Paul Klee era um artista alemão nascido na Suíça. O seu estilo altamente pessoal foi influenciado por movimentos artísticos como o Expressionismo, o Cubismo e o Surrealismo
Klee foi um desenhador natural que experimentou a teoria da cor e a explorou em profundidade, escrevendo sobre ela extensivamente; as suas palestras Writings on the Theory of Form and Design (Schriften zur Form und Gestaltungslehre), publicadas em inglês como Paul Klee Notebooks, são consideradas tão importantes para a arte moderna como o Tratado sobre Pintura Renascentista de Leonardo da Vinci
Tanto ele como o seu colega, o pintor russo Wassily Kandinsky, ensinaram na escola de arte, design e arquitectura Bauhaus na Alemanha. As suas obras reflectem o seu humor seco e por vezes a sua visão infantil, os seus humores e crenças pessoais, e a sua musicalidade.
Neste artigo apresentamos 10 das suas obras mais conhecidas
1- Insula Dulcamara
Insula dulcamara é uma pintura a óleo sobre papel de jornal colado a hessian feita em 1938, quando sofria de esclerodermia. É a sua maior obra e está na colecção do Zentrum Paul Klee em Berna.
Tal como grande parte da produção de Klee, a imagem transmite uma mensagem codificada ao espectador, pedindo-lhe para reflectir sobre os processos de pensamento do artista durante a sua criação
A interpretação convencional, baseada no facto de o título original do quadro ser A Ilha de Calipso, é que os símbolos dispostos num fundo plano representam uma ilha deserta com um ídolo e um navio a vapor de passagem.
No entanto, uma análise mais recente do estudioso Chris Pike sugere que os símbolos representam a própria identidade e mortalidade de Klee, explicitando o seu nome e referindo-se a aspectos da sua vida e interesses. Do sinal pontilhado no centro à esquerda, que representa a “origem”, é possível distinguir as letras da palavra Paulo
As letras da palavra Klee não são tão óbvias, mas podem ser determinadas com a imaginação, especialmente em comparação com a sua assinatura escrita. O rosto pálido da letra P pode representar o tom da sua pele, o resultado do seu estado de saúde e a proximidade da morte. As manchas vermelhas podem representar as bagas da planta Solanum dulcamara (beladona) mencionadas no título da obra.
2- Senecio
Senecio ou Chefe de um Homem em Envelhecimento é uma pintura cubista de Klee de 1922. Encontra-se agora no Kunstmuseum Basel.
A adaptação da cabeça humana de Klee divide o rosto de um homem velho em rectângulos laranja, vermelho, amarelo e branco. Os quadrados geométricos planos dentro do círculo assemelham-se a uma máscara ou manchas de arlequim, daí a referência do título ao artista-realizador Senecio. O triângulo e a linha curva acima dos olhos esquerdo e direito respectivamente dão a ilusão de uma sobrancelha levantada.
A utilização de linhas, formas ambíguas e espaço demonstram os princípios da arte de Klee, em que elementos gráficos simples são “postos em movimento pela energia da mente do artista”.
3- Fish Magic
Fish Magic é uma pintura surrealista de 1925. A pintura pertenceu à colecção de Walter e Louise Arensberg antes de ser doada em 1950 ao Museu de Arte de Filadélfia, onde se encontra actualmente.
É visto como uma mistura de entidades aquáticas, celestiais e terrestres. A pintura é coberta com uma superfície delicada de tinta preta, sob a qual se encontra uma camada densa de pigmentos multicoloridos. As figuras coloridas foram riscadas e rabiscadas por Klee sobre o fundo escuro
Um quadrado de musselina foi colado à tinta no centro, dando à pintura a sensação de uma colagem. A paleta escura da pintura e a fragilidade da musselina criam uma atmosfera misteriosa e inky.
Segundo Ann Temkin, Fish Magic é uma obra-prima em que as forças intelectuais e imaginativas dos dons artísticos de Klee são reconciliadas, produzindo um “sentido de magia”. Em particular, Temkin aponta para a fina linha diagonal que se estende do centro direito da tela até ao topo da torre do relógio, escrevendo que a “longa linha pintada de lado parece pronta a rasgar o quadrado do musselina para revelar algo por baixo”.
4- Morte e Fogo
Morte e Fogo, conhecido em alemão como Tod und Feuer, é uma pintura expressionista de Paul Klee, de 1940. Foi um dos últimos antes da sua morte a 29 de Junho desse ano
Em 1935 Klee começou a sofrer de escleroderma, que se manifestava em fadiga, erupções cutâneas, dificuldade de engolir, falta de ar e dor nas articulações das mãos
As pinturas deste período tenderam a ser mais simples e mais representativas do sofrimento que suportou. “Tod”, a palavra alemã para morte, é um motivo comum a toda a pintura. É mais notável nas características do rosto, embora o “d” e o “t” sejam rodados. A palavra também pode ser vista no braço elevado da figura como o “T”, o globo amarelo como o “O” e a cabeça (ou tronco) da figura como o “D”.
A pintura também retrata hieróglifos, um interesse de Klee durante este período, que também pode ser visto em muitas das suas outras pinturas do final dos anos 30, tais como Insula dulcamara e Heroische Rosen. Desde 2014, está em exposição no Zentrum Paul Klee, um museu em Berna (Suíça) dedicado às obras de Paul Klee.
5- Gato e Pássaro
Gato e pássaro é uma obra de 1928. Foi executado em óleo e tinta sobre tela de gesso montada sobre madeira. Encontra-se agora no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque.
Klee foi um dos muitos artistas modernistas que quis praticar aquilo a que chamou“o puro cultivo dos meios de comunicação” da pintura, ou seja, usar linha, forma e cor para o seu próprio bem e não para descrever algo visível. Essa prioridade permitiu-lhe criar imagens que eram menos sobre percepção do que sobre pensamento, de modo que a ave neste quadro parece voar não em frente da testa do gato, mas dentro dele: a ave está literalmente na mente do gato
Ao tornar o gato toda cabeça, Klee concentra-se no pensamento, na fantasia, no apetite, nos desejos do cérebro. Um dos seus objectivos como artista, disse ele, era “tornar visíveis as visões secretas”.
O gato é vigilante, aterrador, mas também calmo, e a paleta de Klee também é calma, numa escala estreita desde o tawny ao pink com áreas de verde azulado. Isto e a sugestão de um desenho de uma criança aliviam o ambiente
Acreditando que as crianças estavam próximas das fontes da criatividade, Klee ficou fascinado pela sua arte, e evoca-a aqui através de linhas e formas simples: ovais para os olhos e as pupilas do gato (e, mais vagamente, para o corpo da ave), triângulos para as suas orelhas e nariz. E na ponta desse nariz está um coração vermelho, um sinal do desejo do gato.
6- Twittering Machine
Twittering Machine (Die Zwitscher-Maschine) é uma aguarela e uma transferência de óleo e tinta sobre papel desde 1922
Como outras obras de Klee, combina biologia e maquinaria, retratando um grupo de pássaros livremente desenhados sobre um fio ou ramo ligado a uma manivela
As interpretações da obra variam muito: tem sido vista como uma atracção de pesadelo para o espectador ou uma representação da impotência do artista, mas também como um triunfo da natureza sobre as actividades mecânicas. Tem sido visto como uma representação visual da mecânica do som.
Exibida originalmente na Alemanha, a imagem foi declarada “arte degenerada” por Adolf Hitler em 1933 e vendida pelo Partido Nazi a um negociante de arte em 1939, de onde chegou a Nova Iorque. É uma das mais conhecidas das mais de 9.000 obras de Klee, e está entre as imagens mais famosas do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA)
Tem inspirado várias composições musicais e, de acordo com um perfil da revista New York Magazine de 1987, tem sido uma peça popular para pendurar nos quartos das crianças.
7- Castelo e Sol
Castelo e sol, 1928, é uma paisagem citadina abstracta de Paul Klee.
As cores neste trabalho são verdadeiramente deslumbrantes, com triângulos e rectângulos oferecendo uma forma abstracta de uma cena urbana. Esta luminosidade contribuiu para que esta obra se tornasse uma das mais amplamente reproduzidas de todas as obras de Klee, juntamente com outras como Angelus Novus e Twittering Machine
Burg und Sonne foi o título original desta obra, que se traduz directamente como Castelo e Sol, captando os principais pontos de atenção desta pintura. Alguns interpretaram mal o sol como sendo realmente uma lua, mas o título do quadro torna isto claro. O próprio Klee executou várias destas intrincadas cenas de azulejos e eles provaram estar entre os mais amados pelos seus admiradores.
A criação da forma através de uma formação abstracta de formas geométricas faz mais lembrar o trabalho de Wassily Kandinsky e de outros membros do movimento Bauhaus. Klee é conhecido por se ter alinhado com os artistas da Bauhaus no início do século XX, pelo que as semelhanças são de esperar. A paleta de cores de Klee ajudou-o a manter a sua independência artística.
8- Flower Myth
Flower Myth é uma obra expressionista de Paul Klee de 1918. Foi criado durante o período abstracto-místico inicial de Klee, e contém muito mais do que se poderia adivinhar à primeira vista.
Contra um fundo vermelho profundo, aparentemente espacial, cresce uma planta flutuante no centro da pintura, acompanhada de símbolos simples do sol, da lua e das estrelas. Um pássaro aproxima-se da abertura da flor por cima. Uma fina linha prateada enquadra a composição.
Paul Klee não retratava objectos. Em vez disso, utilizou os símbolos típicos de plantas e árvores, corpos celestes e a terra, entre outros. Isto mostra que ele se afastou da representação “realista”. Ele não estava preocupado com uma hora, data ou época específica. Klee considerou a totalidade da criação. A proximidade da representação simultânea dos elementos desenhados – a terra, o sol, a lua e as estrelas – sugere isto.
Paul Klee também não se referiu a uma planta específica. O seu interesse está nas plantas em geral: uma planta que cresce a partir de um bulbo; que tem raízes, folhas e um botão a florescer no topo, já florescendo para o fruto em que se vai tornar. Uma criatura aproxima-se para recolher o pólen. O carácter cíclico da vida e do crescimento no universo é sublinhado.
9- Angelus Novus
Angelus Novus de Paul Klee é uma obra de 1920, mostrando“um anjo, contemplado e fixado num objecto, afastando-se lentamente dele“, segundo o comprador da obra, o filósofo alemão Walter Benjamin.
Foi a opinião de Benjamin sobre a obra que a tornou particularmente famosa, mas ele não foi o seu único proprietário. Comprou-a à Klee em 1921 antes de passar para as mãos dos que lhe eram próximos, Theodor W. Adorno e mais tarde Gershom Scholem.
Segundo vários peritos e filósofos, Paul Klee pintou o que muitos imaginam ser o Anjo da História. Klee foi recrutado para as forças alemãs durante a Primeira Guerra Mundial, o que o afectou profundamente.
O método de Klee para pintar o Angelus Novus foi a sua própria invenção. A sua técnica de transferência de óleo (monoprint) consistiu em cobrir um pedaço de papel vegetal com tinta, colocar um pedaço de papel de desenho por baixo e riscar o papel superior com uma agulha ou outro objecto cortante para fazer uma cópia no inferior.
O Angelus Novus mostra um anjo aparentemente atordoado, os seus olhos fixos numa imagem de desespero, presos num movimento voador que não avança nem retrocede. Não se vêem muitas pinturas como esta no mundo, tanto devido à inventividade da nova técnica de Klee, como também devido ao tema a partir do qual Paul criou a sua obra.
10- Highway and Byways
Highway e Byways é uma pintura a óleo sobre tela. Pertence ao grupo das suas numerosas pinturas de camadas e riscas e foi criada em Janeiro de 1929 após a segunda viagem de Klee ao Egipto
Sob empréstimo de Werner Vowinckel, foi exposta pela primeira vez no Museu Wallraf-Richartz em Colónia e pode agora ser vista no Museu Ludwig, também em Colónia.
O título do quadro corresponde à sua estrutura. No centro corre o caminho principal recto e contornado, dividido em várias partes, diferenciadas por contrastes de cor, que se move principalmente entre azul-alaranjado e vermelho-verde, quase alinhado com o centro da pintura e afunilado em camadas na sua estrutura horizontal interna
A estrada principal não é apenas uma estrada, mas também uma “faixa de campos que se divide 45 vezes na zona alta do horizonte listrada de azul e roxo”, mais como uma “pintura da escadaria celestial de uma pirâmide escalonada”
À esquerda e à direita dela, as pequenas estradas laterais correm de forma muito mais irregular, em caminhos tortuosos e desarrumados, terminando em parte no nada, em parte também no mesmo horizonte azul-acinzentado, o que também parece dar à estrada principal o seu destino claro.
