Pablo Picasso é um dos artistas mais importantes e notáveis da história da arte. Ele foi um pintor muito prolífico. Com entre 1300 e 1900 obras de arte criadas ao longo da sua vida, é difícil escolher apenas 10. Para este artigo seleccionámos 10 das obras mais populares do artista de Málaga
1- Guernica
Guernica é talvez a obra mais famosa de Picasso e uma das pinturas mais famosas do mundo.
Picasso criou este óleo de estilo cubista sobre tela entre 1 de Maio e 4 de Junho de 1937 em Paris, em resposta a uma comissão do governo republicano de Francisco Largo Caballero para o pavilhão espanhol na Feira Mundial de Paris de 1937.
Esta tela monumental é uma denúncia empenhada do bombardeamento de Guernica, que tinha acabado de ocorrer em 26 de Abril de 1937, durante a Guerra Espanhola, ordenado pelos nacionalistas espanhóis e executado por tropas fascistas alemãs e italianas
A pintura de Picasso, que foi exibida em muitos países entre 1937 e 1939, desempenhou um papel importante na intensa propaganda gerada pelos bombardeamentos e pela guerra espanhola, e rapidamente adquiriu fama internacional e significado político, tornando-se um símbolo da denúncia da violência franquista e fascista, e depois do horror da guerra em geral.
Mantidos durante toda a ditadura franquista nos Estados Unidos a pedido de Picasso, a obra foi transferida para Espanha em 1981, onde tem sido mantida desde 1992 no Museu Reina Sofia em Madrid.
2- Les Demoiselles d’Avignon
Les Demoiselles d’Avignon (originalmente intitulado The Avignon Brothel) é uma grande pintura a óleo criada em 1907 por Picasso. A obra, que faz parte da colecção permanente do Museu de Arte Moderna, retrata cinco prostitutas nuas num bordel na rua de Avinyó, em Barcelona, Espanha
Cada uma das figuras é representada de uma forma desconcertante e confrontativa, e nenhuma é convencionalmente feminina. As mulheres aparecem ligeiramente ameaçadoras e são retratadas com formas angulares e desarticuladas do corpo
A figura à esquerda tem características faciais e vestuário de estilo egípcio ou do sul da Ásia. As duas figuras adjacentes estão representadas no estilo ibérico da Espanha natal de Picasso, enquanto as duas da direita aparecem com traços de máscaras africanas. O primitivismo étnico evocado nestas máscaras, de acordo com Picasso, levou-o a “libertar um estilo artístico totalmente original de força coerciva, mesmo selvagem”
Com esta adaptação do primitivismo e o abandono da perspectiva em favor de um plano bidimensional, Picasso afasta-se radicalmente da pintura tradicional europeia. Esta obra proto-cubista é considerada fundamental para o desenvolvimento precoce do cubismo e da arte moderna.
Esta pintura foi revolucionária e controversa, e provocou uma raiva e desacordo generalizados, mesmo entre os colaboradores e amigos mais próximos do pintor. Matisse considerou a obra uma espécie de brincadeira prática, mas reagiu indirectamente à mesma na sua obra Bathers with a Turtle, de 1908. Georges Braque também inicialmente não gostou da pintura, mas talvez mais do que ninguém, estudou a obra com grande detalhe
A sua posterior amizade e colaboração com Picasso levou à revolução cubista. A sua semelhança com The Bathers de Cézanne, a Estátua de Oviri de Paul Gauguin e a de El Greco A Abertura do Quinto Selo tem sido amplamente discutida por críticos posteriores.
Na altura da sua primeira exposição, em 1916, a pintura foi considerada imoral. A obra, pintada no estúdio de Picasso no Bateau-Lavoir em Montmartre, Paris, foi vista publicamente pela primeira vez no Salon d’Antin em Julho de 1916, numa exposição organizada pelo poeta André Salmon. Foi nesta exposição que Salmon (que já tinha intitulado o quadro em 1912 como Le Bordel philosophique) renomeou a obra com o seu título actual, menos escandaloso, Les Demoiselles d’Avignon, em vez do título originalmente escolhido por Picasso, Le Bordel d’Avignon
Picasso, que sempre se referiu à obra como mon bordel (“meu bordel”), ou Le Bordel d’Avignon , nunca gostou do título de Salmon e teria preferido a bowdlerização The Girls of Avignon em vez disso.
3- O Velho Guitarrista Cego
O Velho Guitarrista cego é uma pintura a óleo de Picasso, que ele criou em finais de 1903 e princípios de 1904. Descreve um músico idoso, um homem emaciado com roupas nuas, que é perseguido pela sua guitarra enquanto toca nas ruas de Barcelona, Espanha. Está em exposição no Art Institute of Chicago como parte da Colecção Helen Birch Bartlett Memorial.
Na altura da criação de The Old Guitarist, o modernismo, impressionismo, pós-impressionismo e simbolismo tinham influenciado grandemente o estilo de Picasso. Além disso, El Greco, o mau nível de vida de Picasso e o suicídio de um querido amigo influenciaram o estilo de Picasso nessa altura, que ficou conhecido como o seu Período Azul.
Vários raios X, imagens de infravermelhos e exames feitos por conservadores revelaram três figuras diferentes escondidas por trás de The Old Guitarist.
Os elementos de O Velho Guitarrista foram cuidadosamente escolhidos para gerar uma reacção no espectador. Por exemplo, o esquema monocromático de cores cria formas planas e bidimensionais que desassociam o guitarrista do tempo e do lugar. Além disso, a paleta geral de blues mudo cria um tom geral de melancolia e acentua o tema trágico e lúgubre
O uso exclusivo do petróleo a bordo provoca um humor mais sombrio e teatral. O óleo tende a misturar as cores sem diminuir a luminosidade, criando uma composição dramática ainda mais coesa.
Além disso, o guitarrista, embora musculado, mostra poucos sinais de vida e parece estar perto da morte, implicando pouco conforto no mundo e acentuando a miséria da sua situação. Os detalhes são removidos e a escala é manipulada para criar proporções alongadas e elegantes, intensificando ao mesmo tempo a contemplação silenciosa do guitarrista e um sentido de espiritualidade
A grande guitarra castanha é a única mudança de cor significativa encontrada na pintura; a sua cor castanha silenciosa, realçada contra o fundo azul, torna-se o centro e foco de atenção. A guitarra passa a representar o mundo do guitarrista e a sua única esperança de sobrevivência
Este sujeito cego e pobre depende da sua guitarra e do pequeno rendimento que pode obter com a sua música para sobreviver. Alguns historiadores de arte acreditam que esta pintura expressa a vida solitária de um artista e as lutas naturais que vêm com uma carreira. Assim, a música, ou a arte, torna-se um fardo e uma força alienante que isola os artistas do mundo. E no entanto, apesar do isolamento, o guitarrista (artista) depende do resto da sociedade para sobreviver
Todas estas emoções reflectem a situação de Picasso na altura e a sua crítica ao estado da sociedade. O velho guitarrista torna-se uma alegoria da existência humana.
4- A Mulher que Chora
A Mulher que Chora(Francês: La Femme qui pleure) é uma série de pinturas a óleo sobre tela de Pablo Picasso, a última das quais foi criada em finais de 1937. As pinturas retratam Dora Maar, amante e musa de Picasso
As pinturas da mulher que chora foram feitas por Picasso em resposta ao bombardeamento de Guernica na Guerra Civil espanhola e estão intimamente relacionadas com a iconografia da sua pintura Guernica. Picasso ficou intrigado com o tema da mulher que chorava, e revisitou o tema em numerosas ocasiões nesse ano
A última versão, executada a 26 de Outubro de 1937, foi a mais elaborada da série, e está na colecção do Tate Modern em Londres desde 1987. Outra pintura da mulher chorosa encontra-se na National Gallery of Victoria e foi implicada num roubo de arte política de grande visibilidade.
5-Mulher no Espelho
Mulher no Espelho (Francês: Jeune fille devant un miroir) é um óleo sobre tela pintado por Picasso em 1932
O quadro é um retrato da amante e musa de Picasso, Marie-Thérèse Walter, que é mostrada de pé diante de um espelho a olhar para o seu reflexo. Encontra-se na colecção do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque.
Esta pintura foi feita em 1932, um ano importante na carreira artística de Picasso. Nesta altura da sua vida, Picasso já tinha completado 51 anos e tinha-se estabelecido como um artista importante.
Em 1932, a Galerie Georges Petit apresentou uma exposição retrospectiva da sua obra, um acontecimento invulgar para um artista, com Picasso a assumir o controlo curatorial. Foi também um ano muito produtivo para Picasso, no qual concentrou muitas das suas obras na sua amante e musa Marie-Thérèse Walter, de 22 anos. Os seus retratos de 1932 foram a primeira exposição pública da sua relação secreta durante o seu casamento com Olga Khokhlova.
6- La Vie
La Vie (Vida) foi pintada em Barcelona em Maio de 1903. Mede 196,5 por 129,2 centímetros e retrata dois pares de pessoas, um casal nu de frente para uma mãe com uma criança nos braços.
No fundo da sala, aparentemente um estúdio, há duas pinturas dentro do quadro, a superior com um casal nu agachado e abraçado, e a inferior com um nu agachado solitário muito semelhante a Sorrow de Vincent van Gogh. Ao lado disto, Picasso repintou outro motivo, um homem pássaro atacando uma mulher nua reclinada, cujos vestígios são visíveis a olho nu
Foi pintado numa altura em que Picasso não tinha sucesso financeiro. Em vez disso, a nova pintura foi vendida apenas um mês após a sua conclusão, a um comerciante de arte francês, Jean Saint Gaudens. A venda foi noticiada no jornal liberal de Barcelona. Com La Vie, Picasso pintou novamente a tela de The derniers Moments of 1899, uma pintura que tinha apresentado na Exposição Internacional de Paris de 1900.
A pintura foi doada pelo Fundo Hanna ao Museu de Arte de Cleveland, Ohio, em 1945, e faz parte da sua colecção permanente.
Em 2020, a pintura foi emprestada à Royal Academy of Arts em Londres como parte da exposição “Picasso and Paper”, onde foi exibida com desenhos preparatórios e outras obras sobre papel explorando os temas correspondentes de pobreza, desespero e alienação social.
7- Os Três Músicos
Os Três Músicos é o título de duas pinturas a óleo e colagens semelhantes do artista espanhol Pablo Picasso. Ambas foram executadas em 1921 em Fontainebleau, perto de Paris, França, e exemplificam o estilo cubista sintético; os planos planos planos de cor e“composição intrincada em forma de puzzle” ecoam os arranjos de papel cortado com que o estilo se originou
Cada uma destas pinturas representa coloridamente três músicos usando máscaras na tradição do teatro popular italiano Commedia dell’arte.
Cada pintura apresenta um Arlequim, um Pierrot e um monge, que se crê representar Picasso, Guillaume Apollinaire e Max Jacob, respectivamente. Apollinaire e Jacob, ambos poetas, tinham sido amigos íntimos de Picasso durante a década de 1910. No entanto, Apollinaire morreu de gripe espanhola em 1918, enquanto Jacob decidiu entrar num mosteiro em 1921.
Uma versão está na colecção permanente do Museu de Arte Moderna (MoMA) em Nova Iorque; a outra versão está no Museu de Arte da Filadélfia.
8- A Celestina
Neste quadro, Pablo Picasso retrata uma mulher idosa sozinha sobre um fundo azul claro, com a cabeça coberta por um véu preto. Apenas alguns toques de rosa tentam reanimar as bochechas pálidas da mulher idosa. O seu olhar atrai a atenção do espectador, em parte porque tem um olho cego – uma representação excepcional na obra de Picasso, que dá grande destaque a este órgão – e em parte porque este olhar se afasta do do espectador, dando a impressão de estar perdido no infinito.
Esta pintura é uma obra importante do período azul: ao representar a senhora de um bordel de Barcelona, Picasso expressa o seu encontro com a realidade social e o desencanto de uma geração
O azul característico deste período testemunha a melancolia e o sofrimento, e representa a cor da miséria social. Contudo, se o encontro com as realidades sociais percorre as suas obras, a essência do trabalho de Picasso neste período reside em novas experimentações, em novos géneros de expressão plástica.
9- A sopa
A sopa é um óleo sobre tela pintado por Picasso em 1903. Pertence ao seu famoso Período Azul
Apesar do seu sucesso inicial na exposição Vollard em 1901, os fundos de Picasso esgotaram-se rapidamente. Não era raro o artista passar fome durante este período em Paris, mas as suas próprias circunstâncias apenas aumentaram a sua consciência da pobreza desesperada que frequentemente o rodeava. De regresso a Barcelona em 1902, Picasso produziu o quadro intitulado A sopa.
Mais uma vez, baseou-se na sua experiência de visita à prisão feminina de Saint-Lazare. Contudo, lembrou-se também de uma visita que tinha feito ao Panteão para ver os murais, concluída cinco anos antes pelos franceses. O pintor simbolista Pierre Puvis de Chavannes
Uma das cenas de Pierre Puvis de“A Vida de Saint Geneviève” retratava uma mulher esfomeada a ser assistida na rua. Picasso desenhou esta cena, o que provavelmente influenciou a sua decisão de pintar um momento semelhante
A sopa, no entanto, é intrigantemente ambígua: será que a mulher mais velha, sobrecarregada pela sua miséria, dá a sopa à rapariga ou recebe-a dela? Em qualquer dos casos, Picasso concentra o acto de caridade na necessidade básica de se alimentar a si próprio.
Actualmente em vista na Galeria de Arte de Ontário, Canadá
10- Garçon à la pipe
Garçon à la Pipe (Rapaz com Tubo ) é um óleo sobre tela de Picasso. Foi pintado em 1905, quando Picasso tinha 24 anos, durante o seu período cor-de-rosa, pouco depois de se estabelecer no distrito de Montmartre em Paris.
A pintura retrata um adolescente parisiense segurando um cachimbo na sua mão esquerda e usando uma guirlanda de flores na cabeça, rodeado por dois ornamentos florais. O sujeito era um rapaz local chamado “P’tit Louis”, que morreu em tenra idade
Em 1905, Picasso era ainda um artista em ascensão e tinha-se estabelecido em Montmartre, em Paris. Viveu na pobreza num edifício degradado de artistas na rue Ravignan 13, conhecido como Le Bateau-Lavoir. Picasso tinha ultrapassado o seu período azul pessimista e encontrava-se agora numa nova fase mais optimista, conhecida como o seu período rosa.
O quadro está listado como um dos mais caros, tendo sido vendido no leilão da Sotheby’s por 104 milhões de dólares a 5 de Maio de 2004. É actualmente a quinta pintura mais vendida de Picasso.
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Como já mencionámos, Picasso pintou milhares de quadros na sua vida, por isso tivemos de nos limitar a seleccionar alguns dos nossos favoritos para este artigo
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