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Che cos’è il Sumi-e? Caratteristiche e storia

El Sumi-e es una técnica de pintura con tinta negra que se originó en China, basada en los principios del taoísmo y que posteriormente pasó a Japón, donde adoptó el nombre de Sumi-e.

In questo articolo parleremo del Sumi-e Non conoscete questo stile o tecnica artistica? Continuate a leggere per scoprire i segreti di questa emozionante tecnica pittorica che va ben oltre la tecnica per diventare una filosofia.

Nell’antichità, la maggior parte dei letterati (studiosi maschi altamente istruiti) praticava l’arte della pittura a lavatura d’inchiostro, una prima forma di pittura a pennello dell’Asia orientale che utilizza solo inchiostro nero in diverse concentrazioni per produrre opere d’arte di alta qualità

Ha nomi diversi. I cinesi lo chiamano shuǐ mò huà, mentre in coreano si chiama sumukhwa e in vietnamita tranh thủy mặc. In Giappone, quest’arte è chiamata suibokuga o Sumi-e.

Nella pittura con lavaggi a inchiostro, le sfumature e le tonalità vengono create in diversi modi, variando la densità dell’inchiostro attraverso la pressione della pennellata, modificando il carico di inchiostro e cambiando il modo in cui il bastoncino di inchiostro viene macinato con l’acqua

La padronanza della pittura a china richiede diversi anni di pratica dedicata, perché non è così facile manipolare e controllare il flusso dell’inchiostro e il movimento del pennello. Un maestro di questa tecnica può produrre diverse variazioni tonali con una sola pennellata.

El Sumi-e es una técnica basada en una profunda filosofía espiritual que tiene su origen en el budismo Chan o Zen.

Il termine giapponese “sumi” significa “inchiostro nero” e “e” significa “pittura”. Indica una delle forme d’arte in cui i soggetti sono dipinti con inchiostro nero in tutte le gradazioni possibili, dal nero puro alle tonalità più chiare ottenute diluendo l’inchiostro con acqua.

Tuttavia, questo non significa che tutto ciò che viene dipinto in questo modo meriti il nome di sumi-e.

Il vero sumi-e deve avere caratteristiche tipiche, come la semplicità e la spontaneità, che colpiscono direttamente la sensibilità dell’osservatore.

Perché un quadro sia “vivo”, tutti i suoi componenti devono essere vivi. Questo tipo di pittura comprende già il bozzetto; non c’è bisogno di preparazione. Come nella pittura tradizionale, ogni forma o dettaglio superfluo viene omesso.

Il Sumi-e cattura l’essenza della natura. È in sintonia con il “movimento ritmico dello Spirito” che è presente in tutte le cose e che l’artista trasmette nella sua pittura.

Questo modo di dipingere è stato introdotto in Giappone dai monaci zen e ha avuto un rapido successo perché in questo metodo di pittura, come nella pratica zen, la realtà viene espressa riducendola alla sua forma pura e nuda.

Ritocco, aggiunte e decorazioni non migliorano l’opera, ma ne nascondono la vera natura. Proprio come in cucina, se si aggiungono troppe spezie, non si ottiene il vero sapore di ciò che si è preparato.

Così come nello Zen bastano poche parole per esprimere il significato di molte ore di meditazione, nel sumi-e pochi segni di inchiostro nero dipinti con un pennello su un semplice foglio di carta bianca possono rappresentare il disegno più complesso. Bisogna imparare a cogliere l’essenza per arrivare al cuore della realtà così com’è.

El Enso o círculo Zen es un símbolo recurrente en el arte Sumi-e y la caligrafía zen.

Per introdurre il Sumi-e (pittura a inchiostro nero), è necessario delineare brevemente l’importanza della pittura in Cina, perché è lì che ha avuto origine il contesto culturale, filosofico e artistico della pittura monocromatica.

Di tutte le arti in Cina, la pittura è la più importante e, per un cinese, svela il mistero dell’universo.
Si basa su una filosofia fondamentale, il taoismo, che unisce concetti precisi di cosmologia, destino umano e rapporto tra l’uomo e l’universo.

La pittura è l’applicazione di questa filosofia, in quanto penetra i misteri dell’universo. Si può dire che questo tipo di pittura, più che mostrare le “meraviglie della natura”, partecipa ai “gesti della natura”.
È un particolare “modo di vivere”, un “luogo psichico” in cui si può vivere la vera vita e in cui si incontrano anche l’arte e l’arte di vivere. Un’opera d’arte sublime cerca di creare un microcosmo vitale che rifletta il macrocosmo. È sublime perché la sua bellezza collega la Vita con il suo Spirito originario.

A questo proposito, un antico proverbio afferma che “chi si immerge nella pittura vivrà più a lungo perché la vita creata dal tocco del pennello rafforza la vita stessa”.

Secondo l’antica tradizione cinese, l’armonia di un’opera d’arte riflette l’armonia universale del Tao, che è il principio supremo e inconcepibile che ha generato il mondo e governa il ritmo segreto della natura.

Non è un caso che la caratteristica dominante della grande pittura cinese sia il paesaggio, sempre sottilmente realistico e metaforico allo stesso tempo.

Le figure umane e le cose fatte dall’uomo non distolgono mai lo sguardo dagli elementi focali di un dipinto, come una montagna, una cascata, un albero, un bambù o un’orchidea. La loro posizione, infatti, instaura un clima di corrispondenza simbolica e, per analogia, rimanda agli equilibri stabiliti dal Tao tra Cielo e Terra, uomo e natura, gravità e leggerezza, pienezza e vuoto.

Sia in un essere vivente che in qualsiasi creazione umana, il “Ki” circola in tutte le cose. È uno spirito, un respiro e una forza intangibile. È un concetto che può sembrare vago e fastidiosamente metafisico alla sensibilità occidentale. Tuttavia, l’ideogramma del Tao significa “La Via”, e un sentiero è destinato a essere intrapreso e seguito.

Gli stessi principi sono incarnati dal pittore, che attraverso l’arte del pennello si spinge verso la Vita e permette alla Vita di manifestarsi attraverso le sue opere d’arte, perché “la pressione del pennello deve conformarsi al concetto che risiede nel cuore” e anche “prima di imparare a dipingere, devi prima imparare a calmare il tuo cuore, in modo che la tua comprensione diventi più chiara”. Dovete essere sicuri di aver imparato ciò che vi serve e che il vostro cuore e la vostra mano siano in perfetta armonia”.

Nel periodo Kamakura (1192-1333), quando il potere della nobiltà passò nelle mani dei guerrieri (samurai), i pellegrinaggi dei monaci zen e il commercio in Cina permisero il ritorno in Giappone di molti dipinti e manufatti cinesi, che influenzarono notevolmente gli artisti che lavoravano nei templi dove le opere erano state commissionate da mecenati e collezionisti (shogun).

Queste importazioni non solo ispirarono cambiamenti nei soggetti della pittura, ma incoraggiarono anche un uso innovativo del colore: lo Yamato-e (pittura su lunghi rotoli, IX e X secolo) fu sostituito dalla tecnica monocromatica cinese.

Dall’opera dei grandi maestri buddisti Chan e dei pittori delle dinastie Tang e Song, la pittura cinese a inchiostro nero si è caratterizzata in Giappone con la diffusione del Suiboku-ga o Sumi-e (fine del XIII secolo).

Questo stile pittorico è stato inizialmente monopolizzato dai buddisti zen e poi adottato da monaci e artisti impregnati di questo spirito, e per molto tempo la pittura a inchiostro nero (Sumi-e) e la pittura zen (Zenga) sono state praticamente inseparabili.

Il più grande maestro di sumi-e di questo periodo è Sesshu (1420-1507), monaco zen di Kyoto, che studiò pittura a inchiostro in Cina con il monaco Chan Shubun. Sesshu fu l’unico pittore che assimilò le basi filosofiche di questo tipo di pittura, traducendole con spirito originale in temi e linguaggio artistico giapponese, anche rispetto ai concetti spaziali degli artisti cinesi dell’epoca.

In Cina e in Giappone, l’arte della pittura era tradizionalmente identificata con la pratica dello Zen. Per comprenderne appieno le peculiarità, è necessario comprendere i fondamenti filosofici dello Zen e la sua pratica, che si basa sul concetto di vuoto come natura originaria dell’uomo.

A pesar de sus sencillos trazos, el Sumi-e esconde una gran complejidad técnica.

Per definizione, il Sumi-e è una pittura artistica giapponese che utilizza esclusivamente inchiostro nero. Un artista di Sumi-e mira a catturare l’essenza del soggetto con poche pennellate. Ogni pennellata deve avere un significato e deve evocare un’emozione e una bellezza che lo spettatore può vedere non solo nel dipinto stesso, ma anche nello spazio interno ed esterno al quadro. L’inchiostro utilizzato nel Sumi-e è indelebile, quindi crea un’immagine che non può essere cancellata.

Il pennello o, in giapponese, il “fude” è molto importante. L’artista carica il pennello con il perfetto equilibrio di varie tonalità di inchiostro in diverse sezioni del pennello, sapendo che queste verranno rilasciate a velocità e tempi diversi in una singola pennellata. L’inchiostro deve avere la giusta consistenza, frutto di lunghi anni di esperienza, abilità e intuizione dell’artista. È qualcosa che non si può misurare.

L’ombreggiatura è una delle caratteristiche principali di un’eccellente pennellata di Sumi-e. Un maestro di Sumi-e è in grado di sfumare efficacemente una pennellata dal chiaro allo scuro, preservando la purezza dei toni dell’inchiostro e il carattere del tratto.

Un artista di Sumi-e dipinge utilizzando carta giapponese o “washi”. La creazione del washi si basa sulle condizioni climatiche e sulle stagioni dell’anno. Le fibre utilizzate per il washi sono le fibre di riso, il kozo o gelso da carta, piante indigene del Giappone come il mitsumata (arbusto di carta orientale) e il gampi. Esistono diversi tipi di assorbenza che corrispondono alle diverse pennellate.

I pennelli utilizzati nel Sumi-e sono realizzati con materiali naturali di altissima qualità. Il manico del pennello è in bambù, mentre per le setole vengono utilizzati circa 10 tipi diversi di peli di animali selvatici in combinazione tra loro, come coniglio, lupo, tasso, cavallo e cervo. Ogni tipo di pelliccia assorbe e risponde all’inchiostro in modo diverso.

Un pennello Sumi-e può sembrare semplice, ma è uno strumento artistico molto elegante e perfettamente bilanciato. Il suo nucleo interno è costituito da peli più rigidi e più rigidi. Il nucleo esterno è costituito da peli più fini e morbidi, mentre la punta utilizza peli più delicati.

Tra gli altri materiali utilizzati nel Sumi-e c’è il “suzuri” o pietra dell’inchiostro, che si ricava dall’ardesia trovata nei letti di antichi fiumi e nelle cave. Gli inchiostri sumi della migliore qualità provengono da pini che crescono sulle pendici delle montagne di Suzuka e Nara

La tecnica di produzione dell’inchiostro sumi è un’antica tradizione tramandata di generazione in generazione. Come il pennello e la carta, anche l’inchiostro viene prodotto solo in determinati periodi dell’anno. Un eccellente inchiostro sumi è quello invecchiato per almeno 10 anni.

La naturaleza es el tema principal que se refleja en las obras de Sumi-e.

Niente riflette la storia dell’anima cinese meglio della pittura. Il pittore in Cina non era solo un artista di professione, ma anche un filosofo, un saggio. Per questo motivo i cinesi consideravano la pittura come la “conoscenza perfetta”, oltre che l’espressione dell’integrità morale e del livello culturale del pittore.

I temi principali della pittura tradizionale cinese sono quattro e sono fondamentalmente gli stessi della pittura giapponese: paesaggi, ritratti, uccelli e animali, fiori e alberi. Come già detto, nella pittura la natura ha spesso un significato simbolico.

Ad esempio, il bambù rappresenta l’amicizia eterna e la longevità. Il bambù rappresenta la flessibilità radicata nella forza. Richiama un atteggiamento interiore flessibile che rafforza la persona che, come il bambù, di fronte agli eventi della vita, non lotta contro il cambiamento, ma lo segue e vi si adatta.

La persona che si comporta in questo modo è “sempreverde”, rimanendo consapevole di sé ed equilibrata anche quando le stagioni e le fasi della vita cambiano.

L’orchidea, il bambù, il susino e il crisantemo rappresentano il “Ki” o l’energia vitale delle quattro stagioni e delle quattro età dell’uomo e sono considerati i “Quattro Cavalieri”.

Questa forma di pittura è completa, coinvolge tutto il corpo. Non è affatto facile ed è necessario lavorare con un insegnante esperto, oltre che abituarsi a ripetere le materie, o parti di esse, innumerevoli volte. Lo spirito diventa sempre più raffinato e sensibile grazie alla ripetizione costante.

All’inizio è inevitabile che i dipinti risultino freddi e innaturali. Con il tempo, si può desiderare una maggiore bellezza nel proprio lavoro, anche se questo non deve diventare un’ossessione nel voler diventare un perfetto praticante di sumi-e, perché così facendo non si farebbe alcun progresso. Se si continua a pensare in termini di bene e male, si è ancora lontani dal vero spirito del sumi-e.

Come nello Zen, lo spirito deve essere libero da qualsiasi desiderio di successo e ambizione. Probabilmente, molto prima di quanto pensiate, vi sentirete in grado di dipingere qualsiasi cosa desideriate, perché ogni parte di un paesaggio apparirà come il vero riflesso della fonte della vita e della natura.

Noterete anche che respirate meglio, che la postura del vostro corpo è più eretta e più “nobile” e che anche la vostra salute generale è migliorata, compreso il vostro equilibrio psicologico e spirituale.

Nello Zen, lo zazen non consiste solo nell’imparare una “tecnica di meditazione”, ma nello stabilire un contatto diretto con la fonte di tutto (“natura di Buddha”). Allo stesso modo, il sumi-e va ben oltre una semplice “tecnica pittorica”.

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