Jahrhundertelang wurde die Kunstgeschichte von männlichen Namen wie Leonardo da Vinci, Michelangelo und Rembrandt dominiert. Im Laufe der Geschichte gab es jedoch auch talentierte und visionäre Künstlerinnen, die beeindruckende Kunstwerke geschaffen und bedeutende Beiträge zur Kunstwelt geleistet haben.
Von der Malerei und Bildhauerei bis hin zur Fotografie und Videokunst haben Künstlerinnen mit ihren Werken kulturelle Erwartungen in Frage gestellt und Geschlechterrollen hinterfragt. In diesem Artikel erkunden wir das Leben und die Arbeit einiger der bedeutendsten Künstlerinnen der Geschichte.
10 Künstlerinnen, die man nicht verpassen sollte
Natürlich ist die Kunstgeschichte voll von Künstlerinnen, und es wäre unmöglich, sie alle in diesem Artikel zu nennen. Deshalb haben wir einige der herausragendsten Künstlerinnen ausgewählt.
1-Sofonisba Anguissola
Sofonisba Anguissola (ca. 1532 – 16. November 1625), auch bekannt als Sophonisba Angussola oder Sophonisba Anguisciola, war eine italienische Malerin der Renaissance, die in Cremona in einer relativ armen Adelsfamilie geboren wurde.
Sie erhielt eine gründliche Ausbildung, die auch die schönen Künste umfasste, und ihre Lehre bei lokalen Malern schuf einen Präzedenzfall für die Zulassung von Frauen als Kunststudentinnen.
Als junge Frau reiste Anguissola nach Rom, wo sie Michelangelo vorgestellt wurde, der ihr Talent sofort erkannte, und nach Mailand, wo sie den Herzog von Alba malte. Die Königin von Spanien, Isabella von Valois, war eine große Anhängerin der Malerei, und 1559 wurde Anguissola als ihre Tutorin mit dem Rang einer Hofdame nach Madrid berufen.
Später wurde sie offizielle Hofmalerin von Philipp II. und passte ihren Stil an die formelleren Anforderungen der offiziellen Porträtmalerei am spanischen Hof an. Nach dem Tod der Königin half Philipp ihr, eine aristokratische Ehe zu arrangieren. Er zog nach Sizilien und später nach Pisa und Genua, wo er weiterhin als führender Porträtist tätig war.
Ihre charakteristischsten und attraktivsten Gemälde sind die Porträts von sich selbst und ihrer Familie, die sie malte, bevor sie an den spanischen Hof ging. Vor allem ihre Kinderporträts sind frisch und sorgfältig gemalt. Am spanischen Hof malte sie als eine der ersten und erfolgreichsten der relativ wenigen Hofmalerinnen formale Staatsporträts im vorherrschenden offiziellen Stil. Später malte sie auch religiöse Themen, obwohl viele ihrer religiösen Bilder verloren gegangen sind. Sie starb im Alter von 93 Jahren im Jahr 1625 in Palermo.
Anguissolas Beispiel und ihr Werk hatten einen nachhaltigen Einfluss auf spätere Künstlergenerationen, und ihr großer Erfolg ebnete den Weg für weitere Frauen, sich ernsthaft mit der Malerei zu beschäftigen.
Ihre Bilder sind in Galerien in Boston (Isabella Stewart Gardner Museum), Milwaukee (Milwaukee Art Museum), Bergamo, Brescia, Budapest, Madrid (Museo del Prado), Neapel und Siena sowie in den Uffizien in Florenz zu sehen.
Ihr Zeitgenosse Giorgio Vasari schrieb, dass Anguissola „in ihren zeichnerischen Bemühungen mehr Einsatz und mehr Anmut gezeigt hat als jede andere Frau unserer Zeit; so ist es ihr nicht nur gelungen, nach dem Leben zu zeichnen, zu kolorieren und zu malen, sondern sie hat auch selbst seltene und sehr schöne Gemälde geschaffen“.
2-Elisabeth Louise Vigée Le Brun
Élisabeth Louise Vigée Le Brun (16. April 1755 – 30. März 1842), auch bekannt als Madame Le Brun, war eine französische Porträtmalerin, insbesondere von Frauen, im späten 18. und frühen 19.
Ihr künstlerischer Stil wird im Allgemeinen den Nachwehen des Rokoko mit Elementen eines übernommenen neoklassizistischen Stilszugerechnet. Seine Sujets und seine Farbpalette sind dem Rokoko zuzuordnen, aber sein Stil ist auf die Entstehung des Neoklassizismus ausgerichtet. Vigée Le Brun machte sich in der Gesellschaft des Ancien Régime einen Namen als Porträtist von Marie Antoinette.
Sie genoss die Gunst der europäischen Aristokraten, Schauspieler und Schriftsteller und wurde in die Kunstakademien von zehn Städten gewählt. Einige berühmte zeitgenössische Künstler wie Joshua Reynolds hielten sie für eine der besten Porträtisten ihrer Zeit und verglichen sie mit den alten niederländischen Meistern.
Vigée Le Brun schuf 660 Porträts und 200 Landschaften. Neben zahlreichen Werken in Privatsammlungen befinden sich ihre Gemälde in bedeutenden Museen wie dem Louvre in Paris, der Eremitage in St. Petersburg, der National Gallery in London, dem Metropolitan Museum of Art in New York und vielen anderen Sammlungen in Europa und den Vereinigten Staaten. Sein persönlicher Habitus zeichnete sich durch eine große Sensibilität für Geräusche, Augen und Gerüche aus.
Zwischen 1835 und 1837, als Vigée Le Brun bereits über 80 Jahre alt war, veröffentlichte er seine Memoiren in drei Bänden (Souvenirs), die auch zahlreiche Federporträts und Ratschläge für junge Porträtisten enthalten.
3-Rosa Bonheur
Rosa Bonheur (geb. Marie-Rosalie Bonheur; 16. März 1822 – 25. Mai 1899) war eine französische Künstlerin, die vor allem als Tiermalerin (animalière) bekannt wurde.
Sie schuf auch Skulpturen im realistischen Stil. Zu ihren Werken gehören „Pflügen im Nivernais“, das erstmals auf dem Pariser Salon von 1848 ausgestellt wurde und sich heute im Musée d’Orsay in Paris befindet, und „Der Pferdemarkt“ (französisch: „Le marché aux chevaux“), der auf dem Pariser Salon von 1853 ausgestellt wurde (1855 vollendet) und sich heute im Metropolitan Museum of Art in New York befindet. Bonheur gilt als der berühmteste Maler des 19. Jahrhunderts.
Es wird behauptet, dass Bonheur offen lesbisch war, da sie mehr als 40 Jahre lang mit ihrer Partnerin Nathalie Micas zusammenlebte, bis zu deren Tod, nach dem sie mit der amerikanischen Malerin Anna Elizabeth Klumpke zusammenlebte. Andere weisen jedoch darauf hin, dass diese Behauptung durch nichts belegt ist.
4-Hilma af Klint
Hilma af Klint (26. Oktober 1862 – 21. Oktober 1944) war eine schwedische Künstlerin und Mystikerin, deren Gemälde zu den frühesten bekannten abstrakten Werken in der Geschichte der westlichen Kunst gezählt werden. Ein beträchtlicher Teil ihres Werks geht den frühen rein abstrakten Kompositionen von Kandinsky, Malewitsch und Mondrian voraus.
Sie gehörte zu einer Gruppe, die sich „Die Fünf“ nannte, ein Kreis von Frauen, die von der Theosophie inspiriert waren und den Glauben teilten, dass es wichtig sei, mit den so genannten „Hohen Meistern“ in Kontakt zu treten, oft durch Séancen.
Ihre Gemälde, die manchmal an Diagramme erinnern, waren eine visuelle Darstellung komplexer spiritueller Ideen.
5-Frida Kahlo
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (6. Juli 1907 – 13. Juli 1954) war eine mexikanische Malerin, die für ihre zahlreichen Porträts, Selbstporträts und von der Natur und den Objekten Mexikos inspirierten Werke bekannt ist. Inspiriert von der Populärkultur des Landes setzte sie einen naiven folkloristischen Stil ein, um Fragen der Identität, des Postkolonialismus, der Geschlechter, der Klasse und der Rasse in der mexikanischen Gesellschaft zu untersuchen.
Seine Gemälde weisen oft starke autobiografische Elemente auf und vermischen Realismus mit Fantasie. Kahlo gehörte nicht nur der postrevolutionären Mexicayotl-Bewegung an, die eine mexikanische Identität zu definieren versuchte, sondern wurde auch als Surrealistin oder magische Realistin bezeichnet. Sie ist dafür bekannt, dass sie ihre Erfahrungen mit chronischen Schmerzen in ihren Bildern verarbeitet.
Als Tochter eines deutschen Vaters und einer gemischtrassigen Mutter verbrachte Kahlo den größten Teil ihrer Kindheit und ihres Lebens in La Casa Azul, ihrem Elternhaus in Coyoacán, das heute als Frida-Kahlo-Museum der Öffentlichkeit zugänglich ist.
Obwohl sie als Kind durch Kinderlähmung verkrüppelt wurde, war Kahlo eine vielversprechende Schülerin, die Medizin studieren sollte, bis sie im Alter von 18 Jahren in einen Busunfall verwickelt wurde, der ihr lebenslange Schmerzen und medizinische Probleme verursachte. Während ihrer Genesung nahm sie ihr kindliches Interesse an der Kunst wieder auf und hatte die Idee, Künstlerin zu werden.
Ihr Interesse an Politik und Kunst veranlasste sie 1927, der Kommunistischen Partei Mexikos beizutreten, wo sie den mexikanischen Künstlerkollegen Diego Rivera kennenlernte. Das Paar heiratete 1929 und verbrachte die späten 1920er und frühen 1930er Jahre gemeinsam auf Reisen in Mexiko und den Vereinigten Staaten. In dieser Zeit entwickelte sie ihren künstlerischen Stil, der sich hauptsächlich auf die mexikanische Volkskultur stützte, und malte vor allem kleine Selbstporträts, die Elemente des präkolumbianischen und des katholischen Glaubens vermischten.
Ihre Bilder weckten das Interesse des surrealistischen Künstlers André Breton, der 1938 Kahlos erste Einzelausstellung in der Julien Levy Gallery in New York organisierte; die Ausstellung war ein Erfolg und wurde 1939 in Paris fortgesetzt. Obwohl die französische Ausstellung weniger erfolgreich war, erwarb der Louvre ein Gemälde von Kahlo, Der Rahmen, und nahm sie damit als erste mexikanische Künstlerin in seine Sammlung auf. In den 1940er Jahren nahm Kahlo an Ausstellungen in Mexiko und den Vereinigten Staaten teil und arbeitete als Kunstlehrerin. Sie unterrichtete an der Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado („La Esmeralda“) und war Gründungsmitglied des Seminario de Cultura Mexicana. Kahlos Gesundheit, die schon immer angeschlagen war, begann sich im selben Jahrzehnt zu verschlechtern.
Ihre erste Einzelausstellung in Mexiko fand 1953 statt, kurz bevor sie 1954 im Alter von 47 Jahren starb.
Kahlos künstlerisches Werk blieb bis in die späten 1970er Jahre relativ unbekannt, bis es von Kunsthistorikern und politischen Aktivisten wiederentdeckt wurde. Anfang der 1990er Jahre war sie nicht nur eine anerkannte Figur der Kunstgeschichte, sondern galt auch als Ikone der Chicanos, der feministischen Bewegung und der LGBTQ+-Community. Kahlos Werk wurde international als ikonisch gefeiert.
6-Mary Cassatt
Mary Stevenson Cassatt (22. Mai 1844 – 14. Juni 1926) war eine amerikanische Malerin und Grafikerin. Sie wurde in Allegheny, Pennsylvania (heute Teil des nördlichen Pittsburgh) geboren, verbrachte aber einen Großteil ihres Erwachsenenlebens in Frankreich, wo sie mit Edgar Degas befreundet war und mit den Impressionisten ausstellte.
Cassatt schuf häufig Bilder aus dem gesellschaftlichen und privaten Leben von Frauen, wobei sie sich besonders auf die intimen Beziehungen zwischen Müttern und Kindern konzentrierte.
Gustave Geffroy bezeichnete sie 1879 als eine der „les trois grandes dames“ (die drei großen Damen) des Impressionismus, zusammen mit Marie Bracquemond und Berthe Morisot, Diego Martelli verglich sie mit Degas, da beide danach strebten, Bewegung, Licht und Design in modernstem Sinne darzustellen.
7-Georgia O’Keeffe
Georgia Totto O’Keeffe (15. November 1887 – 6. März 1986) war eine amerikanische Künstlerin der Moderne. Sie war bekannt für ihre Gemälde mit vergrößerten Blumen, New Yorker Wolkenkratzern und Landschaften aus New Mexico. O’Keeffe wurde als „Mutter des amerikanischen Modernismus“ bezeichnet.
Im Jahr 1905 begann O’Keeffe ihre künstlerische Ausbildung an der School of the Art Institute of Chicago und später an der Art Students League in New York. Da sie ihr Studium nicht fortsetzen konnte, arbeitete sie 1908 zwei Jahre lang als Werbeillustratorin und unterrichtete zwischen 1911 und 1918 in Virginia, Texas und South Carolina.
In den Sommern zwischen 1912 und 1914 studierte sie Kunst und lernte die Prinzipien und die Philosophie von Arthur Wesley Dow kennen, der Kunstwerke schuf, die auf dem persönlichen Stil, der Gestaltung und der Interpretation von Themen basierten, anstatt zu versuchen, sie zu kopieren oder darzustellen. Dies führte zu einem großen Wandel in ihrem Empfinden und ihrer Herangehensweise an die Kunst, was sich in den frühen Phasen ihrer Aquarelle aus dem Studium an der University of Virginia und vor allem in ihren Kohlezeichnungen von 1915 zeigt, die sie zur völligen Abstraktion führten. Alfred Stieglitz, ein Kunsthändler und Fotograf, organisierte 1917 eine Ausstellung ihrer Werke, und in den folgenden zwei Jahren unterrichtete sie am Teachers College der Columbia University und setzte ihre Studien fort.
1918 zog sie auf Stieglitz‘ Wunsch hin nach New York und begann, ernsthaft als Künstlerin zu arbeiten. Die beiden entwickelten eine berufliche und persönliche Beziehung, die 1924 zu ihrer Heirat führte. O’Keeffe schuf viele Formen abstrakter Kunst, darunter auch Nahaufnahmen von Blumen, wie die Red Canna-Gemälde, die von vielen als Darstellung von Vulva angesehen wurden, obwohl O’Keeffe diese Absicht stets bestritt. Die Unterstellung der Darstellung weiblicher Sexualität wurde auch durch die expliziten und sinnlichen Fotografien von O’Keeffe genährt, die Stieglitz aufgenommen und ausgestellt hatte.
O’Keeffe und Stieglitz lebten bis 1929 gemeinsam in New York, als O’Keeffe begann, einen Teil des Jahres im Südwesten zu verbringen, was sie zu Gemälden von Landschaften in New Mexico und Bildern von Tierschädeln inspirierte, wie Cow’s Skull: Red, White, and Blue und Ram’s Head White Hollyhock and Little Hills. Nach Stieglitz‘ Tod lebte er in New Mexico im Georgia O’Keeffe Home and Studio in Abiquiú, bis er in den letzten Jahren seines Lebens in Santa Fe wohnte.
Im Jahr 2014 wurde O’Keeffes Gemälde Jimson Weed/White Flower No. 1 aus dem Jahr 1932 für 44.405.000 $ verkauft, was mehr als das Dreifache des bisherigen Auktionsrekords für eine Künstlerin bedeutet. Nach ihrem Tod wurde das Georgia O’Keeffe Museum in Santa Fe gegründet.
8-HelenFrankethaler
Helen Frankenthaler (12. Dezember 1928 – 27. Dezember 2011) war eine amerikanische Malerin des abstrakten Expressionismus. Sie leistete einen entscheidenden Beitrag zur Geschichte der amerikanischen Nachkriegsmalerei.
Sie stellte ihr Werk mehr als sechs Jahrzehnte lang aus (von den frühen 1950er Jahren bis 2011) und überbrückte dabei mehrere Generationen abstrakter Maler, während sie neue, vitale und sich ständig verändernde Werke schuf.Frankenthaler begann in den frühen 1950er Jahren, ihre großformatigen abstrakten expressionistischen Gemälde in zeitgenössischen Museen und Galerien auszustellen.
Sie wurde in die Ausstellung Post-Painting Expressionist von 1964 aufgenommen. 1964 nahm sie an der von Clement Greenberg kuratierten Ausstellung Post-Painterly Abstraction teil, die eine neue Generation abstrakter Malerei einführte, die als Colour Field bekannt wurde.
Die in Manhattan geborene Künstlerin wurde durch die Gemälde von Greenberg, Hans Hofmann und Jackson Pollock beeinflusst.
Ihr Werk war Gegenstand mehrerer Retrospektivausstellungen, darunter eine Ausstellung im Museum of Modern Art in New York im Jahr 1989, und wird seit den 1950er Jahren weltweit gezeigt. Im Jahr 2001 wurde er mit der National Medal of Arts ausgezeichnet.
Frankenthaler hatte ein Haus und ein Atelier in Darien, Connecticut.
9-Leonora Carrington
Mary Leonora Carrington (6. April 1917 – 25. Mai 2011) war eine britische Künstlerin, surrealistische Malerin und Schriftstellerin. Sie lebte die meiste Zeit ihres Erwachsenenlebens in Mexiko-Stadt und war eine der letzten überlebenden Mitglieder der surrealistischen Bewegung der 1930er Jahre.
Carrington war auch ein Gründungsmitglied der Frauenbefreiungsbewegung in Mexiko in den 1970er Jahren.
10-Louis Bourgeois
Louise Joséphine Bourgeois (25. Dezember 1911 – 31. Mai 2010) war eine französisch-amerikanische Künstlerin. Obwohl sie vor allem für ihre großformatigen Skulpturen und Installationen bekannt ist, war Bourgeois auch eine produktive Malerin und Grafikerin.
Während ihrer langen Karriere beschäftigte sie sich mit einer Vielzahl von Themen wie Häuslichkeit und Familie, Sexualität und Körper sowie Tod und Unbewusstes, die sie mit Ereignissen aus ihrer Kindheit verknüpfte, die sie als therapeutischen Prozess betrachtete.
Obwohl Bourgeois mit den Abstrakten Expressionisten ausstellte und ihr Werk viele Gemeinsamkeiten mit dem Surrealismus und der feministischen Kunst aufweist, war sie formal keiner bestimmten Kunstbewegung zugehörig.