Pablo Picasso è uno degli artisti più importanti e straordinari della storia dell’arte. È stato un pittore molto prolifico. Con un numero di opere tra le 1300 e le 1900 create nel corso della sua vita, è difficile sceglierne solo 10. Per questo articolo abbiamo selezionato 10 tra le opere più famose dell’artista di Malaga
1- Guernica
Guernica è forse l’opera più famosa di Picasso e uno dei dipinti più conosciuti al mondo.
Picasso realizzò questo olio su tela in stile cubista tra il 1° maggio e il 4 giugno 1937 a Parigi, in risposta a una commissione del governo repubblicano di Francisco Largo Caballero per il padiglione spagnolo all’Esposizione Universale di Parigi del 1937.
Questa tela monumentale è una denuncia impegnata del bombardamento di Guernica, appena avvenuto il 26 aprile 1937, durante la guerra di Spagna, ordinato dai nazionalisti spagnoli ed eseguito dalle truppe fasciste tedesche e italiane
Il dipinto di Picasso, esposto in molti Paesi tra il 1937 e il 1939, ebbe un ruolo importante nell’intensa propaganda generata dai bombardamenti e dalla guerra di Spagna, e acquisì rapidamente fama internazionale e significato politico, diventando un simbolo della denuncia della violenza franchista e fascista, e poi dell’orrore della guerra in generale.
Conservata per tutta la durata della dittatura franchista negli Stati Uniti su richiesta di Picasso, l’opera fu trasferita in Spagna nel 1981, dove è conservata dal 1992 presso il Museo Reina Sofia di Madrid.
2- Le Demoiselles d’Avignon
Les Demoiselles d’Avignon (originariamente intitolato Il bordello di Avignone) è un grande dipinto a olio realizzato nel 1907 da Picasso. L’opera, che fa parte della collezione permanente del Museo d’Arte Moderna, ritrae cinque prostitute nude in un bordello sulla strada di Avinyó, a Barcellona, in Spagna
Ciascuna delle figure è rappresentata in modo sconcertante e conflittuale e nessuna è convenzionalmente femminile. Le donne appaiono leggermente minacciose e sono rappresentate con forme del corpo spigolose e disarticolate
La figura a sinistra ha tratti del viso e abbigliamento di tipo egiziano o dell’Asia meridionale. Le due figure adiacenti sono rappresentate nello stile iberico della Spagna, paese natale di Picasso, mentre le due a destra hanno tratti simili a maschere africane. Il primitivismo etnico evocato da queste maschere, secondo Picasso, lo spinse a “liberare uno stile artistico del tutto originale, dalla forza irresistibile, persino selvaggia”
Con questo adattamento del primitivismo e l’abbandono della prospettiva a favore di un piano bidimensionale, Picasso si allontana radicalmente dalla pittura europea tradizionale. Quest’opera proto-cubista è considerata fondamentale per il primo sviluppo del cubismo e dell’arte moderna.
Questo dipinto fu rivoluzionario e controverso e provocò rabbia e disaccordo anche tra i collaboratori e gli amici più stretti del pittore. Matisse considerò l’opera una sorta di scherzo, ma reagì indirettamente ad essa nella sua opera del 1908 Bagnanti con tartaruga. Anche Georges Braque inizialmente non apprezzò il dipinto, ma forse più di ogni altro studiò l’opera nei minimi dettagli
La sua successiva amicizia e collaborazione con Picasso portò alla rivoluzione cubista. La sua somiglianza con Le bagnanti di Cézanne, La statua di Oviri di Paul Gauguin e L’apertura del quinto sigillo di El Greco è stata ampiamente discussa dalla critica successiva.
All’epoca della sua prima esposizione, nel 1916, il dipinto era considerato immorale. L’opera, dipinta nell’atelier di Picasso al Bateau-Lavoir di Montmartre, a Parigi, fu vista per la prima volta pubblicamente al Salon d’Antin nel luglio 1916, in una mostra organizzata dal poeta André Salmon. Fu in questa occasione che Salmon (che aveva già intitolato il dipinto nel 1912 Le bordel philosophique) ribattezzò l’opera con il titolo attuale, meno scandaloso, Les Demoiselles d’Avignon, invece del titolo originariamente scelto da Picasso, Le Bordel d’Avignon
Picasso, che si è sempre riferito all’opera come mon bordel (“il mio bordello”), o Le Bordel d’Avignon, non ha mai gradito il titolo di Salmon e avrebbe invece preferito la bowdlerizzazione Le ragazze di Avignone.
3- Il vecchio chitarrista cieco
Il vecchio chitarrista cieco è un dipinto a olio di Picasso, realizzato tra la fine del 1903 e l’inizio del 1904. Raffigura un anziano musicista, un uomo emaciato e con abiti logori, chino sulla sua chitarra mentre suona per le strade di Barcellona, in Spagna. È esposto all’Art Institute di Chicago come parte della Helen Birch Bartlett Memorial Collection.
All’epoca della creazione de Il vecchio chitarrista, il modernismo, l’impressionismo, il post-impressionismo e il simbolismo avevano influenzato notevolmente lo stile di Picasso. Inoltre, El Greco, il basso tenore di vita di Picasso e il suicidio di un caro amico influenzarono lo stile di Picasso in quel periodo, che divenne noto come il periodo blu.
Diverse radiografie, immagini a infrarossi ed esami da parte dei conservatori hanno rivelato tre diverse figure nascoste dietro Il vecchio chitarrista.
Gli elementi de Il vecchio chitarrista sono stati scelti con cura per generare una reazione nello spettatore. Ad esempio, la combinazione di colori monocromatici crea forme piatte e bidimensionali che dissociano il chitarrista dal tempo e dal luogo. Inoltre, la tavolozza di blu tenui crea un tono generale di malinconia e accentua il soggetto tragico e luttuoso
L’uso esclusivo dell’olio su tavola provoca un’atmosfera più cupa e teatrale. L’olio tende ad amalgamare i colori senza diminuirne la luminosità, creando una composizione drammatica ancora più coesa.
Inoltre, il chitarrista, pur essendo muscoloso, mostra pochi segni di vita e sembra essere vicino alla morte, il che implica poco conforto nel mondo e accentua la miseria della sua situazione. I dettagli sono eliminati e la scala è manipolata per creare proporzioni allungate ed eleganti, intensificando al contempo la tranquilla contemplazione e il senso di spiritualità del chitarrista
La grande chitarra marrone è l’unico cambiamento di colore significativo presente nel dipinto; il suo colore marrone tenue, evidenziato contro lo sfondo blu, diventa il centro e il fulcro dell’attenzione. La chitarra viene a rappresentare il mondo del chitarrista e la sua unica speranza di sopravvivenza
Questo soggetto cieco e povero dipende dalla sua chitarra e dal piccolo guadagno che può ricavare dalla sua musica per sopravvivere. Alcuni storici dell’arte ritengono che questo dipinto esprima la vita solitaria di un artista e le naturali difficoltà che comporta una carriera. La musica, o l’arte, diventa così un peso e una forza alienante che isola gli artisti dal mondo. Eppure, nonostante l’isolamento, il chitarrista (artista) dipende dal resto della società per sopravvivere
Tutte queste emozioni riflettono la situazione di Picasso all’epoca e la sua critica allo stato della società. Il vecchio chitarrista diventa un’allegoria dell’esistenza umana.
4- Donna che piange
Donna che piange (in francese: La Femme qui pleure) è una serie di dipinti a olio su tela di Pablo Picasso, l’ultimo dei quali fu realizzato alla fine del 1937. I dipinti raffigurano Dora Maar, amante e musa di Picasso
I dipinti della donna che piange furono realizzati da Picasso in risposta al bombardamento di Guernica durante la guerra civile spagnola e sono strettamente legati all’iconografia del suo dipinto Guernica. Picasso era incuriosito dal tema della donna che piange e lo rivisitò in numerose occasioni in quell’anno
L’ultima versione, eseguita il 26 ottobre 1937, è la più elaborata della serie e dal 1987 si trova nella collezione della Tate Modern di Londra. Un altro dipinto della donna piangente si trova alla National Gallery of Victoria ed è stato coinvolto in un furto di alto profilo di arte politica.
5-Ragazza davanti allo specchio
Ragazza davanti allo specchio (francese: Jeune fille devant un miroir) è un olio su tela dipinto da Picasso nel 1932
Ildipinto è un ritratto dell’amante e musa di Picasso, Marie-Thérèse Walter, raffigurata in piedi davanti a uno specchio mentre guarda il suo riflesso. Si trova nella collezione del Museum of Modern Art di New York.
Questo dipinto è stato realizzato nel 1932, un anno importante nella carriera artistica di Picasso. A questo punto della sua vita, Picasso aveva già compiuto 51 anni e si era affermato come artista importante.
Nel 1932, la Galerie Georges Petit presentò una mostra retrospettiva delle sue opere, un evento insolito per un artista, di cui Picasso assunse il controllo curatoriale. Fu anche un anno molto produttivo per Picasso, in cui concentrò molte delle sue opere sull’amante e musa ventiduenne Marie-Thérèse Walter. I suoi ritratti del 1932 furono la prima dimostrazione pubblica della sua relazione segreta durante il matrimonio con Olga Khokhlova.
6- La vita
La Vie (Vita) è stata dipinta a Barcellona nel maggio 1903. Misura 196,5 per 129,2 centimetri e ritrae due coppie di persone, una coppia nuda di fronte a una madre con un bambino in braccio.
Nel fondo della stanza, apparentemente uno studio, ci sono due dipinti all’interno del quadro, quello superiore con una coppia di nudi accovacciati e abbracciati, e quello inferiore con un nudo solitario accovacciato molto simile al Dolore da Vincent van Gogh. Accanto a questo, Picasso ha ridipinto un altro motivo, un uomo-uccello che attacca una donna nuda reclinata, le cui tracce sono visibili a occhio nudo
Fu dipinto in un periodo in cui Picasso non aveva successo finanziario. Al contrario, il nuovo dipinto fu venduto solo un mese dopo il suo completamento, a un mercante d’arte francese, Jean Saint Gaudens. La vendita fu riportata dal giornale di Barcellona Liberal. Con La Vie, Picasso ridipinse la tela de I derniers Moments del 1899, un dipinto che aveva presentato all’Esposizione Internazionale di Parigi del 1900.
Il dipinto è stato donato dal Fondo Hanna al Cleveland Museum of Art, Ohio, nel 1945 e fa parte della sua collezione permanente.
Nel 2020, il dipinto è stato prestato alla Royal Academy of Arts di Londra nell’ambito della mostra “Picasso e la carta”, dove è stato esposto insieme a disegni preparatori e altre opere su carta che esplorano i temi corrispondenti della povertà, della disperazione e dell’alienazione sociale.
7- I tre musicisti
I tre musicisti è il titolo di due dipinti a olio e collage simili dell’artista spagnolo Pablo Picasso. Entrambi sono stati eseguiti nel 1921 a Fontainebleau, vicino a Parigi, in Francia, ed esemplificano lo stile cubista sintetico; i piani piatti di colore e“l’intricata composizione a puzzle” riecheggiano le disposizioni di carta tagliata con cui lo stile ha avuto origine
Ognuno di questi dipinti raffigura in modo colorato tre musicisti che indossano maschere nella tradizione del teatro popolare italiano della Commedia dell’arte.
Ogni dipinto presenta un Arlecchino, un Pierrot e un monaco, che si ritiene rappresentino rispettivamente Picasso, Guillaume Apollinaire e Max Jacob. Apollinaire e Jacob, entrambi poeti, erano stati amici intimi di Picasso negli anni Dieci. Tuttavia, Apollinaire morì di influenza spagnola nel 1918, mentre Jacob decise di entrare in monastero nel 1921.
Una versione è conservata nella collezione permanente del Museum of Modern Art (MoMA) di New York; l’altra è conservata al Philadelphia Museum of Art.
8- La Celestina
In questo dipinto Pablo Picasso raffigura un’anziana donna sola su un semplice sfondo blu, con il capo coperto da un velo nero. Solo alcuni tocchi di rosa cercano di ravvivare le guance pallide dell’anziana donna. Il suo sguardo attira l’attenzione dello spettatore, in parte perché ha un occhio cieco – una rappresentazione eccezionale nell’opera di Picasso, che dà grande risalto a questo organo – e in parte perché questo sguardo si allontana da quello dello spettatore, dando l’impressione di essere perso nell’infinito.
Questo quadro è un’opera importante del periodo blu: raffigurando la maitresse di un bordello di Barcellona, Picasso esprime il suo incontro con la realtà sociale e il disincanto di una generazione
Il blu caratteristico di questo periodo testimonia malinconia e sofferenza e rappresenta il colore della miseria sociale. Tuttavia, se l’incontro con la realtà sociale attraversa le sue opere, l’essenza del lavoro di Picasso in questo periodo risiede in nuove sperimentazioni, in nuovi generi di espressione plastica.
9- La Zuppa
La zuppa è un olio su tela dipinto da Picasso nel 1903. Appartiene al suo famoso periodo blu
Nonostante il successo iniziale alla mostra di Vollard del 1901, i fondi di Picasso si esaurirono presto. Non era raro che l’artista soffrisse la fame durante questo periodo parigino, ma le sue stesse condizioni non facevano che accrescere la sua consapevolezza della disperata povertà che spesso lo circondava. Tornato a Barcellona nel 1902, Picasso realizza il dipinto intitolato La zuppa.
Anche in questo caso si rifà all’esperienza della visita al carcere femminile di Saint-Lazare. Tuttavia, si ricorda anche di una visita al Pantheon per vedere le pitture murali completate cinque anni prima dai francesi. Il pittore simbolista Pierre Puvis de Chavannes
Una delle scene di Pierre Puvis tratte da“La vita di Santa Genoveffa” raffigura una donna affamata che viene assistita per strada. Picasso disegnò questa scena, che probabilmente influenzò la sua decisione di dipingere un momento simile
La zuppa, tuttavia, è intrigantemente ambigua: la donna anziana, oppressa dalla sua indigenza, dà la zuppa alla ragazza o la riceve da lei? In entrambi i casi, Picasso concentra l’atto di carità sul bisogno fondamentale di nutrirsi.
Attualmente in mostra presso la Galleria d’Arte dell’Ontario, Canada
10- Garçon à la pipe
Garçon à la Pipe (Ragazzo con la pipa) è un olio su tela di Picasso. Fu dipinto nel 1905, quando Picasso aveva 24 anni, durante il suo periodo rosa, poco dopo essersi stabilito nel quartiere di Montmartre a Parigi.
Il dipinto raffigura un adolescente parigino che tiene una pipa nella mano sinistra e indossa una ghirlanda di fiori sul capo, circondata da due ornamenti floreali. Il soggetto era un ragazzo del posto di nome “P’tit Louis”, morto in giovane età
Nel 1905 Picasso era ancora un artista in erba e si era stabilito a Montmartre, a Parigi. Viveva in povertà in un edificio fatiscente per artisti al 13 di rue Ravignan, noto come Le Bateau-Lavoir. Picasso aveva superato il periodo blu, caratterizzato dal pessimismo, e si trovava ora in una nuova fase, più ottimista, nota come periodo rosa.
Il dipinto è considerato uno dei più costosi, essendo stato venduto all’asta da Sotheby’s per 104 milioni di dollari il 5 maggio 2004. Attualmente è il quinto quadro più venduto di Picasso.
Qual è la vostra opera preferita di Pablo Picasso? Lasciateci un commento
Come abbiamo già detto, Picasso ha dipinto migliaia di quadri durante la sua vita, quindi abbiamo dovuto limitarci a selezionare alcuni dei nostri preferiti per questo articolo
Diteci nei commenti qual è il vostro quadro preferito di questo artista e cosa vi trasmette
molto interessante e riassuntivo, grazie!