Jean-Michel Basquiat a été l’un des premiers artistes afro-américains à atteindre une stature internationale et à s’enrichir dans le monde de l’art, et sa carrière a été brève mais marquante. Son ascension vers la gloire a été rapide, car il a été célébré pour sa fusion de symboles multiculturels, ses commentaires sociaux mordants et son style graphique distinctif.
Dans cet article, nous évoquerons brièvement sa vie et ses œuvres les plus remarquables.
Biographie de Basquiat
Jean-Michel Basquiat est né à Brooklyn en 1960. Sa mère, Matilde Andradas, est également née à Brooklyn, mais de parents portoricains. Son père, Gérard Basquiat, était un immigrant de Port-au-Prince, en Haïti. En raison de cet héritage mixte, le jeune Jean-Michel parle couramment le français et l’espagnol, en plus de l’anglais
Ses lectures précoces de la poésie symboliste française dans sa langue originale influenceront plus tard les œuvres d’art qu’il produira à l’âge adulte. Basquiat a démontré son talent pour l’art dès son enfance, apprenant à dessiner et à peindre avec les encouragements de sa mère et utilisant souvent des matériaux (comme le papier) ramenés à la maison par son père, qui travaillait comme comptable. Ensemble, Basquiat et sa mère assistent à de nombreuses expositions de musées à New York, et à l’âge de six ans, Jean-Michel est inscrit comme membre junior du Brooklyn Museum. Il était également un athlète passionné, participant à des compétitions d’athlétisme dans son école.
Après avoir été renversé par une voiture alors qu’il jouait dans la rue à l’âge de huit ans, Basquiat a subi une opération chirurgicale pour lui retirer la rate. Cet événement l’a amené à lire le célèbre traité médical et artistique de Gray, Gray’s Anatomy (publié à l’origine en 1858), que lui avait offert sa mère pendant sa convalescence. Les images biomécaniques sinueuses de ce texte, ainsi que les bandes dessinées et les dessins animés que le jeune Basquiat aimait, se retrouveront un jour sur les toiles de graffiti qui l’ont rendu célèbre.
Après le divorce de ses parents, Basquiat vit seul avec son père, sa mère ayant été déclarée inapte à s’occuper de lui en raison de ses problèmes de santé mentale. Prétextant des violences physiques et psychologiques, Basquiat a fini par s’enfuir de chez lui et a été adopté par la famille d’un ami. Bien qu’il ait sporadiquement fréquenté l’école à New York et à Porto Rico, où son père avait essayé de faire déménager la famille en 1974, il a finalement abandonné le lycée Edward R. Murrow à Brooklyn en septembre 1978, à l’âge de 17 ans.
Ses premiers travaux
Comme l’a déclaré Basquiat : « Je ne suis jamais allé dans une école d’art. J’ai échoué aux cours d’art que j’ai pris à l’école. J’ai juste regardé beaucoup de choses. Et c’est ainsi que j’ai appris l’art, en le regardant »
L’art de Basquiat est fondamentalement ancré dans la scène graffiti new-yorkaise des années 1970. Après avoir participé à une troupe de théâtre de l’Upper West Side appelée le Family Life Theater, il a développé le personnage de SAMO (acronyme de « Same Old Shit »), un homme qui tente de vendre une fausse religion au public
En 1976, avec un ami artiste, Al Diaz, il a commencé à peindre à la bombe des bâtiments du Lower Manhattan sous ce nom de plume. Les pièces de SAMO étaient principalement basées sur le texte, communiquant un message anti-establishment, anti-religieux et anti-politique. Le texte de ces messages était accompagné de logos et d’images qui apparaîtront plus tard dans l’œuvre solo de Basquiat, notamment la couronne à trois pointes.
Les pièces de SAMO ont rapidement attiré l’attention des médias, notamment du Village Voice, une publication qui documente l’art, la culture et la musique considérés comme distincts du courant dominant
Lorsque Basquiat et Diaz ont eu un désaccord et ont décidé d’arrêter de travailler ensemble, Basquiat a mis fin au projet avec un message laconique : SAMO IS DEAD. Ce message est apparu sur les façades de plusieurs galeries d’art de SoHo et de bâtiments du centre-ville en 1980. Après avoir pris note de la déclaration, Keith Haring, ami de Basquiat et collaborateur de Street Art, a organisé une fausse veillée funèbre pour SAMO au Club 57, une boîte de nuit underground de l’East Village.
Pendant cette période, Basquiat était souvent sans abri et obligé de dormir dans des appartements d’amis ou sur des bancs de parc, subvenant à ses besoins en mendiant, en vendant de la drogue et en vendant des cartes postales et des T-shirts peints à la main. Cependant, il fréquente les clubs du centre-ville, notamment le Mudd Club et le Club 57, où il est connu comme faisant partie de la « baby crowd » des jeunes participants (ce groupe comprend également l’acteur Vincent Gallo).
Les deux clubs étaient des lieux de rencontre populaires pour une nouvelle génération d’artistes visuels et de musiciens, tels que Keith Haring, Kenny Scharf, le réalisateur Jim Jarmusch et Ann Magnusson, qui sont devenus des amis et des collaborateurs occasionnels de Basquiat
Haring, en particulier, était à la fois un rival et un ami notable, et l’on se souvient souvent que les deux hommes se faisaient concurrence pour améliorer la portée, l’échelle et l’ambition de leur travail. Tous deux ont été reconnus à des moments similaires de leur carrière, progressant parallèlement pour atteindre les sommets de la célébrité du monde de l’art.
En partie grâce à son immersion dans cette scène du centre-ville, Basquiat a commencé à avoir plus d’occasions de montrer son art et est devenu une figure clé du nouveau mouvement artistique du centre-ville
Par exemple, il a joué le rôle d’un DJ de boîte de nuit dans le clip de Rapture de Blondie, ce qui a renforcé son statut de figure de la « nouvelle vague » de musique, d’art et de cinéma cool émergeant du Lower East Side. Pendant cette période, il a également formé et joué avec son groupe Gray. Cependant, Basquiat critiquait le manque de personnes de couleur dans le centre-ville et, à la fin des années 1970, il a commencé à passer du temps dans les quartiers chics avec des graffeurs du Bronx et de Harlem.
Après que ses œuvres ont été incluses dans l’exposition historique de Times Square en juin 1980, le profil de Basquiat s’est amélioré et il a eu sa première exposition personnelle en 1982 à la galerie Annina Nosei de SoHo. L’article de René Ricard dans Artforum, « L’enfant radieux », en décembre 1981, a cimenté la position de Basquiat en tant qu’étoile montante dans le monde de l’art en général, ainsi que la conjonction entre les scènes graffiti et punk du centre-ville que son travail représentait.
La reconnaissance de Basquiat a coïncidé avec l’arrivée du mouvement néo-expressionniste allemand à New York, qui a fourni un forum approprié pour son propre expressionnisme de rue. Basquiat commence à exposer régulièrement aux côtés d’artistes tels que Julian Schnabel et David Salle, qui réagissent tous, à un degré ou à un autre, à la domination récente du conceptualisme et du minimalisme dans l’histoire de l’art. Le néo-expressionnisme a marqué le retour de la peinture et la réémergence de la figure humaine dans l’art contemporain
Des images de la diaspora africaine et de l’Amérique classique parsèment l’œuvre de Basquiat à cette époque, dont certaines sont présentées à la prestigieuse Mary Boone Gallery dans le cadre d’expositions personnelles au milieu des années 1980 (Basquiat sera ensuite représenté par le marchand et galeriste Larry Gagosian à Los Angeles).
Le succès de Basquiat
1982 est une année importante pour Basquiat. Il a organisé six expositions personnelles dans des villes du monde entier et est devenu le plus jeune artiste à participer à la Documenta, la prestigieuse exposition internationale d’art contemporain qui se tient tous les cinq ans à Kassel, en Allemagne
Au cours de cette période, Basquiat a créé quelque 200 œuvres d’art et a développé un motif caractéristique : une figure héroïque d’oracle couronné de noir
Le légendaire musicien de jazz Dizzy Gillespie et les boxeurs Sugar Ray Robinson et Muhammad Ali figurent parmi les sources d’inspiration de Basquiat pour son travail durant cette période. Les portraits, schématiques et souvent abstraits, capturaient l’essence plutôt que la ressemblance physique de ses sujets
La férocité de la technique de Basquiat, avec ses coups de pinceau et ses traits dynamiques, visait à révéler ce qu’il considérait comme l’intérieur de ses sujets, leurs sentiments cachés et leurs désirs les plus profonds. Ces œuvres renforcent également l’intellect et la passion de ses sujets, plutôt que de se focaliser sur le corps masculin noir fétichisé. Une autre figuration épique, basée sur le griot d’Afrique de l’Ouest, joue également un rôle majeur dans cette période de l’œuvre de Basquiat
Le griot propageait l’histoire de la communauté dans la culture ouest-africaine par le biais de contes et de chants, et Basquiat le représentait généralement avec une grimace et des yeux elliptiques bridés fixés sur le spectateur. Les stratégies artistiques et l’ascension personnelle de Basquiat s’inscrivent dans le cadre d’une renaissance plus large des Noirs dans le monde de l’art new-yorkais à la même époque (illustrée par l’attention considérable portée alors aux œuvres d’artistes tels que Faith Ringgold et Jacob Lawrence).
Au début des années 1980, Basquiat se lie d’amitié avec l’artiste pop Andy Warhol, avec lequel il collabore sur une série d’œuvres entre 1984 et 1986, dont Ten Punching Bags (Last Supper) (1985-86). Warhol peignait d’abord, puis Basquiat superposait ses œuvres
En 1985, un article du magazine New York Times a déclaré que Basquiat était le jeune artiste américain branché des années 1980. Cette relation est devenue un objet de friction entre Basquiat et nombre de ses contemporains du centre-ville, car elle semblait marquer un nouvel intérêt pour la dimension commerciale du marché de l’art.
Warhol a également été critiqué pour la possible exploitation d’un jeune artiste de couleur à la mode afin de renforcer ses propres références en tant qu’artiste actuel et pertinent dans la nouvelle et importante scène de l’East Village. De manière générale, ces collaborations n’ont pas été bien accueillies par le public ou les critiques, et sont aujourd’hui souvent considérées comme des œuvres mineures des deux artistes.
Peut-être en raison de sa nouvelle notoriété et de la pression commerciale exercée sur son travail, Basquiat devient de plus en plus dépendant de l’héroïne et de la cocaïne. Plusieurs amis ont établi un lien entre cette dépendance et le stress lié au maintien de sa carrière et aux pressions subies par une personne de couleur dans un monde de l’art majoritairement blanc. Basquiat est mort d’une overdose d’héroïne dans son appartement en 1988, à l’âge de 27 ans.
L’héritage artistique de Basquiat
Au cours de sa courte vie, Jean-Michel Basquiat a joué un rôle important et historique dans l’essor de la scène culturelle du centre-ville de New York et du néo-expressionnisme en général
Si le grand public s’est attaché à l’exotisme superficiel de son œuvre et a été captivé par sa célébrité soudaine, son art, qui a souvent été décrit à tort comme « naïf » et « ethniquement grinçant », avait des liens importants avec des précurseurs expressifs tels que Jean Dubuffet et Cy Twombly.
Produit de la culture commerciale des années 1980, obsédée par la célébrité, Basquiat et son œuvre continuent d’être, pour de nombreux observateurs, une métaphore des dangers de l’excès artistique et social. À l’instar des super-héros de bandes dessinées qui l’ont influencé très tôt, Basquiat a connu la gloire et la richesse, puis est retombé sur terre tout aussi rapidement, victime de la toxicomanie et d’une overdose.
Objet de rétrospectives posthumes au Brooklyn Museum (2005) et au Whitney Museum of American Art (1992), ainsi que de nombreuses biographies et documentaires, comme Jean-Michel Basquiat : The Radiant Child (2010), et le long métrage de Julian Schnabel, Basquiat (1996 ; avec son ami de longue date David Bowie dans le rôle d’Andy Warhol), Basquiat et son héritage contre-culturel persistent
En 2017, un autre film, Boom for Real : The Late Teenage Years of Jean Michel Basquiat, est sorti et a été acclamé par la critique, ce qui a également inspiré une exposition du même titre à la galerie d’art Barbican de Londres. Son art reste une source constante d’inspiration pour les artistes contemporains, et sa courte vie une source constante d’intérêt et de spéculation pour une industrie artistique qui se nourrit de légendes biographiques.
Avec son ami et contemporain Keith Haring, l’art de Basquiat en est venu à représenter cette période particulière de l’art contre-culturel new-yorkais. Les œuvres des deux artistes sont fréquemment exposées l’une à côté de l’autre (plus récemment dans l’exposition 2019 » Keith Haring I Jean-Michel Basquiat : Crossing Lines » à Melbourne, en Australie), et un certain nombre de licences commerciales ont été accordées pour la reproduction de plusieurs de leurs motifs visuels. Plus récemment, cela a donné lieu à une gamme de T-shirts à impression graphique chez Uniqlo, reprenant le travail des deux artistes.
La notoriété accrue de Basquiat depuis sa mort a également incité de nouveaux artistes à produire des œuvres inspirées de son travail, voire en référence directe à celui-ci. Il s’agit de peintres, de graffeurs et d’artistes d’installation travaillant dans la galerie, mais aussi de musiciens, de poètes et de cinéastes.
Parmi les artistes visuels influencés par Basquiat figurent David Hewitt, Scott Haley, Barb Sherin et Mi Be en Amérique du Nord, ainsi que des artistes européens et asiatiques tels que David Joly, Mathieu Bernard-Martin, Mikael Teo et Andrea Chisesi, qui considèrent tous que son œuvre a été déterminante pour leur propre développement. Des musiciens tels que Kojey Radical, Shabaka Hutchings et Lex Amor ont également fait l’éloge de son travail en tant que source d’information. Ces trois artistes musicaux, en particulier, ont été présentés aux côtés d’autres sur Untitled, une compilation collaborative publiée en hommage à Basquiat en 2019 par le label londonien The Vinyl Factory.
Œuvres notables de Jean-Michel Basquiat
Contrairement à d’autres artistes, en raison de la nature de l’art de Basquiat, ses œuvres sont sans titre. Voici une description de quelques-unes de ses œuvres les plus importantes.
SAMO, sa période graffiti
Basquiat a commencé à peindre des graffitis à la fin des années 1970, fréquentant et travaillant souvent avec d’autres artistes de la subculture dans le Bronx et à Harlem. Les graffeurs ont tendance à se concentrer sur des images figuratives (caricatures d’animaux, de personnes et d’objets), ainsi que sur de simples « tags », c’est-à-dire des logos ou des noms conçus comme une marque ou une carte de visite, et c’est là que Basquiat a également commencé. Mais les graffitis de Basquiat ont rapidement évolué vers une direction plus abstraite, avec l’origine du tag « SAMO », plutôt mystérieux et chargé de symboles.
Ce tag noir peint à la bombe sur un mur est emblématique des œuvres SAMO que Basquiat et son collaborateur Al Diaz ont réalisées entre 1976 et 1980. Rapidement appliquées aux espaces publics de la rue et du métro, les pièces de SAMO transmettent aux passants des messages courts, tranchants et souvent anti-matérialistes. Normalement considéré comme un signe d’intrusion et de vandalisme, le graffiti, entre les mains de Diaz et de Basquiat, est devenu un outil de « marquage » artistique, et représente une étape importante dans le développement de l’œuvre de Basquiat.
Le concept de SAMO, ou « Same Old Shit », a été développé lorsque Basquiat a participé à un projet théâtral à New York, dans lequel il a imaginé un personnage chargé de vendre une fausse religion. Diaz et Basquiat ont appliqué la critique implicite incarnée par cette figure de vendeur d’huile de serpent aux entreprises commerciales et corporatives qu’ils voyaient colporter leurs produits dans les espaces publics de leur ville
Au début, ils ont commencé à peindre à la bombe les slogans qui composent l’œuvre sur les rames de métro pour « se défouler », mais, comme le rappelle Díaz, ils se sont rapidement rendu compte que cela remplissait une fonction importante lorsqu’on comparait l’œuvre à des graffitis plus conventionnels. Comme le dit Díaz, « SAMO était comme un cours de recyclage parce qu’une déclaration était faite ».
Après des années de collaboration, Diaz et Basquiat ont décidé de marquer la fin de leur entreprise commune en annonçant en trois mots « SAMO IS DEAD ». Réalisée de manière épisodique dans différentes villes sous forme de graffiti éphémère, la phrase est apparue à plusieurs reprises sur des immeubles miteux, notamment ceux du Lower Manhattan, où Basquiat et ses collaborateurs exerçaient une grande partie de leur activité artistique.
Crâne
Exemple des premières œuvres sur toile de Basquiat, elle présente un crâne fait de pièces rapportées qui ressemble presque à l’équivalent pictural du monstre de Frankenstein de Mary Shelley : une somme construite et suturée de parties incongrues. Suspendu sur un fond qui suggère certains aspects du système de métro new-yorkais, le crâne est à la fois un riff d’un graffiteur contemporain sur une longue tradition occidentale d’autoportrait et la « pièce maîtresse » d’un bohémien de la rue
L’expression du visage du crâne est abattue, et les coutures grossières suggèrent une combinaison malheureuse des parties constitutives. Les couleurs utilisées, qui se mélangent et tourbillonnent, suggèrent des bleus ou des blessures sur le visage, qui, combinés aux lignes déchiquetées, impliquent la violence ou ses conséquences.
Le passé récent de Basquiat, qui était un colporteur, un vagabond et une personnalité des boîtes de nuit à l’époque où il a créé cette œuvre, est également imprimé dans le profil troublé de trois quarts. Prises ensemble, ces caractéristiques suggèrent que l’œuvre devient une icône lasse du monde de l’immigrant portoricain et haïtien déplacé que Basquiat semblait croire condamné à rester, même s’il naviguait avec succès dans les rues nouvellement embourgeoisées du SoHo des années 1980 et sur le marché de l’art qui s’y intéressait.
Crâne noir
Comme une page soigneusement extraite du journal d’un artiste, cette toile sans titre présente un ensemble d’iconographies personnelles et de symboles récurrents de Basquiat sur un fond noir et des taches de peinture brillante. Un crâne blanc dépasse du centre de la composition en ébène, rappelant de façon vivante la tradition du memento mori du peintre vénéré, un rappel de la nature éphémère de toute vie et de l’éventuelle et impitoyable dégénérescence du corps
L’os à droite de la toile pourrait également être interprété comme un phallus, suggérant la représentation de la sexualité masculine noire comme quelque chose de menaçant ou de primitif (surtout lorsqu’il est placé à côté de la flèche dans le tableau). La balance apparaît juste en dessous du crâne, représentant peut-être la balance de la justice et impliquant ainsi le traitement inégal des hommes noirs par la police et le système judiciaire qui se perpétue à ce jour.
Basquiat s’approprie avec audace des images communément associées à l’art rural africain – un crâne, un os, une flèche – et les modernise avec son style néo-expressionniste fait de peinture dense, de sujets rendus à la hâte et de caractères linéaires gribouillés, qui flottent librement dans le champ pictural, comme s’ils étaient hallucinatoires
Basquiat démontre dans une « étude » concise comment il est capable d’exécuter une pratique ancienne consistant à peindre des « natures mortes », tout en suggérant que le travail de l’artiste était relativement sans effort, voire entièrement improvisé, comme la performance d’un musicien de jazz. Cependant, la densité de l’imagerie et son symbolisme chargé révèlent la dextérité et l’habileté de Basquiat en matière de composition.
Flexible
Flexible reprend deux des motifs les plus célèbres de Basquiat : le griot et la couronne vénérable. Une figure noire décharnée regarde fixement la toile vers le spectateur, ses bras créant un circuit fermé dans ce qui pourrait être une référence à l’énergie spiritualisée, un concept qui apparaît dans plusieurs œuvres avec le griot
L’œuvre reflète également l’évolution de Basquiat en tant qu’artiste et constitue une synthèse de ses influences, la représentation schématique des poumons et de l’abdomen du personnage rappelant la fascination du jeune Basquiat pour les croquis anatomiques de Gray’s Anatomy.
Bien que son absence de traits distinctifs puisse faire penser à un « homme ordinaire », l’ethnicité spécifiquement africaine du personnage fait clairement référence à l’identité et à l’origine de Basquiat lui-même. Dans sa palette de couleurs et dans la représentation particulière de la figure humaine à travers ses membres élancés et sa large tête, l’influence des formes d’art traditionnelles d’Afrique de l’Ouest est évidente. L’historien de l’art et collaborateur de Basquiat Fred Hoffman écrit que l’image représente un roi tribal, dont « la posture, avec ses bras levés et entrelacés au-dessus de sa tête, traduit la confiance et l’autorité, attributs de son héroïsme ». Il semble se couronner lui-même ».
Le griot étant traditionnellement une sorte de philosophe errant, d’artiste de rue et de commentateur social, il est possible que Basquiat se soit vu assumer ce rôle au sein du monde de l’art new-yorkais, qui a nourri son succès artistique mais l’a aussi rapidement exploité à des fins matérielles. L’image est peinte sur des lattes de bois, que Basquiat a demandé à ses assistants de retirer d’une clôture protégeant la limite de son studio de Los Angeles. En supprimant cette barrière, Basquiat a rendu la propriété ouverte et libre d’accès, reflétant peut-être son empathie et son expérience personnelle des limites de l’espace public en tant que sans-abri à New York.
Arm and Hammer II
Basquiat peint par-dessus la reproduction d’Andy Warhol d’un logo d’entreprise, en l’occurrence celui de la marque de bicarbonate de soude Arm and Hammer. En ajustant l’une des deux reproductions du logo dans le tableau pour montrer un saxophoniste noir à la place du bras blanc fléchi, Basquiat encadre l’image avec un texte qui dit « Liberty 1955 »
L’insertion d’une image de créativité noire dans un logo publicitaire peut être une affirmation de l’agence et une récupération de l’espace public de la part de Basquiat. C’est aussi une référence visuelle au jazz, une forme musicale afro-américaine qui a atteint des sommets de popularité dans les années 1950, et une reconnaissance implicite de la répression des Noirs qui existait malgré le succès de la musique et son intégration dans l’identité américaine.
En outre, l’insertion d’une image de créativité noire dans un logo publicitaire peut être une affirmation de l’agence et une récupération de l’espace public de la part de Basquiat. Typique de leur collaboration, Arm and Hammer II montre comment Basquiat et Warhol se sont transmis une œuvre, comme un jeu de hasard, d’association libre et d’inspiration mutuelle
L’utilisation caractéristique par Warhol des logos d’entreprise et des textes publicitaires en tant que signes abrégés de la psyché matérialiste moderne se superpose souvent à la tentative de Basquiat de les défigurer avec son style libre, comme s’il levait vainement le poing contre un monstre monolithique, insidieux et largement invisible, l’Amérique des entreprises.
Rouler avec la mort
Riding with Death est l’une des dernières peintures de Basquiat, qui peut facilement être interprétée comme une représentation de son trouble intérieur et de sa conviction croissante que la nature raciste, classiste et corrompue de l’Amérique des années 1980 était visible partout, y compris dans le monde de l’art.
Peinte dans les semaines précédant sa mort, la désolation et la tristesse de l’image et de son titre ne sont que renforcées par le fait que la vie de l’artiste allait s’achever trop tôt après sa réalisation.
Moins orné et visuellement dense que nombre de ses peintures précédentes, Riding with Death présente un champ brun texturé sur lequel Basquiat a représenté une figure africaine chevauchant un squelette. Le squelette se déplace à quatre pattes vers le côté gauche de l’image, tandis que le cavalier, représenté avec moins de détails que les os sur lesquels il est assis, se tortille ou agite les bras.
Le crâne fixe le spectateur, ses proportions caricaturales et sa large expression évoquent le graffiti gestuel qui est resté une influence stylistique fondamentale sur la peinture de Basquiat. La simplicité du fond et du sujet rappelle également l’art rupestre préhistorique, ainsi que l’art tribal africain ultérieur. La tête du personnage africain est indistincte, ses traits sont masqués par des taches noires, à l’exception d’un seul œil sur le front.
Les figures centrales, bien que simplement encadrées, sont chargées de symbolisme. La paire suggère un nihilisme ou un voyage vers la mort rendu plus poignant par la dépendance de Basquiat à l’héroïne et à d’autres drogues à l’époque où il a été peint
Bien que la figure africaine chevauche le squelette et puisse donc être interprétée comme une position de domination, la position affirmée du squelette suggère plutôt qu’il est en contrôle, entraînant peut-être le cavalier de l’autre côté du tableau. Avec la distinction de couleur entre les deux (un squelette blanc et un cavalier noir), cette paire pourrait être lue comme une métaphore de la répression et de la destruction des sociétés africaines par les puissances coloniales, ainsi que des inégalités qui existaient dans l’Amérique des années 1980 pour les personnes de couleur
Cette œuvre est un excellent exemple des significations complexes que Basquiat était capable de communiquer et de suggérer à travers un langage visuel complexe que les critiques décrivent souvent comme « primitif » ou « naïf ». Comme le montre cette image poignante, le travail de Basquiat était, en fait, très sophistiqué et beaucoup plus techniquement accompli qu’on ne le dit souvent.
