Per questo articolo abbiamo fatto una selezione di 10 tra le opere più importanti del pittore surrealista per eccellenza, Salvador Dalí
L’opera di Dalí è molto vasta, essendo stato un artista molto prolifico. Per questo motivo abbiamo selezionato quelle che consideriamo le sue opere più emblematiche e alcune delle nostre preferite
1- La persistenza della memoria
La persistenza della memoria (in catalano: La persistència de la memòria) è un dipinto del 1931 dell’artista Dalí e una delle opere più riconosciute del surrealismo.
Esposto per la prima volta alla Julien Levy Gallery nel 1932, dal 1934 il dipinto si trova nella collezione del Museum of Modern Art (MoMA) di New York, che lo ha ricevuto da un donatore anonimo.
È ampiamente riconosciuto e frequentemente citato nella cultura popolare, e talvolta è indicato con titoli più descrittivi, come “Gli orologi che si sciolgono” o “Gli orologi molli”
Dalí riprende il tema di questo dipinto con la variante La disintegrazione della persistenza della memoria, che mostra la sua famosa opera precedente che si frammenta sistematicamente in elementi più piccoli e in una serie di blocchi rettangolari che rivelano altre immagini attraverso gli spazi vuoti tra di loro, implicando che c’è qualcosa sotto la superficie dell’opera originale; quest’opera si trova ora al Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo, in Florida, mentre l’ originale Persistenza della memoria rimane al Museum of Modern Art di New York
Dalí produsse anche diverse litografie e sculture sul tema degli orologi molli alla fine della sua carriera. Alcune di queste sculture sono Persistenza della memoria, Nobiltà del tempo, Profilo del tempo e Tre orologi danzanti.
2- La tentazione di Sant’Antonio
La tentazione di Sant’Antonio è un dipinto realizzato nel 1946. È un precursore del corpus di opere di Dalí comunemente noto come“periodo classico” o“Rinascimento di Dalí“.
Dalí dipinse La tentazione di Sant’Antonio nel 1946, in risposta a un concorso indetto dalla società di produzione cinematografica David L. Loew-Albert Lewin per la pittura de La tentazione di Sant’Antonio. La casa di produzione cinematograficaLoew-Albert Lewin ha indetto un concorso per un dipinto de La tentazione di Sant’Antonio, che sarebbe stato utilizzato nel film Gli affari privati di Bel Ami. Questo fu l’unico concorso d’arte a cui Dalí partecipò e il dipinto scelto per il film fu la versione della tentazione di Max Ernst.
Il dipinto contiene molti elementi surreali tipici del suo lavoro. Vale la pena notare che è stata la prima delle sue opere a mostrare il suo interesse per l’intermediazione tra cielo e terra
L’opera è attualmente conservata presso i Musei Reali di Belle Arti del Belgio a Bruxelles, in Belgio.
Artisti e autori hanno a lungo raffigurato la Tentazione di Sant’Antonio nella loro arte. La Tentazione di Sant’Antonio è dipinta a olio su tela. Raffigura un paesaggio desertico: una linea di orizzonte bassa con nuvole alte e toni scuri e caldi in un cielo blu
La figura di Sant’Antonio è inginocchiata nell’angolo in basso a sinistra. Tiene una croce nella mano destra e con la sinistra si appoggia a una forma ambigua. Un teschio umano è appoggiato accanto al suo piede destro. Un corteo di elefanti guidato da un cavallo si avvicina a San Antonio
Gli elefanti trasportano oggetti simbolici che rappresentano la tentazione: una statua di donna nuda che si tiene il seno, un obelisco, un complesso di edifici che racchiudono un torso femminile nudo e incorporeo e una torre verticale. Gli animali hanno zampe esagerate, lunghe e snelle, che li fanno sembrare privi di peso.
3- Sogno causato dal volo di un’ape intorno a una melograna un attimo prima del risveglio
Sogno causato dal volo di un’ape intorno a una melograna un attimo prima del risveglio è un dipinto surrealista di Salvador Dalí. Un titolo alternativo più breve per il dipinto è Sogno causato dal volo di un’ape
Fu dipinto nel 1944 e si dice che la donna del dipinto, che sogna, rappresenti sua moglie Gala. Il dipinto si trova attualmente al Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid.
Si tratta di un dipinto a olio su legno. In questa“fotografia onirica dipinta a mano“, come Dalí era solito chiamare i suoi quadri, c’è un paesaggio marino di orizzonti lontani e acque calme, forse Port Lligat, al centro del quale Gala è il soggetto della scena. Accanto al corpo nudo della donna addormentata, che levita su una roccia piatta galleggiante sul mare, Dalí raffigura due gocce d’acqua sospese e un melograno, simbolo cristiano di fertilità e resurrezione. Sul melograno vola un’ape, insetto che tradizionalmente simboleggia la Vergine.
Nella parte superiore sinistra del dipinto, quello che sembra essere un pesce di scoglio giallo irrompe dal melograno e, a sua volta, vomita una tigre affondata che, a sua volta, vomita un’altra tigre affondata che sta per attaccare Gala e un fucile con baionetta che sta per pungerla al braccio. Sopra di loro si trova il primo utilizzo da parte di Dalí di un elefante con lunghe zampe da fenicottero, che si ritroverà nelle sue composizioni successive come La tentazione di Sant’Antonio
L’elefante porta sulla schiena un obelisco, ispirato all’Elefante e all’Obelisco del Bernini in Piazza Santa Maria sopra Minerva a Roma.
4- Galatea delle sfere
Galatea delle sfere è un dipinto di Salvador Dalí realizzato nel 1952. Raffigura Gala Dalí, moglie e musa di Salvador Dalí, come una serie di sfere disposte in modo continuo
Il nome Galatea si riferisce a una ninfa marina della mitologia classica famosa per la sua virtù, e potrebbe anche riferirsi alla statua amata dal suo creatore, Pigmalione.
Il dipinto, che misura 65,0 x 54,0 cm, raffigura il busto di Gala composto da una matrice di sfere apparentemente sospese nello spazio. Rappresenta una sintesi dell’arte rinascimentale e della teoria atomica e illustra la discontinuità ultima della materia,[1] le sfere stesse rappresentano le particelle atomiche.
Dalí era molto interessato alla fisica nucleare fin dalle prime esplosioni della bomba atomica dell’agosto 1945 e descriveva l’atomo come il suo“cibo preferito per il pensiero”
Riconoscendo che la materia è costituita da atomi che non si toccano tra loro, cercò di riprodurlo nella sua arte dell’epoca, con elementi sospesi e non in contatto tra loro, come ne La Vergine di Port Lligat. Questo quadro era anche un simbolo del suo tentativo di conciliare la sua rinnovata fede nel cattolicesimo con la fisica nucleare
Dalí volle che questo quadro fosse esposto su un cavalletto, che era stato di proprietà del pittore francese Jean-Louis-Ernest Meissonier, in un insieme di tre sale chiamato Palazzo dei Venti (dal nome della tramontana) nel Teatro e Museo Dalí di Figueres
È stato trasportato ed esposto alla National Gallery of Victoria di Melbourne nel 2009, insieme a molti altri dipinti di Dalí nella mostra Liquid Desire.
5- Il Grande Masturbatore
Il Grande Masturbatore è un dipinto di Salvador Dalí realizzato durante il periodo surrealista, attualmente esposto al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid.
Al centro del dipinto è raffigurato un volto umano distorto di profilo che guarda verso il basso, basato sulla forma di una formazione rocciosa naturale a Cap de Creus, lungo la costa della Catalogna. Un profilo simile è presente nel dipinto più famoso di Dalí di due anni dopo, La persistenza della memoria
Una figura femminile nuda (simile alla nuova musa di Dalí, Gala) emerge dalla parte posteriore della testa; potrebbe trattarsi della fantasia masturbatoria suggerita dal titolo. La bocca della donna si trova vicino all’inguine di un uomo, ricoperto da un sottile strato di pelle, il che suggerisce che potrebbe essere in corso una fellatio.
La figura maschile, vista solo dalla vita in giù, presenta tagli freschi e sanguinanti alle ginocchia. Sotto la testa di profilo centrale, sopra la bocca, c’è una cavalletta, un insetto a cui Dalí si riferisce più volte nei suoi scritti
Uno sciame di formiche (un motivo popolare che rappresenta l’ansia sessuale nell’opera di Dalí) si raduna sull’addome della cavalletta e sul volto inclinato
Nel paesaggio sottostante sono disposte altre tre figure, insieme a un uovo (comunemente usato come simbolo di fertilità) e ad altri elementi sparsi. Due delle figure del paesaggio sono disposte in modo tale da proiettare un’unica lunga ombra, mentre l’altra figura si vede camminare frettolosamente in lontananza alla periferia della tela
Alle spalle della figura centrale della testa, si vede una formazione di due rocce e una pianta secca in vaso; la pianta in vaso è posta sopra la roccia più bassa, mentre l’altra roccia è irrealisticamente in equilibrio su di essa. Si pensa che questa parte rappresenti l’idea di fuga dalla realtà presente in molte altre opere di Dalí.
Il dipinto potrebbe rappresentare l’atteggiamento fortemente conflittuale di Dalí nei confronti delle relazioni sessuali. In gioventù, suo padre gli aveva lasciato un libro con foto esplicite di persone affette da malattie veneree avanzate non curate, per “educare” il ragazzo. Le immagini di genitali malati e grottescamente danneggiati affascinavano e inorridivano il giovane Dalí, che continuò ad associare il sesso alla putrefazione e alla decomposizione anche in età adulta.
6- Giraffa in fiamme
Giraffa in fiamme è un olio su tavola conservato al Kunstmuseum di Basilea e dipinto nel 1937.
Dalí dipinse Giraffa in fiamme prima del suo esilio negli Stati Uniti, che durò dal 1940 al 1948. Sebbene Dalí si dichiarasse apolitico –“Io sono Dalí, e solo questo” – questo dipinto mostra la sua lotta personale contro la battaglia nel suo paese natale
Caratteristici sono i cassetti aperti della figura femminile blu, che Dalí definì in seguito “Femme-coccyx” (donna con l’osso della coda). Questo fenomeno risale al metodo psicoanalitico di Sigmund Freud, molto ammirato da Dalí. Egli lo considerava un enorme passo avanti per la civiltà, come dimostra la seguente citazione: “L’unica differenza tra la Grecia immortale e il nostro tempo è Sigmund Freud, che ha scoperto che il corpo umano, che ai tempi della Grecia era semplicemente neoplatonico, ora è pieno di cassetti segreti che possono essere aperti solo dalla psicoanalisi”.
I cassetti aperti di questa espressiva figura femminile puntellata si riferiscono, quindi, al subconscio interiore dell’uomo. Secondo le parole di Dalí, i suoi dipinti formano “una specie di allegoria che serve a illustrare una certa percezione, a seguire i numerosi odori narcisistici che salgono da ognuno dei nostri cassetti”
L’immagine è ambientata in un’atmosfera crepuscolare con un cielo blu intenso. In primo piano ci sono due figure femminili, una delle quali ha dei cassetti che si aprono sul fianco come un forziere. Entrambe hanno forme falliche indefinite (forse orologi fusi, immagine ricorrente nelle opere precedenti di Dalí) che sporgono dalla schiena e si appoggiano a oggetti simili a stampelle. Le mani, gli avambracci e il volto della figura più vicina sono nudi fino al tessuto muscolare sotto la pelle. Una delle figure tiene in mano un lembo di carne
Sia le figure umane che fungono da vestiario sia le forme a stampella sono archetipi comuni nell’opera di Dalí.
In lontananza si vede un’Agiraffacon la schiena in fiamme. Dalí utilizzò per la prima volta l’immagine della giraffa fiammeggiante nel suo film del 1930 L’Âge d’Or (L’età dell’oro ) . È apparsa di nuovo nel 1937 nel dipinto L’invenzione dei mostri. Dalí descrisse questa immagine come“il mostro cosmico apocalittico maschile”. Credeva che fosse una premonizione della guerra.
7- Metamorfosi di Narciso
La Metamorfosi di Narciso è un olio su tela che appartiene al periodo paranoico-critico di Dalí e rappresenta la sua interpretazione del mito greco di Narciso. Dalí iniziò a dipingere nella primavera del 1937 mentre si trovava a Zürs, sulle Alpi austriache.
Secondo la mitologia greca, la bellezza di Narciso attraeva quasi tutti coloro che lo vedevano e uomini e donne lo inseguivano, ma lui respingeva tutte le avances. Una delle sue ammiratrici, una ninfa di nome Eco, si innamorò così follemente di lui che, dopo il suo rifiuto, si consumò finché non rimase solo la sua voce. La dea Nemesi, avendo pietà di Eco, convinse Narciso a guardare in una vasca. Vedendo il proprio volto riflesso nell’acqua, Narciso si innamorò del proprio riflesso. Incapace di abbracciare il proprio riflesso, anche Narciso deperì e al suo posto crebbe il fiore che porta il suo nome, il narciso.
Nel dipinto di Dalí, la figura di Narciso è rappresentata sul lato sinistro della tela, accovacciata in riva a un lago, con la testa appoggiata sul ginocchio e una mano di pietra che stringe un uovo che rispecchia la forma del suo corpo sul lato destro. Dall’uovo rotto spunta un fiore di narciso. Al centro del dipinto si trova un gruppo di pretendenti respinti da Narciso. Tra le montagne sullo sfondo si trova una terza figura di Narciso.
Il 19 luglio 1938, a Londra, Dalí incontrò Sigmund Freud, che il pittore ammirava fin dagli anni Venti, dopo aver letto il libro di Freud “L’interpretazione dei sogni”
Durante il loro incontro, Dalí portò con sé il suo dipinto Metamorfosi di Narciso, nella speranza di utilizzarlo per discutere la teoria psicoanalitica del narcisismo e il suo concetto di paranoia critica, che sviluppò sulla base del concetto di paranoia di Freud. Gli fu anche dato il permesso di disegnare Freud. L’incontro fu organizzato dallo scrittore Stefan Zweig e dal benefattore di Dalí, Edward James, che vi partecipò e che alla fine ottenne la proprietà della Metamorfosi di Narciso.
8- Cristo di San Giovanni della Croce
Cristo di San Giovanni della Croce è un dipinto realizzato nel 1951 e conservato nella collezione della Kelvingrove Art Gallery and Museum di Glasgow
Raffigura Gesù Cristo in croce in un cielo scuro che galleggia sopra uno specchio d’acqua, con una barca e dei pescatori. Pur essendo una rappresentazione della crocifissione, mancano i chiodi, il sangue e la corona di spine perché, secondo Dalí, un sogno lo convinse che questi elementi avrebbero rovinato la sua rappresentazione di Cristo. Sempre in sogno, gli fu rivelata l’importanza di raffigurare Cristo con l’angolazione estrema che si vede nel dipinto.
Il dipinto è noto come il Cristo di San Giovanni della Croce, perché il suo disegno si basa su un disegno del frate spagnolo Juan de la Cruz del XVI secolo.
Anche la composizione del Cristo è basata su un triangolo e un cerchio (il triangolo è formato dalle braccia di Cristo; il cerchio è formato dalla testa di Cristo). Il triangolo, avendo tre lati, può essere considerato un riferimento alla Trinità, mentre il cerchio può essere un’allusione al pensiero platonico. Il cerchio rappresenta l’Unità: tutte le cose esistono nel “tre”, ma nel quattro sono felici.
In calce ai suoi studi per il dipinto, Dalí ha spiegato la sua ispirazione
“Per prima cosa, nel 1950, ho avuto un ‘sogno cosmico’ in cui ho visto questa immagine a colori e che nel sogno rappresentava il ‘nucleo dell’atomo’ Questo nucleo acquisì in seguito un senso metafisico; lo consideravo ‘l’unità stessa dell’universo’, il Cristo!”.
Per creare la figura di Cristo, Dalí fece appendere l’attore stuntman hollywoodiano Russell Saunders a un portico, in modo da poter vedere come il corpo sarebbe apparso dall’angolazione desiderata e anche immaginare la forza di gravità sul corpo umano. Lo specchio d’acqua rappresentato è la baia di Port Lligat, residenza di Dalí al momento della realizzazione del quadro.
9- La Disintegrazione della persistenza della memoria
La Disintegrazione della persistenza della memoria è un dipinto a olio su tela del 1954 che ricrea la famosa opera dell’artista del 1931 La persistenza della memoria e misura appena 25,4 × 33 cm
Conosciuto originariamente come Il cromosoma di un occhio di pesce pesantemente colorato che avvia l’armoniosa disintegrazione della Persistenza della memoria, fu esposto per la prima volta alla Carstairs Gallery di New York nel 1954.
In questa versione, il paesaggio dell’opera originale è stato inondato d’acqua. La disintegrazione rappresenta ciò che avviene sia sopra che sotto la superficie dell’acqua
Il paesaggio di Cadaqués ora galleggia sopra l’acqua. Il piano e il blocco dell’originale sono ora divisi in forme simili a mattoni che galleggiano insieme, senza che nulla li leghi. Rappresentano la scomposizione della materia in atomi, una rivelazione nell’era della meccanica quantistica
Dietro i mattoni, le corna che si allontanano simboleggiano i missili atomici, sottolineando che, nonostante l’ordine cosmico, l’umanità potrebbe provocare la propria distruzione. Anche l’ulivo morto da cui pende l’orologio morbido ha iniziato a rompersi
Le lancette dell’orologio fluttuano sopra i loro quadranti, con diversi oggetti conici che fluttuano in formazioni parallele intorno agli orologi. È stato aggiunto un quarto orologio in fusione. Il volto umano distorto del dipinto originale inizia a trasformarsi in un altro degli strani pesci che galleggiano sopra di esso. Per Dalí, tuttavia, il pesce era un simbolo di vita.
10- Morbida Costruzione con fagioli bolliti
Morbida costruzione con fagioli bolliti (Premonizione della guerra civile) è un’opera che Dalí creò per rappresentare gli orrori della guerra civile spagnola, avendola dipinta solo sei mesi prima dell’inizio del conflitto. In seguito, Dalí affermò di essere consapevole che la guerra sarebbe iniziata molto prima del suo inizio e citò la sua opera come prova del “potere profetico della sua mente subconscia” Tuttavia, alcuni hanno ipotizzato che Dalí possa aver cambiato il nome del dipinto dopo la guerra per enfatizzare le sue affermazioni profetiche, anche se non è del tutto certo
Lo storico dell’arte Robert Hughes ha commentato il dipinto di Dalí nella sua biografia di Goya, affermando che
“Salvador Dalí si appropriò della coscia orizzontale del Saturno accovacciato di Goya per il mostro ibrido del dipinto Costruzione morbida con fagioli bolliti, … che – più della Il Guernica di Picasso– è la migliore opera d’arte visiva ispirata alla guerra civile spagnola”
Il dipinto è un olio su tela e si trova al Philadelphia Museum of Art. Dalí lo dipinse nel 1936, ma esistono studi che lo datano al 1934
Nel 1934 Dalí e sua moglie Gala si trovarono nel mezzo di uno sciopero generale e di una rivolta armata dei separatisti catalani in Catalogna, un incidente che potrebbe aver influenzato il suo motivo della guerra civile spagnola.
Salvador e Gala fuggirono a Parigi, dove si sposarono. Dalí e Gala avevano assunto una scorta per portarli in salvo a Parigi, ma la scorta morì al loro ritorno a causa delle tensioni della guerra civile spagnola. Quando Dalí tornò finalmente a casa, la sua casa a Port Lligat era stata distrutta dalla guerra. Dalí fu molto colpito anche perché il suo amico Federico Garcia Lorca fu giustiziato durante la guerra e sua sorella Ana Maria fu imprigionata e torturata.
Questo dipinto esprime la distruzione durante la guerra civile spagnola. La creatura mostruosa di questo dipinto è autodistruttiva, come lo è la guerra civile
Non intende rappresentare la scelta di una parte, anche se Dalí aveva molte ragioni per scegliere da che parte stare durante la guerra civile spagnola. Sua sorella fu torturata e imprigionata dai soldati comunisti che combattevano per la Repubblica e il suo buon amico della scuola d’arte, il poeta Federico García Lorca, fu ucciso da un plotone di esecuzione fascista
Dalí ha reso anche questo dipinto molto realistico, pur continuando ad apportarvi concetti surreali. Sebbene gli esseri umani non abbiano il potenziale per assomigliare alle creature di questo quadro, il dipinto mantiene un’atmosfera realistica, ricordando allo spettatore la gravità delle idee che vi sono alla base. L’artista ha anche portato le idee della tradizione in quest’opera con un bel cielo catalano, creando un contrasto con l’idea della rivoluzione
In questo dipinto è presente un numero significativo di fagioli bolliti. Dalí ha dichiarato che il motivo per cui ha incluso i fagioli bolliti è che “non riusciva a immaginare di ingoiare tutta quella carne inconsapevole senza la presenza di qualche verdura pastosa e malinconica”. L’artista ha giocato con i temi dell’amore, del cibo e della guerra e di come siano tutti collegati.
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