Des années 1880 jusqu’à la veille de la Première Guerre mondiale, l’Art nouveau a fleuri dans toute l’Europe. C’était un style universel qui cherchait à unifier les beaux-arts et les arts appliqués pour créer une Gesamtkunstwerk (« œuvre d’art totale »). Tout, du mobilier à l’illustration de livres, a été influencé par ses élégantes formes organiques.
L ‘Art nouveau était omniprésent dans les gares, les salons de thé et les grands magasins d’Europe : il appartenait aussi bien à la sphère publique qu’à la sphère privée. L’Art nouveau s’est épanoui pendant une période de changements sociaux et technologiques rapides en Europe, avec l’accélération de l’industrialisation, de la production de masse et de l’urbanisation.
Aujourd’hui, nous reconnaissons l’Art nouveau par ses lignes fluides caractéristiques, ses embellissements floraux, ses formes géométriques et l’utilisation de figures symboliques. Mais comment s’est formé ce style et qui étaient ses principaux praticiens ?
Les origines de l’Art nouveau
Les racines de l’Art nouveau remontent au mouvement Arts and Crafts en Angleterre durant la seconde moitié du 19e siècle. Le mouvement Arts and Crafts est souvent considéré comme une réponse à l’industrialisation croissante en Europe et à l’essor de la production de masse dans les usines, au détriment de l’artisanat traditionnel.
L‘écrivain, designer, architecte et socialiste anglais William Morris (1834-1896) en a été la figure de proue. Morris a rejeté les valeurs de production de pacotille et les aspects déshumanisés du capitalisme victorien, se tournant plutôt vers les valeurs communautaires de l’époque médiévale. Les idéaux d’artisanat de Morris et son utilisation de formes florales et organiques stylisées ont trouvé un écho auprès de nombreux artistes de l’Art nouveau.
Le terme « Art nouveau » est apparu pour la première fois dans la revue belge L’Art moderne en 1884, en référence à un groupe de sculpteurs, de designers et de peintres réformistes appelé Les XX (ou Les Vingts), dont les membres fondateurs comprenaient James Ensor (1860-1949) et Théo van Rysselberghe (1862-1926). L’esprit du nouveau mouvement s’est rapidement répandu en Europe et son nom a rapidement été traduit dans différentes langues sous les noms de Jugendstil, Modernisme, Secession, Stile Floreale et autres termes similaires.
Dès le début, les artistes de l’Art nouveau ont prôné l’unité de tous les arts et se sont opposés à la discrimination entre les beaux-arts (peinture et sculpture) et les arts décoratifs dits mineurs. Les artistes de l’Art nouveau ont cherché à intégrer l’art dans le quotidien, en produisant de beaux objets pour améliorer la vie des gens.
Tout comme le mouvement Arts and Crafts, l’Art nouveau défendait l’idée que les valeurs esthétiques devaient être associées à un haut niveau d’artisanat et que les œuvres d’art devaient être à la fois belles et fonctionnelles. Les frontières entre les beaux-arts et les arts appliqués se sont estompées dans les domaines du design de meubles, de l’orfèvrerie et de l’architecture, de la peinture, de l’art graphique, de la bijouterie, de la mode et de la verrerie.
Le succès de l’Art nouveau
Au XIXe siècle, le commerce de détail et la production de masse de marchandises se sont développés pour servir les populations urbaines croissantes d’Europe. Le « look » Art nouveau, associé au luxe, est diffusé par une explosion publicitaire et devient rapidement omniprésent sur le continent. Une large gamme de produits Art nouveau a été commercialisée auprès de consommateurs de la classe moyenne ayant des aspirations en matière de mode et disposant d’un revenu disponible.
À Londres, un seul détaillant a créé l’un des noms sous lesquels l’Art nouveau est devenu célèbre : stile Liberty. Le grand magasin britannique Liberty & Co, fondé par Arthur Lasenby Liberty en 1875, était l’un des vendeurs d’articles Art nouveau les plus prospères et les plus influents.
Après une expansion rapide, Liberty est devenu un débouché pour de nombreux artistes Art nouveau en Europe continentale. Il commandait du verre, des bijoux, des meubles, de l’argenterie et du travail du métal à sa propre équipe de designers, et ses textiles colorés étaient particulièrement populaires.
Dans la seconde moitié du XIXe siècle, le Japon a exercé une grande influence sur l’art et la culture européens. Après la reprise du commerce entre les ports japonais et l’Occident en 1853, un volume et une variété sans précédent de marchandises japonaises sont arrivés de l’Est. Il s’agissait de porcelaine, de soie, d’éventails, de kimonos et de gravures sur bois Ukiyo-e, comme l’œuvre de Yoshitoshi Tsukioka présentée à gauche.
Le phénomène connu sous le nom de Japonisme a commencé et Arthur Liberty a été l’un des premiers à l’adopter, introduisant des objets et des styles inspirés du Japon dans la gamme de produits de son entreprise.
« Le désir de posséder des objets japonais s’est manifesté dès l’ouverture de l’Exposition internationale de 1862, et ce n’est pas longtemps après que nos marchands ont commencé à se préoccuper de l’introduction de ces étranges manufactures comme articles de commerce. » Christopher Dresser
L’entrepreneur Siegfried Bing (1838-1905), né à Hambourg, a été une figure influente dans la popularisation de l’art japonais et de l’Art nouveau. À partir des années 1870, il dirige une entreprise d’import-export à Paris et édite l’influent mensuel Le Japon Artistique
En décembre 1895, Bing ouvre une galerie appelée « L’Art Nouveau » qui vend des bijoux, des peintures, des céramiques, des vitraux et des meubles de créateurs tels que Tiffany, Georges de Feure, Eduard Colonna et Eugène Galliard. Les motifs japonais ont directement inspiré les œuvres d’artistes européens tels qu’Émile Gallé, dont la spectaculaire assiette de 1880 est illustrée ici.
Les expositions commerciales, notamment les expositions universelles, ont été des vitrines importantes pour le style Art nouveau. L’Exposition universelle de 1900 à Paris a marqué l’apogée de l’Art nouveau et a fait de la France un centre majeur du mouvement. Des millions de visiteurs et des milliers d’exposants ont participé à la foire.
La nature comme source d’inspiration
Le monde naturel était une source d’inspiration centrale pour l’Art nouveau, qui se manifestait de diverses manières. Peut-être poussés par la migration massive vers les villes, les designers de l’Art nouveau ont utilisé des formes florales et organiques stylisées pour ramener la nature dans la vie moderne. Crustacés et libellules, orchidées et lys, coquelicots et tulipes: de nombreuses espèces de faune et de flore apparaissent dans les verreries, les céramiques, les intérieurs et les illustrations de livres de l’Art nouveau.
Les artistes et designers de l’Art nouveau, tels qu’Emile Gallé et Georg Hirth, rédacteur en chef de Jugend, font explicitement référence aux illustrations naturalistes.
Le zoologiste allemand Ernst Haeckel (1834-1919) était un partisan du darwinisme et un conseiller de l’expédition britannique Challenger, qui avait pour but d’explorer les grands fonds marins. La publication en 1904 du volume Kunstformen Der Natur de Haeckel, qui comprend des aquarelles et des dessins tirés de ses voyages, a fait date dans le genre.
Inspirés par ces exquis dessins botaniques, les designers de l’Art nouveau en ont transposé les motifs dans des livres de dessins, dont certains des plus beaux exemples ont été réalisés par l’artiste d’origine suisse Eugène Grasset (1845-1917) et l’un de ses élèves, Maurice Pillard Verneuil (1869-1942).
Ces volumes ont été étudiés non seulement dans les écoles des beaux-arts et d’architecture en Europe, mais aussi dans les écoles de dessin industriel sur tout le continent. Leur influence s’est étendue aux grandes villes européennes, notamment Vienne et Budapest (qui faisait alors partie de l’Empire austro-hongrois).
Les animaux, et en particulier les oiseaux, étaient fréquemment utilisés comme motifs décoratifs dans l’Art nouveau. Les papillons et les libellules étaient des sujets très décoratifs en raison de leurs ailes filigranes, tandis que les paons étaient attrayants en raison de leur plumage spectaculaire et de leurs couleurs éblouissantes.
La montée du japonisme a également joué un rôle important, les libellules et les grues ayant la faveur des artistes de l’Art nouveau et du Japon. La conversation interculturelle a été illustrée par la magnifique Peacock Room de Whistler, réalisée en 1876-77.
La forme et le mouvement d’un cygne, avec son cou courbé et les mouvements fluides des ondulations de l’eau sur son passage, peuvent être considérés comme emblématiques de l’Art nouveau.
Les créatures exotiques des profondeurs, avec leurs formes surprenantes et souvent surréalistes, ont exercé une puissante fascination sur les artistes. Les formes de vie nautiques, telles que les crustacés, les méduses et les anémones de mer, s’adaptaient aux lignes fluides et aux couleurs audacieuses du style Art nouveau. Les artistes ont également établi des analogies entre le mystérieux monde aquatique et la mythologie des sirènes et des nymphes, comme l’illustre la Métamorphose des poissons d’argent (sirènes) de Gustav Klimt en 1899.
L’engouement de l’Art nouveau pour la nature englobe également les saisons et le cycle de la vie. Les Saisons d’Alphonse Mucha (1860-1939) représentent quatre belles femmes, chacune sur un fond naturel qui évoque l’humeur et la couleur de la saison. Le printemps s’étend délicatement parmi les fleurs et le chant des oiseaux, l’été porte une guirlande de coquelicots, l’automne récolte des baies sauvages et des chrysanthèmes, tandis que l’hiver porte un manteau pour l’isoler du froid et de la neige.
Les artistes de l’Art nouveau ont également exploré des thèmes plus sombres de la nature, tels que le cycle de la vie, la décadence et la mort, pour créer des visions de mondes souterrains gouvernés par des forces obscures. Le thème du dessin de Jan Toorop de 1892, O Grave, Where is the Victory ? est tiré d’une lettre de l’apôtre Paul sur la victoire de la foi sur la mort. La mort est représentée comme le libérateur de la souffrance terrestre. Près d’une tombe ouverte se trouve le corps d’un homme enlacé dans des branches épineuses, symbolisant l’existence douloureuse de l’homme sur terre. Deux séraphins (anges) planent au-dessus du tombeau et libèrent le mort de ces branches.
L’importance des femmes dans l’Art nouveau
Le rôle et le statut des femmes dans la société ont considérablement évolué à la fin du XIXe siècle. Les femmes sont devenues plus indépendantes et un nombre croissant de femmes de la classe moyenne métropolitaine ont bénéficié d’un revenu disponible
À lamême époque, les artistes et les designers de l’Art nouveau (essentiellement des hommes) ont représenté des femmes sous des formes hautement idéalisées, féminines et séduisantes. Des femmes élancées, séduisantes – et souvent nues – aux cheveux flottants sont les protagonistes des bijoux, peintures et imprimés Art nouveau.
La publicité a influencé la perception des femmes par le public et, comme aujourd’hui, a utilisé le corps féminin pour vendre des modes de vie et des produits aux consommateurs.
De nombreux artistes de l’Art nouveau ont utilisé l’érotisme dans leurs œuvres, aucun d’entre eux ne l’a fait avec plus de profit que le peintre et artiste décorateur tchèque Alphonse Mucha (1860-1939). Concepteur polyvalent de papiers peints, de textiles, d’argenterie et de bijoux, le travail de Mucha est immédiatement reconnaissable et a été largement imité après la publication de deux volumes de ses dessins graphiques en 1902.
La publicité de Mucha pour le cigarettier Job illustre l’idée que « le sexe fait vendre » : une femme volumineuse tient une cigarette allumée, tandis que ses yeux fermés et ses lèvres entrouvertes suggèrent l’extase. Le simple fait que cette femme fume pourrait être considéré comme scandaleux, car peu de femmes respectables de l’époque fumaient en public.
La vie privée de l’actrice française de théâtre et de cinéma Sarah Bernhardt (1844-1923) a été aussi dramatique que sa carrière d’actrice. Elle était une icône du style Art nouveau, dont l’image a servi à promouvoir divers produits, notamment des cosmétiques, des vêtements et des produits alimentaires, comme les biscuits Lefèvre-Utile.
Bernhardt a inspiré et commandé plusieurs œuvres d’Alphonse Mucha, comme Gismonde, et a commandé des bijoux, de la porcelaine et d’autres pièces à des artistes comme René-Jules Lalique.
Les célébrités féminines telles que Bernhardt ont été des muses importantes pour de nombreux artistes et des artistes tels que la chanteuse de cabaret Jane Avril et la danseuse Loie Fuller ont suscité un grand intérêt.
Souvent considérée comme l’incarnation de l’Art nouveau, Fuller fait ses débuts sur scène à Paris en 1892, sur la scène des Folies Bergère. L’une des premières adeptes de la danse libre, elle a mis au point une série de routines dans lesquelles elle virevoltait sur scène sur des musiques de Debussy, Chopin et Schubert, éclairées par des effets de lumière vifs.
Au cours de cette période, la mode féminine a changé, le mouvement de réforme vestimentaire prenant de l’ampleur. Les créateurs de mode Art nouveau ont mis au point des vêtements pour femmes aux motifs moins restrictifs, plus légers et plus faciles à porter. Des tissus doux et des lignes sinueuses dans des tons modernes sont portés et, après 1900, un nouveau style de corset crée une silhouette en forme de S.
Des vêtements de sport, de plage et de cyclisme pour femmes sont apparus sur le marché. Les chaussures présentent des motifs Art nouveau avec des détails stylistiques sur les talons. Les dernières modes apparaissent dans les magazines de mode, les journaux et les grands magasins et se répandent rapidement dans toute l’Europe.
En phase avec les développements artistiques contemporains, de nombreux artistes travaillant dans le style Art nouveau ont dépeint des femmes de manière mystique et symbolique. La fascination de la culture européenne pour la psychologie et le symbolisme trouve son origine dans la poésie et la littérature décadentes et dans les écrits de Sigmund Freud. Les théories de Freud sur l’inconscient et l’interprétation des rêves ont offert aux artistes visuels de nouveaux thèmes intéressants à explorer. De nombreux artistes ont rejeté les limites du réalisme et se sont tournés vers les mondes intérieurs.
La notion de la femme comme incarnation de la pureté, ou de son contraire, est un thème commun à l’art et à la littérature de la fin du siècle. Les femmes étaient souvent représentées comme des êtres éthérés, séduisants et mortels, comme Méduse et Salomé. Le tableau de 1895 de Franz von Stuck, Le Baiser du Sphinx, représente une créature féminine embrassant passionnément un homme tout en le dominant de ses griffes de lion.
Peintre autrichien et membre de la Sécession viennoise, Gustav Klimt (1862-1918) est l’un des artistes les plus célèbres de la période Art nouveau. Les œuvres de Klimt, telles que la Danaé de 1907-08, représentent souvent le nu féminin de manière très décorative et sensuelle. Klimt a incorporé les nus avec des matériaux précieux, comme l’or et l’argent, pour créer des surfaces brillantes qui ressemblaient à des mosaïques.
Affiches, magazines et imprimés Art nouveau
La seconde moitié du XIXe siècle a vu une explosion des médias imprimés tels que les journaux, les romans, les bulletins d’information, les caricatures, les gravures et les livres illustrés. Les lignes sinueuses et les motifs inspirés de la nature de l’Art nouveau apparaissent fréquemment sur les couvertures de livres et les ex libris.
Des magazines et des périodiques sur les tendances artistiques et décoratives sont lancés dans toute l’Europe, comme Llibre d’Horas, Ve__r Sacrum, The Savoy, La Plume, Dekorative Kunst et Jugend. Ce dernier était un hebdomadaire de tendance culturelle populaire publié par Georg Hirth qui a donné son nom au mouvement Jugendstil. Dans un format mince de vingt pages ou moins, Jugend couvrait les vêtements à la mode, la littérature et présentait les œuvres d’Hugo Hoppner (Fido), Emil Hansen (Nolde), Ernst Barlach et Peter Behrens.
L’artiste et illustrateur allemand polyvalent Hans Christiansen (1866-1945) a réalisé des couvertures vivantes avec ses lettres manuscrites caractéristiques. Né à Flensburg, Christiansen se rendit à Paris en 1895 pour étudier à l’Académie Julian et fut membre de la colonie d’artistes de Darmstadt jusqu’en 1902. En plus de son travail graphique, il a conçu des motifs de papier peint, des tapisseries, des céramiques et des vitraux.
« Je prends mon travail d’artiste de la manière la plus générale possible : je veux peindre un portrait, mais je peux aussi concevoir un meuble ; je dessine des caricatures, mais aussi du papier peint, des affiches ; je conçois des vitraux, mais aussi occasionnellement un paravent. »
Hans Christiansen
En Angleterre, Aubrey Beardsley (1872-1898) est une figure importante de l’illustration et du mouvement esthétique victoriens. Né dans la ville balnéaire anglaise de Brighton, Beardsley s’installe à Paris en 1892 après avoir été encouragé par Edward Burne-Jones (1833-1898). La réputation de Beardsley a été cimentée par une illustration de Salomé tenant la tête de Jean le Baptiste, publiée dans la première édition de The Studio.
Les illustrations érotiques de Beardsley sont typiques du décadentisme de la fin du siècle et sont associées au trimestriel d’art progressiste The Yellow Book. Cette association a pris fin après le procès et l’emprisonnement d’Oscar Wilde en 1895, qui a touché tous les membres de son entourage. La carrière de Beardsley a été tragiquement interrompue par sa mort de la tuberculose à l’âge de 25 ans.
Les affiches et la publicité sont devenues un moyen de communication de masse dominant dans toute l’Europe à la fin du XIXe siècle. Le nouveau procédé lithographique à trois pierres permet d’obtenir des couleurs éblouissantes, et la publicité devient un support populaire pour de nombreux artistes, tels que Leonetto Cappiello (1875-1942) et Alfred Choubrac (1853-1902).
En France, la Belle Époque est incarnée par les affiches d’Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) et de Jules Chéret (1836-1932), tous deux influencés par les estampes japonaises de l’Ukiyo-e. Chéret était un peintre et un lithographe qui est devenu un maître de la conception d’affiches de la Belle Époque.
Architecture et décoration d’intérieur
L’industrialisation rapide du XIXe siècle a entraîné un boom de la construction dans de nombreuses villes européennes. L’architecture Art nouveau était une déclaration de modernité nationale et de goût esthétique, facilitée par les matériaux – acier, fer et verre – et les techniques de l’industrialisation. Les motifs fluides en fer forgé et le grès architectural ont conféré une présence distinctive et luxueuse aux façades des bâtiments et aux ponts.
À Paris, l’architecte et designer Hector Guimard (1867-1942) a développé un style abstrait et fluide, et ses commandes comprennent la Maison Coilliot à Lille et le Castel Béranger à Paris. Les dessins de Guimard pour les stations de métro de Paris, construites pour l’Exposition universelle de 1900, combinaient des formes linéaires avec des méthodes de construction industrielles et restent célèbres dans le monde entier.
L’architecte et designer Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) a défini l’école de Glasgow, avec les sœurs Macdonald et Herbert McNair – ensemble, ils étaient connus sous le nom de « Les Quatre ». Mackintosh a développé son propre style, opposant de forts angles droits et des motifs décoratifs d’inspiration florale.
Dans le projet de Mackintosh pour l’intérieur d’une maison d’amateurs d’art à Glasgow, le motif de la rose apparaît fréquemment dans des dessins tels que les papiers peints, les vitraux et les détails des meubles. Comme dans toutes les œuvres de Mackintosh, la Maison était destinée à être vécue comme une œuvre d’art unifiée.
Le Palais Stoclet à Bruxelles a été commandé par le banquier et collectionneur d’art Adolphe Stoclet en 1905. Il a été conçu par l’architecte Josef Hoffmann et planifié et construit entre 1905 et 1911.
La décoration de la villa présente les œuvres de plusieurs artistes importants, dont Koloman Moser, Gustav Klimt, Frantz Metzner et Richard Luksch. Elle est l’expression ultime de l’idéal de l’œuvre d’art totale (Gesamtkunstwerk). Le dessin préparatoire à grande échelle de Klimt pour le Palais Stoclet est présenté ci-dessous.
Ailleurs à Bruxelles, les architectes travaillant dans le style Art nouveau comprenaient Paul Hankar, Henry van de Velde et Paul Saintenoy, mais le plus célèbre était Victor Horta (1861-1947). Son travail se caractérise par la lumière, les espaces ouverts, les plafonds en verre et l’utilisation innovante du fer.
Horta a utilisé du fer courbé, inspiré des formes naturelles, tant à l’intérieur qu’à l’extérieur de ses bâtiments. Ses commandes pour l’hôtel Solvay et l’hôtel Tassel illustrent son approche complète de l’architecture : Horta a conçu chaque élément, des poignées de porte et des meubles aux vitraux.
Les architectes et les designers de l’Art nouveau ont cherché à créer des œuvres dotées d’un vocabulaire visuel cohérent. Ils souhaitaient que chaque élément de l’environnement bâti, tant à l’intérieur qu’à l’extérieur, soit conçu en tenant compte de l’ensemble. Les contours organiques de l’extérieur des bâtiments s’accompagnent d’intérieurs tout aussi attrayants.
L’utilisation de formes végétales dans le travail du métal, souvent observée dans l’architecture, a rapidement fait son apparition dans l’argenterie, les lampes et les objets décoratifs.
À Barcelone, la forme catalane de l’Art nouveau est le Modernisme, et l’architecte Antoni Gaudí (1852-1926) a créé un style très personnel et organique qui s’inspire des traditions gothiques et mauresques. Gaudí a été nommé directeur de la construction de la Sagrada Familia en 1883.
Gaudí a travaillé sur ce projet extraordinaire, unique et très complexe jusqu’à sa mort en 1926 et il est toujours en construction aujourd’hui.
Bijoux et verrerie Art nouveau
L’excellence technique et l’innovation sont des caractéristiques des arts décoratifs de la période Art nouveau. Dans ce chapitre, nous ferons la connaissance de quelques-uns des principaux designers et fabricants travaillant dans le domaine de la verrerie, de la bijouterie et de la céramique.
Pour ajouter des couches de texture et de glaçure sur les éléments décoratifs, les céramistes et les émailleurs de l’époque retournaient souvent les pièces au four à plusieurs reprises. Des techniques historiques ont été relancées et de nouvelles ont été inventées, comme la formule du verre Favrile, brevetée en 1894 par Louis Comfort Tiffany (1848-1933), fils du célèbre joaillier Charles Lewis Tiffany.
Lorsqu’il visite le South Kensington Museum de Londres en 1865, Tiffany est impressionné et s’inspire de la verrerie romaine, syrienne et médiévale. Tiffany a obtenu les brillantes surfaces irisées du verre Favrile en introduisant des oxydes métalliques dans le verre fondu. Ses dernières créations en verre comptent parmi les objets Art nouveau les plus célèbres au monde.
La fenêtre des studios Tiffany présentée à gauche fait partie de la collection du Metropolitan Museum de New York. Il a été conçu comme un mémorial pour la famille Frank de New York et a été installé à l’origine dans un mausolée d’un cimetière de Brooklyn. Le thème de la rivière de la vie est prédominant dans les modèles créés par Tiffany pour les monuments commémoratifs, et les années 1900 à 1910 ont été l’apogée de la production de vitraux d’église pour les studios Tiffany.
Emile Gallé (1846-1904) était un verrier, céramiste et créateur de meubles français, qui est devenu l’une des figures les plus influentes de l’Art nouveau et des arts décoratifs français. Né à Nancy, il a étudié la botanique et la minéralogie en Allemagne avant de reprendre la fabrique de verre et de céramique de son père en 1874.
Lors de l’Exposition universelle de Paris en 1889, les innovations stylistiques de Gallé dans le domaine du verre avec les camées sculptés et le travail de la pâte de verre sont saluées. L’École de Nancy, dont les fondateurs étaient Gallé, Louis Majorelle, Victor Prové, Eugène Vallin et les frères Daum, produisait des meubles, de la verrerie, du cuir, des céramiques et des textiles. L’École de Nancy est devenue l’un des principaux centres de l’Art nouveau.
Les bijoutiers ont créé des pièces exquises pour leurs clients, comme des tours de cou, des pendentifs, des bracelets et des boucles d’oreilles. Ces articles comportaient souvent de l’émail et des matériaux semi-précieux tels que l’ivoire sculpté et l’écaille de tortue. Les pièces Art nouveau inspirées par la nature et représentant des feuilles, des orchidées, des lys et des papillons sont courantes.
Le bijoutier français René-Jules Lalique (1860-1945) est l’un des artisans les plus réputés de l’Art nouveau. Formé à Paris et à Londres, Lalique avait la particularité de ne pas être issu d’une dynastie établie de bijoutiers.
Après avoir établi sa réputation en travaillant pour les célèbres maisons de joaillerie Cartier, Jacta et Boucheron, Lalique reprend l’atelier du joaillier parisien Jules Destape en 1885. Ses pièces luxueuses utilisaient des matériaux tels que la corne, l’ivoire, le cristal et des pierres précieuses aux couleurs vives.
Les insectes, les fleurs et les nymphes de Lalilque sont la quintessence des motifs Art nouveau, exécutés dans des formes délicates et détaillées. Lalique a travaillé pour des clients privés, comme Sarah Bernhardt, et pour les meilleurs bijoutiers de Paris.
Comme pour la verrerie et les bijoux, les meilleurs céramistes de l’Art nouveau ont expérimenté de nouvelles formes et des techniques de glaçage innovantes. L’argile malléable était le support idéal pour réaliser les formes caractéristiques de l’esthétique Art nouveau.
Parmi les artistes éminents en Europe, citons Brantjes et Rozenburg aux Pays-Bas, Meisenthal et Koepping en Allemagne, Zsolnay en Hongrie, Harrach et Loetz en Bohème et en Scandinavie.
