Von den 1880er Jahren bis zum Vorabend des Ersten Weltkriegs erlebte der Jugendstil in ganz Europa eine Blütezeit. Es handelte sich um einen universellen Stil, der die schönen und angewandten Künste zu einem Gesamtkunstwerk vereinen wollte. Von Möbeln bis hin zu Buchillustrationen wurde alles von seinen eleganten organischen Formen beeinflusst.
Der Jugendstil war in den Bahnhöfen, Teestuben und Kaufhäusern Europas allgegenwärtig: Er gehörte gleichermaßen zum öffentlichen wie zum privaten Bereich. Der Jugendstil erlebte seine Blütezeit in einer Zeit des raschen sozialen und technologischen Wandels in Europa, als sich die Industrialisierung, die Massenproduktion und die Urbanisierung beschleunigten.
Heute erkennen wir den Jugendstil an seinen charakteristischen fließenden Linien, floralen Verzierungen, geometrischen Formen und der Verwendung symbolischer Figuren. Doch wie entstand der Stil und wer waren seine wichtigsten Vertreter?
Die Ursprünge des Jugendstils
Die Wurzeln des Jugendstils gehen auf die Arts-and-Crafts-Bewegung in England in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zurück. Die Arts-and-Crafts-Bewegung wird oft als Reaktion auf die zunehmende Industrialisierung in Europa und die zunehmende Massenproduktion in Fabriken auf Kosten der traditionellen Handwerkskunst gesehen.
Der englische Schriftsteller, Designer, Architekt und Sozialist William Morris (1834-1896) war ihre prägende Figur. Morris lehnte die geschmacklosen Produktionswerte und die entmenschlichten Aspekte des viktorianischen Kapitalismus ab und besann sich stattdessen auf die gemeinschaftlichen Werte des Mittelalters. Morris‘ Ideale der Handwerkskunst und seine Verwendung von stilisierten floralen und organischen Formen fanden bei vielen Künstlern des Jugendstils Anklang.
Der Begriff Art Nouveau tauchte erstmals 1884 in der belgischen Zeitschrift L’Art Moderne auf und bezog sich auf eine Gruppe reformorientierter Bildhauer, Designer und Maler namens Les XX (oder Les Vingts), zu deren Gründungsmitgliedern James Ensor (1860-1949) und Théo van Rysselberghe (1862-1926) zählten. Der Geist der neuen Bewegung verbreitete sich rasch in Europa, und ihr Name wurde bald in verschiedene Sprachen als Jugendstil, Modernisme, Secession, Stile Floreale und ähnliche Begriffe übersetzt.
Die Künstler des Jugendstils traten von Anfang an für die Einheit aller Künste ein und wandten sich gegen die Unterscheidung zwischen den schönen Künsten (Malerei und Bildhauerei) und den so genannten kleinen dekorativen Künsten. Die Künstler des Jugendstils versuchten, die Kunst in den Alltag zu integrieren, indem sie schöne Gegenstände herstellten, um das Leben der Menschen zu verbessern.
Wie die Arts-and-Crafts-Bewegung vertrat auch der Jugendstil die Auffassung, dass ästhetische Werte mit einem hohen Maß an handwerklichem Können kombiniert werden sollten und dass Kunstwerke sowohl schön als auch funktional sein sollten. In den Bereichen Möbeldesign, Silberschmiedekunst und Architektur, Malerei, Grafik, Schmuck, Mode und Glaswaren wurden die Grenzen zwischen bildender und angewandter Kunst verwischt.
Der Erfolg des Jugendstils
Im 19. Jahrhundert weiteten sich der Einzelhandel und die Massenproduktion von Waren aus, um die wachsende Stadtbevölkerung Europas zu versorgen. Der Jugendstil-Look“, der mit Luxus assoziiert wurde, wurde durch eine Werbeexplosion bekannt gemacht und war bald auf dem ganzen Kontinent allgegenwärtig. Eine breite Palette von Jugendstilprodukten wurde an Verbraucher der Mittelschicht mit modischen Ambitionen und verfügbarem Einkommen vermarktet.
In London schuf ein einziger Einzelhändler einen der Namen, unter denen der Jugendstil bekannt wurde: stile Liberty. Das britische Kaufhaus Liberty & Co, das 1875 von Arthur Lasenby Liberty gegründet wurde, war einer der erfolgreichsten und einflussreichsten Anbieter von Jugendstilwaren.
Nach einer raschen Expansion wurde Liberty zu einer Anlaufstelle für viele Jugendstilkünstler in Kontinentaleuropa. Er gab Glas, Schmuck, Möbel, Silber- und Metallarbeiten bei seinem eigenen Designerteam in Auftrag, und seine farbenfrohen Textilien waren besonders beliebt.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts übte Japan einen großen Einfluss auf die europäische Kunst und Kultur aus. Nachdem die japanischen Häfen 1853 den Handel mit dem Westen wieder aufgenommen hatten, kamen aus dem Osten eine nie dagewesene Menge und Vielfalt japanischer Waren. Dazu gehörten Porzellan, Seide, Fächer, Kimonos und Ukiyo-e-Holzschnitte, wie die links abgebildeten Werke von Yoshitoshi Tsukioka.
Das als Japonisme bekannte Phänomen hatte begonnen, und Arthur Liberty war einer der ersten, der japanisch inspirierte Artefakte und Stile in die Produktpalette seines Unternehmens aufnahm.
„Der Wunsch, japanische Gegenstände zu besitzen, kam gleich nach der Eröffnung der Internationalen Ausstellung von 1862 auf, und es dauerte nicht lange, bis unsere Kaufleute begannen, sich mit der Einführung dieser fremden Erzeugnisse als Handelsartikel zu befassen.“ Christopher Dresser
Der in Hamburg geborene Unternehmer Siegfried Bing (1838-1905) war eine einflussreiche Figur bei der Popularisierung der japanischen Kunst und des Jugendstils. Seit den 1870er Jahren betrieb er ein Import-Export-Geschäft in Paris und gab die einflussreiche Monatszeitschrift Le Japon Artistique heraus
Im Dezember 1895 eröffnete Bing eine Galerie namens L’Art Nouveau, in der Schmuck, Gemälde, Keramik, Glasmalerei und Möbel von Designern wie Tiffany, Georges de Feure, Eduard Colonna und Eugène Galliard verkauft wurden. Japanische Motive inspirierten direkt die Werke europäischer Künstler wie Émile Gallé, dessen spektakuläre Platte von 1880 hier abgebildet ist.
Handelsausstellungen, insbesondere Weltausstellungen, waren wichtige Schaufenster des Jugendstils. Die Exposition Universelle 1900 in Paris markiert den Höhepunkt des Jugendstils und macht Frankreich zu einem wichtigen Zentrum der Bewegung. Millionen von Besuchern und Tausende von Ausstellern nahmen an der Messe teil.
Die Natur als Inspiration
Die Natur war eine zentrale Inspirationsquelle des Jugendstils, die sich auf vielfältige Weise manifestierte. Vielleicht durch die Massenabwanderung in die Städte veranlasst, brachten die Designer des Jugendstils mit stilisierten floralen und organischen Formen die Natur zurück ins moderne Leben. Krebse und Libellen, Orchideen und Lilien, Mohnblumen und Tulpen: Zahlreiche Tier- und Pflanzenarten tauchen in Glaswaren, Keramiken, Interieurs und Buchillustrationen des Jugendstils auf.
Jugendstilkünstler und -designer wie Emile Gallé und Georg Hirth, Herausgeber der Zeitschrift Jugend, bezogen sich ausdrücklich auf naturalistische Illustrationen.
Der deutsche Zoologe Ernst Haeckel (1834-1919) war ein Verfechter des Darwinismus und Berater der britischen Challenger-Expedition, die die Tiefsee erforschen wollte. Die Veröffentlichung von Haeckels Band Kunstformen der Natur im Jahr 1904, der Aquarelle und Zeichnungen von seinen Reisen enthält, war ein Meilenstein in diesem Genre.
Inspiriert von diesen exquisiten botanischen Zeichnungen übertrugen Jugendstildesigner die Motive in Designbücher, von denen einige der schönsten Beispiele von dem in der Schweiz geborenen Künstler Eugène Grasset (1845-1917) und einem seiner Schüler, Maurice Pillard Verneuil (1869-1942), geschaffen wurden.
Diese Bände wurden nicht nur in den Schulen der bildenden Künste und der Architektur in Europa studiert, sondern auch in den Schulen für industrielles Zeichnen auf dem ganzen Kontinent. Ihr Einfluss breitete sich auf große europäische Städte aus, darunter Wien und Budapest (damals Teil der österreichisch-ungarischen Monarchie).
Tiere, vor allem Vögel, wurden im Jugendstil häufig als dekorative Motive verwendet. Schmetterlinge und Libellen waren wegen ihrer filigranen Flügel sehr dekorativ, während Pfauen wegen ihres spektakulären Gefieders und ihrer schillernden Farben attraktiv waren.
Auch der aufkommende Japonisme spielte eine wichtige Rolle, da Libellen und Kraniche sowohl von Jugendstil- als auch von japanischen Künstlern bevorzugt wurden. Die kulturübergreifende Konversation wurde in Whistlers großartigem Peacock Room von 1876-77 veranschaulicht.
Die Form und die Bewegung eines Schwans mit seinem geschwungenen Hals und den fließenden Bewegungen des vorbeiziehenden Wassers können als Sinnbild des Jugendstils angesehen werden.
Die exotischen Kreaturen der Tiefsee mit ihren überraschenden und oft surrealen Formen übten eine starke Faszination auf bildende Künstler aus. Nautische Lebensformen wie Krustentiere, Quallen und Seeanemonen passten zu den fließenden Linien und kräftigen Farben des Jugendstils. Auch Künstler zogen Analogien zwischen der geheimnisvollen Wasserwelt und der Mythologie der Nixen und Nymphen, wie Gustav Klimts Silberfisch (Nixen) Metamorphose von 1899 zeigt.
Die Verliebtheit des Jugendstils in die Natur bezog sich auch auf die Jahreszeiten und den Zyklus des Lebens. Die Jahreszeiten von Alphonse Mucha (1860-1939) zeigen vier schöne Frauen, jede mit einem natürlichen Hintergrund, der die Stimmung und die Farben der jeweiligen Jahreszeit widerspiegelt. Der Frühling liegt zart inmitten von Blumen und Vogelgezwitscher, der Sommer trägt eine Girlande aus Mohnblumen, der Herbst erntet wilde Beeren und Chrysanthemen, während der Winter einen Mantel trägt, der ihn vor Kälte und Schnee schützt.
Die Künstler des Jugendstils setzten sich auch mit düsteren Themen der Natur auseinander, wie dem Kreislauf von Leben, Verfall und Tod, um Visionen von Unterwelten zu schaffen, die von dunklen Mächten beherrscht werden. Das Thema der Zeichnung O Grave, Where is the Victory? von Jan Toorop aus dem Jahr 1892 ist einem Brief des Apostels Paulus über den Sieg des Glaubens über den Tod entnommen. Der Tod wird als Erlöser von irdischem Leid dargestellt. In der Nähe eines offenen Grabes liegt der Leichnam eines Mannes, der von dornigen Zweigen umschlungen ist, die die schmerzhafte Existenz des Menschen auf der Erde symbolisieren. Zwei Seraphim (Engel) schweben über dem Grab und befreien den Toten von diesen Zweigen.
Die Bedeutung der Frauen im Jugendstil
Die Rolle und der Status der Frau in der Gesellschaft haben sich Ende des 19. Jahrhunderts erheblich weiterentwickelt. Die Frauen wurden unabhängiger, und immer mehr Frauen der großstädtischen Mittelschicht verfügten über ein verfügbares Einkommen
Im gleichen Zeitraum stellten die (überwiegend männlichen) Künstler und Designer des Jugendstils Frauen in stark idealisierten, weiblichen und verführerischen Formen dar. Schlanke, attraktive – und oft nackte – Frauen mit wallendem Haar sind die Protagonisten von Schmuck, Gemälden und Druckerzeugnissen des Jugendstils.
Die Werbung beeinflusste die Wahrnehmung der Frauen in der Öffentlichkeit und nutzte den weiblichen Körper, um den Verbrauchern Lebensstile und Produkte zu verkaufen, wie auch heute noch.
Viele Künstler des Jugendstils setzten die Erotik in ihren Werken ein, keiner mit größerem Erfolg als der tschechische Maler und Dekorationskünstler Alphonse Mucha (1860-1939). Als vielseitiger Designer von Tapeten, Textilien, Silberwaren und Schmuck ist Muchas Werk sofort erkennbar und wurde nach der Veröffentlichung von zwei Bänden mit seinen grafischen Entwürfen im Jahr 1902 weithin nachgeahmt.
Muchas Werbung für die Zigarettenfirma Job veranschaulicht die Idee, dass „Sex sells“ ist: Eine voluminöse Frau hält eine brennende Zigarette in der Hand, während ihre geschlossenen Augen und geschürzten Lippen Ekstase suggerieren. Allein die Tatsache, dass diese Frau raucht, könnte als skandalös angesehen werden, da zu dieser Zeit nur wenige angesehene Frauen in der Öffentlichkeit rauchten.
Das Privatleben der französischen Bühnen- und Filmschauspielerin Sarah Bernhardt (1844-1923) war ebenso dramatisch wie ihre Schauspielkarriere. Sie war eine Ikone des Jugendstils, deren Bild für eine Vielzahl von Produkten wie Kosmetika, Kleidung und Lebensmittel wie die Lefèvre-Utile-Kekse verwendet wurde.
Bernhardt inspirierte und beauftragte mehrere Werke von Alphonse Mucha, wie zum Beispiel Gismonde, und gab Schmuck, Porzellan und andere Stücke bei Künstlern wie René-Jules Lalique in Auftrag.
Weibliche Berühmtheiten wie Bernhardt waren für viele Künstler wichtige Vorbilder, und das Interesse an Künstlern wie der Nachtclubkünstlerin Jane Avril und der Tänzerin Loie Fuller war groß.
Fuller, die oft als Inbegriff des Jugendstils angesehen wird, gab ihr Bühnendebüt 1892 in Paris auf der Bühne der Folies Bergère. Als eine der ersten Vertreterinnen des freien Tanzes entwickelte sie eine Reihe von Choreographien, in denen sie zu Musik von Debussy, Chopin und Schubert über die Bühne wirbelte, beleuchtet von lebhaften Lichteffekten.
In dieser Zeit änderte sich die Frauenmode mit dem Aufkommen der Kleiderreform. Die Modeschöpfer des Jugendstils entwickelten Damenkleidung mit weniger einschränkenden Schnitten, die leichter und einfacher zu tragen war. Weiche Stoffe und geschwungene Linien in modernen Farbtönen wurden getragen, und nach 1900 schuf eine neue Art von Korsett eine S-förmige Silhouette.
Sportbekleidung, Strandbekleidung und Fahrradbekleidung für Frauen kamen auf den Markt. Die Schuhe waren mit Jugendstilmotiven und stilistischen Details an den Absätzen versehen. Die neuesten Modetrends erschienen in Modezeitschriften, Zeitungen und Kaufhäusern und verbreiteten sich rasch in ganz Europa.
Im Einklang mit den zeitgenössischen künstlerischen Entwicklungen stellten viele Künstler des Jugendstils die Frauen auf mystische und symbolische Weise dar. Die Faszination der europäischen Kultur für Psychologie und Symbolismus hat ihren Ursprung in der dekadenten Poesie und Literatur sowie in den Schriften von Sigmund Freud. Freuds Theorien über das Unbewusste und die Traumdeutung boten den bildenden Künstlern interessante neue Themen zur Erforschung. Viele Künstler lehnten die Grenzen des Realismus ab und wandten sich inneren Welten zu.
Die Vorstellung von der Frau als Verkörperung der Reinheit oder ihres Gegenteils war ein häufiges Thema in der Kunst und Literatur des Fin-de-Siècle. Frauen wurden oft als ätherische, verführerische und tödliche Wesen dargestellt, wie Medusa und Salome. Franz von Stucks Gemälde Der Kuss der Sphinx aus dem Jahr 1895 zeigt ein weibliches Wesen, das einen Mann leidenschaftlich küsst, während es ihn mit seinen löwenartigen Krallen beherrscht.
El pintor austriaco y miembro de la Secesión de Viena, Gustav Klimt (1862-1918) fue uno de los artistas más famosos de la época del Art Nouveau. Las obras de Klimt, como la Dánae de 1907-08, a menudo representaban el desnudo femenino de forma muy decorativa y sensual. Klimt incorporaba los desnudos con materiales preciosos, como el oro y la plata, para crear superficies brillantes que parecían mosaicos.
Der österreichische Maler und Mitglied der Wiener Sezession, Gustav Klimt (1862-1918), war einer der berühmtesten Künstler des Jugendstils. Klimts Werke, wie die Danae von 1907-08, stellen den weiblichen Akt oft in einer sehr dekorativen und sinnlichen Weise dar. Klimt verband die Akte mit kostbaren Materialien wie Gold und Silber und schuf so glänzende Oberflächen, die an Mosaike erinnerten.
Jugendstilplakate, Zeitschriften und Drucke
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts kam es zu einer explosionsartigen Verbreitung von Printmedien wie Zeitungen, Romanen, Rundschreiben, Karikaturen, Drucken und illustrierten Büchern. Die geschwungenen Linien und von der Natur inspirierten Motive des Jugendstils finden sich häufig auf Bucheinbänden und Exlibris.
In ganz Europa wurden Magazine und Zeitschriften über künstlerische und dekorative Trends herausgegeben, wie Llibre d’Horas, Ve__r Sacrum, The Savoy, La Plume, Dekorative Kunst und Jugend. Letztere war eine von Georg Hirth herausgegebene populäre kulturelle Trendwochenschrift, die der Jugendstilbewegung ihren Namen gab. In einem schmalen Format von höchstens zwanzig Seiten berichtete die Jugend über modische Kleidung, Literatur und präsentierte die Werke von Hugo Hoppner (Fido), Emil Hansen (Nolde), Ernst Barlach und Peter Behrens.
Der vielseitige deutsche Künstler und Illustrator Hans Christiansen (1866-1945) schuf lebendige Titelbilder mit seiner charakteristischen Handschrift. Der in Flensburg geborene Christiansen zog 1895 nach Paris, um an der Académie Julian zu studieren, und war bis 1902 Mitglied der Darmstädter Künstlerkolonie. Neben grafischen Arbeiten entwarf er auch Tapetenmuster, Wandteppiche, Keramiken und Glasmalereien.
„Ich nehme meine Arbeit als Künstler so allgemein wie möglich: Ich will ein Porträt malen, kann aber auch ein Möbelstück entwerfen; ich zeichne Karikaturen, aber auch Tapeten, Plakate; ich entwerfe Glasfenster, aber auch mal einen Paravent.“
Hans Christiansen
In England war Aubrey Beardsley (1872-1898) eine wichtige Figur der viktorianischen Illustrations- und Ästhetikbewegung. Der in der englischen Küstenstadt Brighton geborene Beardsley zog 1892 auf Anregung von Edward Burne-Jones (1833-1898) nach Paris. Beardsleys Ruf wurde durch eine Illustration von Salome mit dem Kopf von Johannes dem Täufer gefestigt, die in der ersten Ausgabe von The Studio veröffentlicht wurde.
Beardsleys erotisch aufgeladene Illustrationen waren typisch für den Dekadentismus des Fin-de-Siècle und wurden mit der progressiven Kunstzeitschrift The Yellow Book in Verbindung gebracht. Diese Verbindung endete nach dem Prozess und der Inhaftierung von Oscar Wilde im Jahr 1895, die alle in seinem Umfeld betraf. Beardsleys Karriere wurde tragischerweise durch seinen Tod an Tuberkulose im Alter von 25 Jahren beendet.
Plakate und Werbung wurden im späten 19. Jahrhundert in ganz Europa zu einem dominierenden Mittel der Massenkommunikation. Das neue lithografische Verfahren mit drei Steinen ermöglichte schillernde Farben und machte die Werbung zu einem beliebten Medium für viele Künstler, wie Leonetto Cappiello (1875-1942) und Alfred Choubrac (1853-1902).
In Frankreich wurde die Belle Époque durch die Plakate von Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) und Jules Chéret (1836-1932) verkörpert, die beide von japanischen Ukiyo-e-Drucken beeinflusst waren. Chéret war ein Maler und Lithograf, der ein Meister der Plakatgestaltung der Belle Époque wurde.
Architektur und Innenarchitektur
Die rasche Industrialisierung des 19. Jahrhunderts führte in vielen europäischen Städten zu einem Bauboom. Die Architektur des Jugendstils war ein Ausdruck nationaler Modernität und ästhetischen Geschmacks, der durch die Materialien – Stahl, Eisen und Glas – und die Techniken der Industrialisierung begünstigt wurde. Fließende schmiedeeiserne Formen und architektonisches Steinzeug verliehen Gebäudefassaden und Brücken eine unverwechselbare und luxuriöse Ausstrahlung.
In Paris entwickelte der Architekt und Designer Hector Guimard (1867-1942) einen abstrakten, fließenden Stil. Zu seinen Aufträgen gehören das Maison Coilliot in Lille und das Castel Béranger in Paris. Guimards Entwürfe für die Pariser Metrostationen, die für die Weltausstellung von 1900 gebaut wurden, kombinierten lineare Formen mit industriellen Konstruktionsmethoden und sind bis heute weltberühmt.
Der Architekt und Designer Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) prägte die Glasgower Schule zusammen mit den Macdonald-Schwestern und Herbert McNair – zusammen waren sie als „Die Vier“ bekannt. Mackintosh entwickelte seinen eigenen Stil, der starke rechte Winkel mit floral inspirierten dekorativen Motiven kontrastierte.
In Mackintoshs Entwurf für die Inneneinrichtung des Art Lover’s House in Glasgow taucht das Rosenmotiv häufig auf, z. B. in Tapeten, Glasmalereien und Möbeldetails. Wie alle Werke Mackintoshs sollte auch das Haus als einheitliches Kunstwerk erlebt werden.
Das Palais Stoclet in Brüssel wurde 1905 von dem Bankier und Kunstsammler Adolphe Stoclet in Auftrag gegeben. Es wurde von dem Architekten Josef Hoffmann entworfen und zwischen 1905 und 1911 geplant und gebaut.
Die Villa ist mit Werken mehrerer bedeutender Künstler ausgestattet, darunter Koloman Moser, Gustav Klimt, Frantz Metzner und Richard Luksch. Es ist der ultimative Ausdruck des Ideals des Gesamtkunstwerks. Klimts großformatige Vorzeichnung für das Palais Stoclet ist unten abgebildet.
Zu den Brüsseler Architekten, die im Jugendstil arbeiteten, gehörten Paul Hankar, Henry van de Velde und Paul Saintenoy, aber der berühmteste war Victor Horta (1861-1947). Licht, offene Räume, Glasdecken und die innovative Verwendung von Eisen sind charakteristisch für seine Arbeit.
Horta verwendete gebogenes Eisen, das von natürlichen Formen inspiriert war, sowohl für die Innen- als auch für die Außenbereiche seiner Gebäude. Seine Aufträge für das Hotel Solvay und das Hotel Tassel sind ein Beispiel für seine ganzheitliche Herangehensweise an die Architektur: Horta entwarf jedes Element, von Türgriffen über Möbel bis hin zu Glasfenstern.
Die Architekten und Designer des Jugendstils waren bestrebt, Werke mit einer kohärenten Bildsprache zu schaffen. Sie wollten, dass jedes Element der baulichen Umgebung, sowohl im Inneren als auch im Äußeren, mit Blick auf das Ganze gestaltet wird. Die organischen Konturen des Äußeren der Gebäude wurden von ebenso attraktiven Innenräumen begleitet.
Die Verwendung pflanzlicher Formen in der Metallverarbeitung, die häufig in der Architektur zu sehen ist, taucht bald auch bei Silberwaren, Lampen und Dekorationsartikeln auf.
In Barcelona war die katalanische Form des Jugendstils der Modernisme, und der Architekt Antoni Gaudí (1852-1926) schuf einen höchst individuellen, organischen Stil, der sich auf gotische und maurische Traditionen stützte. Gaudí wurde 1883 zum Leiter der Bauarbeiten an der Sagrada Familia ernannt.
Gaudí arbeitete bis zu seinem Tod im Jahr 1926 an diesem außergewöhnlichen, einzigartigen und hochkomplexen Projekt, das noch heute im Bau ist.
Jugendstil-Schmuck und Glaswaren
Technische Exzellenz und Innovation waren ein Markenzeichen des Kunstgewerbes im Jugendstil. In diesem Kapitel lernen wir einige der führenden Designer und Hersteller von Glaswaren, Schmuck und Keramik kennen.
Um Schichten von Textur und Glasuren auf die dekorativen Elemente aufzutragen, schickten die Keramiker und Glaser dieser Zeit die Stücke oft mehrmals in den Ofen. Historische Techniken wurden wiederbelebt und neue erfunden, wie die Favrile-Glasformel, die 1894 von Louis Comfort Tiffany (1848-1933), dem Sohn des berühmten Juweliers Charles Lewis Tiffany, patentiert wurde.
Als er 1865 das South Kensington Museum in London besuchte, war Tiffany beeindruckt und ließ sich von römischen, syrischen und mittelalterlichen Glaswaren inspirieren. Tiffany erzielte die brillanten, schillernden Oberflächen des Favrile-Glases, indem er Metalloxide in die Glasschmelze einbrachte. Seine späteren Glaskreationen gehören zu den berühmtesten Jugendstilobjekten der Welt.
Das links abgebildete Fenster der Tiffany Studios befindet sich in der Sammlung des Metropolitan Museums in New York. Es wurde als Denkmal für die Familie Frank aus New York entworfen und war ursprünglich in einem Mausoleum auf einem Friedhof in Brooklyn aufgestellt. Das Thema „Fluss des Lebens“ ist in den Entwürfen, die Tiffany für Gedenkstätten schuf, weit verbreitet, und die Jahre zwischen 1900 und 1910 waren die Blütezeit der Kirchenfensterproduktion der Tiffany Studios.
Emile Gallé (1846-1904) war ein französischer Glasmacher, Keramiker und Möbeldesigner, der zu einer der einflussreichsten Persönlichkeiten des französischen Jugendstils und der dekorativen Kunst wurde. Er wurde in Nancy geboren und studierte in Deutschland Botanik und Mineralogie, bevor er 1874 die Glas- und Keramikfabrik seines Vaters übernahm.
Auf der Pariser Weltausstellung von 1889 wurden Gallés stilistische Neuerungen im Bereich des Glases mit geschnitzten Kameen und Glaspastellarbeiten gewürdigt. Die Ecole de Nancy, deren Gründer Gallé, Louis Majorelle, Victor Prové, Eugene Vallin und die Brüder Daum waren, stellte Möbel, Glaswaren, Leder, Keramik und Textilien her. Die Ecole de Nancy wurde zu einem der wichtigsten Zentren des Jugendstils.
Die Juweliere kreierten für ihre Kunden exquisite Stücke, wie Halsketten, Anhänger, Armbänder und Ohrringe. Diese Gegenstände waren oft mit Emaille und Halbedelsteinen wie geschnitztem Elfenbein und Schildpatt verziert. Jugendstilstücke, die von der Natur inspiriert sind und Blätter, Orchideen, Lilien und Schmetterlinge darstellen, sind weit verbreitet.
Der französische Juwelier René-Jules Lalique (1860-1945) war einer der bekanntesten Kunsthandwerker des Jugendstils. Lalique wurde in Paris und London ausgebildet und stammte nicht aus einer etablierten Juwelierdynastie.
Nachdem er sich bei den berühmten Schmuckhäusern Cartier, Jacta und Boucheron einen Namen gemacht hatte, übernahm Lalique 1885 die Werkstatt des Pariser Juweliers Jules Destape. Für seine luxuriösen Stücke verwendete er Materialien wie Horn, Elfenbein, Kristall und farbenprächtige Edelsteine.
Die Insekten, Blumen und Nymphen von Lalilque waren der Inbegriff des Jugendstils und wurden in exquisit detaillierten und zarten Formen ausgeführt. Lalique arbeitete für Privatkunden, wie Sarah Bernhardt, und für viele der besten Schmuckhändler in Paris.
Wie bei Glaswaren und Schmuck experimentierten die besten Keramiker des Jugendstils mit neuen Formen und innovativen Glasurtechniken. Verformbarer Ton war das perfekte Medium, um die für die Ästhetik des Jugendstils charakteristischen Formen zu verwirklichen.
Prominente Künstler in Europa waren Brantjes und Rozenburg in den Niederlanden, Meisenthal und Koepping in Deutschland, Zsolnay in Ungarn, Harrach und Loetz in Böhmen und Skandinavien.
