuovo stile artistico si allontanava dalle opere tradizionalmente iperrealistiche a cui molti artisti ambivano.
Questi disegni erano minimalisti, di solito creati attraverso un semplice lavoro di linee e poi magistralmente rifiniti con colori audaci. Questo contrasto tra un design semplicistico e mirato e un colore vibrante e drammatico contribuisce a dare vita al design piatto e bidimensionale.
Invece di riempire lo spazio con dettagli che distraggono, l ‘Ukiyo-e si concentra su un singolo soggetto e lascia che il disegno e i colori intenzionali lo mettano in risalto su uno sfondo naturale e bello. Sebbene esistano molte varianti, queste componenti particolari lo definiscono e lo distinguono da altre forme di design.
Significato della parola Ukiyo-e
La parola ukiyo esprimeva originariamente l’idea buddista della natura transitoria della vita. Questa nozione piuttosto pessimistica fu superata durante il periodo Edo, e il carattere che significa “fluttuante” fu sostituito dall’omonimo “transitorio” per esprimere un atteggiamento di gioia di vivere
Questa cultura edonistica che esaltava la vita nel “mondo fluttuante” si esprimeva particolarmente bene nella produzione di stampe su legno, che mettevano a disposizione di chiunque avesse un po’ di denaro in più immagini accattivanti di seducenti cortigiane, eccitanti attori kabuki e famosi panorami romantici. Per la prima volta, gli artisti si sono ispirati e hanno risposto agli interessi e alle preferenze del grande pubblico.
Storia dell’ Ukiyo-e
Durante il periodo Edo, così chiamato perché la capitale del Giappone era stata spostata a Tokyo (allora chiamata Edo), il Paese era governato dallo shogunato Tokugawa. Questo regime militare ha imposto la segregazione sociale enfatizzando un sistema gerarchico di classi con i guerrieri al vertice, seguiti da contadini, artigiani e mercanti alla base
Il regime riservò anche alcune aree murate nelle città dove erano ammessi teatri, case da tè e bordelli e che vennero chiamate“quartieri del piacere”
Era un periodo relativamente pacifico all’interno e isolazionista rispetto al resto del mondo. Di conseguenza, l’arte che rifletteva questo stile di vita decisamente giapponese trovò un nuovo pubblico nella nascente classe media. L’ Ukiyo-e nasce come evoluzione dello yamato-e, in cui il nuovo stile di vita viene enfatizzato e celebrato.
I soggetti di questi piaceri mondani, così come i loro abitanti, come famose cortigiane, attori kabuki e simili, divennero la materia prima creativa preferita per le stampe ukiyo-e. Le stampe erano forme d’arte popolare “bassa”, create per la classe mercantile e la popolazione operaia urbana, ma ben presto vennero considerate capolavori d’arte.
Iwasa Matabei fu un noto pittore di opere raffigurate in byobu durante questo periodo. Sebbene si sia formato nella Scuola di Kanō, i temi e gli stili tradizionali giapponesi della Scuola di Tosa hanno influenzato principalmente la sua opera matura. Le sue rappresentazioni di geisha, cortigiane che si intrattengono suonando strumenti, danzando e recitando poesie classiche giapponesi, così come la vita di svago della classe media, divennero i primi esempi di pittura ukiyo-e.
Un altro artista, Hishikawa Moronobu, è considerato il primo grande maestro e creatore di stampe ukiyo-e per le illustrazioni di libri che iniziò a produrre nel 1672. Poiché la stampa a colori non era ancora stata inventata, le sue stampe erano principalmente monocromatiche, anche se alcune erano dipinte a mano. Egli riunì gli elementi disparati delle immagini e dei soggetti dell’ukiyo-e precedente e formalizzò la forma d’arte con la sua padronanza della linea derivata dalla calligrafia
Lesue immagini comprendevano scene di strada di vita ordinaria, immagini che si riferivano a storie, poesie o eventi storici famosi, paesaggi, immagini di belle donne e stampe erotiche. Per questo motivo è considerato sia l’ultimo degli artisti proto-Ukiyoyo-e sia il primo vero artista ukiyo-e.
L’Ukiyo-e rimase la forma d’arte dominante durante l’ultimo secolo del periodo Edo.
La realizzazione dell’ukiyo-e
L’Ukiyo-e dipendeva dalla collaborazione di quattro persone. L’artista, utilizzando inchiostro su carta, disegnava l’immagine, che veniva poi intagliata da un artigiano in un blocco di legno. Uno stampatore applicava poi il pigmento sul blocco di legno, mentre un editore supervisionava e coordinava il processo e commercializzava le opere
Gli Ukiyo-e venivano solitamente prodotti sotto forma di tavole, che erano così economiche da poter essere acquistate da molte persone. Venivano anche raccolti in libri, chiamati e-hon. A volte una stampa poteva essere realizzata utilizzando due o tre fogli di carta, creando un effetto trittico
I ritratti utilizzavano un formato verticale, i paesaggi un formato orizzontale, ma occasionalmente venivano realizzate stampe verticali strette, creando l’effetto di un rotolo esposto su colonne o pilastri.
Suzuki Horunobu rivoluzionò l’ukiyo-e quando, nel 1765, inventò il processo di produzione delle nishiki-e, o “stampe broccate”, che consentiva un uso completo del colore. Il processo prevedeva la realizzazione di una serie di blocchi di legno, tutti con la stessa immagine, e l’applicazione di un singolo colore su ogni blocco, in modo che il colore della stampa finale fosse il risultato di strati di pigmento
I pigmenti utilizzati, a base vegetale e solubili in acqua, hanno dato vita a una tavolozza sottile e ricca. Per stampare un’unica immagine su carta fatta a mano si potevano utilizzare fino a 20 blocchi di legno, ognuno con un colore diverso. Il lavoro di Horunobu ha influenzato innumerevoli artisti ukiyo-e.
Concetti e temi comuni dell’Ukiyo-e
Come per tutte le correnti artistiche, anche nell’ukiyo-e c’erano una serie di concetti e temi popolari tra gli artisti e ripetuti più volte. Questi temi erano:
Paesaggi
Lo shogunato, o governo militare, del periodo Edo imponeva a tutti i signori feudali di avere una residenza a Tokyo (Edo) e di dividere il proprio tempo tra la residenza in città e i propri domini. Di conseguenza, furono costruite cinque strade principali, come la strada Tôkaidô, che si estende per oltre 300 miglia tra Tokyo e Kyoto, e che divenne una via di comunicazione per mercanti, pellegrini e turisti diretti verso luoghi famosi
Questi luoghi avevano spesso un significato storico spirituale, influenzato dalla religione scintoista giapponese, secondo la quale ogni luogo era occupato da kami, che è stato variamente tradotto come“dio“,“spirito” o“essenza divina“.
I santuari in onore dei kami erano comuni in tutto il Giappone. Katsushika Hokusai e Utagawa Hiroshige sono i più noti artisti ukiyo-e di arte paesaggistica. Hiroshige fece del paesaggio un’enfasi primaria, come si vede nelle sue Cinquantatré tappe di Tôkaido (1833-1834) e Cento vedute di luoghi famosi di Edo (1856-1859)
LeTrentasei vedute del Monte Fuji (1830-1832) di Hakusai raffigurano una varietà di scene, dai contadini nei loro campi ai viaggiatori su una strada, mentre l’immancabile e sacro Monte Fuji, tradizionalmente considerato il segreto dell’immortalità nella cultura giapponese, domina lo sfondo.
All’interno di questa collezione si trova anche“La grande onda di Kanagawa“, una delle opere d’arte più famose al mondo
Yakusha-e (Ritratti di attori)
Gli Yakusha-e, o “quadri d’attore”, erano stampe che raffiguravano gli attori del kabuki (teatro giapponese). Spesso venivano venduti in fogli sciolti, erano economici e disponibili come souvenir dopo una particolare produzione teatrale
Le stampe contribuivano anche a promuovere la celebrità dell’attore e, per questo motivo, le produzioni del teatro kabuki invitavano talvolta gli artisti a partecipare alle prove
Nei primi yakusha-e, gli attori erano rappresentati come tipi generici, anche se maestri importanti come Katsukawa Shunshō iniziarono a creare ritratti realistici. Tuttavia, il più grande maestro del genere Tōshūsai Sharaku non fu associato ad alcuna scuola, come dimostrano i suoi trattamenti dinamici e spesso poco lusinghieri che rivoluzionarono il genere alla fine del XVIII secolo.
Kacho-ga (Uccelli e fiori)
Un altro genere importante dell’ukiyo-e fu il kachō-ga o “uccelli e fiori”, uno stile influenzato dal genere tradizionale cinese di dipingere fiori, uccelli, pesci e insetti
Lospazio bianco è un elemento importante del kachô-ga, che si riflette nella scelta di un’unica specie di uccello abbinata a un’unica pianta e nel lasciare gran parte dello spazio circostante come ampi piani di colore, per creare il senso di semplicità e armonia della natura.
Come genere tradizionale di pittura, la realizzazione di immagini di uccelli e fiori ha creato un senso di autenticità artistica per gli artisti dell’ukiyo-e, affermando il loro lavoro come parte di una lunga tradizione. Molti di loro, tra cui Hokusai e Hiroshige, creavano opere di questo tipo, spesso includendo il testo di una poesia classica o alludendo a un riferimento storico o culturale.
Shunga
Iltermine shunga può essere tradotto in giapponese come “immagini di primavera”, poiché la primavera si riferisce metaforicamente al sesso. Il termine deriva anche da shunkyū-higi-ga, il termine giapponese per indicare i rotoli cinesi che raffiguravano i dodici atti sessuali espressione dello yin e dello yang
Lo shunga divenne un soggetto popolare, poiché sia gli uomini che le donne acquistavano le immagini, spesso vendute in piccoli libri. Gli shunga ritraevano persone comuni, ma anche cortigiane, e sebbene le immagini fossero prevalentemente eterosessuali, venivano rappresentate anche relazioni omosessuali e lesbiche.
Ilgenere era regolato da una serie di convenzioni; le figure erano spesso rappresentate vestite, in quanto ciò identificava la loro posizione sociale, e i loro genitali erano esagerati. In Giappone, l’usanza tradizionale del bagno in comune faceva sì che la nudità non fosse eroticizzata.
Lo shunga poteva essere sia sottile, come si vede nelle prime opere di Moronobu, dove i gesti della coppia o le linee fluide delle maniche evocano l’incontro erotico, sia così esplicito che, in diverse occasioni durante il periodo Edo, il governo tentò di vietare o censurare le opere in quanto pornografiche.
Bijin-ga
Il bijin-ga, che significa “immagine di una bella persona”, era un genere dominante nell’ukiyo-e. Le prime stampe tendevano a raffigurare cortigiane famose, spesso viste come celebrità, ma gli artisti successivi, come Utamaro , ritrassero donne note per la loro bellezza tra la popolazione urbana
Altri grandi maestri del genere furono Suzuki Harunobu, Keisai Eisen, Itō Shinsui, Toyohara Chikanobu, Uemura Shōen, Isoda Koryûsai e Torii Kiyonaga.
ritratti riflettevano non solo i mutevoli standard di bellezza della cultura giapponese, ma anche la sensibilità dell’artista. Le stampe di Isoda Koryûsai della metà degli anni Sessanta tendevano a raffigurare una figura femminile dal portamento volitivo, mentre nello stesso periodo Kitao Shigemasa enfatizzava la figura delicata
Lefigure di Utamaro, che lavora alla fine del XVIII secolo, sono state tra le prime a essere individualizzate, comunicando la personalità e lo stato d’animo della figura. Piuttosto che seguire un trattamento idealizzato, sviluppò uno stile proprio, poiché le sue figure erano spesso esili ma con teste proporzionalmente lunghe, il che portò le sue opere a essere soprannominate ōkubi-e, o ritratti “con la testa grossa”.
Scuole di Ukiyo-e
La maggior parte degli artisti ukiyo-e non solo studiò sotto un particolare maestro, ma prese anche il suo nome. Tra il 1672 e il 1890 si svilupparono trenta scuole di ukiyo-e, ognuna delle quali rappresentava lo stile particolare del suo fondatore e di diverse generazioni di artisti successivi.
Scuola Torii
LaScuola Torii ebbe inizio all’inizio del XVIII secolo con le opere di Torii Kiyonobu I, che fu allievo di Moronobu. Kiyonobu I proveniva da una famiglia di importanti disegnatori di materiale promozionale del kabuki e, grazie alla sua esperienza e al suo interesse per il teatro, la Scuola Torii fu pioniera nel trattare il tema del teatro kabuki, che divenne uno dei temi dominanti delle stampe ukiyo-e
Lo stile della scuola enfatizzava il dramma kabuki e i suoi attori con le loro apparizioni diffuse attraverso disegni audaci con linee spesse ed energiche.
La Scuola Torii divenne lo stile dominante del 1700, quando una nuova generazione di artisti si affacciò alla ribalta. La scuola era innovativa nell’uso delle stampe urushi-e, in cui l’inchiostro poteva essere mescolato con la colla per creare un effetto laccato o in cui veniva aggiunta mica o polvere di metallo per creare una qualità lucida. Si esplorarono anche le stampe Benizuri-e, “stampe cremisi” o “stampe rosa”, in cui un numero limitato di colori, spesso inclusi il verde e il rosa, veniva applicato nel processo di stampa.
Tra gli artisti associati alla Scuola Torii vi sono Suzuki Harunobo, che inventò le stampe nishiki-e broccate, Kitagawa Utamaro e il fondatore Torii Kiyonaga. Tutti e tre gli artisti erano famosi per le loro stampe bijin-ga, che raffigurano belle donne.
Scuola Katsukawa
La scuola Katsukawa, fondata da Miyagawa Shunsui intorno al 1750, fu la prima a ritrarre gli attori del kabuki in modo da allontanarsi dalla rappresentazione generica e da enfatizzare le loro caratteristiche e personalità individuali. Katsukawa Shunshō è stato il pioniere di questi ritratti riconoscibili, talvolta ritraendo gli attori nei loro camerini.
La rappresentazione più realistica delle persone si diffuse anche in altri generi di ukiyo-e, come testimoniano le famose immagini di Katsushika Hokusai che ritraggono persone comuni nella vita di tutti i giorni
All’inizio della sua carriera, Hokusai era membro della Scuola Katsukawa con il nome di Shunro. Tuttavia, iniziò a esplorare in modo innovativo la prospettiva e l’ombreggiatura dell’arte occidentale nelle sue stampe, il che portò alla sua espulsione dalla scuola
Hokusai descrive questo importante evento:“Ciò che ha veramente motivato lo sviluppo del mio stile artistico è stato l’imbarazzo che ho subito per mano di Shunko. Implacabile e innovativo, ha creato più di 30.000 opere e nel corso della sua lunga vita ha adottato 30 nomi di artisti
Divenne famoso per i suoi manga, libri che contenevano le xilografie dei suoi schizzi e che, secondo il critico d’arte John-Paul Stonnard, contenevano “ogni soggetto immaginabile: figure e animali reali e immaginari, piante e scene naturali, paesaggi e marine, draghi, poeti e divinità combinati in un modo che sfida ogni tentativo di tessere una storia intorno ad essi”.
Scuola Utagawa
La Scuola Utagawa fu fondata da Utagawa Toyoharu negli anni Sessanta del Novecento e durò fino agli anni Cinquanta dell’Ottocento, rappresentando di fatto l’ultima grande scuola di ukiyo-e. Toyoharu era noto per aver incorporato la prospettiva dell’arte occidentale nelle sue stampe, come i Dipinti prospettici di luoghi in Giappone: Sanjūsangen-dō a Kyoto, (1772-1781 circa) e molti dei suoi allievi continuarono l’esplorazione
Circa 400-500 artisti erano membri o associati alla scuola, che ha creato la maggior parte delle stampe ukiyo-e conosciute
Verso la metà del XIX secolo, la prodigiosa produzione della scuola diede origine a una sorta di ritratto stereotipato, caratterizzato da nasi a lanterna e nasi un po’ esagerati, che portò a critiche e a un senso di declino dell’ukiyo-e
Il famoso Hokusai protestò addirittura con il suo editore perché l’intagliatore continuava a modificare i nasi delle sue figure. Tuttavia, la scuola divenne la più conosciuta di tutte le scuole di ukiyo-e perché comprendeva gli artisti Toyokuni e Utagawa Hiroshige
Hiroshige è diventato uno dei grandi maestri dell’ukiyo-e di tutti i tempi, che ha rilanciato l’arte con la sua attenzione alle vedute in serie di paesaggi e scene di vita quotidiana.
L’influenza dell’ Ukiyo-e sull’arte occidentale
In Europa, l’arrivo delle stampe su legno negli anni Cinquanta dell’Ottocento diede origine al movimento informale chiamato Giapponismo (Japonisme in francese). Questo entusiasmo per tutto ciò che è giapponese ha avuto un grande impatto, quasi incommensurabile, su artisti e movimenti artistici. James Abbot McNeill Whistler, che guidò sia il movimento pittorico del Tonalismo sia il movimento estetico, fu molto influenzato dall’uso del colore e della composizione nelle stampe giapponesi
La maggior parte dei principali impressionisti, come Edgar Degas, Mary Cassatt e Claude Monet, e i post-impressionisti, come Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh e Paul Gauguin, si ispirarono all’ukiyo-e, così come Gustav Klimt, la cui opera portò allo sviluppo dell’Art Nouveau.
Tuttavia, la stessa apertura al commercio che ha portato al giapponismo in Europa ha alimentato il declino dell’ukiyo-e in Giappone. L’afflusso di idee, tecnologia e arte europee trasformò radicalmente la cultura e l’ukiyo-e tradizionale terminò negli anni Ottanta del XIX secolo. Sebbene alcuni artisti continuassero a lavorare nella stampa, il mercato per loro era scomparso, sostituito dal desiderio di arte di ispirazione europea.
All’inizio del XX secolo, diversi movimenti artistici giapponesi sono stati influenzati dall’ukiyo-e. LaNihonga, una scuola che enfatizzava la pittura tradizionale giapponese in contrapposizione alle opere di influenza occidentale (chiamata movimento Yōga), si ispirava ad artisti ukiyo-e come Kōno Bairei. Inoltre, i movimenti sōsaku-hanga e shin-hanga dovevano far rivivere elementi dell’ukiyo-e.
Il movimento Sōsaku-hanga, o stampe creative, iniziò nel 1904 con la creazione del Pescatore di Kanae Yamamoto (1904). L’artista si sottrae al tradizionale processo collaborativo della stampa su blocco di legno, disegnando, intagliando, stampando e pubblicando da solo. Il movimento enfatizzava questo processo solitario e lo metteva in relazione con un senso moderno dell’arte come espressione dell’individualità.
Nel 1915 seguì il movimento Shin-hanga, o nuove stampe. Al contrario, gli shin-hanga tornarono al processo dell’ukiyo-e a quattro persone e si concentrarono sui soggetti tradizionali dell’ukiyo-e, pur essendo fortemente influenzati dall’Impressionismo e creando stampe principalmente per i mercanti e i collezionisti d’arte occidentali. La“Donna dopo il bagno” (1915) di Hashiguchi Goyô riflette l’influenza di Kitagawa Utamaro e di Jean-Auguste-Domique Ingres nella rappresentazione di un nudo della tradizione occidentale.
Sia lo shin-hanga che il sōsaku-hanga continuarono nei decenni successivi, attirando la nuova generazione di artisti. Entrambi i movimenti hanno conosciuto una rinascita dopo la Seconda Guerra Mondiale, quando le stampe sono diventate popolari tra gli americani durante l’occupazione del Giappone.
Negli anni Cinquanta, alcuni artisti creativi della stampa, come Hagiwara Hideo, si dedicarono all’astrazione, mentre la generazione successiva, come Keiji Shinohara, iniziò a rivedere e riconcettualizzare l’ukiyo-e. Shinohara si è trasferito negli Stati Uniti all’inizio degli anni ’80, dove ha collaborato con artisti famosi come Balthus, Chuck Close e Sean Scully. L’Ukiyo-e ha anche influenzato i colori piatti, i temi e i contorni neri degli anime e dei manga giapponesi
Il fondatore del movimento Superflat, Takashi Murakami, è stato influenzato dai pittori eccentrici del periodo Edo, come si vede nei suoi dipinti Durama (2011). Allo stesso modo, in Occidente gli artisti contemporanei continuano ad attingere alle stampe giapponesi, come dimostra la dichiarazione dell’artista britannico contemporaneo Julian Opie sulle stampe di Hiroshige: “Le uso spesso come fonte di ispirazione”
