Paul Klee war ein in der Schweiz geborener deutscher Künstler. Sein sehr persönlicher Stil wurde von künstlerischen Bewegungen wie dem Expressionismus, dem Kubismus und dem Surrealismus beeinflusst
Klee war ein begnadeter Zeichner, der mit der Farbtheorie experimentierte, sie eingehend erforschte und ausführlich darüber schrieb; seine Vorlesungen Schriften zur Form und Gestaltungslehre, die auf Englisch als Paul Klee Notebooks veröffentlicht wurden, gelten als ebenso wichtig für die moderne Kunst wie Leonardo da Vincis Abhandlung über die Malerei der Renaissance
Sowohl er als auch sein Kollege, der russische Maler Wassily Kandinsky, lehrten an der Bauhaus-Schule für Kunst, Design und Architektur in Deutschland. Seine Werke spiegeln seinen trockenen Humor und seine manchmal kindliche Einstellung, seine persönlichen Stimmungen und Überzeugungen sowie seine Musikalität wider.
In diesem Artikel stellen wir 10 ihrer bekanntesten Werke vor
1- Insula Dulcamara
Insula dulcamara ist ein Ölgemälde auf Zeitungspapier, das auf Leinen geklebt wurde und 1938 entstand, als er an Sklerodermie erkrankt war. Es ist sein grösstes Werk und befindet sich in der Sammlung des Zentrum Paul Klee in Bern.
Wie ein Großteil von Klees Werk vermittelt das Bild dem Betrachter eine verschlüsselte Botschaft und fordert ihn auf, über die Gedankengänge des Künstlers während seiner Entstehung nachzudenken
Ausgehend von der Tatsache, dass der ursprüngliche Titel des Gemäldes „Die Insel der Calypso“ lauten sollte, lautet die gängige Interpretation, dass die auf einem schlichten Hintergrund angeordneten Symbole eine einsame Insel mit einem Idol und einem vorbeifahrenden Dampfschiff darstellen.
Eine neuere Analyse des Gelehrten Chris Pike deutet jedoch darauf hin, dass die Symbole Klees eigene Identität und Sterblichkeit darstellen, indem sie seinen Namen buchstabieren und sich auf Aspekte seines Lebens und seiner Interessen beziehen. Anhand des gepunkteten Zeichens in der Mitte links, das für „Herkunft“ steht, kann man die Buchstaben des Wortes Paul erkennen
Die Buchstaben des Wortes Klee sind nicht so offensichtlich, aber sie können mit der Vorstellungskraft bestimmt werden, besonders im Vergleich mit seiner schriftlichen Unterschrift. Das blasse Gesicht des Buchstabens P kann die Farbe seiner Haut darstellen, die das Ergebnis seines Gesundheitszustands und der Nähe des Todes ist. Die roten Flecken könnten die Beeren der im Titel des Werks erwähnten Pflanze Solanum dulcamara (Tollkirsche) darstellen.
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2- Senecio
Senecio oder Kopf eines alternden Mannes ist ein kubistisches Gemälde von Klee aus dem Jahr 1922. Es befindet sich heute im Kunstmuseum Basel.
Klees Adaption des menschlichen Kopfes unterteilt das Gesicht eines alten Mannes in orange, rote, gelbe und weiße Rechtecke. Die flachen geometrischen Quadrate innerhalb des Kreises ähneln einer Maske oder den Flecken eines Harlekins, daher der Bezug des Titels auf den Künstler und Performer Senecio. Das Dreieck und die geschwungene Linie über dem linken bzw. rechten Auge erwecken den Eindruck einer hochgezogenen Augenbraue.
Die Verwendung von Linien, mehrdeutigen Formen und Raum zeigt die Prinzipien von Klees Kunst, in der einfache grafische Elemente „durch die Energie des Geistes des Künstlers in Bewegung gesetzt werden“.
3- Fish Magic
Fish Magic ist ein surrealistisches Gemälde aus dem Jahr 1925. Das Gemälde gehörte zur Sammlung von Walter und Louise Arensberg, bevor es 1950 dem Philadelphia Museum of Art geschenkt wurde , wo es sich heute befindet.
Sie wird als eine Mischung aus aquatischen, himmlischen und irdischen Wesenheiten gesehen. Das Gemälde ist mit einer zarten Oberfläche aus schwarzer Farbe bedeckt, unter der sich eine dichte Schicht aus mehrfarbigen Pigmenten befindet. Die farbenfrohen Figuren wurden von Klee auf den dunklen Hintergrund gekratzt und gekritzelt
In der Mitte wurde ein Quadrat aus Musselin auf die Farbe geklebt, was dem Bild den Charakter einer Collage verleiht. Die dunkle Farbpalette des Gemäldes und die Zerbrechlichkeit des Musselinstoffs schaffen eine geheimnisvolle, düstere Atmosphäre.
Laut Ann Temkin ist die Fischmagie ein Meisterwerk, in dem die intellektuellen und phantasievollen Kräfte von Klees künstlerischer Begabung in Einklang gebracht werden und ein „Gefühl von Magie“ entsteht. Temkin weist insbesondere auf die dünne diagonale Linie hin, die sich von der rechten Mitte der Leinwand bis zur Spitze des Uhrenturms erstreckt, und schreibt, dass die „lange, von der Seite gemalte Linie bereit zu sein scheint, das Musselinquadrat wegzureißen, um etwas darunter zu enthüllen“.
4- Tod und Feuer
Tod und Feuer ist ein expressionistisches Gemälde von Paul Klee aus dem Jahr 1940, das im Deutschen als Tod und Feuer bekannt ist. Es war eine der letzten vor seinem Tod am 29. Juni desselben Jahres
1935 begann Klee an Sklerodermie zu leiden, die sich in Müdigkeit, Hautausschlägen, Schluckbeschwerden, Kurzatmigkeit und Schmerzen in den Handgelenken äußerte
Die Gemälde dieser Periode sind eher einfach und repräsentativ für das Leiden, das er ertragen musste: „Tod“ ist ein häufiges Motiv in den Gemälden. Am auffälligsten ist dies bei den Gesichtszügen, obwohl das „d“ und das „t“ gedreht sind. Das Wort ist auch im erhobenen Arm der Figur als „T“, in der gelben Kugel als „O“ und im Kopf (oder Torso) der Figur als „D“ zu sehen.
Das Gemälde zeigt auch Hieroglyphen, ein Interesse Klees in dieser Zeit, das auch in vielen seiner anderen Gemälde aus den späten 1930er Jahren, wie Insula dulcamara und Heroische Rosen, zu finden ist. Seit 2014 ist es im Zentrum Paul Klee, einem dem Werk von Paul Klee gewidmeten Museum in Bern (Schweiz), zu sehen.
5- Katze und Vogel
Katze und Vogel ist ein Werk aus dem Jahr 1928. Es wurde in Öl und Tinte auf gessoider Leinwand ausgeführt und auf Holz aufgezogen. Es befindet sich heute im Museum of Modern Art in New York.
Klee gehörte zu den vielen Künstlern der Moderne, die das praktizieren wollten, was er die„reine Kultivierung der Mittel“ der Malerei nannte, d.h. Linie, Form und Farbe um ihrer selbst willen zu verwenden und nicht um etwas Sichtbares zu beschreiben. Diese Priorität ermöglichte es ihm, Bilder zu schaffen, die weniger mit der Wahrnehmung als mit dem Denken zu tun haben, so dass der Vogel auf diesem Bild nicht vor der Stirn der Katze zu fliegen scheint, sondern in ihr: Der Vogel ist buchstäblich im Kopf der Katze
Indem er die Katze ganz in den Kopf steckt, konzentriert sich Klee auf den Gedanken, die Fantasie, den Appetit, die Begierde des Gehirns. Eines seiner Ziele als Künstler sei es, „geheime Visionen sichtbar zu machen“, sagte er.
Die Katze ist wachsam, furchteinflößend, aber auch ruhig, und Klees Farbpalette ist ebenfalls ruhig, in einem schmalen Bereich von gelbbraun bis rosa mit blau-grünen Bereichen. Dies und die Andeutung einer Kinderzeichnung lockern die Stimmung auf
Klee war davon überzeugt, dass Kinder den Quellen der Kreativität nahe sind, und war von ihrer Kunst fasziniert, die er hier mit einfachen Linien und Formen wiedergibt: Ovale für die Augen und Pupillen der Katze (und, etwas lockerer, für den Körper des Vogels), Dreiecke für Ohren und Nase. Und an der Nasenspitze befindet sich ein rotes Herz, ein Zeichen für die Sehnsucht der Katze.
6- Zwitscher-Maschine
Zwitscher-Maschine ist ein Aquarell und eine Öl- und Tuscheübertragung auf Papier aus dem Jahr 1922
Wie andere Werke von Klee verbindet es Biologie und Maschinerie, indem es eine Gruppe von Vögeln zeigt, die lose auf einem Draht oder Ast sitzen, der mit einer Kurbel verbunden ist
Die Interpretationen des Werks sind sehr unterschiedlich: Es wurde als alptraumhafte Verlockung für den Betrachter oder als Darstellung der Hilflosigkeit des Künstlers, aber auch als Triumph der Natur über die Mechanik aufgefasst. Es wurde als eine visuelle Darstellung der Mechanik des Klangs betrachtet.
Ursprünglich in Deutschland ausgestellt, wurde das Bild 1933 von Adolf Hitler zur„entarteten Kunst“ erklärt und 1939 von der Nazipartei an einen Kunsthändler verkauft, von dem es nach New York gelangte. Es ist eines der bekanntesten von Klees mehr als 9.000 Werken und gehört zu den berühmtesten Bildern im Museum of Modern Art in New York (MoMA )
Es hat mehrere musikalische Kompositionen inspiriert und ist laut einem Bericht des New York Magazine von 1987 ein beliebtes Stück, das in Kinderzimmern hängt.
7- Burg und Sonne
BUrg und Sonne, 1928, ist eine abstrakte Stadtlandschaft von Paul Klee.
Die Farben in diesem Werk sind wirklich atemberaubend, mit Dreiecken und Rechtecken, die eine abstrakte Form einer städtischen Szene darstellen. Diese Leuchtkraft hat dazu beigetragen, dass dieses Werk neben anderen wie Angelus Novus und Zwitschermaschine zu einem der am häufigsten reproduzierten Werke Klees geworden ist
Burg und Sonne war der ursprüngliche Titel dieses Werks, der direkt mit „Burg und Sonne“ übersetzt werden kann und die Hauptaspekte dieses Gemäldes auf den Punkt bringt. Einige haben die Sonne fälschlicherweise für einen Mond gehalten, aber der Titel des Gemäldes macht dies deutlich. Klee selbst schuf mehrere dieser komplizierten Fliesenszenen, die zu den beliebtesten seiner Bewunderer gehören.
Die Schaffung von Formen durch eine abstrakte Anordnung geometrischer Formen erinnert eher an die Arbeiten von Wassily Kandinsky und anderen Mitgliedern der Bauhaus-Bewegung. Es ist bekannt, dass Klee sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit den Bauhaus-Künstlern verbündet hat, so dass die Ähnlichkeiten zu erwarten sind. Klees Farbpalette half ihm, seine künstlerische Unabhängigkeit zu bewahren.
8- Flower Mythos
Flower Myth ist ein expressionistisches Werk von Paul Klee aus dem Jahr 1918. Es entstand in Klees früher abstrakt-mystischer Periode und enthält viel mehr, als man auf den ersten Blick vermuten könnte.
Vor einem tiefroten, räumlich anmutenden Hintergrund wächst in der Mitte des Bildes eine schwebende Pflanze, begleitet von einfachen Symbolen für Sonne, Mond und Sterne. Ein Vogel nähert sich der sich öffnenden Blüte von oben. Eine dünne silberne Linie umrahmt die Komposition.
Paul Klee hat keine Gegenstände abgebildet. Stattdessen verwendete er die typischen Symbole von Pflanzen und Bäumen, Himmelskörpern und der Erde, um nur einige zu nennen. Dies zeigt, dass er von der „realistischen“ Darstellung abgewichen ist. Es ging ihm nicht um eine bestimmte Zeit, ein bestimmtes Datum oder eine bestimmte Jahreszeit. Klee betrachtete die Gesamtheit der Schöpfung. Die Nähe der gleichzeitigen Darstellung der skizzierten Elemente – der Erde, der Sonne, des Mondes und der Sterne – legt dies nahe.
Auch Paul Klee hat sich nicht auf eine bestimmte Pflanze bezogen. Er interessiert sich für Pflanzen im Allgemeinen: eine Pflanze, die aus einer Zwiebel wächst, die Wurzeln und Blätter hat und an deren Spitze eine Knospe blüht, die bereits zu einer Frucht erblüht, die sie einmal werden wird. Ein Lebewesen nähert sich, um den Pollen zu sammeln. Der zyklische Charakter des Lebens und des Wachstums im Universum wird hervorgehoben.
9- Angelus Novus
Angelus Novus von Paul Klee ist ein Werk aus dem Jahr 1920, das„einen Engel zeigt, der auf einen Gegenstand schaut und sich langsam von ihm entfernt“, so der Käufer des Werks, der deutsche Philosoph Walter Benjamin.
Es war Benjamins Meinung über das Werk, die es besonders berühmt machte, aber er war nicht der einzige Besitzer. Er kaufte es 1921 von Klee, bevor es in die Hände der ihm nahestehenden Theodor W. Adorno und später Gershom Scholem gelangte.
Nach Meinung verschiedener Experten und Philosophen hat Paul Klee das gemalt, was viele für den Engel der Geschichte halten. Während des Ersten Weltkriegs wurde Klee zur deutschen Wehrmacht eingezogen, was ihn zutiefst erschütterte.
Die Methode, mit der Klee den Angelus Novus malte, war seine eigene Erfindung. Seine Technik der Ölübertragung (Monoprint) bestand darin, ein Stück Pauspapier mit Tinte zu bestreichen, ein Stück Zeichenpapier darunter zu legen und das obere Papier mit einer Nadel oder einem anderen scharfen Gegenstand einzuritzen, um eine Kopie auf dem unteren Papier zu erstellen.
Der Angelus Novus zeigt einen scheinbar fassungslosen Engel, dessen Augen in einem Bild der Verzweiflung erstarren und der in einer fliegenden Bewegung verharrt, die weder vorwärts noch rückwärts geht. Es gibt nicht viele Gemälde dieser Art auf der Welt, sowohl wegen des Erfindungsreichtums von Klees neuer Technik als auch wegen des Themas, aus dem Paul sein Werk schuf.
10- Highway and Byways
Highway and Byways ist ein Ölgemälde auf Leinwand. Es gehört zur Gruppe seiner zahlreichen Schichten- und Streifenbilder und entstand im Januar 1929 nach Klees zweiter Ägyptenreise
Als Leihgabe von Werner Vowinckel wurde es zunächst im Wallraf-Richartz-Museum in Köln ausgestellt und ist nun im Museum Ludwig, ebenfalls in Köln, zu sehen.
Der Titel des Gemäldes entspricht seiner Struktur. In der Mitte verläuft der geradlinige, konturierte Hauptweg, der in mehrere Abschnitte unterteilt ist, die sich durch Farbkontraste unterscheiden, die sich hauptsächlich zwischen Blau-Orange und Rot-Grün bewegen, fast mit der Mitte des Bildes ausgerichtet sind und sich in ihrer horizontalen inneren Struktur schichtweise verjüngen
Der Hauptweg ist nicht nur eine Straße, sondern auch ein „Streifen von Feldern, der sich 45 Mal über den hohen, blau und violett gestreiften Horizont teilt“, der eher einem „Gemälde der Himmelstreppe einer Stufenpyramide“ gleicht
Links und rechts davon verlaufen die kleinen Nebenstraßen viel unregelmäßiger, in verschlungenen, unordentlichen Pfaden, die teilweise im Nichts enden, teilweise aber auch im gleichen blaugrauen Horizont, der auch der Hauptstraße ihr klares Ziel zu geben scheint.
