Pablo Picasso es uno de los artistas más importantes y destacados de la historia del arte. Fue un pintor muy prolífico. Con entre 1300 y 1900 obras de arte realizadas durante toda su vida es difícil elegir solo 10. Para este artículo hemos seleccionado 10 de las obras más populares del artista malagueño.
1- El Guernica
El Guernica es quizás las obra más famosa de Picasso y uno de los cuadros más conocidos del mundo.
Picasso realizó este óleo sobre lienzo de estilo cubista entre el 1 de mayo y el 4 de junio de 1937 en París, en respuesta a un encargo del gobierno republicano de Francisco Largo Caballero para el pabellón español de la Exposición Universal de París de 1937.
Este lienzo monumental es una denuncia comprometida del bombardeo de Guernica, que acababa de producirse el 26 de abril de 1937, durante la Guerra de España, ordenado por los nacionalistas españoles y ejecutado por las tropas fascistas alemanas e italianas.
El cuadro de Picasso, que se expuso en muchos países entre 1937 y 1939, desempeñó un papel importante en la intensa propaganda generada por los bombardeos y la Guerra de España, y rápidamente adquirió fama internacional y significación política, convirtiéndose en un símbolo de la denuncia de la violencia franquista y fascista, y luego del horror de la guerra en general.
Conservada durante toda la dictadura franquista en Estados Unidos a petición de Picasso, la obra fue trasladada a España en 1981, donde se conserva desde 1992 en el Museo Reina Sofía de Madrid.
2- Las señoritas de Avignon
Las señoritas de Avignon, (originalmente titulada El burdel de Avignon) es un óleo de grandes dimensiones creado en 1907 por Picasso. La obra, que forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno, retrata a cinco prostitutas desnudas en un burdel de la calle de Avinyó, en Barcelona, España.
Cada una de las figuras está representada de forma desconcertante y confrontada, y ninguna es convencionalmente femenina. Las mujeres parecen ligeramente amenazantes y están representadas con formas corporales angulosas e inconexas.
La figura de la izquierda presenta rasgos faciales y vestimenta de estilo egipcio o del sur de Asia. Las dos figuras adyacentes están representadas en el estilo ibérico de la España natal de Picasso, mientras que las dos de la derecha aparecen con rasgos de máscara africana. El primitivismo étnico evocado en estas máscaras, según Picasso, le movió a «liberar un estilo artístico totalmente original de fuerza convincente, incluso salvaje».
Con esta adaptación del primitivismo y el abandono de la perspectiva en favor de un plano bidimensional, Picasso se aleja radicalmente de la pintura europea tradicional. Esta obra protocubista se considera fundamental para el desarrollo temprano del cubismo y del arte moderno.
Este cuadro fue revolucionario y controvertido, y provocó la ira y el desacuerdo generalizados, incluso entre los colaboradores y amigos más cercanos del pintor. Matisse consideraba la obra una especie de broma pesada, pero reaccionó indirectamente a ella en su obra de 1908 Bañistas con una tortuga. A Georges Braque también le disgustó inicialmente el cuadro, pero quizás más que nadie, estudió la obra con gran detalle.
Su posterior amistad y colaboración con Picasso condujo a la revolución cubista. Su parecido con Los bañistas de Cézanne, la estatua Oviri de Paul Gauguin y La apertura del quinto sello de El Greco ha sido ampliamente discutido por la crítica posterior.
En el momento de su primera exposición, en 1916, el cuadro fue considerado inmoral. La obra, pintada en el estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir de Montmartre, París, se vio públicamente por primera vez en el Salón de Antin en julio de 1916, en una exposición organizada por el poeta André Salmon. Fue en esta exposición donde Salmon (que ya había titulado el cuadro en 1912 como Le bordel philosophique) rebautizó la obra con su título actual, menos escandaloso, Les Demoiselles d’Avignon, en lugar del título originalmente elegido por Picasso, Le Bordel d’Avignon.
A Picasso, que siempre se refirió a la obra como mon bordel («mi burdel»), o Le Bordel d’Avignon, nunca le gustó el título de Salmon y, en cambio, habría preferido la bowdlerización Las chicas de Avignon.
3- El viejo Guitarrista
El viejo guitarrista es un óleo de Picasso, que creó a finales de 1903 y principios de 1904. Representa a un anciano músico, un hombre demacrado con ropas raídas, que está encorvado sobre su guitarra mientras toca en las calles de Barcelona, España. Está expuesta en el Art Institute of Chicago como parte de la Helen Birch Bartlett Memorial Collection.
En el momento de la creación de El viejo guitarrista, el modernismo, el impresionismo, el postimpresionismo y el simbolismo habían influido mucho en el estilo de Picasso. Además, El Greco, el pobre nivel de vida de Picasso y el suicidio de un querido amigo influyeron en el estilo de Picasso en esa época, que se conoció como su Periodo Azul.
Varias radiografías, imágenes infrarrojas y exámenes realizados por los conservadores revelaron tres figuras diferentes ocultas tras el viejo guitarrista.
Los elementos de El viejo guitarrista se eligieron cuidadosamente para generar una reacción en el espectador. Por ejemplo, el esquema de color monocromático crea formas planas y bidimensionales que disocian al guitarrista del tiempo y el lugar. Además, la paleta general de azules apagados crea un tono general de melancolía y acentúa el tema trágico y afligido.
El uso exclusivo del óleo sobre tabla provoca un ambiente más oscuro y teatral. El óleo tiende a mezclar los colores sin disminuir la luminosidad, creando una composición dramática aún más cohesionada.
Además, el guitarrista, aunque musculoso, da pocas señales de vida y parece estar cerca de la muerte, lo que implica poca comodidad en el mundo y acentúa la miseria de su situación. Se eliminan los detalles y se manipula la escala para crear proporciones alargadas y elegantes, a la vez que se intensifica la contemplación silenciosa del guitarrista y una sensación de espiritualidad.
La gran guitarra marrón es el único cambio significativo de color que se encuentra en el cuadro; su color marrón apagado, destacado sobre el fondo azul, se convierte en el centro y el foco de atención. La guitarra viene a representar el mundo del guitarrista y su única esperanza de supervivencia.
Este sujeto ciego y pobre depende de su guitarra y de los pequeños ingresos que puede obtener de su música para sobrevivir. Algunos historiadores del arte creen que este cuadro expresa la vida solitaria de un artista y las luchas naturales que conlleva la carrera. Por lo tanto, la música, o el arte, se convierte en una carga y una fuerza alienante que aísla a los artistas del mundo. Y, sin embargo, a pesar del aislamiento, el guitarrista (artista) depende del resto de la sociedad para sobrevivir.
Todas estas emociones reflejan la situación de Picasso en ese momento y su crítica al estado de la sociedad. El viejo guitarrista se convierte en una alegoría de la existencia humana.
4- La Mujer que Llora
La mujer que llora (en francés: La Femme qui pleure) es una serie de óleos sobre lienzo de Pablo Picasso, el último de los cuales fue creado a finales de 1937. Los cuadros representan a Dora Maar, la amante y musa de Picasso.
Los cuadros de la mujer que llora fueron realizados por Picasso en respuesta al bombardeo de Guernica en la Guerra Civil española y están estrechamente relacionados con la iconografía de su cuadro Guernica. Picasso estaba intrigado con el tema de la mujer que llora, y volvió a tratar el tema en numerosas ocasiones ese año.
La última versión, realizada el 26 de octubre de 1937, fue la más elaborada de la serie, y se encuentra en la colección de la Tate Modern de Londres desde 1987. Otro cuadro de la mujer que llora se encuentra en la Galería Nacional de Victoria y estuvo implicado en un sonado robo de arte político.
5- Mujer frente a un espejo
Mujer frente a un espejo (en francés: Jeune fille devant un miroir) es un óleo sobre lienzo pintado por Picasso en 1932.
El cuadro es un retrato de la amante y musa de Picasso, Marie-Thérèse Walter, que aparece de pie frente a un espejo mirando su reflejo. Se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Este cuadro fue realizado en 1932, un año importante en la carrera artística de Picasso. A estas alturas de su vida, Picasso ya había cumplido 51 años y se había consolidado como un artista importante.
En 1932, la Galerie Georges Petit presenta una exposición retrospectiva de su obra, lo que constituye un acontecimiento inusual para un artista, ya que Picasso asume el control del comisariado. También fue un año muy productivo para Picasso, en el que centró muchas de sus obras en su amante y musa Marie-Thérèse Walter, de 22 años. Los retratos que hizo de ella en 1932 fueron la primera muestra pública de su relación secreta durante su matrimonio con Olga Khokhlova.
6- La Vie
La Vie (La Vida) fue pintada en Barcelona en mayo de 1903. Mide 196,5 por 129,2 centímetros y retrata a dos parejas de personas, una pareja desnuda que se enfrenta a una madre con un niño en brazos.
En el fondo de la habitación, aparentemente un estudio, hay dos cuadros dentro del cuadro, el superior con una pareja desnuda agachada y abrazada, y el inferior con un solitario desnudo agachado muy similar a Sorrow de Vincent van Gogh. Junto a éste, Picasso repintó otro motivo, un hombre pájaro que ataca a una mujer desnuda recostada, cuyos rastros son visibles a simple vista.
Fue pintado en un momento en el que Picasso no tenía ningún éxito económico. En cambio, el nuevo cuadro se vendió sólo un mes después de su finalización, a un marchante de arte francés, Jean Saint Gaudens. La venta se recogió en el periódico barcelonés Liberal. Con La Vie, Picasso repintó el lienzo de The derniers Moments de 1899, cuadro que había presentado en la Exposición Internacional de París de 1900.
El cuadro fue donado por el fondo Hanna al Museo de Arte de Cleveland, Ohio, en 1945 y forma parte de su colección permanente.
En 2020, el cuadro fue prestado a la Royal Academy of Arts de Londres como parte de la exposición «Picasso y el papel», donde se expuso con dibujos preparatorios y otras obras sobre papel que exploraban los temas correspondientes de pobreza, desesperación y alienación social.
7- Los Tres Músicos
Los Tres Músicos es el título de dos pinturas al óleo y collage similares del artista español Pablo Picasso. Ambos fueron realizados en 1921 en Fontainebleau, cerca de París (Francia), y ejemplifican el estilo cubista sintético; los planos planos de color y la «intrincada composición en forma de puzzle» se hacen eco de los arreglos de papel recortado con los que se originó el estilo.
Cada uno de estos cuadros representa con gran colorido a tres músicos con máscaras en la tradición del teatro popular italiano Commedia dell’arte.
En cada cuadro aparecen un Arlequín, un Pierrot y un monje, que se cree que representan a Picasso, Guillaume Apollinaire y Max Jacob, respectivamente. Apollinaire y Jacob, ambos poetas, habían sido amigos íntimos de Picasso durante la década de 1910. Sin embargo, Apollinaire murió de gripe española en 1918, mientras que Jacob decidió ingresar en un monasterio en 1921.
Una versión se encuentra en la colección permanente del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York; la otra versión se encuentra en el Museo de Arte de Filadelfia.
8- La Celestina
En este cuadro, Pablo Picasso representa a una anciana sola sobre un fondo azul liso, con la cabeza cubierta por un velo negro. Sólo unos toques de rosa intentan reavivar las pálidas mejillas de la anciana. Su mirada atrae la atención del espectador, en parte porque tiene un ojo ciego -una representación excepcional en la obra de Picasso, que da gran protagonismo a este órgano- y en parte porque esta mirada se aleja de la del espectador, dando la impresión de estar perdida en el infinito.
Este cuadro es una obra importante del periodo azul: al representar a la madame de un burdel de Barcelona, Picasso expresa su encuentro con la realidad social y el desencanto de una generación.
El azul característico de esta época es testigo de la melancolía y el sufrimiento, y representa el color de la miseria social. Sin embargo, si el encuentro con las realidades sociales atraviesa sus obras, la esencia de la obra de Picasso en esta época reside en nuevas experimentaciones, en nuevos géneros de expresión plástica.
9- La Sopa
La Sopa es un óleo sobre lienzo pintado por Picasso en 1903. Pertenece a su famoso Período Azul.
A pesar de su éxito inicial en la exposición de Vollard en 1901, los fondos de Picasso pronto se agotaron. No era raro que el artista pasara hambre durante este periodo en París, pero sus propias circunstancias no hacían sino aumentar su conciencia de la desesperada pobreza que le rodeaba con frecuencia. De vuelta a Barcelona, en 1902, Picasso realizó el cuadro titulado La sopa.
Una vez más, se basó en su experiencia de visita a la cárcel de mujeres de Saint-Lazare. Sin embargo, también se acordó de una visita que había hecho al Panteón para ver los murales, terminados cinco años antes por los franceses. El pintor simbolista Pierre Puvis de Chavannes.
Una de las escenas de Pierre Puvis de «La vida de Santa Genoveva» representaba especialmente a una mujer hambrienta que era asistida en la calle. Picasso dibujó esta escena, que probablemente influyó en su decisión de pintar un momento similar.
La Sopa, sin embargo, es intrigantemente ambigua. ¿La mujer mayor, agobiada por su indigencia, da la sopa a la niña o la recibe de ella? En cualquier caso, Picasso centra el acto de caridad en la necesidad básica de alimentarse.
Actualmente se encuentra en la Galería de Arte de Ontario, Canadá
10- Garçon à la pipe
Garçon à la Pipe (Niño con pipa) es un óleo sobre lienzo de Picasso. Fue pintado en 1905, cuando Picasso tenía 24 años, durante su periodo rosa, poco después de instalarse en el barrio de Montmartre de París.
El cuadro representa a un adolescente parisino que sostiene una pipa en la mano izquierda y lleva una guirnalda de flores en la cabeza, rodeada de dos adornos florales. El sujeto era un muchacho local llamado «P’tit Louis» que murió a una edad temprana.
En 1905, Picasso seguía siendo un artista en ciernes y se había instalado en Montmartre, en París. Vivía en la pobreza en un edificio de artistas en ruinas en el número 13 de la calle Ravignan, conocido como Le Bateau-Lavoir. Picasso había superado su pesimista periodo azul y ahora se encontraba en una nueva fase, más optimista, conocida como su periodo rosa.
El cuadro figura como uno de los más caros, tras ser vendido en la subasta de Sotheby’s por 104 millones de dólares el 5 de mayo de 2004. Actualmente es el quinto cuadro más vendido de Picasso.
¿Cuál es tu obra favorita de Pablo Picasso? Déjanos un comentario
Como ya hemos comentado, Picasso pintó miles de cuadros en su vida, por lo que nos hemos tenido que limitar a seleccionar algunas de nuestras favoritas para este artículo.
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