Para este artigo fizemos uma selecção de 10 das obras mais notáveis do pintor surrealista por excelência, Salvador Dalí
O trabalho de Dalí é muito extenso, uma vez que ele foi um artista muito prolífico. É por isso que seleccionámos aquilo que consideramos as suas obras mais emblemáticas e algumas das nossas obras favoritas
1- A persistência da memória
A persistência da memória (em catalão: La persistència de la memòria) é uma pintura de 1931 do artista Dalí e uma das obras mais reconhecidas do surrealismo.
Exposta pela primeira vez na Galeria Julien Levy em 1932, desde 1934 a pintura está na colecção do Museu de Arte Moderna (MoMA) de Nova Iorque, que a recebeu de um doador anónimo.
É amplamente reconhecida e frequentemente referida na cultura popular, e é por vezes referida por títulos mais descritivos, tais como “The Melting Clocks” ou “The Soft Clocks”
Dalí retoma o tema desta pintura com a variação A Desintegração da Persistência da Memória , que mostra o seu famoso trabalho anterior sistematicamente fragmentado em elementos componentes mais pequenos, e uma série de blocos rectangulares que revelam mais imagens através das lacunas entre eles, implicando que existe algo por baixo da superfície da obra original; esta obra encontra-se agora no Museu Salvador Dalí em São Petersburgo, Florida, enquanto a Persistência da Memória original permanece no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque
Dalí também produziu várias litografias e esculturas sobre o tema dos relógios suaves no final da sua carreira. Algumas destas esculturas são Persistência da Memória, Nobreza do Tempo, Perfil do Tempo e Três Relógios Dançantes.
2- A Tentação de Santo António
A Tentação de Santo António é uma pintura pintada em 1946. É um precursor do corpo de trabalho de Dalí vulgarmente conhecido como o“período clássico” ou o“Dalí Renascentista“.
Dalí pintou A Tentação de Santo António em 1946, em resposta a um concurso realizado pela companhia de produção de filmes David L. Loew-Albert Lewin para a pintura de A Tentação de Santo António. Loew-Albert Lewin produtora de filmes para uma pintura de A Tentação de Santo António, que seria utilizada no filme Os Assuntos Privados de Bel Ami. Este foi o único concurso de arte em que Dalí participou, e a pintura escolhida para o filme foi a versão de Max Ernst da tentação.
A pintura contém muitos elementos surrealistas típicos da sua obra. Vale a pena notar que foi a primeira das suas obras a mostrar o seu interesse no meio entre o Céu e a Terra
Este trabalho encontra-se actualmente alojado nos Museus Reais de Belas Artes da Bélgica, em Bruxelas, Bélgica.
Artistas e autores há muito que retratam a Tentação de Santo António na sua arte. A Tentação de Santo António é pintada em óleo sobre tela. Descreve uma paisagem desértica: uma linha de horizonte baixo com nuvens altas e tons escuros e quentes num céu azul
A figura de Santo António está a ajoelhado no canto inferior esquerdo. Ele segura uma cruz na mão direita e com a mão esquerda inclina-se de forma ambígua. Um crânio humano repousa ao lado do seu pé direito. Um desfile de elefantes liderado por um cavalo aproxima-se de San Antonio
Os elefantes transportam objectos simbólicos representando a tentação: uma estátua de uma mulher nua segurando os seus seios, um obelisco, um complexo de edifícios que envolvem um torso feminino nu, desencarnado, e uma torre vertical. Os animais têm pernas exageradas, longas e espigadas que os fazem parecer sem peso.
3- Sonho Causado pelo Voo de uma Abelha ao Redor de uma Romã um Segundo Antes de Acordar
Sonho Causado pelo Voo de uma Abelha ao Redor de uma Romã um Segundo Antes de Acordar é uma pintura surrealista de Salvador Dalí. Um título alternativo mais curto para a pintura é Dream Caused by the Flight of a Bee
Foi pintado em 1944, e diz-se que a mulher no quadro, sonhando, representa a sua esposa, Gala.A pintura encontra-se actualmente no Museu Thyssen-Bornemisza em Madrid.
É uma pintura a óleo sobre madeira. Nesta “fotografia de sonho pintada à mão“, como Dalí costumava chamar aos seus quadros, há uma paisagem marítima de horizontes distantes e águas calmas, talvez Porto Lligat, no meio da qual a Gala é o tema da cena. Ao lado do corpo nu da mulher adormecida, levitando sobre uma rocha plana flutuando no mar, Dalí retrata duas gotas de água em suspensão e uma romã, um símbolo cristão de fertilidade e ressurreição. Na romãzeira voa uma abelha, um insecto que tradicionalmente simboliza a Virgem.
Na parte superior esquerda do quadro, o que parece ser um roqueiro amarelo rebenta da romã e, por sua vez, vomita um pulmão que, por sua vez, vomita outro tigre pulmonar que está prestes a atacar a Gala e uma espingarda de baioneta que está prestes a picá-la no braço. Acima deles está o primeiro uso de Dalí de um elefante com longas pernas de flamingo, encontrado nas suas composições posteriores, tais como A Tentação de Santo António
O elefante carrega nas costas um obelisco, inspirado pelo Elefante e Obelisco de Bernini na Piazza Santa Maria sopra Minerva em Rom.
4- Galatea das Esferas
Galatea das esferas é uma pintura de Salvador Dalí feita em 1952. Representa Gala Dalí, esposa e musa de Salvador Dalí, como uma série de esferas dispostas de forma contínua
O nome Galatea refere-se a uma ninfa do mar da mitologia clássica famosa pela sua virtude, e pode também referir-se à estátua amada pelo seu criador, Pigmalião.
A pintura, medindo 65,0 x 54,0 cm, retrata o busto de Gala composto por uma matriz de esferas aparentemente suspensa no espaço. Representa uma síntese da arte renascentista e da teoria atómica e ilustra a descontinuidade final da matéria[1], as próprias esferas representando partículas atómicas.
Dalí tinha estado muito interessado na física nuclear desde as primeiras explosões de bombas atómicas de Agosto de 1945, e descreveu o átomo como o seu “alimento favorito para o pensamento”
Reconhecendo que a matéria é constituída por átomos que não se tocam, tentou reproduzir isto na sua arte da época, com elementos suspensos e não em contacto uns com os outros, como em A Virgem do Porto Lligat. Esta pintura foi também um símbolo da sua tentativa de conciliar a sua fé renovada no catolicismo com a física nuclear
Dalí queria que este quadro fosse exposto num cavalete, que tinha sido propriedade do pintor francês Jean-Louis-Ernest Meissonier, num conjunto de três salas chamado Palácio dos Ventos (com o nome do eléctrico) no Teatro e Museu Dalí em Figueres
Foi transportado e exposto na National Gallery of Victoria em Melbourne em 2009, juntamente com muitas outras pinturas Dalí na exposição Liquid Desire.
5- O Grande Masturbador
O Grande Masturbador é uma pintura de Salvador Dalí feita durante o período surrealista, actualmente em exposição no Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía em Madrid.
O centro da pintura apresenta uma face humana distorcida de perfil, com vista para baixo, baseada na forma de uma formação rochosa natural em Cap de Creus, ao longo da costa da Catalunha. Um perfil semelhante é visto na pintura mais famosa de Dalí de dois anos mais tarde, A Persistência da Memória
Uma figura feminina nua (parecida com a então nova musa de Dalí, Gala) emerge da parte de trás da cabeça; esta pode ser a fantasia masturbatória sugerida pelo título. A boca da mulher está perto de uma virilha masculina finamente coberta, uma sugestão de que a felação pode estar a ter lugar.
A figura masculina, vista apenas da cintura para baixo, tem cortes frescos e sangrentos nos joelhos. Abaixo da cabeça do perfil central, acima da boca, está um gafanhoto, um insecto ao qual Dalí se referiu várias vezes nos seus escritos
Um enxame de formigas (um motivo popular que representa a ansiedade sexual no trabalho de Dalí) reúne-se no abdómen do gafanhoto, bem como na face inclinada
Na paisagem abaixo, três outras figuras estão dispostas, juntamente com um ovo (normalmente utilizado como símbolo de fertilidade) e outros elementos esparsos. Duas das figuras da paisagem estão dispostas de tal forma que lançam uma única sombra longa, enquanto a outra figura é vista a caminhar apressadamente para a distância na periferia da tela
Na parte de trás da figura central da cabeça, pode-se ver uma formação de duas rochas e uma planta seca em vaso, a planta em vaso colocada no topo da rocha inferior, enquanto a outra rocha é irrealisticamente equilibrada no topo da mesma. Pensa-se que esta parte representa a ideia de fuga da realidade encontrada em muitas das outras obras de Dalí.
A pintura pode representar as atitudes severamente conflituosas de Dalí em relação às relações sexuais. Na juventude de Dalí, o seu pai tinha-lhe deixado um livro com fotos explícitas de pessoas que sofrem de doenças venéreas avançadas não tratadas para “educar” o rapaz. As fotografias de genitais doentes e grotescamente danificados fascinavam e horrorizavam o jovem Dalí, que continuava a associar o sexo à putrefacção e à decadência na sua vida adulta.
6- Girafa em chamas
Girafa ardente é um óleo a bordo e encontra-se no Kunstmuseum Basel e foi pintada em 1937.
Dalí pintou a Girafa em Chamas antes do seu exílio nos Estados Unidos, que durou de 1940 a 1948. Embora Dalí se tenha declarado apolítico –“Eu sou Dalí, e só isso” – este quadro mostra a sua luta pessoal contra a batalha no seu país natal
Características são as gavetas abertas da figura azul feminina, que Dalí descreveu posteriormente como “Femme-coccyx” (mulher de osso de cauda). Este fenómeno remonta ao método psicanalítico de Sigmund Freud, muito admirado por Dalí. Ele considerou-o um enorme passo em frente para a civilização, como mostra a citação seguinte: “A única diferença entre a Grécia imortal e o nosso tempo é Sigmund Freud, que descobriu que o corpo humano, que na época grega era meramente neoplatónico, está agora cheio de gavetas secretas que só podem ser abertas pela psicanálise”.
As gavetas abertas nesta expressiva figura feminina sustentada referem-se, então, ao subconsciente interior do homem. Nas próprias palavras de Dalí, as suas pinturas formam “uma espécie de alegoria que serve para ilustrar uma certa percepção, para seguir os numerosos odores narcisistas que ascendem de cada uma das nossas gavetas”
A imagem é colocada numa atmosfera crepuscular com um céu azul intenso. Há duas figuras femininas em primeiro plano, uma delas com gavetas que se abrem do seu lado como uma arca. Ambas têm formas fálicas indefinidas (talvez relógios derretidos, como uma imagem recorrente nas obras anteriores de Dalí) salientes das suas costas e apoiadas em objectos semelhantes a muletas. As mãos, antebraços e face da figura mais próxima estão nus até ao tecido muscular sob a pele. Uma das figuras segura uma tira de carne
Tanto as figuras humanas que actuam como cómodas como as formas das muletas são arquétipos comuns na obra de Dalí.
Agiraffecom costas flamejantes é vista ao longe. Dalí usou pela primeira vez a imagem da girafa flamejante no seu filme L’Âge d’Or (A Idade de Ouro ) de 1930. Apareceu novamente em 1937 no quadro A Invenção dos Monstros. Dalí descreveu esta imagem como“o monstro cósmico apocalíptico masculino”. Ele acreditava que se tratava de uma premonição da guerra.
7- Metamorfose de Narciso
Metamorfose de Narciso é um óleo sobre tela que pertence ao período paranóico-crítico de Dalí e representa a sua interpretação do mito grego de Narciso. Dalí começou a pintar na Primavera de 1937, enquanto que em Zürs, nos Alpes austríacos.
Segundo a mitologia grega, a beleza de Narciso atraiu quase todos os que o viram e tanto homens como mulheres perseguiram-no, mas ele rejeitou todos os avanços. Uma das suas admiradoras, uma ninfa chamada Echo, apaixonou-se tão loucamente por ele que, depois de ele a ter rejeitado, ela foi consumida até que apenas a sua voz permaneceu. A deusa Némesis, tendo piedade de Echo, convenceu Narciso a olhar para uma piscina. Ao ver o seu próprio rosto reflectido na água, Narciso apaixonou-se pelo seu próprio reflexo. Incapaz de abraçar o seu próprio reflexo, Narciso também se perdeu e no seu lugar cresceu a flor que leva o seu nome, o narciso.
Na pintura de Dalí, ele retrata a figura de Narciso no lado esquerdo da tela, agachado por um lago, com a cabeça apoiada no joelho, e uma mão de pedra agarrada a um ovo que espelha a forma do seu corpo no lado direito. Do ovo partido brota uma flor de narciso. No centro da pintura encontra-se um grupo de pretendentes rejeitados por Narciso. Entre as montanhas no fundo repousa uma terceira figura de Narciso.
Em 19 de Julho de 1938, em Londres, Dalí conheceu Sigmund Freud, que o pintor admirava desde os anos 20, depois de ler o livro de Freud A Interpretação dos Sonhos
Durante o seu encontro, Dalí trouxe consigo a sua pintura Metamorfose de Narciso na esperança de a utilizar para discutir a teoria psicanalítica do narcisismo e o seu conceito de paranóia crítica, que desenvolveu com base no conceito de paranóia de Freud. Foi-lhe também dada permissão para desenhar Freud. O encontro foi organizado pelo escritor Stefan Zweig e pelo benfeitor de Dalí, Edward James, que também participou e acabou por obter a propriedade da Metamorfose de Narciso.
8- Cristo de São João da Cruz
Cristo de São João da Cruz é uma pintura feita em 1951 que se encontra na colecção da Galeria e Museu de Arte de Kelvingrove em Glasgow
Representa Jesus Cristo na cruz, num céu escuro flutuando sobre um corpo de água, com um barco e pescadores. Embora seja uma representação da crucificação, faltam-lhe pregos, sangue e coroa de espinhos porque, segundo Dalí, um sonho convenceu-o de que estes elementos iriam estragar a sua representação de Cristo. Também num sonho, foi-lhe revelada a importância de retratar Cristo no ângulo extremo visto na pintura.
A pintura é conhecida como o Cristo de São João da Cruz, porque o seu desenho é baseado num desenho do frade espanhol do século XVI, Juan de la Cruz.
A composição de Cristo é também baseada num triângulo e num círculo (o triângulo é formado pelos braços de Cristo; o círculo é formado pela cabeça de Cristo). O triângulo, com três lados, pode ser considerado uma referência à Trindade, e o círculo pode ser uma alusão ao pensamento platónico. O círculo representa a Unidade: todas as coisas existem nos “três”, mas nos quatro, feliz seja.
No fundo dos seus estudos para a pintura, Dalí explicou a sua inspiração
“Primeiro, em 1950, tive um ‘sonho cósmico’ em que vi esta imagem a cores e que no meu sonho representava o ‘núcleo do átomo’ Este núcleo adquiriu mais tarde um sentido metafísico; considerei-o ‘a própria unidade do universo’, o Cristo!”.
Para criar a figura de Cristo, Dalí teve o actor duplo de Hollywood Russell Saunders pendurado num pórtico, para que pudesse ver como o corpo apareceria do ângulo desejado e também visualizar a força da gravidade sobre o corpo humano. O corpo de água representado é a baía de Port Lligat, residência de Dalí no momento de pintar o quadro.
9- A desintegração da persistência da memória
A Desintegração da Persistência da Memória é uma pintura a óleo sobre tela de 1954 que recria a famosa obra do artista de 1931 A Persistência da Memória, e mede uma minúscula 25,4 × 33 cm
Originalmente conhecido como O Cromossoma de um Olho de Peixe de Cor Forte que Inicia a Desintegração Harmoniosa da Persistência da Memória, foi exibido pela primeira vez na Galeria Carstairs em Nova Iorque em 1954.
Nesta versão, a paisagem da obra original foi inundada com água. A desintegração representa o que ocorre tanto acima como abaixo da superfície da água
A paisagem de Cadaqués flutua agora acima da água. O plano e o bloco do original estão agora divididos em formas semelhantes a tijolos que flutuam juntos, sem nada que os ligue uns aos outros. Eles representam a decomposição da matéria em átomos, uma revelação na era da mecânica quântica
Atrás dos tijolos, os chifres que se afastam simbolizam os mísseis atómicos, enfatizando que, apesar da ordem cósmica, a humanidade poderia provocar a sua própria destruição. A oliveira morta da qual pende o suave relógio também começou a partir
Os ponteiros do relógio flutuam acima dos seus mostradores, com vários objectos cónicos flutuando em formações paralelas à volta dos relógios. Um quarto relógio derretido foi acrescentado. O rosto humano distorcido na pintura original começa a transformar-se em outro dos estranhos peixes que flutuam acima dele. Para Dalí, porém, o peixe era um símbolo de vida.
10- Construção mole com feijões fervidos
Construção mole com feijões fervidoso (Premonição da Guerra Civil) é uma obra que Dalí criou para representar os horrores da Guerra Civil espanhola, tendo-a pintado apenas seis meses antes do início do conflito. Mais tarde, afirmou que estava ciente de que a guerra iria acontecer muito antes do seu início, e citou a sua obra como prova do “poder profético da sua mente subconsciente” No entanto, alguns especularam que Dalí poderia ter mudado o nome do quadro após a guerra para enfatizar as suas reivindicações proféticas, embora não seja inteiramente certo
O historiador de arte Robert Hughes comentou a pintura de Dalí na sua biografia de Goya, afirmando
“Salvador Dalí apropriou-se da coxa horizontal de Saturno agachado de Goya para o monstro híbrido na pintura Construção Suave com Feijão Cozido, … que – mais do que o Guernica de Picasso– é a melhor obra de arte visual inspirada na Guerra Civil Espanhola”
A pintura é um óleo sobre tela e encontra-se no Museu de Arte da Filadélfia. Dalí pintou-a em 1936, mas há estudos que a datam de 1934
Dalí e a sua esposa, Gala, foram apanhados em plena greve geral e revolta armada por separatistas catalães na Catalunha em 1934, um incidente que pode ter influenciado o seu motivo da Guerra Civil Espanhola.
Salvador e Gala fugiram para Paris, onde se casaram. Dalí e Gala tinham contratado uma escolta para os levar em segurança para Paris, mas a escolta morreu no seu regresso devido às tensões da Guerra Civil Espanhola. Quando Dalí finalmente voltou para casa, a sua casa em Port Lligat tinha sido destruída durante a guerra. Foi também muito afectado porque o seu amigo, Federico Garcia Lorca, foi executado na guerra e a sua irmã Ana Maria foi presa e torturada.
Este quadro expressa a destruição durante a Guerra Civil Espanhola. A criatura monstruosa desta pintura é autodestrutiva, tal como a Guerra Civil
Não se pretende representar a escolha de lados, embora Dalí tivesse muitas razões para escolher lados na Guerra Civil Espanhola. A sua irmã foi torturada e encarcerada por soldados comunistas que lutavam pela República e o seu bom amigo da escola de arte, o poeta Federico García Lorca, foi morto por um pelotão de fuzilamento fascista
Dalí também fez esta pintura parecer muito realista, no entanto, continuou a trazer-lhe conceitos surrealistas. Embora os seres humanos não tenham o potencial de se assemelharem às criaturas desta pintura, esta pintura mantém uma sensação realista, recordando ao espectador a gravidade das ideias por detrás dela. Ele também trouxe ideias de tradição a esta obra com um belo céu catalão, criando um contraste com a ideia de revolução
Há um número significativo de feijões cozidos neste quadro. Dalí é citado como tendo dito que a razão pela qual incluiu o feijão cozido foi que ele “não podia imaginar engolir toda aquela carne inconsciente sem a presença de algum vegetal magro e melancólico”. Ele brincava com os temas do amor, comida e guerra e como todos eles estão relacionados.
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