Die 10 Wichtigsten Kunstwerke von Leonardo Da Vinci

Leonardo da Vinci war ein Universalgelehrter, der als Maler, Zeichner, Ingenieur, Wissenschaftler, Theoretiker, Bildhauer und Architekt tätig war

Obwohl sein Ruhm zunächst auf seinen Leistungen als Maler beruhte, wurde er auch für seine Notizbücher bekannt, in denen er Zeichnungen und Notizen zu einer Vielzahl von Themen wie Anatomie, Astronomie, Botanik, Kartografie, Malerei und Paläontologie niederschrieb.

Leonardos Genie verkörperte das humanistische Ideal der Renaissance, und sein Gesamtwerk stellt einen Beitrag für spätere Künstlergenerationen dar, der nur von dem seines jüngeren Zeitgenossen Michelangelo übertroffen wird. Leonardo gehört zu den größten Malern der Kunstgeschichte und wird oft als Begründer der Hochrenaissance angesehen

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Trotz vieler verlorener Werke und weniger als 25 ihm zugeschriebenen Hauptwerken – darunter zahlreiche unvollendete Arbeiten – schuf er einige der einflussreichsten Gemälde der westlichen Kunst, wie die weltberühmte „Mona Lisa“ oder „Das Abendmahl„.

In diesem Artikel haben wir 10 seiner emblematischsten Kunstwerke ausgewählt

1- Mona Lisa

Die Mona Lisa (Gioconda) ist ein Porträt in halber Länge des italienischen Künstlers Leonardo da Vinci. Es gilt als ein archetypisches Meisterwerk der italienischen Renaissance.

Es wurde als „das bekannteste, meistbesuchte, meistbeschriebene, meistbesungene und meistparodierte Kunstwerk der Welt“ bezeichnet. Zu den neuartigen Qualitäten des Gemäldes gehören der rätselhafte Ausdruck des Dargestellten, die Monumentalität der Komposition, die subtile Modellierung der Formen und der atmosphärische Illusionismus.

Das Gemälde stellt nachweislich die italienische Adelige Lisa Gherardini dar, die Frau von Francesco del Giocondo

Es ist in Öl auf eine Tafel aus Weißpappelholz aus der Lombardei gemalt. Leonardo hat das Gemälde nie an die Familie Giocondo verschenkt, und es wird vermutet, dass er es in seinem Testament seinem Lieblingsschüler Salaì vermacht hat

Man nimmt an, dass es zwischen 1503 und 1506 gemalt wurde; Leonardo könnte jedoch auch bis 1517 daran gearbeitet haben. Es wurde von König Franz I. von Frankreich erworben und befindet sich heute im Besitz der Französischen Republik. Seit 1797 ist sie im Louvre in Paris dauerhaft ausgestellt.

Die Mona Lisa ist eines der wertvollsten Gemälde der Welt. Sie hält den Guinness-Weltrekord für den höchsten Versicherungswert eines Gemäldes in der Geschichte: 100 Millionen Dollar im Jahr 1962 (entspricht 870 Millionen Dollar im Jahr 2021).

Nach der Französischen Revolution wurde das Gemälde in den Louvre gebracht, verbrachte aber eine kurze Zeit in Napoleons Schlafzimmer im Tuilerienpalast. Die Mona Lisa war außerhalb der Kunstwelt nicht sehr bekannt, aber in den 1860er Jahren begann ein Teil der französischen Intelligenz, sie als Meisterwerk der Renaissance-Malerei zu würdigen. Während des französisch-preußischen Krieges (1870-1871) wurde das Gemälde aus dem Louvre in das Arsenal von Brest gebracht.

Im Jahr 1911 bleibt das Gemälde bei den Laien unbeliebt. Am 21. August 1911 wurde das Gemälde aus dem Louvre gestohlen. Das Gemälde wurde erst am nächsten Tag von dem Maler Louis Béroud vermisst. Nachdem Unklarheit darüber herrschte, ob das Gemälde irgendwo fotografiert worden war, wurde der Louvre für eine Woche geschlossen, um Nachforschungen anzustellen. Der französische Dichter Guillaume Apollinaire geriet unter Verdacht und wurde verhaftet und ins Gefängnis gesteckt. Apollinaire beschuldigte seinen Freund Pablo Picasso, der zum Verhör vorgeladen wurde. Beide wurden später entlastet

Der wahre Täter war der Louvre-Mitarbeiter Vincenzo Peruggia, der beim Bau der Vitrine für das Gemälde mitgeholfen hatte. Er verübte den Diebstahl, indem er das Gebäude während der normalen Geschäftszeiten betrat, sich in einer Besenkammer versteckte und das Gemälde nach Schließung des Museums unter seinem Mantel verließ.

Peruggia war ein italienischer Patriot, der der Meinung war, dass Leonardos Gemälde an ein italienisches Museum hätte zurückgegeben werden müssen. Es ist möglich, dass Peruggia von einem Partner motiviert wurde, dessen Kopien des Originals nach dem Diebstahl des Gemäldes erheblich an Wert gewinnen würden.

Nachdem er die Mona Lisa zwei Jahre lang in seiner Wohnung aufbewahrt hatte, wurde Peruggia ungeduldig und wurde ertappt, als er versuchte, sie an Giovanni Poggi, den Direktor der Uffizien in Florenz, zu verkaufen. Die Mona Lisa wurde über zwei Wochen lang in den Uffizien ausgestellt und am 4. Januar 1914 in den Louvre zurückgebracht

Der Dieb der Mona Lisa verbüßte für das Verbrechen eine sechsmonatige Haftstrafe und wurde in Italien für seinen Patriotismus gelobt. Ein Jahr nach dem Diebstahl schrieb der Journalist der Saturday Evening Post, Karl Decker, dass er einen angeblichen Komplizen namens Edward de Valfierno getroffen habe, der behauptete, den Diebstahl geplant zu haben. Der Fälscher Yves Chaudron fertigte angeblich sechs Kopien des Gemäldes an, um sie in den USA zu verkaufen, während er den Standort des Originals verheimlichte[101]. Decker veröffentlichte diesen Bericht über den Diebstahl im Jahr 1932.

2- Das Abendmahl

Das Letzte Abendmahl (Cenacolo oder L’Ultima Cena) ist ein Wandgemälde aus der Hochrenaissance, datiert ca. 1495-1498

Das Gemälde stellt die Szene des letzten Abendmahls Jesu mit den zwölf Aposteln dar, wie sie im Johannesevangelium erzählt wird, insbesondere den Moment, in dem Jesus ankündigt, dass einer seiner Apostel ihn verraten wird

Seine Raumaufteilung, die Beherrschung der Perspektive, die Darstellung von Bewegungen und die komplexe Darstellung menschlicher Emotionen haben es zu einem der bekanntesten Gemälde der westlichen Welt und zu einem der berühmtesten Werke Leonardos gemacht.

Das Werk wurde als Teil eines Plans zur Renovierung der Kirche und ihrer Klostergebäude von Leonardos Mäzen, Ludovico Sforza, Herzog von Mailand, in Auftrag gegeben. Um den unregelmäßigen Zeitplan für die Malerei und die häufigen Überarbeitungen zu berücksichtigen, wurde es mit Materialien gemalt, die regelmäßige Änderungen zuließen: Tempera auf Gesso, Pech und Spachtelmasse

Aufgrund der verwendeten Methoden, verschiedener Umwelteinflüsse und absichtlicher Beschädigungen ist trotz zahlreicher Restaurierungsversuche, von denen der letzte 1999 abgeschlossen wurde, heute nur noch wenig von dem ursprünglichen Gemälde übrig. Das Abendmahl, das sich im Refektorium des Klosters Santa Maria delle Grazie in Mailand befindet, ist neben der Sala delle Asse sein größtes Werk.

3- Vitruvianische Mensch

Vitruvianische Mensch (L ‚uomo vitruviano) ist eine Zeichnung aus der Zeit um 1490. Inspiriert von den Schriften des antiken römischen Architekten Vitruv, zeigt die Zeichnung einen nackten Mann in zwei übereinanderliegenden Positionen mit gespreizten Armen und Beinen, die in einen Kreis und ein Quadrat eingeschrieben sind.

Die Kunsthistorikerin Carmen C. Bambach bezeichnete das Werk als eine einzigartige Synthese künstlerischer und wissenschaftlicher Ideale, die zu Recht zu den ikonischen Bildern aller Zeiten in der westlichen Zivilisation zählt und oft als archetypische Darstellung der Hochrenaissance angesehen wird.

Die Zeichnung stellt Leonardos Vorstellung von idealen Körperproportionen dar, die er ursprünglich von Vitruv ableitete, aber durch seine eigenen Messungen, die Zeichnungen seiner Zeitgenossen und Leon Battista AlbertisAbhandlung De pictura beeinflusst wurde.

Leonardo fertigte den Vitruvianischen Menschen in Mailand an und übergab das Werk wahrscheinlich an seinen Schüler Francesco Melzi. Später gelangte es in die Hände von Venanzio de Pagave, der den Kupferstecher Carlo Giuseppe Gerli davon überzeugte, es in ein Buch mit Leonardos Zeichnungen aufzunehmen, wodurch das bis dahin wenig bekannte Bild eine große Verbreitung fand. Später befand es sich im Besitz von Giuseppe Bossi, der darüber schrieb, und wurde schließlich 1822 an die Gallerie dell’Accademia verkauft, wo es sich seither befindet

Wegen ihrer Lichtempfindlichkeit wird die Zeichnung nur selten öffentlich ausgestellt, aber 2019 wurde sie vom Louvre für seine Ausstellung zum 500. Todestag Leonardos ausgeliehen.

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4- Salvator Mundi

Salvator Mundi (lateinisch, „Retter der Welt“) ist ein Gemälde, das ganz oder teilweise Leonardo da Vinci zugeschrieben wird und zwischen 1499 und 1510 entstand

Lange Zeit hielt man es für die Kopie eines verlorenen Originals, das mit einer Übermalung verschleiert wurde. Es wurde wiederentdeckt, restauriert und 2011-2012 in eine große Ausstellung von Leonardos Werk in der National Gallery in London aufgenommen.

Christie’s erklärte kurz nach dem Verkauf des Werks, dass die meisten führenden Fachleute es für ein Originalwerk Leonardos halten, aber diese Zuschreibung wurde von anderen Fachleuten bestritten, von denen einige behaupten, dass er nur einige Elemente beigesteuert hat.

Das Gemälde zeigt Christus in einem anachronistischen blauen Renaissancekleid, der sich mit der rechten Hand bekreuzigt, während er in der linken Hand eine durchsichtige, nicht brechende Glaskugel hält, die seine Rolle als Salvator Mundi signalisiert und die„himmlische Sphäre“ des Himmels darstellt. Es wurden etwa dreißig Kopien und Variationen des Werks von Leonardos Schülern und Anhängern identifiziert. Zwei vorbereitende Kreide- und Tuschezeichnungen von Leonardos Tuch befinden sich in der britischen Royal Collection.

Das Gemälde wurde am 15. November 2017 von Christie’s in New York für 450,3 Millionen Dollar an Prinz Badr bin Abdullah versteigert und stellte damit einen neuen Rekord für das teuerste Gemälde auf, das jemals bei einer öffentlichen Auktion verkauft wurde

Berichten zufolge tätigte Prinz Badr den Kauf im Namen des Ministeriums für Kultur und Tourismus von Abu Dhabi , aber es wurde inzwischen gemunkelt, dass er möglicherweise ein stellvertretender Bieter für seinen engen Verbündeten, den saudischen Kronprinzen Mohammed bin Salman, gewesen sei. Ende 2017 wurde berichtet, dass das Gemälde im Louvre Abu Dhabi ausgestellt werden sollte und die für September 2018 geplante Eröffnung aus ungeklärten Gründen abgesagt wurde

Der derzeitige Aufenthaltsort des Gemäldes ist Berichten zufolge nicht bekannt. In einem Bericht vom Juni 2019 hieß es jedoch, dass das Gemälde bis zur Fertigstellung eines Kulturzentrums in Al-‚Ula auf bin Salmans Yacht gelagert werde, und in einem Bericht vom Oktober 2019 hieß es, dass es möglicherweise in der Schweiz aufbewahrt werde.

5- Selbstporträt

Das Rötelporträt eines Mannes in der Königlichen Bibliothek von Turin wird allgemein, wenn auch nicht allgemein, als Selbstporträt von Leonardo da Vinci anerkannt. Es wird angenommen, dass Leonardo da Vinci dieses Selbstporträt im Alter von etwa 60 Jahren gezeichnet hat

Das Porträt wurde vielfach reproduziert und ist zu einer Ikone der Darstellung Leonardos als Universalgelehrter oder „Mann der Renaissance“ geworden. Dennoch sind sich einige Historiker und Gelehrte nicht einig über die wahre Identität des Dargestellten.

Das Porträt ist mit roter Kreide auf Papier gezeichnet. Es zeigt den Kopf eines alten Mannes in Dreiviertelansicht, der sein Gesicht dem Betrachter zuwendet. Der Dargestellte zeichnet sich durch sein langes Haar und den langen, gewellten Bart aus, der ihm über Schultern und Brust fließt. Die Länge der Haare und des Bartes ist für Renaissanceporträts ungewöhnlich und deutet, wie auch heute, auf einen klugen Menschen hin

Das Gesicht hat eine etwas aquiline Nase und ist durch tiefe Falten auf der Stirn und Tränensäcke unter den Augen gekennzeichnet. Der Mann scheint seine oberen Vorderzähne verloren zu haben, was zu einer Vertiefung der Furchen in den Nasenlöchern führt. Die Augen der Figur sind nicht auf den Betrachter gerichtet, sondern blicken geradeaus, verschleiert durch die langen Augenbrauen

DieZeichnung wurde mit dünnen, einzelnen Linien nachgezeichnet, schattiert und mit der linken Hand ausgeführt, wie es bei Leonardo üblich war. Das Papier weist braune „Stockflecken“ auf, die durch die Anhäufung von Eisensalzen aufgrund von Feuchtigkeit entstanden sind.

Im Jahr 1839 verkaufte Giovanni Volpato, ein Antiquar, der die Zeichnung möglicherweise in England oder Frankreich erworben hatte, sie zusammen mit anderen Zeichnungen großer Künstler wie Raffael und Michelangelo an Prinz Karl Albert von Sardinien. Sie befindet sich in der Königlichen Bibliothek in Turin und ist aufgrund ihrer Zerbrechlichkeit und ihres schlechten Zustands normalerweise nicht zu besichtigen.

6- Felsgrottenmadonna

Felsgrottenmadonna (italienisch: Vergine delle rocce), manchmal auch Madonna der Felsen, ist der Name von zwei Gemälden von Da Vinci mit demselben Thema und einer bis auf einige wichtige Details identischen Komposition

Die Version, die allgemein als die erste gilt, die ältere der beiden, ist nicht restauriert worden und befindet sich im Louvre in Paris. Die andere, die zwischen 2008 und 2010 restauriert wurde, befindet sich in der National Gallery in London

Die Werke werden oft als Louvre-Madonna von den Felsen und London-Madonna von den Felsen bezeichnet. Beide Gemälde sind fast 2 Meter hoch und wurden in Öl gemalt. Beide waren ursprünglich auf Holztafeln gemalt, aber die Louvre-Version wurde auf Leinwand übertragen.

Beide Gemälde zeigen Maria und das Christuskind mit dem Säugling Johannes dem Täufer und einem Engel Uriel in einer felsigen Umgebung, die den Gemälden ihren üblichen Namen gibt. Die wesentlichen kompositorischen Unterschiede liegen im Blick und in der rechten Hand des Engels

Die beiden Werke unterscheiden sich in vielen kleinen Aspekten wie Farben, Beleuchtung, Flora und der Art und Weise, wie das Sfumato eingesetzt wurde. Obwohl das Datum eines damit verbundenen Auftrags dokumentiert ist, ist die vollständige Geschichte der beiden Gemälde unbekannt, was zu Spekulationen darüber führt, welches der beiden Gemälde älter ist.

Zwei weitere Gemälde werden mit dem Auftrag in Verbindung gebracht: Seitentafeln mit einem Engel, der ein Musikinstrument spielt, jeweils von Leonardos Mitarbeitern. Beide befinden sich in der National Gallery in London.

7- Die Dame mit dem Hermelin

Die Dame mit dem Hermelin ist ein Leonardo da Vinci zugeschriebenes Porträt. Das Werk, das zwischen 1489 und 1491 datiert wird, ist in Öl auf eine Nussbaumholztafel gemalt. Es zeigt Cecilia Gallerani, die Mätresse von Ludovico Sforza („Il Moro“), Herzog von Mailand. Leonardo war zur Zeit der Ausführung Hofmaler der Familie Sforza in Mailand. Es ist das zweite von nur vier erhaltenen Frauenporträts, die Leonardo gemalt hat; die anderen sind Ginevra de‘ Benci, La Belle Ferronnière und die Mona Lisa.

Die Dame im Hermelin befindet sich heute im Czartoryski-Museum in Krakau und ist eines der polnischen Nationalschätze. Sie ist Teil der Sammlung der Czartoryski-Fürsten, die am 29. Dezember 2016 für 100 Millionen Euro von der Czartoryski-Fürsten-Stiftung, vertreten durch Adam Karol Czartoryski, dem letzten direkten Nachkommen von Izabela Czartoryska Flemming und Adam George Czartoryski, der das Gemälde 1798 aus Italien nach Polen brachte, an die polnische Regierung verkauft wurde.

8- Jungfrau und Kind mit der Heiligen Anna

Jungfrau und Kind mit der Heiligen Anna ist ein unvollendetes Ölgemälde aus der Zeit zwischen 1501 und 1519. Es stellt die Heilige Anna, ihre Tochter, die Jungfrau Maria, und das Jesuskind dar

Das Gemälde wurde als Hauptaltarbild für die Kirche Santissima Annunziata in Florenz in Auftrag gegeben, und sein Thema hatte Leonardo lange beschäftigt.

Leonardos Gemälde ist zugleich gefällig, ruhig und bei näherer Betrachtung doch verwirrend. Die Komposition der drei Figuren ist recht eng, wobei die Jungfrau Maria eindeutig mit dem Jesuskind interagiert

Bei näherer Betrachtung ihrer Position wird deutlich, dass Maria auf dem Schoß der Heiligen Anna sitzt. Es ist unklar, welche Bedeutung dies haben könnte und was Leonardo mit dieser Pose ausdrücken wollte. Es gibt keine eindeutige Parallele in anderen Kunstwerken, und Frauen, die sich gegenseitig auf dem Schoß sitzen, sind kein eindeutiger kultureller oder traditioneller Bezug, auf den sich der Betrachter beziehen könnte

Obwohl die genaue Größe der Jungfrau Maria und der heiligen Anna nicht bekannt ist, lässt sich aus dem Gemälde schließen, dass die heilige Anna eine deutlich größere Person ist als Maria. Diese subtile, aber wahrnehmbare Größenverzerrung wurde von Leonardo genutzt, um die Mutter-Tochter-Beziehung zwischen den beiden Frauen zu betonen, obwohl es offensichtlich keine visuellen Hinweise auf das höhere Alter der Heiligen Anna gibt, die sie sonst als Mutter identifizieren würden. Das Mädchen hält ein Lamm

Wir sehen auch, dass Maria ihrem Sohn in die Augen schaut, während St. Anna Maria anschaut. Da Maria auf ihrem Schoß sitzt und die heilige Anna sie anschaut, ist es möglich, dass Leonardo versuchte, eine Aussage über ihre Beziehung und ihre Persönlichkeiten zu treffen.

9- Ginevra d’Benci

Ginevra de‘ Benci ist ein Porträt der florentinischen Aristokratin Ginevra de‘ Benci (geboren um 1458) aus dem 15. Es wird in der National Gallery of Art in Washington, D.C., ausgestellt und ist das einzige Leonardo-Gemälde, das in Amerika öffentlich zu sehen ist.

Ginevra de‘ Benci, ein bekanntes junges Florentiner Mädchen, wird allgemein als das Modell für das Porträt angesehen. Leonardo malte das Porträt zwischen 1474 und 1478 in Florenz, möglicherweise zum Gedenken an Ginevras Hochzeit mit Luigi di Bernardo Niccolini im Alter von 16 Jahren

Höchstwahrscheinlich erinnert es an die Verlobung. Zeitgenössische Frauenporträts wurden in der Regel zu einem von zwei Anlässen in Auftrag gegeben: zur Verlobung oder zur Hochzeit. Traditionell wurden Hochzeitsporträts paarweise angefertigt, wobei die Frau auf der rechten Seite saß und nach links blickte. Da dieses Porträt nach rechts ausgerichtet ist, stellt es wahrscheinlich eher die Verlobung dar.

Der Wacholderbaum, der Ginevras Kopf umgibt und einen Großteil des Hintergrunds einnimmt, dient nicht nur der Dekoration. Im Italien der Renaissance galt der Wacholder als Symbol der weiblichen Tugend, und das italienische Wort für Wacholder, ginepro, spielt auch auf Ginevras Namen an.

Die Bilder und der Text auf der Rückseite der Tafel – ein Wacholderzweig, der von einem Lorbeer- und Palmenkranz umgeben ist und an den das lateinische Motto Virtvtem Forma Decorat ( „Schönheit schmückt die Tugend„) erinnert – verstärken die Identifizierung des Porträts. Der Spruch wird als Symbol für die komplizierte Beziehung zwischen Ginevras intellektueller und moralischer Tugend einerseits und ihrer körperlichen Schönheit andererseits verstanden. Der Wacholderzweig, umgeben von Lorbeer und Palme, deutet auf ihren Namen hin. Lorbeer und Palme sind das persönliche Emblem von Bernardo Bembo, dem venezianischen Botschafter in Florenz, dessen platonische Beziehung zu Ginevra in den Gedichten, die sie austauschten, deutlich wird

Bei einer Infrarotuntersuchung wurde Bembos Motto „Tugend und Ehre“ unter dem von Ginevra entdeckt, so dass es wahrscheinlich ist, dass Bembo in irgendeiner Weise an der Anfertigung des Porträts beteiligt war.

Das Porträt ist eines der bedeutendsten in der National Gallery of Art und wird von vielen für seine Darstellung von Ginevras Temperament bewundert. Ginevra ist schön, aber streng; sie hat nicht den Hauch eines Lächelns, und ihr Blick scheint, obwohl er auf den Betrachter gerichtet ist, gleichgültig zu sein.

Irgendwann wurde der untere Teil des Gemäldes entfernt, vermutlich aufgrund von Beschädigungen, und es wird angenommen, dass Ginevras Arme und Hände verloren gegangen sind.

10- Die Scapigliata

La Scapigliata (italienisch für „Die Dame mit dem zerzausten Haar“) ist ein unvollendetes Gemälde, das im Allgemeinen Leonardo da Vinci zugeschrieben wird und zwischen 1506 und 1508 entstand

Es wurde mit Öl, Bernstein und weißen Bleipigmenten auf eine kleine Pappelholztafel gemalt. Die Zuschreibung bleibt umstritten, wobei mehrere Experten das Werk einem Schüler Leonardos zuschreiben. Das Gemälde wurde wegen seiner fesselnden Schönheit, seines geheimnisvollen Auftretens und seiner meisterhaften Sfumato-Technik bewundert.

Es gibt keinen wirklichen Konsens über das Thema, das Datum, die Geschichte oder den Zweck des Gemäldes. Es zeigt eine nicht identifizierte Frau, die nach unten schaut, während ihr Haar den Rahmen hinter ihr ausfüllt. Es gibt viele Theorien über das Thema: dass es sich um eine Skizze für ein unvollendetes Gemälde der Heiligen Anna handelt; eine Studie für die Londoner Version der Jungfrau von den Felsen oder Leonardos verlorenes Gemälde der Leda und des Schwans; oder ein Gemälde, das wegen seines ästhetischen Wertes absichtlich unvollendet gelassen wurde.

Das Gemälde wurde 1826 beim Verkauf der Sammlung von Gaetano Callani an die Galleria Nazionale di Parma, das Museum, in dem es heute untergebracht ist, registriert, aber seine Existenz lässt sich bis ins Jahr 1531 zurückverfolgen, als es sich möglicherweise im Besitz von Isabella d’Este

Obwohl sich viele Studien über Leonardos Werk zu diesem Thema ausschweigen, halten die meisten Wissenschaftler, die das Gemälde analysieren, es für ein autographes Werk von Leonardo da Vinci, und als solches wurde es in mehreren großen Leonardo-Ausstellungen katalogisiert.

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Editorial Team