Oscar-Claude Monet è stato un pittore francese, fondatore della pittura impressionista, considerato un precursore chiave del modernismo, soprattutto per i suoi tentativi di dipingere la natura così come la percepiva.
Durante la sua lunga carriera, è stato il più coerente e prolifico praticante della filosofia dell’Impressionismo, che consiste nell’esprimere le proprie percezioni della natura, soprattutto nella pittura di paesaggi all’aperto.
Il termine “Impressionismo” deriva dal titolo del suo dipinto “Impressione, levar del sole”, esposto alla mostra del 1874 (“mostra degli scarti”) voluta da Monet e dai suoi associati come alternativa al Salon.
Monet crebbe a Le Havre, in Normandia, e fin da piccolo si interessò all’aria aperta e al disegno. Sebbene la madre, Louise-Justine Aubrée Monet, sostenesse le sue ambizioni di pittore, il padre, Claude-Adolphe, lo disapprovava e voleva che intraprendesse una carriera commerciale. Era molto legato alla madre, ma questa morì nel gennaio del 1857, quando lui aveva sedici anni, e fu mandato a vivere con la zia Marie-Jeanne Lecadre, vedova e senza figli, ma ricca.
Studia all’Académie Suisse e con il pittore di storia accademica Charles Gleyre, dove è compagno di Auguste Renoir. I suoi primi lavori comprendono paesaggi, marine e ritratti, ma non attirarono molta attenzione. Una delle sue prime influenze fu Eugène Boudin, che lo introdusse al concetto di pittura plein air.
Dal 1883 Monet visse a Giverny, sempre nel nord della Francia, dove acquistò una casa e una proprietà e iniziò un ampio progetto paesaggistico, che comprendeva uno stagno di ninfee.
L’ambizione di Monet di documentare la campagna francese lo portò a dipingere più volte la stessa scena per catturare i cambiamenti di luce e il passare delle stagioni. Tra gli esempi più noti vi sono la serie dei pagliai (1890-91), i dipinti della cattedrale di Rouen (1894) e le ninfee del giardino di Giverny, che lo occuparono ininterrottamente per gli ultimi 20 anni della sua vita.
Esposto frequentemente e con successo durante la sua vita, la fama e la popolarità di Monet salirono alle stelle nella seconda metà del XX secolo, quando divenne uno dei pittori più famosi al mondo e una fonte di ispirazione per gruppi di artisti emergenti.
In questo articolo vi mostreremo 10 delle opere più straordinarie di questo artista.
1- Saggio di figura en plein air
Saggio di figura en plein air– Madame Monet e suo figlio, talvolta nota come La passeggiata (in francese: La Promenade) è un olio su tela di Claude Monet del 1875.
L’opera impressionista ritrae la moglie Camille Monet e il figlio Jean Monet nel periodo tra il 1871 e il 1877, quando vivevano ad Argenteuil, catturando un momento di passeggiata in una ventosa giornata estiva.
Le pennellate leggere e spontanee di Monet creano schizzi di colore. Il velo della signora Monet è mosso dal vento, così come il suo abito bianco svolazzante; l’erba ondeggiante del prato riecheggia nella parte inferiore verde del suo ombrellino. La donna è vista come dal basso, con una forte prospettiva verso l’alto, contro soffici nuvole bianche in un cielo blu.
Un ragazzo, il figlio di Monet di sette anni, si trova più lontano, nascosto dietro un rialzo del terreno e visibile solo dalla vita in su, creando un senso di profondità.
L’opera è un dipinto di genere di una scena familiare quotidiana, non un ritratto formale. È stata dipinta all’aperto, en plein air, e rapidamente, probabilmente in un solo periodo di poche ore. Misura 100 × 81 centimetri, l’opera più grande di Monet degli anni Settanta del XIX secolo, ed è firmata “Claude Monet 75” nell’angolo inferiore destro.
Il dipinto è una delle 18 opere di Monet esposte alla seconda mostra impressionista dell’aprile 1876, presso la galleria di Paul Durand-Ruel. Dieci anni dopo, Monet tornò su un soggetto simile, dipingendo nel 1886 una coppia di scene che ritraggono la figlia della sua seconda moglie, Suzanne Monet, con un ombrellino in un prato a Giverny; si trovano al Museo d’Orsay. John Singer Sargent vide il dipinto alla mostra del 1876 e fu poi ispirato a creare un quadro simile, Due ragazze con ombrellino a Fladbury, nel 1889.
2- Bain à la Grenouillère
Bain à la Grenouillère è un olio su tela del 1869. Raffigura l’“isola della pentola”, nota anche come Camembert, e la passerella della Grenouillère, un ristorante galleggiante e una barca a noleggio sulla Senna a Croissy-sur-Seine. Era accompagnato da Pierre-Auguste Renoir, che dipinse la scena nello stesso periodo.
Monet scrisse il 25 settembre 1869 in una lettera al suo collega Frédéric Bazille:
“Ho un sogno, un quadro, i bagni della Grenouillère, per il quale ho fatto dei brutti schizzi, ma è solo un sogno” Pierre-Auguste Renoir, che ha appena trascorso due mesi qui, vuole fare anche lui questo quadro”
Monet e Renoir, entrambi disperatamente poveri, erano molto vicini all’epoca.
Questo quadro e un altro conservato alla National Gallery di Londra sono probabilmente gli schizzi citati da Monet nella sua lettera. Un quadro più grande, oggi perduto, ma appartenuto alla collezione Arnhold di Berlino, potrebbe essere la “pala d’altare” di cui sognava. Le pennellate ampie e costruttive di questo dipinto sono chiaramente quelle di uno schizzo
Per i suoi quadri da esposizione, Monet è solito cercare una superficie più delicata e accuratamente calibrata in questo periodo. Una composizione quasi identica dello stesso soggetto di Renoir, La Grenouillère, si trova al Nationalmuseum di Stoccolma. Non c’è dubbio che i due amici abbiano lavorato fianco a fianco.
La Grenouillère era una popolare località di villeggiatura borghese con un centro benessere, uno stabilimento nautico e un caffè galleggiante. Promossa ottimisticamente come“Trouville-sur-Seine“, era situata sulla Senna vicino a Bougival, facilmente raggiungibile in treno da Parigi, e aveva appena ricevuto la visita dell’imperatore Napoleone III con la moglie e il figlio. Sia Monet che Renoir riconobbero in La Grenouillère un soggetto ideale per le immagini di svago che speravano di vendere.
La Grenouillère è l’ambientazione del racconto “La femme de Paul” di Guy de Maupassant del 1881. Viene descritta come un luogo dove:
“si sente, fin nelle narici, la schiuma del mondo, tutte le sue distinte canaglie, lo stampo della società parigina: un miscuglio di venditori, di millantatori, di giornalisti da strapazzo, di giovani accompagnati, di dilettanti corrotti della borsa, di cretini festaioli, di vecchi disseccati in cerca di piacere; una folla torbida di tutti gli esseri sospetti, semisconosciuti, semisconosciuti, semisconosciuti, semisconosciuti, semisconosciuti, truffatori, furfanti, fornitori di donne, signori dell’industria con un’aria dignitosa, l’aria di un millantatore che sembra dire: ‘Il primo che mi dà del furfante, lo faccio fuori'”.”
3- Impressione, levar del sole
Impressione, levar del sole(in francese: Impression, soleil levant) è un dipinto del 1872 di Claude Monet, esposto per la prima volta a quella che sarebbe diventata nota come “Mostra degli Impressionisti” a Parigi nell’aprile del 1874. A questo dipinto è attribuito il merito di aver ispirato il nome del movimento impressionista.
Impressione, levar del sole ” raffigura il porto di Le Havre, città natale di Monet. Attualmente è esposto al Museo Marmottan Monet di Parigi.
Monet visitò la sua città natale, Le Havre, nella Francia nord-occidentale, nel 1872 e procedette alla creazione di una serie di opere raffiguranti il porto di Le Havre. Le sei tele dipinte ritraggono il porto “durante l’alba, il giorno, il tramonto e il buio e da diversi punti di vista, alcuni dall’acqua stessa e altri da una camera d’albergo che si affaccia sul porto”
Impressione, levar del sole divenne la più famosa della serie dopo essere stata presentata in anteprima nell’aprile del 1874 a Parigi in occasione di una mostra del gruppo “Pittori, scultori, incisori, ecc. Inc.”. Tra i trenta partecipanti, la mostra era guidata da Monet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir e Alfred Sisley, e presentava più di duecento opere che furono viste da circa 4.000 persone, tra cui alcuni critici poco simpatici.
Nel 1985 il dipinto fu rubato dal Museo Marmottan Monet da Philippe Jamin e Youssef Khimoun. Fu recuperato e restituito al museo nel 1990 e rimesso in mostra nel 1991.
4- Saint-Georges majeur au crépuscule
Saint-Georges majeur au crépuscule si riferisce a un dipinto impressionista di Claude Monet, che esiste in più versioni. Fa parte di una serie di vedute dell’isola-monastero di San Giorgio Maggiore. Questa serie è, a sua volta, parte di una più ampia serie di vedute di Venezia che Monet iniziò nel 1908 durante la sua unica visita alla città.
Sebbene la vista dall’hotel includesse la chiesa di San Giorgio Maggiore, il dipinto al tramonto sembra essere stato visto dalla passeggiata nota come Riva degli Schiavoni, dove l’isola costituisce il punto focale della vista. Si dice che Monet fosse riluttante a dipingere dalla passeggiata. Non gli piaceva la folla di turisti ed era anche preoccupato di conformarsi ad altri artisti attratti da Venezia, come Renoir o Manet
San Giorgio Maggiore era uno dei soggetti preferiti dai pittori, tra cui il proto-impressionista Turner.
Monet considerava Venezia una città “troppo bella per essere dipinta”, motivo per cui tornò con molti dipinti incompiuti a Giverny, la sua casa in Francia. Tuttavia, si era già allontanato dalla sua pratica precedente di dipingere al naturale, di fronte al soggetto. Lavorò alle scene veneziane a casa e la morte della moglie Alice, avvenuta nel 1911, sembra aver contribuito al loro completamento.
5- Il giardino dell’artista a Giverny
Il giardino dell’artista a Giverny (in francese: Le Jardin de l’artiste à Giverny) è un dipinto a olio su tela di Claude Monet realizzato nel 1900 e conservato al Museo d’Orsay di Parigi.
Si tratta di una delle numerose opere dell’artista riguardanti il suo giardino a Giverny durante gli ultimi trent’anni della sua vita. Il dipinto mostra file di gigli in varie tonalità di viola e rosa disposti in diagonale sul piano dell’immagine. I fiori si trovano sotto gli alberi che, con l’ingresso della luce diffusa, cambiano la tonalità dei loro colori. Al di là degli alberi si intravede la casa di Monet.
Monet aveva 60 anni l’anno in cui dipinse questo quadro e aveva prodotto un’opera immensa
Nel 1900, l’anno di questo quadro, intraprese due grandi progetti: una serie di dipinti del Tamigi a Londra e un’altra serie di giardini acquatici a Giverny, tra cui alcuni dei suoi famosi dipinti di ninfee, come Lo stagno delle ninfee (ora al Museum of Fine Arts di Boston).
Il suo mercante Durand-Ruel espone opere recenti, tra cui una dozzina di Ninfee, e acquista il dipinto Moschea (Festa araba) dell’amico Renoir.
6- Camille
Camille, noto anche come La donna col vestito verde, è un olio su tela del 1866
Il ritratto mostra la futura moglie di Monet, Camille Doncieux, che indossa un abito e una giacca verdi. Monet presentò l’opera al Salon di Parigi del 1866, dove fu ben accolta dalla critica. Il dipinto è conservato nella collezione della Kunsthalle di Brema.
Camille in abito verde è un ritratto a grandezza naturale. Camille indossa un abito di seta a righe verdi e nere su una giacca nera ornata di pelliccia. L’abito verde smeraldo corrispondeva alla moda dell’epoca con le strisce verticali a contrasto. Guanti di pelle gialla e un mantello scuro decorato con piume fungono da accessori. Camille porta i capelli tirati indietro in uno chignon legato con nastri neri alla nuca. Lo sfondo del dipinto è un fondale rosso scuro, quasi nero.
Attraverso la composizione dell’immagine, Monet riesce a trasmettere il movimento. La coda del vestito è stata tagliata sul bordo sinistro del quadro, provocando un movimento in questa direzione che va oltre il bordo del dipinto.
Anche il gioco di pieghe della gonna crea vivacità. La posizione della testa, leggermente girata all’indietro, rappresenta un momento di pausa nel dipinto. La figura sembra ascoltare se stessa piuttosto che reagire a qualcuno che le parla. Questo risultato è ottenuto abbassando gli occhi ed evitando così il contatto visivo con lo spettatore. Il dipinto è firmato in basso a destra da Claude Monet nel 1866.
L’illuminazione di questo quadro è unica in quanto è diffusa e la fonte di illuminazione è scura. Vediamo una sorta di semicerchio di luce che circonda Camilla a terra, la cui fonte mette in risalto soprattutto il viso, la mano e la gonna
La luce proviene probabilmente da una finestra, poiché sembra troppo naturale per essere prodotta da candele o lampade a gas. La posizione della finestra è difficile da individuare, ma probabilmente si trova a sinistra e di fronte a Camilla, poiché la sua ombra è proiettata a destra, ma il suo viso e la sua gonna spiccano ancora.
7- Ninfee
Le Ninfee sono una serie di circa 250 dipinti a olio di Claude Monet. I dipinti raffigurano il giardino fiorito della sua casa di Giverny e furono il fulcro della sua produzione artistica negli ultimi trent’anni di vita. Molte delle opere furono dipinte mentre Monet soffriva di cataratta.
La preferenza di Monet per la produzione e l’esposizione di una serie di dipinti correlati per soggetto e prospettiva iniziò nel 1889, con almeno dieci dipinti realizzati nella Valle della Creuse, che furono esposti alla Galerie Georges Petit. Tra le altre serie famose ci sono i suoi Covoni.
Negli anni Venti, lo Stato francese costruì un paio di sale ovali nel Musée de l’Orangerie per ospitare in modo permanente otto murales di ninfee di Monet. La mostra fu aperta al pubblico il 16 maggio 1927, pochi mesi dopo la morte di Monet. Nel 1999, sessanta dipinti di ninfee provenienti da tutto il mondo sono stati riuniti per una mostra speciale al Musée de l’Orangerie.
I dipinti sono esposti in musei di tutto il mondo, tra cui il Princeton University Art Museum, il Marmottan Monet Museum, il Musée d’Orsay di Parigi, il Metropolitan Museum of Art, il Museum of Modern Art di New York, l’Art Institute di Chicago, il St. Louis, il Nelson-Atkins Museum of Art di Kansas City, Missouri, il Carnegie Museum of Art, il National Museum of Wales, il Musée des Beaux-Arts de Nantes, il Toled Museum of Art, il Cleveland Museum of Art, il Portland Museum of Art e la Legion of Honor.
Nel 2020, il Museum of Fine Arts di Boston ha celebrato il suo 150° anniversario con alcuni dipinti delle Ninfee di Monet.
7- I mucchi di fieno
I mucchi di fieno è il titolo comune di una serie di dipinti impressionisti di Monet. Il soggetto principale di ogni dipinto della serie sono i cumuli di grano raccolto (o forse orzo o avena: il titolo originale francese, Les Meules à Giverny, significa semplicemente I cumuli di Giverny). Si riferisce principalmente a una serie di venticinque tele che Monet iniziò alla fine dell’estate del 1890 e continuò fino alla primavera successiva, sebbene Monet abbia realizzato anche cinque dipinti precedenti sullo stesso tema dei cumuli.
La serie è famosa per il modo in cui Monet ripete lo stesso soggetto per mostrare le differenze di luce e di atmosfera nelle diverse ore del giorno, nel corso delle stagioni e in molti tipi di tempo.
Questa serie è una delle opere più importanti di Monet. Le maggiori collezioni di Pajares si trovano al Musée d’Orsay e al Musée Marmottan Monet di Parigi e all’Art Institute di Chicago. Altre collezioni includono quelle del Museum of Fine Arts di Boston, del Metropolitan Museum e del Museum of Modern Art di New York, del National Museum of Western Art di Tokyo e del Musée de l’Orangerie di Parigi. La collezione dell’Art Institute of Chicago comprende sei dei venticinque dipinti della serie.
Altri musei che possiedono porzioni di questa serie sono il Getty Center di Los Angeles, l’Hill-Stead Museum di Farmington, nel Connecticut (che possiede anche uno dei cinque dipinti della precedente annata 1888-89), la Scottish National Gallery, il Minneapolis Institute of Arts, la Kunsthaus Zürich, il Tel Aviv Museum of Art e lo Shelburne Museum nel Vermont. Il resto dei dipinti è conservato da collezioni private.
8- Donne in giardino
Le donne in giardino (francese: Femmes au jardin) è un dipinto a olio iniziato nel 1866 da Claude Monet quando aveva 26 anni. Si tratta di un’opera di grandi dimensioni dipinta en plein air; le dimensioni della tela costrinsero Monet a dipingerne la metà superiore con la tela abbassata in un fossato che aveva scavato, in modo da poter mantenere un unico punto di vista per tutta l’opera.
L’ambientazione è il giardino di una proprietà presa in affitto. La sua compagna e futura moglie Camille Doncieux posa per le figure. Monet completò l’opera in interni e utilizzò illustrazioni di riviste per rappresentare gli abiti alla moda.
In questo periodo Monet è all’inizio della sua carriera e sperimenta metodi e soggetti. I suoi primi dipinti ebbero successo ai Salon di Parigi, ma Donne in giardino fu rifiutato nel 1867 per il soggetto e la debolezza narrativa. Il Salon era anche preoccupato per la pesantezza della pennellata di Monet, uno stile che sarebbe diventato, ovviamente, uno dei tratti distintivi dell’Impressionismo. Un giudice commentò: “Troppi giovani non pensano ad altro che a continuare in questa abominevole direzione. È ora di proteggerli e di salvare l’arte” Il dipinto fu acquistato dal collega Frédéric Bazille per aiutare Monet in un momento in cui non aveva soldi.
9- Boulevard des Capucines
Il Boulevard des Capucines è un dipinto a olio su tela che raffigura una scena di strada del famoso viale parigino, realizzato da Monet nel 1873.
Dalla fine degli anni Sessanta del XIX secolo, Monet e gli altri artisti che la pensavano come lui incontrarono il rifiuto della conservatrice Académie des Beaux-Arts, che teneva la sua mostra annuale al Salon di Parigi
Alla fine del 1873, Monet, Renoir, Pissarro e Sisley organizzano la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs per esporre le loro opere in modo indipendente. Alla loro prima mostra, tenutasi nell’aprile del 1874, Monet espose l’opera che avrebbe dato al gruppo il suo nome definitivo, Impressione, levar del sole. Tra le opere che Monet incluse nella prima mostra impressionista c’era anche Il pranzo, 1868, con Camille Doncieux e Jean Monet. Il quadro fu rifiutato dal Salon di Parigi del 1870.
Questa mostra comprendeva anche un quadro intitolato Boulevard des Capucines, un dipinto del viale realizzato dall’appartamento del fotografo Nadar al numero 35. Monet dipinse il soggetto due volte. Monet dipinse il soggetto due volte e non si sa con certezza quale dei due quadri, quello ora conservato al Museo Pushkin di Mosca o quello conservato al Nelson-Atkins Museum of Art di Kansas City, fosse quello che compariva nella rivoluzionaria mostra del 1874, anche se recentemente è stato privilegiato il dipinto moscovita.
10- La gazza
La gazza (in francese La Pie) è un paesaggio dipinto a olio su tela, realizzato nell’inverno 1868-1869 nei pressi del comune di Étretat, in Normandia
Il mecenate di Monet, Louis Joachim Gaudibert, contribuì a garantire una casa a Étretat per la fidanzata di Monet, Camille Doncieux, e per il figlio appena nato, consentendo a Monet di dipingere in relativa comodità, circondato dalla sua famiglia.
Tra il 1867 e il 1893, Monet e i suoi colleghi impressionisti Alfred Sisley e Camille Pissarro dipinsero centinaia di paesaggi che illustravano l’effetto naturale della neve (effet de neige). Pierre-Auguste Renoir, Gustave Caillebotte e Paul Gauguin dipinsero quadri invernali simili in numero minore. Gli storici dell’arte ritengono che una serie di inverni rigidi in Francia abbia contribuito ad aumentare il numero di paesaggi invernali prodotti dagli impressionisti.
La gazza è uno dei circa 140 paesaggi di neve realizzati da Monet. Ilsuo primo paesaggio innevato, Una carrozza sulla strada innevata a Honfleur, fu dipinto tra il 1865 e il 1867, seguito da una notevole serie di paesaggi innevati nello stesso anno, a partire da La strada davanti alla fattoria di Saint-Simeon in inverno. La gazza fu completata nel 1869 ed è il più grande dipinto invernale di Monet. Seguì Il capo rosso (1869-1871), l’unico dipinto invernale conosciuto con Camille Doncieux.
La tela de La gazza raffigura una gazza nera solitaria appollaiata su un cancello formato da un recinto di bacche, mentre la luce del sole illumina la neve appena caduta creando ombre blu. Questo dipinto è uno dei primi esempi dell’uso delle ombre colorate da parte di Monet, che in seguito sarebbe stato associato al movimento impressionista
Monet e gli impressionisti utilizzarono le ombre colorate per rappresentare le condizioni reali e mutevoli di luce e ombra in natura, sfidando la convenzione accademica di dipingere le ombre in nero. Questa teoria soggettiva della percezione del colore fu introdotta nel mondo dell’arte attraverso le opere di Johann Wolfgang von Goethe e Michel Eugène Chevreul all’inizio del secolo.
All’epoca, l’uso innovativo della luce e del colore portò Monet a essere rifiutato al Salon di Parigi del 1869. Oggi gli storici dell’arte considerano La gazza uno dei migliori paesaggi innevati di Monet. Il dipinto è rimasto in mani private fino all’acquisizione da parte del Museo d’Orsay nel 1984; è considerato uno dei quadri più popolari della sua collezione permanente.
