Para este artículo hemos hecho una selección de 10 de las obras más destacadas del pintor surrealista por excelencia, Salvador Dalí.
La obra de Dalí es muy extensa, ya que fue un artista muy prolífico. Por eso hemos seleccionado las que consideramos sus obras más emblemáticas y algunas de nuestras favoritas.
1- La persistencia de la memoria
La persistencia de la memoria (en catalán: La persistència de la memòria) es un cuadro de 1931 artista Dalí y una de las obras más reconocidas del surrealismo.
Expuesto por primera vez en la Galería Julien Levy en 1932, desde 1934 el cuadro pertenece a la colección del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, que lo recibió de un donante anónimo.
Es ampliamente reconocido y frecuentemente referido en la cultura popular, y a veces se le conoce con títulos más descriptivos, como «Los relojes que se derriten» o «Los relojes blandos»
Dalí retoma el tema de este cuadro con la variación La desintegración de la persistencia de la memoria , que muestra su famosa obra anterior fragmentándose sistemáticamente en elementos componentes más pequeños, y una serie de bloques rectangulares que revelan más imágenes a través de los huecos entre ellos, dando a entender que hay algo debajo de la superficie de la obra original; esta obra se encuentra ahora en el Museo Salvador Dalí de San Petersburgo, Florida, mientras que la Persistencia de la memoria original permanece en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Dalí también realizó varias litografías y esculturas sobre el tema de los relojes blandos al final de su carrera. Algunas de estas esculturas son Persistencia de la memoria, Nobleza del tiempo, Perfil del tiempo y Tres relojes danzantes.
2- La tentación de San Antonio
La tentación de San Antonio es un cuadro pintado en 1946. Es un precursor del conjunto de obras de Dalí comúnmente conocido como el «período clásico» o el «Renacimiento de Dalí«.
Dalí pintó La tentación de San Antonio en 1946, en respuesta a un concurso convocado por la productora cinematográfica David L. Loew-Albert Lewin para un cuadro de La tentación de San Antonio, que se utilizaría en la película Los asuntos privados de Bel Ami. Este fue el único concurso de arte en el que participó Dalí, y el cuadro elegido para la película fue la versión de la tentación de Max Ernst.
El cuadro contiene muchos elementos surrealistas típicos de su obra. Cabe destacar que fue la primera de sus obras en mostrar su interés por los intermedios entre el Cielo y la Tierra.
Esta obra se encuentra actualmente en los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica, en Bruselas, Bélgica.
Los artistas y autores han representado durante mucho tiempo la tentación de San Antonio en su arte. La Tentación de San Antonio está pintada con óleo sobre lienzo. Representa un paisaje desértico: una línea de horizonte baja con nubes altas y tonos oscuros y cálidos en un cielo azul.
La figura de San Antonio está arrodillada en la esquina inferior izquierda. Sostiene una cruz en su mano derecha y con la izquierda se apoya en una forma ambigua. Un cráneo humano descansa junto a su pie derecho. Un desfile de elefantes guiados por un caballo se acerca a San Antonio.
Los elefantes portan objetos simbólicos que representan la tentación: una estatua de una mujer desnuda que sostiene sus pechos, un obelisco, un complejo de edificios que encierra un torso femenino desnudo e incorpóreo y una torre vertical. Los animales tienen unas patas exageradas, largas y enjutas, que los hacen parecer ingrávidos.
3- Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar
Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar es un cuadro surrealista de Salvador Dalí. Un título alternativo más corto para el cuadro es Sueño causado por el vuelo de una abeja.
Fue pintado en 1944, y se dice que la mujer que aparece en el cuadro, soñando, representa a su esposa, Gala. El cuadro se encuentra actualmente en el Museo Thyssen-Bornemisza, en Madrid.
Se trata de una pintura al óleo sobre madera. En esta «fotografía onírica pintada a mano«, como Dalí solía llamar a sus cuadros, aparece un paisaje marino de horizontes lejanos y aguas tranquilas, quizás Port Lligat, en medio del cual Gala es el sujeto de la escena. Junto al cuerpo desnudo de la mujer dormida, que levita sobre una roca plana que flota sobre el mar, Dalí representa dos gotas de agua suspendidas y una granada, símbolo cristiano de fertilidad y resurrección Sobre la granada vuela una abeja, insecto que tradicionalmente simboliza a la Virgen.
En la parte superior izquierda del cuadro, lo que parece ser un pez de roca amarillo estalla de la granada y, a su vez, vomita un tigre que se abalanza sobre ella y que, a su vez, vomita otro tigre que se abalanza sobre ella y que está a punto de atacar a Gala y un rifle con bayoneta que está a punto de picarla en el brazo. Sobre ellos se encuentra el primer uso de Dalí de un elefante con largas patas de flamenco, que se encuentra en sus composiciones posteriores como La tentación de San Antonio.
El elefante lleva sobre su espalda un obelisco, inspirado en el Elefante y el Obelisco de Bernini en la Piazza Santa Maria sopra Minerva de Rom.
4- Galatea de las Esferas
Galatea de las esferas es un cuadro de Salvador Dalí realizado en 1952. Representa a Gala Dalí, la esposa y musa de Salvador Dalí, como una serie de esferas dispuestas en un conjunto continuo.
El nombre de Galatea hace referencia a una ninfa del mar de la mitología clásica famosa por su virtud, y también puede referirse a la estatua amada por su creador, Pigmalión.
El cuadro, de 65,0 x 54,0 cm, representa el busto de Gala compuesto por una matriz de esferas aparentemente suspendidas en el espacio. Representa una síntesis del arte renacentista y de la teoría atómica e ilustra la discontinuidad final de la materia,[1] las propias esferas representan partículas atómicas.
Dalí estaba muy interesado en la física nuclear desde las primeras explosiones de la bomba atómica de agosto de 1945, y describió el átomo como su «alimento favorito para el pensamiento«.
Reconociendo que la materia está formada por átomos que no se tocan entre sí, trató de reproducirlo en su arte de la época, con elementos suspendidos y sin contacto entre sí, como en La Virgen de Port Lligat. Este cuadro era también un símbolo de su intento de conciliar su renovada fe en el catolicismo con la física nuclear
Dalí quiso que este cuadro se expusiera en un caballete, que había sido propiedad del pintor francés Jean-Louis-Ernest Meissonier, en un conjunto de tres salas llamado el Palacio de los Vientos (llamado así por la tramontana) en el Teatro y Museo Dalí de Figueres.
Fue transportada y expuesta en la National Gallery of Victoria de Melbourne en 2009, junto con muchos otros cuadros de Dalí en la exposición Liquid Desire.
5- El Gran Masturbador
El Gran Masturbador es un cuadro de Salvador Dalí realizado durante la época surrealista, que se expone actualmente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
El centro del cuadro presenta un rostro humano distorsionado de perfil que mira hacia abajo, basado en la forma de una formación rocosa natural en el Cabo de Creus, a lo largo de la costa de Cataluña. Un perfil similar se ve en el cuadro más famoso de Dalí de dos años después, La persistencia de la memoria.
Una figura femenina desnuda (que se asemeja a la entonces nueva musa de Dalí, Gala) surge de la parte posterior de la cabeza; puede tratarse de la fantasía masturbatoria que sugiere el título. La boca de la mujer está cerca de una entrepierna masculina finamente vestida, una sugerencia de que puede tener lugar una felación.
La figura masculina, vista sólo de cintura para abajo, tiene cortes frescos y sangrantes en las rodillas. Debajo de la cabeza de perfil central, sobre su boca, hay un saltamontes, un insecto al que Dalí se refirió varias veces en sus escritos.
Un enjambre de hormigas (un motivo popular que representa la ansiedad sexual en la obra de Dalí) se reúne en el abdomen del saltamontes, así como en el rostro inclinado.
En el paisaje de abajo, se disponen otras tres figuras, junto con un huevo (comúnmente utilizado como símbolo de fertilidad) y otros elementos escasos. Dos de los personajes del paisaje están dispuestos de tal manera que proyectan una larga sombra única, mientras que el otro personaje se ve caminando apresuradamente hacia la distancia en la periferia del lienzo.
A la espalda de la figura central de la cabeza, se puede ver una formación de dos rocas y una planta seca en maceta, la maceta de la planta colocada sobre la roca inferior, mientras que la otra roca se equilibra sobre ella de forma irreal. Se cree que esta parte representa la idea de fuga de la realidad que se encuentra en muchas otras obras de Dalí.
El cuadro puede representar las actitudes gravemente conflictivas de Dalí hacia las relaciones sexuales. En la juventud de Dalí, su padre le había dejado un libro con fotos explícitas de personas que sufrían enfermedades venéreas avanzadas sin tratar para «educar» al niño. Las fotos de genitales enfermos y grotescamente dañados fascinaban y horrorizaban al joven Dalí, que siguió asociando el sexo con la putrefacción y la decadencia hasta su edad adulta.
6- Jirafa en llamas
La jirafa en llamas es un óleo sobre tabla y se encuentra en el Kunstmuseum Basel y fue pintado en 1937.
Dalí pintó Jirafa en llamas antes de su exilio en Estados Unidos, que duró desde 1940 hasta 1948. Aunque Dalí se declaraba apolítico – «Yo soy Dalí, y sólo eso«- este cuadro muestra su lucha personal contra la batalla en su país natal.
Son característicos los cajones abiertos de la figura femenina azul, que Dalí describió en una fecha posterior como «Femme-coccyx» (mujer de hueso de cola). Este fenómeno se remonta al método psicoanalítico de Sigmund Freud, muy admirado por Dalí. Lo consideraba un enorme paso adelante para la civilización, como muestra la siguiente cita: «La única diferencia entre la Grecia inmortal y nuestra época es Sigmund Freud, que descubrió que el cuerpo humano, que en la época griega era meramente neoplatónico, está ahora lleno de cajones secretos que sólo se pueden abrir mediante el psicoanálisis».
Los cajones abiertos en esta expresiva figura femenina apuntalada se refieren, pues, al subconsciente interior del hombre. En palabras del propio Dalí, sus cuadros forman «una especie de alegoría que sirve para ilustrar una determinada percepción, para seguir los numerosos olores narcisistas que ascienden desde cada uno de nuestros cajones».
La imagen está ambientada en una atmósfera crepuscular con un cielo azul intenso. Hay dos figuras femeninas en primer plano, una de ellas con cajones que se abren desde su lado como un cofre. Ambas tienen formas fálicas indefinidas (tal vez relojes fundidos, como imagen recurrente de las obras anteriores de Dalí) que sobresalen de sus espaldas y se apoyan en objetos similares a muletas. Las manos, los antebrazos y el rostro de la figura más cercana están desnudos hasta el tejido muscular que hay bajo la piel. Una de las figuras sostiene una tira de carne.
Tanto las figuras humanas que hacen las veces de cómoda como las formas de muletas son arquetipos habituales en la obra de Dalí.
A lo lejos se ve una jirafa con el lomo en llamas. Dalí utilizó por primera vez la imagen de la jirafa en llamas en su película L’Âge d’Or (La edad de oro) de 1930. Vuelve a aparecer en 1937 en el cuadro La invención de los monstruos. Dalí describió esta imagen como «el monstruo cósmico apocalíptico masculino». Creía que era una premonición de la guerra.
7- Metamorfosis de Narciso
Metamorfosis de Narciso es un óleo sobre lienzo que pertenece al periodo paranoico-crítico de Dalí y representa su interpretación del mito griego de Narciso. Dalí comenzó a pintar en la primavera de 1937 mientras se encontraba en Zürs, en los Alpes austríacos.
Según la mitología griega, la belleza de Narciso atraía a casi todos los que lo veían y tanto los hombres como las mujeres lo perseguían, pero él rechazaba todos los avances. Una de sus admiradoras, una ninfa llamada Eco, se enamoró tan perdidamente de él que, después de que él la rechazara, se consumió hasta que sólo quedó su voz. La diosa Némesis, apiadándose de Eco, convenció a Narciso para que mirara en un estanque. Al ver su propio rostro reflejado en el agua, Narciso se enamoró de su propio reflejo. Al no poder abrazar su propio reflejo, Narciso también se consumió y en su lugar creció la flor que lleva su nombre, el narciso.
En el cuadro de Dalí, representa la figura de Narciso en la parte izquierda del lienzo, agachado junto a un lago, con la cabeza apoyada en la rodilla, y una mano de piedra agarrando un huevo que refleja la forma de su cuerpo en la parte derecha. Del huevo roto brota una flor de narciso. En el centro del cuadro hay un grupo de pretendientes rechazados por Narciso. Entre las montañas del fondo descansa una tercera figura de Narciso.
El 19 de julio de 1938, en Londres, Dalí conoce a Sigmund Freud, a quien el pintor admiraba desde los años veinte, tras leer el libro de Freud La interpretación de los sueños.
Durante su encuentro, Dalí llevó su cuadro Metamorfosis de Narciso con la esperanza de utilizarlo para discutir la teoría psicoanalítica del narcisismo y su concepto de paranoia crítica, que desarrolló basándose en el concepto de paranoia de Freud. También se le dio permiso para dibujar a Freud. El encuentro fue organizado por el escritor Stefan Zweig y el benefactor de Dalí, Edward James, que también asistió y finalmente obtuvo la propiedad de Metamorfosis de Narciso.
8- Cristo de San Juan de la Cruz
El Cristo de San Juan de la Cruz es un cuadro realizado en 1951 que se encuentra en la colección de la Kelvingrove Art Gallery and Museum de Glasgow.
Representa a Jesucristo en la cruz en un cielo oscuro flotando sobre una masa de agua, con una barca y pescadores. Aunque se trata de una representación de la crucifixión, carece de clavos, sangre y corona de espinas porque, según Dalí, un sueño le convenció de que estos elementos estropearían su representación de Cristo. También en un sueño, se le reveló la importancia de representar a Cristo en el ángulo extremo que se aprecia en el cuadro.
El cuadro se conoce como el Cristo de San Juan de la Cruz, porque su diseño se basa en un dibujo del fraile español del siglo XVI Juan de la Cruz.
La composición de Cristo también se basa en un triángulo y un círculo (el triángulo está formado por los brazos de Cristo; el círculo está formado por la cabeza de Cristo). El triángulo, al tener tres lados, puede considerarse una referencia a la Trinidad, y el círculo puede ser una alusión al pensamiento platónico. El círculo representa la Unidad: todas las cosas existen en el «tres», pero en el cuatro, felices sean.
Al pie de sus estudios para el cuadro, Dalí explicó su inspiración:
«En primer lugar, en 1950, tuve un ‘sueño cósmico’ en el que vi esta imagen en color y que en mi sueño representaba el ‘núcleo del átomo’. Este núcleo adquirió más tarde un sentido metafísico; lo consideré ‘la unidad misma del universo’, ¡el Cristo!».
Para crear la figura de Cristo, Dalí hizo que el actor especialista de Hollywood Russell Saunders se colgara de un pórtico, para poder ver cómo aparecería el cuerpo desde el ángulo deseado y también prever la fuerza de gravedad sobre el cuerpo humano. La masa de agua representada es la bahía de Port Lligat, la residencia de Dalí en el momento de pintar el cuadro.
9- Desintegración de la persistencia de la memoria
La desintegración de la persistencia de la memoria es una pintura al óleo sobre lienzo de 1954 que recrea la famosa obra del artista de 1931 La persistencia de la memoria, y mide unos diminutos 25,4 × 33 cm.
Originalmente se conocía como El cromosoma de un ojo de pez muy coloreado que inicia la desintegración armoniosa de La persistencia de la memoria, y se expuso por primera vez en la Carstairs Gallery de Nueva York en 1954.
En esta versión, el paisaje de la obra original se ha inundado de agua. La desintegración representa lo que ocurre tanto por encima como por debajo de la superficie del agua.
El paisaje de Cadaqués flota ahora sobre el agua. El plano y el bloque del original se dividen ahora en formas parecidas a ladrillos que flotan entre sí, sin que nada los una. Representan la descomposición de la materia en átomos, una revelación en la era de la mecánica cuántica.
Detrás de los ladrillos, los cuernos que se alejan simbolizan los misiles atómicos, destacando que, a pesar del orden cósmico, la humanidad podría provocar su propia destrucción. El olivo muerto del que cuelga el reloj blando también ha empezado a romperse.
Las manecillas de los relojes flotan sobre sus esferas, con varios objetos cónicos que flotan en formaciones paralelas rodeando los relojes. Se ha añadido un cuarto reloj en fusión. El rostro humano distorsionado del cuadro original comienza a transformarse en otro de los extraños peces que flotan sobre él. Para Dalí, sin embargo, el pez era un símbolo de la vida.
10- Construcción blanda con judías hervidas
Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) es una obra que Dalí creó para representar los horrores de la Guerra Civil española, habiéndola pintado sólo seis meses antes de que comenzara el conflicto. Posteriormente afirmó que era consciente de que la guerra iba a ocurrir mucho antes de que comenzara, y citó su obra como prueba del «poder profético de su mente subconsciente». Sin embargo, algunos han especulado con la posibilidad de que Dalí cambiara el nombre del cuadro después de la guerra para enfatizar sus afirmaciones proféticas, aunque no es del todo seguro.
El historiador del arte Robert Hughes comentó el cuadro de Dalí en su biografía de Goya, afirmando:
«Salvador Dalí se apropió del muslo horizontal del Saturno agazapado de Goya para el monstruo híbrido del cuadro Construcción blanda con judías hervidas, … que -más que el Guernica de Picasso– es la mejor obra de arte visual inspirada en la Guerra Civil española».
El cuadro es un óleo sobre lienzo y se encuentra en el Museo de Arte de Filadelfia. Dalí lo pintó en 1936, pero hay estudios que datan de 1934
Dalí y su esposa, Gala, se vieron atrapados en medio de una huelga general y un levantamiento armado de los separatistas catalanes en Cataluña en 1934, un incidente que puede haber influido en su motivo de la Guerra Civil española.
Salvador y Gala escaparon a París, donde se casaron. Dalí y Gala habían contratado a un escolta para que los llevara a salvo a París, pero el escolta murió a su regreso debido a las tensiones de la Guerra Civil española. Cuando Dalí regresó finalmente a su casa, su casa de Port Lligat había sido destruida en la guerra. También se vio muy afectado porque su amigo, Federico García Lorca, fue ejecutado en la guerra y su hermana Ana María fue encarcelada y torturada.
Este cuadro expresa la destrucción durante la Guerra Civil española. La monstruosa criatura de este cuadro es autodestructiva, al igual que lo es la Guerra Civil.
No pretende representar la elección de un bando, aunque Dalí tuvo muchas razones para elegir un bando en la Guerra Civil española. Su hermana fue torturada y encarcelada por los soldados comunistas que luchaban por la República y su buen amigo de la escuela de arte, el poeta Federico García Lorca, fue asesinado por un pelotón de fusilamiento fascista.
Dalí también hizo que este cuadro tuviera un aspecto muy realista y, sin embargo, siguió aportando conceptos surrealistas. Aunque los seres humanos no tienen el potencial de parecerse a las criaturas de este cuadro, éste conserva una sensación realista, que recuerda al espectador la gravedad de las ideas que hay detrás. También aportó ideas de tradición a esta obra con un hermoso cielo catalán, creando un contraste con la idea de revolución.
Hay un número importante de judías hervidas en este cuadro. Se cita a Dalí diciendo que la razón por la que incluyó las judías hervidas fue que «no se podía imaginar tragar toda esa carne inconsciente sin la presencia de alguna verdura harinosa y melancólica» Con esto quería decir que había muchas dificultades en la guerra, por lo que los ciudadanos españoles tenían que hacer lo mejor posible para lidiar con sus problemas. Jugó con los temas del amor, la comida y la guerra y cómo están todos relacionados.
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