Jean-Michel Basquiat war einer der ersten afroamerikanischen Künstler, der internationales Ansehen und Reichtum in der Kunstwelt erlangte und eine kurze, aber einflussreiche Karriere hatte. Sein Aufstieg war rasant, denn er wurde für seine Verschmelzung multikultureller Symbole, seinen bissigen sozialen Kommentar und seinen unverwechselbaren grafischen Stil gefeiert.
In diesem Artikel werden wir kurz auf sein Leben und seine bedeutendsten Werke eingehen.
Basquiat Biographie
Jean-Michel Basquiat wurde 1960 in Brooklyn geboren. Seine Mutter, Matilde Andradas, wurde ebenfalls in Brooklyn geboren, allerdings als Kind puerto-ricanischer Eltern. Sein Vater, Gerard Basquiat, war ein Einwanderer aus Port-au-Prince, Haiti. Als Folge dieser gemischten Herkunft sprach der junge Jean-Michel neben Englisch auch fließend Französisch und Spanisch
Seine frühe Lektüre französischer symbolistischer Poesie in ihrer Originalsprache sollte später seine künstlerische Arbeit als Erwachsener beeinflussen. Basquiat bewies sein künstlerisches Talent bereits in seiner Kindheit, als er mit Unterstützung seiner Mutter das Zeichnen und Malen erlernte und häufig Materialien (wie Papier) verwendete, die er von der Arbeit seines Vaters als Buchhalter mit nach Hause brachte. Gemeinsam besuchten Basquiat und seine Mutter viele Museumsausstellungen in New York, und im Alter von sechs Jahren wurde Jean-Michel als Juniormitglied im Brooklyn Museum aufgenommen. Er war auch ein begeisterter Leichtathlet und nahm an Leichtathletikwettbewerben seiner Schule teil.
Nachdem Basquiat im Alter von acht Jahren beim Spielen auf der Straße von einem Auto angefahren wurde, musste er sich einer Operation unterziehen, bei der seine Milz entfernt wurde. Dieses Ereignis veranlasste ihn, Grays berühmte medizinische und künstlerische Abhandlung Gray’s Anatomy (ursprünglich 1858 veröffentlicht) zu lesen, die ihm seine Mutter während seiner Genesung schenkte. Die gewundenen, biomechanischen Bilder dieses Textes sowie die Comic- und Cartoon-Kunst, die der junge Basquiat liebte, sollten eines Tages ihren Weg auf die Graffiti-Leinwände finden, für die er bekannt wurde.
Nach der Scheidung seiner Eltern lebte Basquiat allein mit seinem Vater, da seine Mutter aufgrund ihrer psychischen Probleme für unfähig erklärt wurde, sich um ihn zu kümmern. Basquiat behauptete, körperlich und seelisch misshandelt worden zu sein, und lief schließlich von zu Hause weg und wurde von der Familie eines Freundes adoptiert. Obwohl er sporadisch die Schule in New York und Puerto Rico besuchte, wohin sein Vater 1974 versucht hatte, die Familie umzusiedeln, brach er schließlich im September 1978, im Alter von 17 Jahren, die Edward R. Murrow High School in Brooklyn ab.
Seine frühen Werke
Basquiat erklärte: „Ich habe nie eine Kunstschule besucht. Ich bin in den Kunstkursen, die ich in der Schule belegt habe, durchgefallen. Ich habe mir einfach viele Dinge angesehen. Und so habe ich etwas über Kunst gelernt, indem ich sie mir angesehen habe“
Basquiats Kunst hat ihre Wurzeln in der New Yorker Graffiti-Szene der 1970er Jahre. Nachdem er in einer Theatergruppe der Upper West Side, dem Family Life Theater, mitgewirkt hatte, entwickelte er die Figur SAMO (ein Akronym für „Same Old Shit“), einen Mann, der versucht, der Öffentlichkeit eine falsche Religion zu verkaufen
Im Jahr 1976 begannen er und ein befreundeter Künstler, Al Diaz, unter diesem Pseudonym Gebäude in Lower Manhattan zu bemalen. Die Stücke von SAMO waren größtenteils textbasiert und vermittelten eine Anti-Establishment-, Anti-Religions- und Anti-Politik-Botschaft. Der Text dieser Botschaften wurde von Logos und Bildern begleitet, die später in Basquiats Solowerken auftauchen sollten, insbesondere die dreizackige Krone.
SAMOs Werke fanden bald Beachtung in den Medien, insbesondere in der Village Voice, einer Publikation, die Kunst, Kultur und Musik dokumentierte, die sich vom Mainstream abhob
Als Basquiat und Diaz eine Meinungsverschiedenheit hatten und beschlossen, die Zusammenarbeit zu beenden, beendete Basquiat das Projekt mit der knappen Botschaft: SAMO IS DEAD. Diese Botschaft erschien 1980 an der Fassade mehrerer Kunstgalerien in SoHo und an Gebäuden in der Innenstadt. Nachdem Basquiats Freund und Street-Art-Kollege Keith Haring die Erklärung zur Kenntnis genommen hatte, organisierte er eine Schein-Totenwache für SAMO im Club 57, einem Underground-Nachtclub im East Village.
In dieser Zeit war Basquiat oft obdachlos und gezwungen, in den Wohnungen von Freunden oder auf Parkbänken zu schlafen und sich durch Betteln, Drogenhandel und den Verkauf von Postkarten und handbemalten T-Shirts zu ernähren. Er besuchte jedoch häufig die Clubs in der Innenstadt, insbesondere den Mudd Club und den Club 57, wo er als Teil der „Baby Crowd“, der jüngeren Besucher, bekannt war (zu dieser Gruppe gehörte auch der Schauspieler Vincent Gallo).
Beide Clubs waren beliebte Treffpunkte für eine neue Generation von bildenden Künstlern und Musikern wie Keith Haring, Kenny Scharf, Filmregisseur Jim Jarmusch und Ann Magnusson, die mit Basquiat befreundet waren und gelegentlich mit ihm zusammenarbeiteten
Vor allem Haring war nicht nur ein Freund, sondern auch ein bedeutender Konkurrent, und es wird oft daran erinnert, dass die beiden miteinander konkurrierten, um den Umfang, das Ausmaß und den Ehrgeiz ihrer Arbeit zu verbessern. Beide erlangten zu ähnlichen Zeitpunkten in ihrer Laufbahn Anerkennung und erreichten parallel dazu den Gipfel der Kunstwelt.
Nicht zuletzt aufgrund seines Eintauchens in die Downtown-Szene erhielt Basquiat mehr Möglichkeiten, seine Kunst zu zeigen, und wurde zu einer Schlüsselfigur der neuen Downtown-Kunstbewegung
So trat er beispielsweise als Nachtclub-DJ in dem Musikvideo Rapture von Blondie auf und festigte damit seinen Ruf als Teil der „neuen Welle“ cooler Musik, Kunst und Filme, die von der Lower East Side ausging. In dieser Zeit gründete er auch seine Band Gray und trat mit ihr auf. Basquiat kritisierte jedoch den Mangel an farbigen Menschen in der Innenstadt und verbrachte Ende der 1970er Jahre einige Zeit mit Graffitikünstlern aus der Bronx und Harlem in der Innenstadt.
Nachdem seine Arbeiten in die bahnbrechende Times Square-Ausstellung vom Juni 1980 aufgenommen worden waren, stieg Basquiats Bekanntheitsgrad, und 1982 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galerie Annina Nosei in SoHo. René Ricards Artforum-Artikel „The Radiant Child“ (Dezember 1981) zementierte Basquiats Position als aufsteigender Stern in der Kunstwelt sowie die Verbindung zwischen der Graffiti- und der Punk-Szene in den Innenstädten, die sein Werk repräsentierte.
Basquiats Aufstieg fiel mit der Ankunft der deutschen neoexpressionistischen Bewegung in New York zusammen, die ihm ein geeignetes Forum für seinen eigenen Straßenexpressionismus bot. Basquiat begann, regelmäßig an der Seite von Künstlern wie Julian Schnabel und David Salle auszustellen, die alle auf die eine oder andere Weise auf die jüngste kunsthistorische Dominanz des Konzeptualismus und Minimalismus reagierten. Der Neoexpressionismus markiert die Rückkehr der Malerei und das Wiederauftauchen der menschlichen Figur in der zeitgenössischen Kunst
Bilder der afrikanischen Diaspora und des klassischen Amerikas zierten Basquiats Werk zu dieser Zeit, von denen einige Mitte der 1980er Jahre in Einzelausstellungen in der renommierten Mary Boone Gallery gezeigt wurden (Basquiat wurde später von dem Galeristen Larry Gagosian in Los Angeles vertreten).
Basquiats Erfolg
1982 war ein wichtiges Jahr für Basquiat. Er eröffnete sechs Einzelausstellungen in Städten auf der ganzen Welt und wurde als jüngster Künstler in die Documenta aufgenommen, die renommierte internationale Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die alle fünf Jahre in Kassel, Deutschland, stattfindet
In dieser Zeit schuf Basquiat rund 200 Kunstwerke und entwickelte ein charakteristisches Motiv: eine heroische, schwarz gekrönte Orakelfigur
Der legendäre Jazzmusiker Dizzy Gillespie und die Boxer Sugar Ray Robinson und Muhammad Ali gehörten zu Basquiats Inspirationen für seine Arbeit in dieser Zeit. Die skizzenhaften und oft abstrakten Porträts fingen eher das Wesen als die physische Ähnlichkeit der Porträtierten ein
Die Wildheit von Basquiats Technik mit ihren Farbklecksen und dynamischen Pinselstrichen sollte das enthüllen, was er als das Innere seiner Motive ansah, ihre verborgenen Gefühle und tiefsten Sehnsüchte. Diese Werke betonten auch den Intellekt und die Leidenschaft seiner Subjekte, anstatt sich auf den fetischisierten schwarzen männlichen Körper zu fixieren. Eine weitere epische Figuration, die auf dem westafrikanischen Griot basiert, spielt ebenfalls eine wichtige Rolle in dieser Periode von Basquiats Werk
Der Griot vermittelte die Geschichte der Gemeinschaft in der westafrikanischen Kultur durch Erzählungen und Gesang, und Basquiat stellte ihn meist mit einer Grimasse und zusammengekniffenen, elliptischen Augen dar, die auf den Betrachter gerichtet sind. Basquiats künstlerische Strategien und sein persönlicher Aufstieg standen im Einklang mit einer breiteren schwarzen Renaissance in der New Yorker Kunstwelt zur gleichen Zeit (was durch die große Aufmerksamkeit, die damals dem Werk von Künstlern wie Faith Ringgold und Jacob Lawrence zuteil wurde, veranschaulicht wurde).
Anfang der 1980er Jahre schloss Basquiat Freundschaft mit dem Pop-Art-Künstler Andy Warhol, mit dem er zwischen 1984 und 1986 an einer Reihe von Werken zusammenarbeitete, darunter Ten Punching Bags (Last Supper) (1985-86). Warhol malte zuerst, und dann schichtete Basquiat sein Werk
1985 erklärte ein Artikel der New York Times Basquiat zum angesagten jungen amerikanischen Künstler der 1980er Jahre. Diese Beziehung wurde zum Gegenstand von Reibereien zwischen Basquiat und vielen seiner Zeitgenossen in der Innenstadt, da sie ein neues Interesse an der kommerziellen Dimension des Kunstmarktes zu markieren schien.
Warhol wurde auch dafür kritisiert, dass er möglicherweise einen jungen und angesagten farbigen Künstler ausnutzte, um sich in der neuen und bedeutenden East Village-Szene als aktuell und relevant zu profilieren. Im Allgemeinen wurden diese Kollaborationen weder von der Öffentlichkeit noch von der Kritik gut aufgenommen und werden heute oft als unbedeutende Werke beider Künstler angesehen.
Vielleicht als Folge seines neu gewonnenen Ruhms und des kommerziellen Drucks auf seine Arbeit wurde Basquiat zunehmend heroin- und kokainabhängig. Mehrere Freunde brachten diese Abhängigkeit mit dem Stress in Verbindung, den die Aufrechterhaltung seiner Karriere mit sich bringt, und mit dem Druck, der auf einer farbigen Person in einer überwiegend weißen Kunstwelt lastet. Basquiat starb 1988, im Alter von 27 Jahren, in seiner Wohnung an einer Überdosis Heroin.
Basquiats künstlerisches Vermächtnis
In seinem kurzen Leben spielte Jean-Michel Basquiat eine wichtige und historische Rolle für den Aufstieg der New Yorker Kulturszene und des Neo-Expressionismus im Allgemeinen
Während sich die breite Öffentlichkeit an der oberflächlichen Exotik seines Werks festklammerte und von seiner über Nacht entstandenen Berühmtheit fasziniert war, hatte seine Kunst, die oft ungenau als „naiv“ und „ethnisch düster“ beschrieben wurde, wichtige Verbindungen zu expressiven Vorläufern wie Jean Dubuffet und Cy Twombly.
Basquiat war ein Produkt der von Berühmtheiten besessenen, kommerziellen Kultur der 1980er Jahre und sein Werk dient vielen Beobachtern nach wie vor als Metapher für die Gefahren des künstlerischen und sozialen Exzesses. Wie die Comic-Superhelden, die ihn früh beeinflussten, gelangte Basquiat zu Ruhm und Reichtum und fiel dann ebenso schnell wieder auf die Erde zurück, als Opfer von Drogenmissbrauch und Überdosis.
Das Brooklyn Museum (2005) und das Whitney Museum of American Art (1992) haben ihm posthum Retrospektiven gewidmet. Auch zahlreiche Biografien und Dokumentarfilme wie Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child (2010) und Julian Schnabels Spielfilm Basquiat (1996; mit seinem langjährigen Freund David Bowie in der Rolle des Andy Warhol) zeigen, dass Basquiat und sein gegenkulturelles Vermächtnis weiter bestehen
2017 wurde ein weiterer Film mit dem Titel Boom for Real: The Late Teenage Years of Jean Michel Basquiat veröffentlicht, der von der Kritik hoch gelobt wurde und zu einer Ausstellung mit demselben Titel in der Londoner Barbican-Galerie inspirierte. Seine Kunst bleibt eine ständige Inspirationsquelle für zeitgenössische Künstler, und sein kurzes Leben ist eine ständige Quelle des Interesses und der Spekulationen für eine Kunstindustrie, die von biografischen Legenden lebt.
Zusammen mit seinem Freund und Zeitgenossen Keith Haring steht Basquiats Kunst für diese besondere Periode der New Yorker Gegenkultur. Die Werke beider Künstler werden häufig nebeneinander ausgestellt (zuletzt 2019 in der Ausstellung „Keith Haring I Jean-Michel Basquiat: Crossing Lines“ in Melbourne, Australien), und es wurden mehrere kommerzielle Lizenzen für die Reproduktion einiger ihrer visuellen Motive vergeben. In jüngster Zeit hat Uniqlo eine Reihe von T-Shirts mit Grafikdrucken herausgebracht, die die Arbeiten der beiden Künstler zeigen.
Die zunehmende Bekanntheit Basquiats seit seinem Tod hat auch neue Künstler dazu veranlasst, Werke zu schaffen, die von seinem Werk inspiriert sind oder sich sogar direkt auf ihn beziehen. Dazu gehören Maler, Graffiti-Künstler und Installationskünstler, die in der Galerie arbeiten, aber auch Musiker, Dichter und Filmemacher.
Zu den visuellen Künstlern, die von Basquiat beeinflusst wurden, gehören David Hewitt, Scott Haley, Barb Sherin und Mi Be in Nordamerika sowie europäische und asiatische Künstler wie David Joly, Mathieu Bernard-Martin, Mikael Teo und Andrea Chisesi, die alle sein Werk als prägend für ihre eigene Entwicklung bezeichnen. Auch Musiker wie Kojey Radical, Shabaka Hutchings und Lex Amor haben seine Arbeit als Informationsquelle gelobt. Diese drei Künstler sind neben anderen auf der Compilation „Untitled“ vertreten, die 2019 als Hommage an Basquiat vom Londoner Plattenlabel The Vinyl Factory veröffentlicht wird.
Bemerkenswerte Werke von Jean-Michel Basquiat
Im Gegensatz zu anderen Künstlern sind Basquiats Werke aufgrund der Natur seiner Kunst ohne Titel. Im Folgenden werden einige seiner wichtigsten Werke beschrieben.
SAMO, seine Graffiti-Zeit
Basquiat begann in den späten 1970er Jahren mit Graffiti-Malerei, wobei er oft mit anderen Künstlern der Subkultur in der Bronx und in Harlem verkehrte und zusammenarbeitete. Die Graffiti-Künstler konzentrierten sich auf figurative Bilder (Karikaturen von Tieren, Menschen und Gegenständen) sowie auf einfache „Tags“, d. h. Logos oder Namen, die als Markenzeichen oder Visitenkarte dienen sollten, womit auch Basquiat begann. Doch Basquiats Graffiti entwickelten sich schnell in eine abstraktere Richtung, und so entstand das eher mysteriöse und symbolisch aufgeladene „SAMO“-Tag.
Dieses schwarze Sprühschild an einer Wand ist ein Symbol für die SAMO-Werke, die Basquiat und sein Mitarbeiter Al Diaz zwischen 1976 und 1980 schufen. Die SAMO-Stücke wurden schnell im öffentlichen Raum auf der Straße und in der U-Bahn angebracht und vermittelten den Passanten kurze, scharfe und oft antimaterialistische Botschaften. Normalerweise als Zeichen des Eindringens und des Vandalismus betrachtet, wurde Graffiti in den Händen von Diaz und Basquiat zu einem künstlerischen „Branding“-Werkzeug und stellt eine wichtige Etappe in der Entwicklung von Basquiats Werk dar.
Das Konzept von SAMO, oder „Same Old Shit“, wurde während Basquiats Beteiligung an einem Theaterprojekt in New York entwickelt, in dem er eine Figur entwarf, die eine falsche Religion verkauft. Diaz und Basquiat wandten die implizite Kritik, die diese Figur des Schlangenölverkäufers verkörperte, auf die kommerziellen und unternehmerischen Unternehmen an, die sie im öffentlichen Raum ihrer Stadt mit ihren Produkten feilboten
Anfangs sprühten sie die Slogans, aus denen das Kunstwerk bestand, auf U-Bahnen, um „Dampf abzulassen“, aber, wie sich Díaz erinnert, erkannten sie schnell, dass dies eine wichtige Funktion erfüllte, wenn man das Werk mit herkömmlichen Graffiti-Tags vergleicht. Díaz sagt: „SAMO war wie ein Auffrischungskurs, denn es wurde ein Statement abgegeben“.
Nach jahrelanger Zusammenarbeit beschlossen Diaz und Basquiat, ihr gemeinsames Projekt mit der Drei-Wort-Ankündigung „SAMO IS DEAD“ zu beenden. Der Schriftzug wurde episodisch in verschiedenen Städten als ephemeres Graffiti-Kunstwerk ausgeführt und erschien wiederholt auf schäbigen Gebäuden, vor allem in Lower Manhattan, wo Basquiat und seine Mitarbeiter einen Großteil ihrer künstlerischen Tätigkeit ausübten.
Schädel
Es ist ein Beispiel für Basquiats frühes Werk auf Leinwand und zeigt einen aus Flicken zusammengesetzten Schädel, der fast wie eine bildliche Entsprechung von Mary Shelleys Frankensteins Monster aussieht: eine konstruierte, zusammengenähte Summe unpassender Teile. Vor einem Hintergrund, der an das New Yorker U-Bahn-System erinnert, ist der Schädel zugleich die Interpretation eines zeitgenössischen Graffitikünstlers, der sich auf eine lange westliche Tradition der Selbstdarstellung beruft, und das „Markenzeichen“ eines Bohemiens der Straße
Der Gesichtsausdruck des Schädels ist niedergeschlagen, und die groben Nähte deuten auf eine unglückliche Kombination von Bestandteilen hin. Die verwendeten Farben, die sich vermischen und verwirbeln, deuten auf blaue Flecken oder Wunden im Gesicht hin, die in Verbindung mit den gezackten Linien Gewalt oder deren Folgen andeuten.
Basquiats jüngste Vergangenheit als Hausierer, Vagabund und Nachtclub-Persönlichkeit zu der Zeit, als er dieses Werk schuf, ist ebenfalls in dem unruhigen Dreiviertelprofil eingeprägt. Zusammengenommen deuten diese Merkmale darauf hin, dass das Werk zu einer müden Ikone der Welt der vertriebenen puertoricanischen und haitianischen Einwanderer wird, von der Basquiat zu glauben schien, dass sie dazu verdammt war, zu bleiben, selbst als er sich erfolgreich durch die neu gentrifizierten Straßen von SoHo in den 1980er Jahren und den Kunstmarkt bewegte, der sich mit ihnen beschäftigte.
Schwarzer Schädel
Wie eine Seite aus dem Tagebuch eines Künstlers präsentiert diese unbetitelte Leinwand eine Reihe von Basquiats persönlicher Ikonografie und wiederkehrenden Symbolen vor einem schwarzen Hintergrund und glänzenden Farbklecksen. Aus der Mitte der Ebenholzkomposition ragt ein weißer Schädel hervor, der an die Tradition des Memento mori des verehrten Malers erinnert, eine Erinnerung an die Vergänglichkeit allen Lebens und den letztendlichen, gnadenlosen Verfall des Körpers
Der Knochen auf der rechten Seite der Leinwand könnte auch als Phallus interpretiert werden, was auf die Darstellung schwarzer männlicher Sexualität als etwas Bedrohliches oder Primitives hindeutet (vor allem, wenn er neben dem Pfeil auf dem Gemälde steht). Die Waage erscheint direkt unter dem Schädel und stellt vielleicht die Waage der Gerechtigkeit dar, was auf die ungleiche Behandlung schwarzer Männer durch die Polizei und das Justizsystem hinweist, die bis heute anhält.
Basquiat eignet sich kühn Bilder an, die man gemeinhin mit ländlicher afrikanischer Kunst assoziiert – ein Schädel, ein Knochen, ein Pfeil – und modernisiert sie mit seinem neoexpressionistischen Stil aus dicht aufgetragener Farbe, hastig wiedergegebenen Motiven und gekritzelten linearen Zeichen, die alle frei im Bildfeld schweben, als wären sie halluzinatorisch
Basquiat zeigt in einer prägnanten „Studie“, wie er in der Lage ist, eine uralte Praxis des Malens von „Stillleben“ auszuführen, und suggeriert dabei, dass die Arbeit des Künstlers relativ mühelos, wenn nicht gar völlig improvisiert war, wie die Performance eines Jazzmusikers. Die Dichte der Bilder und ihre aufgeladene Symbolik offenbaren jedoch Basquiats Geschicklichkeit und sein Können in der Komposition.
Flexibel
Flexible zeigt zwei von Basquiats berühmtesten Motiven: den Griot und die ehrwürdige Krone. Eine ausgemergelte schwarze Gestalt starrt von der Leinwand auf den Betrachter zu, wobei ihre Arme einen geschlossenen Kreislauf bilden, was ein Verweis auf vergeistigte Energie sein könnte, ein Konzept, das in mehreren Werken mit dem Griot auftaucht
Das Werk spiegelt auch Basquiats künstlerische Entwicklung wider und ist eine Synthese seiner Einflüsse. Die schematische Darstellung der Lunge und des Unterleibs der Figur erinnert an die Faszination des jungen Basquiat für die anatomischen Skizzen in Gray’s Anatomy.
Obwohl das Fehlen markanter Merkmale auf einen „Jedermann“ hindeuten könnte, ist die spezifisch afrikanische Herkunft der Figur ein klarer Hinweis auf Basquiats eigene Identität und Herkunft. In der Farbpalette und in der besonderen Darstellung der menschlichen Figur mit ihren schlanken Gliedmaßen und dem großen Kopf wird der Einfluss traditioneller westafrikanischer Kunstformen deutlich. Der Kunsthistoriker und Basquiat-Mitarbeiter Fred Hoffman schreibt, dass das Bild einen Stammeskönig zeigt, dessen „Haltung mit den erhobenen und über dem Kopf verschränkten Armen Vertrauen und Autorität vermittelt, Attribute seines Heldentums. Er scheint sich selbst zu krönen“.
In Anbetracht der Tatsache, dass der Griot traditionell eine Art wandernder Philosoph, Straßenkünstler und sozialer Kommentator ist, ist es möglich, dass Basquiat sich selbst in dieser Rolle innerhalb der New Yorker Kunstwelt sah, die seinen künstlerischen Erfolg förderte, ihn aber auch schnell für materielle Zwecke ausnutzte. Das Bild ist auf Holzlatten gemalt, die Basquiat von seinen Assistenten von einem Zaun entfernen ließ, der die Grenze zu seinem Atelier in Los Angeles schützte. Indem er diese Barriere beseitigte, machte Basquiat das Grundstück offen und frei begehbar, was vielleicht seine Empathie und seine persönliche Erfahrung mit den Grenzen des öffentlichen Raums als Obdachloser in New York widerspiegelt.
Arm und Hammer II
Basquiat übermalt Andy Warhols Reproduktion eines Firmenlogos, in diesem Fall das der Backpulvermarke Arm and Hammer. Basquiat passt eine der beiden Reproduktionen des Logos im Gemälde so an, dass anstelle des gebeugten weißen Arms ein schwarzer Saxophonspieler zu sehen ist, und umrahmt das Bild mit der Aufschrift „Liberty 1955“
Die Einfügung eines Bildes schwarzer Kreativität in ein Werbelogo mag für Basquiat eine Behauptung von Handlungsfähigkeit und die Rückgewinnung des öffentlichen Raums sein. Es ist auch ein visueller Verweis auf den Jazz, eine afroamerikanische Musikform, die in den 1950er Jahren zu neuer Popularität gelangte, und ein implizites Eingeständnis der Unterdrückung der Schwarzen, die trotz des Erfolgs dieser Musik und ihrer Einbindung in die amerikanische Identität bestand.
Darüber hinaus kann die Einfügung eines Bildes schwarzer Kreativität in ein Werbelogo eine Behauptung von Basquiats Handlungsfähigkeit und der Rückgewinnung des öffentlichen Raums sein. Arm and Hammer II ist typisch für ihre Zusammenarbeit und zeigt, wie Basquiat und Warhol sich gegenseitig ein Werk übergaben, als ein Spiel aus Zufallsereignissen, freier Assoziation und gegenseitiger Inspiration
Warhols charakteristische Verwendung von Firmenlogos und Werbetexten als Kurzzeichen der modernen materialistischen Psyche überschneidet sich oft mit Basquiats Versuch, sie mit seinem freihändigen Stil zu verunstalten, als würde er vergeblich seine eigene Faust gegen ein weitgehend unsichtbares, heimtückisches, monolithisches Monster in Form des amerikanischen Konzerns erheben.
Reiten mit dem Tod
Riding with Death“ ist eines von Basquiats letzten Gemälden, das leicht als Darstellung seiner inneren Zerrissenheit und seiner wachsenden Überzeugung interpretiert werden kann, dass die rassistische, klassistische und korrupte Natur des Amerikas der 1980er Jahre überall sichtbar war, auch in der Kunstwelt.
In den Wochen vor seinem Tod gemalt, werden die Trostlosigkeit und die Traurigkeit des Bildes und seines Titels noch durch die Tatsache verstärkt, dass das Leben des Künstlers nur allzu bald nach der Entstehung des Bildes zu Ende gehen sollte.
Weniger verschnörkelt und visuell dicht als viele seiner früheren Gemälde präsentiert Riding with Death ein strukturiertes braunes Feld, auf dem Basquiat eine auf einem Skelett reitende afrikanische Figur dargestellt hat. Das Skelett krabbelt auf allen Vieren zur linken Seite des Bildes, während der Reiter, der weniger detailliert dargestellt ist als die Knochen, auf denen er sitzt, die Arme verdreht oder schwenkt.
Der Schädel starrt den Betrachter an, seine karikaturhaften Proportionen und sein breiter Ausdruck erinnern an die gestischen Graffiti, die einen wesentlichen stilistischen Einfluss auf Basquiats Malerei ausübten. Die Schlichtheit des Hintergrunds und des Motivs erinnert auch an prähistorische Felskunst und spätere afrikanische Stammeskunst. Der Kopf der afrikanischen Figur ist undeutlich, seine Gesichtszüge sind durch schwarze Schnörkel verdeckt, abgesehen von einem einzigen Auge auf der Stirn.
Die zentralen Figuren sind zwar einfach gerahmt, aber dennoch mit Symbolik aufgeladen. Die beiden Bilder suggerieren einen Nihilismus oder eine Reise in den Tod, die durch Basquiats Abhängigkeit von Heroin und anderen Drogen zur Zeit der Entstehung des Bildes noch verschärft wird
Obwohl die afrikanische Figur über das Skelett reitet und daher als eine Position der Dominanz interpretiert werden könnte, deutet die selbstbewusste Haltung des Skeletts eher darauf hin, dass es die Kontrolle hat und den Reiter vielleicht auf die andere Seite des Bildes zerrt. Zusammen mit der farblichen Unterscheidung zwischen den beiden (ein weißes Skelett und ein schwarzer Reiter) könnte dieses Paar als Metapher für die Unterdrückung und Zerstörung afrikanischer Gesellschaften durch die Kolonialmächte sowie für die Ungleichheiten, die im Amerika der 1980er Jahre für farbige Menschen bestanden, gelesen werden
Dieses Werk ist ein hervorragendes Beispiel für die komplexen Bedeutungen, die Basquiat durch eine komplexe Bildsprache, die von Kritikern oft als „primitiv“ oder „naiv“ bezeichnet wird, vermitteln und suggerieren konnte. Wie dieses ergreifende Bild zeigt, war Basquiats Werk in der Tat sehr anspruchsvoll und technisch viel versierter, als ihm oft zugeschrieben wird.
