Für diesen Artikel haben wir eine Auswahl von 10 der herausragendsten Werke des surrealistischen Malers par excellence, Salvador Dalí, getroffen
Dalís Werk ist sehr umfangreich, da er ein sehr produktiver Künstler war. Deshalb haben wir die unserer Meinung nach emblematischsten Werke und einige unserer Favoriten ausgewählt
1- Die Beständigkeit der Erinnerung
Die Beständigkeit der Erinnerung (katalanisch: La persistència de la memòria) ist ein Gemälde des Künstlers Dalí aus dem Jahr 1931 und eines der bekanntesten Werke des Surrealismus.
Das Gemälde wurde erstmals 1932in der Galerie Julien Levy ausgestellt und befindet sich seit 1934 in der Sammlung des Museum of Modern Art (MoMA ) in New York, das es von einem anonymen Spender erhielt.
Es ist weithin bekannt und wird in der Populärkultur häufig zitiert, manchmal auch mit beschreibenden Titeln wie „Die schmelzenden Uhren“ oder „Die weichen Uhren“ bezeichnet
Dalí greift das Thema dieses Gemäldes mit der Variation The Disintegration of the Persistence of Memory (Die Auflösung der Persistenz der Erinnerung) auf, die zeigt, wie sein berühmtes früheres Werk systematisch in kleinere Bestandteile zerfällt, und eine Reihe von rechteckigen Blöcken, die durch die Lücken zwischen ihnen weitere Bilder enthüllen, was andeutet, dass es etwas unter der Oberfläche des ursprünglichen Werks gibt; dieses Werk befindet sich heute im Salvador Dalí Museum in St. Petersburg, Florida, während das Original Persistence of Memory im Museum of Modern Art in New York verbleibt
Gegen Ende seiner Karriere schuf Dalí auch mehrere Lithografien und Skulpturen zum Thema der weichen Uhren. Einige dieser Skulpturen sind Persistence of Memory, Nobility of Time, Profile of Time und Three Dancing Clocks.
2- Die Versuchung des Heiligen Antonius
Die Versuchung des Heiligen Antonius ist ein Gemälde aus dem Jahr 1946. Es ist ein Vorläufer von Dalís Werk, das gemeinhin als „klassische Periode“ oder„Dalí-Renaissance“ bezeichnet wird.
Dalí malte Die Versuchung des heiligen Antonius 1946 als Antwort auf einen Wettbewerb, den die Filmproduktionsgesellschaft David L. Loew-Albert Lewin für das Gemälde Die Versuchung des heiligen Antonius ausgeschrieben hatte. Loew-Albert Lewin Filmproduktionsgesellschaft für ein Gemälde von Die Versuchung des heiligen Antonius, das in dem Film Die privaten Angelegenheiten des Bel Ami verwendet werden sollte. Dies war der einzige Kunstwettbewerb, an dem Dalí teilnahm, und das für den Film ausgewählte Gemälde war Max Ernsts Version der Versuchung.
Das Gemälde enthält viele für Dalís Werk typische surrealistische Elemente. Es ist erwähnenswert, dass es das erste seiner Werke war, das sein Interesse für das Dazwischen zwischen Himmel und Erde zeigt
Das Werk befindet sich heute in den Königlichen Museen der Schönen Künste von Belgien in Brüssel, Belgien.
Künstler und Autoren haben die Versuchung des heiligen Antonius seit langem in ihrer Kunst dargestellt. Die Versuchung des heiligen Antonius ist in Öl auf Leinwand gemalt. Es stellt eine Wüstenlandschaft dar: eine niedrige Horizontlinie mit hohen Wolken und dunklen, warmen Tönen in einem blauen Himmel
Die Figur des heiligen Antonius kniet in der unteren linken Ecke. In der rechten Hand hält er ein Kreuz, mit der linken Hand stützt er sich auf eine unbestimmte Form. Ein menschlicher Schädel ruht neben seinem rechten Fuß. Eine Parade von Elefanten, die von einem Pferd angeführt wird, nähert sich San Antonio
Die Elefanten tragen symbolische Objekte der Versuchung: eine Statue einer nackten Frau, die ihre Brüste hält, einen Obelisken, einen Gebäudekomplex, der einen nackten, körperlosen weiblichen Torso umschließt, und einen vertikalen Turm. Die Tiere haben übertrieben lange, spindeldürre Beine, die sie schwerelos erscheinen lassen.
3- Traum, verursacht durch den Flug einer Biene um einen Granatapfel, eine Sekunde vor dem Erwachen
Der Traum vom Flug einer Biene um einen Granatapfel eine Sekunde vor dem Erwachen ist ein surrealistisches Gemälde von Salvador Dalí. Ein kürzerer alternativer Titel für das Gemälde ist Traum, verursacht durch den Flug einer Biene
Es wurde 1944 gemalt, und die träumende Frau auf dem Gemälde soll seine Frau Gala darstellen. Das Gemälde befindet sich heute im Thyssen-Bornemisza-Museum in Madrid.
Es handelt sich um ein Ölgemälde auf Holz. Auf dieser„traumhaften handgemalten Fotografie„, wie Dalí seine Gemälde zu nennen pflegte, ist eine Meereslandschaft mit weitem Horizont und ruhigem Wasser zu sehen, vielleicht Port Lligat, in dessen Mitte Gala das Thema der Szene ist. Neben dem nackten Körper der schlafenden Frau, die auf einem flachen, auf dem Meer treibenden Felsen schwebt, stellt Dalí zwei schwebende Wassertropfen und einen Granatapfel dar, ein christliches Symbol für Fruchtbarkeit und Auferstehung. Auf dem Granatapfel fliegt eine Biene, ein Insekt, das traditionell die Jungfrau symbolisiert.
In der oberen linken Ecke des Gemäldes bricht etwas, das wie ein gelber Felsenfisch aussieht, aus dem Granatapfel hervor und spuckt einen Sturzflugtiger aus, der wiederum einen weiteren Sturzflugtiger ausspuckt, der Gala angreifen will, sowie ein Gewehr mit Bajonett, das sie in den Arm sticht. Über ihnen ist Dalís erste Verwendung eines Elefanten mit langen Flamingobeinen zu sehen, der auch in seinen späteren Kompositionen wie Die Versuchung des heiligen Antonius
Der Elefant trägt auf seinem Rücken einen Obelisken, inspiriert von Berninis Elefant und Obelisk auf der Piazza Santa Maria sopra Minerva in Rom.
4- Galatea der Sphären
Galatea der Sphären ist ein Gemälde von Salvador Dalí aus dem Jahr 1952. Es stellt Gala Dalí, die Frau und Muse von Salvador Dalí, als eine Reihe von Sphären dar, die in einer kontinuierlichen Anordnung angeordnet sind
Der Name Galatea bezieht sich auf eine Meeresnymphe aus der klassischen Mythologie, die für ihre Tugendhaftigkeit berühmt war, und kann sich auch auf die Statue beziehen, die von ihrem Schöpfer Pygmalion geliebt wurde.
Das 65,0 x 54,0 cm große Gemälde zeigt die Büste der Galatea, die aus einer Matrix von Kugeln besteht , die im Raum zu schweben scheinen. Es stellt eine Synthese aus Renaissancekunst und Atomtheorie dar und veranschaulicht die ultimative Diskontinuität der Materie,[1] wobei die Kugeln selbst atomare Teilchen darstellen.
Dalí interessierte sich seit den ersten Atombombenexplosionen im August 1945 sehr für die Atomphysik und bezeichnete das Atom als seine„Lieblingsnahrung zum Nachdenken“
Er erkannte, dass die Materie aus Atomen besteht, die sich nicht berühren, und versuchte, dies in seiner Kunst jener Zeit wiederzugeben, indem er die Elemente in der Schwebe hielt und sie nicht miteinander in Kontakt brachte, wie in Die Jungfrau von Port Lligat. Dieses Gemälde war auch ein Symbol für seinen Versuch, seinen erneuerten Glauben an den Katholizismus mit der Atomphysik in Einklang zu bringen
Dalí wollte, dass dieses Gemälde auf einer Staffelei, die sich im Besitz des französischen Malers Jean-Louis-Ernest Meissonier befand, in drei Räumen des Dalí-Theaters und -Museums in Figueres, dem so genannten Palast der Winde (benannt nach der Tramontana),ausgestellt wird
Es wurde transportiert und 2009 in der National Gallery of Victoria in Melbourne ausgestellt, zusammen mit vielen anderen Dalí-Gemälden in der Ausstellung Liquid Desire.
5- Der große Masturbator
Der große Masturbator ist ein Gemälde von Salvador Dalí aus der Zeit des Surrealismus, das derzeit im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid zu sehen ist.
In der Mitte des Gemäldes ist ein verzerrtes menschliches Gesicht im Profil zu sehen, das nach unten blickt und an die Form einer natürlichen Felsformation am Cap de Creus an der katalanischen Küsteangelehnt ist. Ein ähnliches Profil findet sich in Dalís berühmtestem Gemälde aus den folgenden zwei Jahren, The Persistence of Memory
Eine nackte weibliche Figur (die Dalís damals neuer Muse Gala ähnelt) tritt aus dem Hinterkopf hervor; möglicherweise handelt es sich um die Masturbationsfantasie, die der Titel andeutet. Der Mund der Frau befindet sich in der Nähe eines dünn bekleideten männlichen Schritts, was darauf schließen lässt, dass Fellatio stattfindet.
Die männliche Figur, die nur von der Taille abwärts zu sehen ist, hat frische, blutende Wunden an den Knien. Unterhalb des zentralen Profilkopfes, über seinem Mund, befindet sich eine Heuschrecke, ein Insekt, auf das Dalí in seinen Schriften mehrfach Bezug nimmt
Ein Ameisenschwarm (ein beliebtes Motiv für sexuelle Ängste in Dalís Werk) sammelt sich auf dem Unterleib der Heuschrecke und auf dem geneigten Gesicht
In der Landschaft darunter sind drei weitere Figuren, ein Ei (das gemeinhin als Symbol für Fruchtbarkeit verwendet wird) und andere spärliche Elemente angeordnet. Zwei der Figuren in der Landschaft sind so angeordnet, dass sie einen einzigen langen Schatten werfen, während die andere Figur am Rande der Leinwand eilig in die Ferne schreitet
Im Rücken der zentralen Figur im Kopf ist eine Formation aus zwei Felsen und einer getrockneten Topfpflanze zu sehen, wobei die Topfpflanze auf dem unteren Felsen steht, während der andere Felsen unrealistisch auf ihm balanciert. Es wird angenommen, dass dieser Teil die Idee der Flucht aus der Realität darstellt, die in vielen anderen Werken Dalís zu finden ist.
Das Gemälde könnte Dalís sehr widersprüchliche Einstellung zu sexuellen Beziehungen darstellen. In Dalís Jugend hatte ihm sein Vater ein Buch mit expliziten Fotos von Menschen mit unbehandelten fortgeschrittenen Geschlechtskrankheiten hinterlassen, um den Jungen zu „erziehen“. Die Bilder kranker und grotesk beschädigter Genitalien faszinierten und entsetzten den jungen Dalí, der bis ins Erwachsenenalter hinein Sex mit Fäulnis und Verfall assoziierte.
6- Brennende Giraffe
Die brennende Giraffe ist ein Ölgemälde auf Karton, das sich im Kunstmuseum Basel befindet und 1937 gemalt wurde.
Dalí malte die brennende Giraffe vor seinem Exil in den Vereinigten Staaten, das von 1940 bis 1948 dauerte. Obwohl Dalí sich selbst als unpolitisch bezeichnete –„Ich bin Dalí, und nur das“ – zeigt dieses Gemälde seinen persönlichen Kampf gegen den Kampf in seinem Heimatland
Charakteristisch sind die offenen Schubladen der blauen Frauenfigur, die Dalí später als „Femme-coccyx“ (Steißbeinfrau) bezeichnete. Dieses Phänomen geht auf die psychoanalytische Methode von Sigmund Freud zurück, die Dalí sehr bewunderte. Er sah darin einen enormen Fortschritt für die Zivilisation, wie das folgende Zitat zeigt: „Der einzige Unterschied zwischen dem unsterblichen Griechenland und unserer Zeit ist Sigmund Freud, der entdeckte, dass der menschliche Körper, der in der griechischen Zeit nur neoplatonisch war, jetzt voller geheimer Schubladen ist, die nur durch die Psychoanalyse geöffnet werden können“.
Die offenen Schubladen dieser ausdrucksstarken, aufgestützten Frauenfigur verweisen also auf das innere Unterbewusstsein des Menschen. Nach Dalís eigenen Worten bilden seine Bilder „eine Art Allegorie, die dazu dient, eine bestimmte Wahrnehmung zu veranschaulichen, die zahlreichen narzisstischen Gerüche zu verfolgen, die aus jeder unserer Schubladen aufsteigen“
Das Bild ist in eine Dämmerungsatmosphäre mit intensiv blauem Himmel eingebettet. Im Vordergrund stehen zwei weibliche Figuren, eine davon mit Schubladen, die sich seitlich wie eine Truhe öffnen. Beide haben undefinierte phallische Formen (vielleicht geschmolzene Uhren, ein immer wiederkehrendes Bild in Dalís früheren Werken), die aus ihrem Rücken herausragen und sich auf krückenartige Gegenstände stützen. Die Hände, Unterarme und das Gesicht der nächstgelegenen Figur sind bis auf das Muskelgewebe unter der Haut entblößt. Eine der Figuren hält ein Stück Fleisch in der Hand
Sowohl die menschlichen Figuren, die als Abrichter fungieren, als auch die Krückenformen sind in Dalís Werk häufig anzutreffende Archetypen.
In der Ferne sieht man Agiraffe mit einem flammenden Rücken. Dalí verwendete das Bild der flammenden Giraffe erstmals 1930 in seinem Film L’Âge d’Or (Das goldene Zeitalter) . Es taucht 1937 in dem Gemälde Die Erfindung der Ungeheuer wieder auf. Dalí beschrieb dieses Bild als„das männliche apokalyptische kosmische Monster“. Er glaubte, es sei eine Vorahnung des Krieges.
7- Metamorphose des Narziss
Die Metamorphose des Narziss ist ein Ölgemälde auf Leinwand, das zu Dalís paranoisch-kritischer Periode gehört und seine Interpretation des griechischen Mythos von Narziss darstellt. Dalí begann im Frühjahr 1937 während seines Aufenthalts in Zürs in den österreichischen Alpen mit dem Malen.
Der griechischen Mythologie zufolge zog Narziss‘ Schönheit fast jeden an, der ihn sah, und sowohl Männer als auch Frauen verfolgten ihn, aber er wies alle Annäherungsversuche zurück. Eine seiner Verehrerinnen, eine Nymphe namens Echo, verliebte sich so sehr in ihn, dass sie, nachdem er sie zurückgewiesen hatte, verzehrt wurde, bis nur noch ihre Stimme übrig blieb. Die Göttin Nemesis hatte Mitleid mit Echo und überredete Narziss, in einen Teich zu schauen. Als Narziss sein eigenes Gesicht im Wasser reflektiert sah, verliebte er sich in sein Spiegelbild. Unfähig, sein eigenes Spiegelbild zu umarmen, verwelkte auch Narziss und an seiner Stelle wuchs die Blume, die seinen Namen trägt, die Narzisse.
In Dalís Gemälde stellt er die Figur des Narziss auf der linken Seite der Leinwand dar, wie er an einem See kauert, den Kopf auf sein Knie gestützt, während eine steinerne Hand ein Ei umklammert, das die Form seines Körpers auf der rechten Seite widerspiegelt. Aus dem zerbrochenen Ei sprießt eine Narzissenblüte. In der Mitte des Bildes ist eine Gruppe von Freiern zu sehen, die von Narziss abgewiesen wurden. Zwischen den Bergen im Hintergrund ruht eine dritte Figur des Narziss.
Am 19. Juli 1938 traf Dalí in London Sigmund Freud, den der Maler seit den 1920er Jahren bewunderte, nachdem er Freuds Buch Die Deutung der Träume
Zu diesem Treffen brachte Dalí sein Gemälde Metamorphose des Narziss mit, in der Hoffnung, damit die psychoanalytische Theorie des Narzissmus und sein Konzept der kritischen Paranoiazu erörtern, das er auf der Grundlage von Freuds Konzept der Paranoia entwickelte. Er erhielt auch die Erlaubnis, Freud zu zeichnen. Organisiert wurde das Treffen von dem Schriftsteller Stefan Zweig und Dalís Gönner Edward James, der ebenfalls daran teilnahm und schließlich das Eigentum an der Metamorphose des Narziss erwarb.
8- Christus des Heiligen Johannes vom Kreuz
Das 1951 entstandene Gemälde Christus des heiligen Johannes vom Kreuz befindet sich in der Sammlung der Kelvingrove Art Gallery and Museum in Glasgow
Es zeigt Jesus Christus am Kreuz vor einem dunklen Himmel, der über einem Gewässer schwebt, mit einem Boot und Fischern. Obwohl es sich um eine Darstellung der Kreuzigung handelt, fehlen Nägel, Blut und Dornenkrone, da Dalí nach eigenen Angaben in einem Traum davon überzeugt wurde, dass diese Elemente seine Christusdarstellung verderben würden. Ebenfalls in einem Traum wurde ihm offenbart, wie wichtig es ist, Christus in dem extremen Winkel darzustellen, der auf dem Gemälde zu sehen ist.
Das Gemälde ist als Christus des Heiligen Johannes vom Kreuz bekannt, da es auf einer Zeichnung des spanischen Mönchs Juan de la Cruz aus dem 16.
Die Komposition des Christus basiert ebenfalls auf einem Dreieck und einem Kreis (das Dreieck wird durch die Arme Christi gebildet, der Kreis durch den Kopf Christi). Das dreiseitige Dreieck kann als Hinweis auf die Dreifaltigkeit betrachtet werden, und der Kreis kann eine Anspielung auf das platonische Denken sein. Der Kreis steht für die Einheit: alle Dinge existieren in der „Drei“, aber in der Vier sind sie glücklich.
Am Ende seiner Studien für das Gemälde erklärte Dalí seine Inspiration
„Zunächst hatte ich 1950 einen ‚kosmischen Traum‘, in dem ich dieses Bild in Farbe sah, das in meinem Traum den ‚Atomkern‘ darstellte Dieser Kern bekam später einen metaphysischen Sinn; ich betrachtete ihn als ‚die eigentliche Einheit des Universums‘, den Christus!“.
Um die Christusfigur zu schaffen, ließ Dalí den Hollywood-Stuntman Russell Saunders von einem Säulengang hängen, damit er sehen konnte, wie der Körper aus dem gewünschten Winkel aussehen würde, und sich auch die Schwerkraft auf den menschlichen Körper vorstellen konnte. Das dargestellte Gewässer ist die Bucht von Port Lligat, Dalís Wohnsitz zur Zeit der Entstehung des Bildes.
9- Die Auflösung der Persistenz des Gedächtnisses
Die Auflösung der Persistenz des Gedächtnisses ist ein Gemälde aus dem Jahr 1954 in Öl auf Leinwand, das das berühmte Werk des Künstlers aus dem Jahr 1931 Das Fortbestehen des Gedächtnisses wiedergibt und nur 25,4 × 33 cm misst
Ursprünglich war es unter dem Titel The Chromosome of a Heavily Colored Fisheye that Initiates the Harmonious Disintegration of The Persistence of Memory bekannt und wurde erstmals 1954 in der Carstairs Gallery in New York ausgestellt.
In dieser Version ist die Landschaft des ursprünglichen Werks mit Wasser geflutet worden. Die Auflösung stellt das dar, was sowohl über als auch unter der Wasseroberfläche geschieht
Die Landschaft von Cadaqués schwimmt nun über dem Wasser. Die Ebene und der Block des Originals sind nun in ziegelsteinähnliche Formen aufgeteilt, die zusammenschwimmen, ohne dass sie durch etwas zusammengehalten werden. Sie stellen die Zerlegung der Materie in Atome dar, eine Offenbarung im Zeitalter der Quantenmechanik
Hinter den Ziegelsteinen symbolisieren die sich entfernenden Hörner Atomraketen, die darauf hinweisen, dass der Mensch trotz der kosmischen Ordnung seine eigene Zerstörung herbeiführen kann. Der tote Olivenbaum, an dem die weiche Uhr hängt, hat ebenfalls begonnen zu brechen
Die Zeiger der Uhren schweben über ihren Ziffernblättern, wobei mehrere kegelförmige Objekte in parallelen Formationen um die Uhren herum schweben. Eine vierte schmelzende Uhr ist hinzugekommen. Das verzerrte menschliche Gesicht des ursprünglichen Gemäldes beginnt sich in einen anderen der seltsamen Fische zu verwandeln, die über ihm schweben. Für Dalí war der Fisch jedoch ein Symbol des Lebens.
10- Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen
Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen (Vorahnung des Bürgerkriegs) ist ein Werk, das Dalí schuf, um die Schrecken des Spanischen Bürgerkriegs darzustellen, wobei er es nur sechs Monate vor Beginn des Konflikts malte. Später behauptete er, dass er lange vor Kriegsbeginn wusste, dass der Krieg ausbrechen würde, und führte sein Werk als Beweis für die „prophetische Kraft seines Unterbewusstseins“ an Einige haben jedoch spekuliert, dass Dalí den Namen des Gemäldes nach dem Krieg geändert haben könnte, um seine prophetischen Behauptungen zu unterstreichen, obwohl dies nicht ganz sicher ist
Der Kunsthistoriker Robert Hughes kommentierte Dalís Gemälde in seiner Goya-Biografie mit folgenden Worten
„Salvador Dalí eignete sich den waagerechten Schenkel von Goyas kauerndem Saturn für das hybride Ungeheuer in dem Gemälde Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen an, … das – mehr als der Picassos Guernica– das beste Werk der bildenden Kunst ist, das durch den Spanischen Bürgerkrieg inspiriert wurde.“
Das Gemälde ist ein Öl auf Leinwand und befindet sich im Philadelphia Museum of Art. Dalí malte es 1936, aber es gibt Studien, die es auf 1934 datieren
Dalí und seine Frau Gala gerieten 1934 mitten in einen Generalstreik und einen bewaffneten Aufstand der katalanischen Separatisten in Katalonien, ein Ereignis, das sein Motiv des Spanischen Bürgerkriegs beeinflusst haben könnte.
Salvador und Gala flüchteten nach Paris, wo sie heirateten. Dalí und Gala hatten eine Eskorte angeheuert, die sie sicher nach Paris bringen sollte, aber die Eskorte starb bei ihrer Rückkehr aufgrund der Spannungen des Spanischen Bürgerkriegs. Als Dalí schließlich nach Hause zurückkehrte, war sein Haus in Port Lligat durch den Krieg zerstört worden. Er war auch sehr betroffen, weil sein Freund Federico Garcia Lorca im Krieg hingerichtet und seine Schwester Ana Maria inhaftiert und gefoltert worden war.
Dieses Gemälde drückt die Zerstörung während des Spanischen Bürgerkriegs aus. Die monströse Kreatur auf diesem Gemälde ist selbstzerstörerisch, genau wie der Bürgerkrieg
Es soll nicht die Wahl einer Seite darstellen, obwohl Dalí viele Gründe hatte, im Spanischen Bürgerkrieg Partei zu ergreifen. Seine Schwester wurde von kommunistischen Soldaten, die für die Republik kämpften, gefoltert und inhaftiert, und sein guter Freund aus der Kunstschule, der Dichter Federico García Lorca, wurde von einem faschistischen Erschießungskommando getötet
Dalí ließ auch dieses Gemälde sehr realistisch aussehen, aber er brachte weiterhin surrealistische Konzepte ein. Obwohl der Mensch nicht das Potenzial hat, den Kreaturen in diesem Gemälde zu ähneln, behält das Bild eine realistische Anmutung, die den Betrachter an die Schwere der ihm zugrunde liegenden Ideen erinnert. Mit dem schönen katalanischen Himmel bringt er auch Ideen der Tradition in dieses Werk ein und schafft so einen Kontrast zur Idee der Revolution
In diesem Gemälde sind sehr viele gekochte Bohnen zu sehen. Dalí wird mit den Worten zitiert, dass er die gekochten Bohnen deshalb einfügte, weil er sich nicht vorstellen konnte, all das unbewusste Fleisch zu schlucken, ohne ein mehliges, melancholisches Gemüse dabei zu haben“, womit er meinte, dass es im Krieg viele Schwierigkeiten gab und die spanischen Bürger ihr Bestes tun mussten, um mit ihren Problemen fertig zu werden. Er spielte mit den Themen Liebe, Essen und Krieg und wie sie alle miteinander verbunden sind.
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