In diesem Artikel befassen wir uns mit der Biografie und dem Werk von Alfons Mucha, dem vielseitigen tschechischen Künstler, der die Gesellschaft seiner Zeit mit seinem eigenen Stil eroberte und bis heute einen großen Einfluss auf viele Künstler ausübt
Kindheit und Anfänge
Mucha wuchs im Schatten von zwei mächtigen kulturellen Kräften auf: der katholischen Kirche und dem Wunsch der Slawen nach Unabhängigkeit vom österreichischen Kaiserreich. Seine früheste Erinnerung, die von Licht und Farbe begeistert ist, ist die an die Lichter des Weihnachtsbaums
Ein barockes Fresko in der Kirche seines Heimatortes weckte sein Interesse an der Kunst und er zog nach Wien, wo er eine Lehre als Bühnenmaler absolvierte. Umgeben von der explosionsartigen Entwicklung der Kunst in der österreichischen Hauptstadt lernte er unter anderem das Werk von Hans Makart kennen und bewunderte es sehr.
Um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, nahm er Porträtaufträge an. Dies führte ihn zu einem wichtigen Mentor, dem Grafen Khuen-Belasi, der ihn für die Wandmalerei im Schloss Emmahof engagierte. Muchas Armut und Popularität wurde während seiner Arbeit auf dem Schloss deutlich
Seine Armut war so groß, dass seine einzige Hose so heruntergekommen war, dass eine Gruppe von Mädchen der Gesellschaft ihm eine neue Hose kaufte. Graf Khuen-Belasi bezahlte Mucha eine Ausbildung in bildender Kunst in München, wo er weiterhin als Illustrator arbeitete, insbesondere für die Zeitschrift Krokodil, wo er seinen charakteristischen kalligrafischen Stil entwickelte.
1887 war er in Paris und studierte an der Académie Julian und der Académie Colarossi. Hier traten Künstler wie Vuillard und Bonnard in den Vordergrund. Mit diesen Künstlern kamen neue Ideen darüber, was Kunst leisten kann.
Die Kunst wurde als eine Tätigkeit angesehen, die große Geheimnisse offenbaren konnte, und als etwas, das in das alltägliche Leben und die Gegenstände integriert werden konnte. Diese Ideen begannen sich zu dem zu entwickeln, was die Jugendstilkonzeption der Kunst im Alltag werden sollte.
Seine erste Etappe
Mucha schlug sich mit der Illustration von Magazinen und Werbeanzeigen mager durch. Er teilte sich ein Atelier in der Rue Grande Chaumiere mit Paul Gauguin. Mucha bereitete das Studio so vor, dass, wenn sich die Tür öffnete, schöne Musik erklang
Ein Interviewer beschrieb das Studio im Jahr 1900 als „einfach herrlich“. Es war voll von exotischen Objekten und böhmischen Schriftstellern, Künstlern und Musikern, die zum Arbeiten und Spielen kamen. Ein berüchtigtes Foto von Gauguin, der ohne Hose auf dem Harmonium spielt, fängt die spielerische, freizügige Atmosphäre seines Ateliers ein. Hier erkundete Mucha mit August Strindberg erstmals sein Interesse am Okkulten und führte mit Albert de Rochas und dem Astronomen Camille Flammarion hypnotische und psychische Experimente durch.
Berühmt wurde Mucha 1894 mit seinem Theaterplakat für Gismonda. Die Hauptdarstellerin Sarah Bernhardt war in der ganzen Welt berühmt, und durch die Zusammenarbeit mit ihr wurde auch Mucha schnell berühmt. Bernhardt engagierte ihn, und Mucha schuf für sie zahlreiche Werbeplakate, Kostüme und Bühnenbilder.
Inmitten der Belle Époque-Plakate war Muchas Stil ein Erfolg. Sammler stahlen seine Plakate von Plakatwänden und nannten seinen Stil „Le Style Mucha“. Er war jedoch der Meinung, dass Kunst mehr als nur visuell ansprechend sein sollte; sie sollte eine spirituelle Botschaft vermitteln und den Betrachter erheben.
Die Kunst der Massenproduktion gefiel ihm, weil sie mehr Menschen erreichen und inspirieren konnte. In Plakaten für Parfüm, Bier, Kekse, Fahrräder und Zigaretten verwischte Job (1896) die Grenze zwischen bildender Kunst und kommerzieller Kunst, zwischen Kommerz und Philosophie.
Unter dem Einfluss der Präraffaeliten, Hans Makarts und japanischer Holzschnitte entwickelte Mucha seinen einzigartigen Stil. Sein Stil war organisch und verschnörkelt, elegant und dynamisch, mit geschwungenen und geschwungenen Linien und byzantinischen Bordüren, Schriftzügen und Rahmen.
Seine ikonische „Mucha-Frau“ hatte Kurven, wallendes Haar, pastellfarbene Gewänder und oft einen Heiligenschein aus Licht oder Blumen, der an die Heiligenscheine der religiösen Ikonen erinnerte, die er in seiner Kindheit sah. Muchas Frauen sind voller Leben; im Gegensatz zu symbolistischen Femmes fatales (wie Edvard Munchs Madonna) sind Muchas Frauen keine gefährliche Versuchung, der man widerstehen muss.
Seine innovativen dekorativen Tafeln, The Seasons (1896), gaben der Kunst im Haus weiteren Auftrieb. Inspiriert von Freunden wie Auguste Rodin experimentiert Mucha mit der Bildhauerei und arbeitet mit dem Goldschmied Fouquet zusammen, um fantastischen Schmuck aus Gold, Elfenbein und Edelsteinen herzustellen. In Fouquets Boutique in der Rue Royale schuf er sogar eine strahlende „Mucha-Welt“, in der seine Statuen, Glasmalereien, Brunnen, Mosaike, Skulpturen und Beleuchtungen den Einkauf zu einem theatralischen Erlebnis machten.
Nach seinen Ausstellungen in Wien, Prag, Budapest, München, Brüssel und London wurde er als der beste Dekorationskünstler der Welt gefeiert. Um seine Ideen zu verbreiten, veröffentlichte er zwei Bücher mit Schablonen, Documents Decoratifs (1902) und Figures Decoratifs (1905). Diese Bücher enthielten Entwürfe für Schmuck, Tapeten, Glasmalerei, Möbel und Figuren und wurden zur Bibel des Jugendstils schlechthin. Obwohl er mit dem Jugendstil in Verbindung gebracht wird, lehnt Mucha diese Bezeichnung ab, da er darauf besteht, dass Kunst zeitlos ist.
Um die Jahrhundertwende setzte sich Mucha in seinem Bilderbuch Le Pater (1899), einer Neuinterpretation des Vaterunsers mit byzantinischen, katholischen und freimaurerischen Symbolen, mit seinen spirituellen Überzeugungen auseinander. Das Buch spiegelt Muchas Überzeugung wider, dass die Kunst einen moralischen und politischen Zweck hat. Es wäre sinnlos, wenn, wie er es ausdrückte, „mein Heimatland seinen Durst mit Wasser aus dem Graben stillen müsste“. Er fühlte sich vom Ruhm erdrückt, den er als „meine Zeit stehlen und mich zwingen, Dinge zu tun, die so fremd sind für das, wovon ich träume“ beschreibt. Sein künstlerischer Traum war es, einen Zyklus von epischen Gemälden zu schaffen, die die slawische Geschichte veranschaulichen und das slawische Streben nach Freiheit inspirieren sollten.
Zeit der künstlerischen Reife
Um sein monumentales Bildepos zu finanzieren, reiste Mucha mehrmals in die Vereinigten Staaten, um einen Mäzen zu finden. Als Mucha 1909 Gesellschaftsporträts anfertigte, fand er schließlich seinen Mann, den Philanthropen Charles Crane, der ihn in den nächsten zwanzig Jahren finanzieren sollte
1910 kehrte Mucha nach Prag zurück und widmete sich seinem Slawischen Epos, wobei er auch Projekte wie die Decke des Oberbürgermeistersaals mit der Inschrift: „Obwohl gedemütigt und gequält, wirst du wieder leben, mein Land“ ausführte.
1918 wurde Muchas Traum wahr, als die Tschechoslowakei als unabhängige Nation anerkannt wurde. Begeistert machte er sich daran, die Briefmarken, Banknoten und das Wappen der neuen Nation zu entwerfen. In einem Atelier im Schloss Zbiroh arbeitete er an seinen gigantischen Leinwänden, von denen einige 6 x 8 Meter groß waren und die wie Schiffssegel zum Heben und Senken aufgerichtet waren.
Seine Arbeit erforderte Recherchen, und er unternahm regelmäßig Reisen auf den Balkan und zu Historikern, um sicherzustellen, dass alle Schlachten und Kostüme korrekt dargestellt wurden. Mit seinen Werken begann er, der panslawistischen Vision internationale Aufmerksamkeit zu verschaffen. Im Jahr 1919 tourte die erste Phase seines epischen Werks durch die Vereinigten Staaten und zog wöchentlich 50 000 Besucher an.
Seine letzte Phase
1926 vollendet Mucha sein letztes Gemälde, Nr. 20, Die Apotheose der Slawen, das die neue Republik unter dem Schutz Christi und unter einem Regenbogen des Friedens zeigt
Im Jahr 1928, während der Feierlichkeiten zum zehnjährigen Bestehen der Nation, schenkte er der Stadt Prag das Slawische Epos und schuf daraufhin ein beeindruckendes Glasfenster im Veitsdom (1931).
Im Laufe des Jahrzehnts wurde seine Hoffnung auf Sicherheit durch die Nazis bedroht, aber er glaubte immer noch an die Macht der Kunst und begann ein Triptychon mit dem Titel Die drei Zeitalter (1936-38), um Vernunft, Weisheit und Liebe als Wege zum Frieden zu verteidigen.
Der Einmarsch der Nazis in die Tschechoslowakei im Jahr 1939 setzte Muchas Hoffnungen, seinem Werk und schließlich seinem Leben ein Ende. Er wurde als „Reaktionär“ bezeichnet, von der Gestapo verhört und starb, bereits durch eine Lungenentzündung geschwächt, 1939.
Das Vermächtnis von Alfons Mucha
Zum Zeitpunkt seines Todes galt Muchas Stil als altmodisch. Sein Sohn, der Schriftsteller Jiri Mucha, widmete jedoch einen Großteil seines Lebens dem Schreiben über ihn und machte auf seine Kunst aufmerksam
Das Interesse an Muchas unverwechselbarem Stil erlebte in den 1960er Jahren eine starke Wiederbelebung (zusammen mit einem allgemeinen Interesse am Jugendstil) und zeigt sich besonders deutlich in den psychedelischen Plakaten von Hapshash und The Coloured Coat, dem Sammelnamen von zwei britischen Künstlern, Michael English und Nigel Waymouth, die Plakate für Gruppen wie Pink Floyd und The Incredible String Band entwarfen.
In seinem Heimatland zeigten die neuen Behörden wenig Interesse an Mucha. Sein Slawisches Epos wurde fünfundzwanzig Jahre lang zusammengerollt und gelagert, bevor es in Moravsky Krumlov ausgestellt wurde, und erst seit kurzem gibt es in Prag ein Mucha-Museum, das von seinem Enkel John Mucha geleitet wird.
In regelmäßigen Abständen erlebt er ein Wiederaufleben, das für Illustratoren und Künstler interessant ist. Er ist anerkanntermaßen ein starker Einfluss auf den stuckistischen Maler Paul Harvey, zu dessen Motiven auch die Madonna gehörte und dessen Werke während der Liverpool Biennale 2004 in der Walker Art Gallery für die Ausstellung The Stuckists Punk Victorian verwendet wurden
Die japanische Manga-Zeichnerin Naoko Takeuchi hat eine Reihe von offiziellen Postern veröffentlicht, die fünf der Hauptfiguren aus ihrer Manga-Serie Sailor Moon im Stil von Mucha zeigen. Auch der 1962 geborene Manga-Zeichner Masakazu Katsura hat den Stil von Mucha mehrfach imitiert
Auch der Comiczeichner und heutige Chefredakteur von Marvel Comics, Joe Quesada, hat sich für eine Reihe von Covern, Postern und Drucken stark an Muchas Techniken orientiert
Die Grindcore- und Sludge-Metal-Band Soilent Green verwendete ein Mucha-Gemälde für das Cover ihres Albums Sewn Mouth Secrets.
Eines der Gemälde von Mucha, Quo Vadis oder auch Petronius und Eunice, war 1986 Gegenstand eines Rechtsstreits. In dem von Richard Posner gefällten Urteil werden Teile von Muchas Leben und Werk biografisch beschrieben.
Neben vielen anderen Leistungen war Mucha auch der Begründer der tschechischen Freimaurerei.
Die berühmtesten Kunstwerke von Alfons Mucha
Im Folgenden beschreiben wir einige der wichtigsten und bekanntesten Werke des tschechischen Künstlers Alfons Maria Mucha
Job Zigarettenschachtel
Dieses auffällige Plakat wurde als Werbung für die Zigarettenfirma Job entworfen. Eine schöne Frau mit einer brennenden Zigarette dominiert Muchas Plakat, wobei sich der aufsteigende Rauch mit ihrem präraffaelitischen Haar und dem Job-Logo vermischt
Die goldene Zickzack-Bordüre des Plakats, inspiriert von byzantinischen Mosaiken, verbindet sich mit dem wirbelnden Rauch und dem satten lila Hintergrund zu einer luxuriösen und sinnlichen Stimmung. Die geschwungenen Linien der Haare der Frau und der aufsteigende Rauch heben sich von den rhythmischen Linien des Zickzack-Rahmens ab
Allein die Tatsache, dass diese Frau raucht – und mehr noch, dass sie ein wenig erotisiert wird -, war ein Skandal, denn zu dieser Zeit rauchte keine angesehene Frau in der Öffentlichkeit. Darüber hinaus war ihr sinnliches, in Kaskaden fallendes Haar gewagt, denn respektable Frauen trugen ihr Haar zu jener Zeit hochgesteckt.
Dieser deutliche Bruch mit der Tradition legt nahe, dass der Raucher träge und wild sein kann. Sie ist vergnügt, möglicherweise nackt, mit geschlossenen Augen und einem halben Lächeln, das Ekstase suggeriert. Mucha stellt seine rauchende Frau wie eine ekstatische Heilige dar, um für ein alltägliches Produkt zu werben, und offenbart damit sein großes Geschick bei der Verbindung von Kunst und Kommerz. Sie erhebt das Gewöhnliche in ein Reich von geheimnisvoller Schönheit.
Die Jahreszeiten
Das erste von Muchas viel kopierten dekorativen Tafelbildern, Die Jahreszeiten (1896), stellt die harmonischen Zyklen der Natur dar.
Vier jahreszeitliche Schönheiten, jede mit einer anderen Naturkulisse, vermitteln die Stimmung der jeweiligen Jahreszeit. Der unschuldige Frühling ruht inmitten weißer Blumen und bezaubernder Vögel; der Sommer ruht inmitten roter Mohnblumen; der blühende Herbst ruht inmitten von Chrysanthemen, die Früchte tragen; und der Winter schmiegt sich in einer verschneiten Landschaft unter eine Decke mit einem kleinen Vogel.
Der dekorative Stil der Bilder verdeutlicht Muchas künstlerische Einflüsse und Interessen. In diesem Stil spiegelt sich seine Anlehnung an japanische Holzschnitte sowie an Hans Makarts Die fünf Sinne (1879) wider, während die Assoziation der Frauen mit einem subtilen Unterton von Tod und Wiedergeburt von seinem Interesse an Symbolik zeugt. Die Wahl des Mediums spiegelt sein Interesse wider, Kunst für jedermann zugänglich zu machen, da die Tafeln als erschwingliche Kunst für den Hausgebrauch geschaffen wurden.
Muchas Wunsch nach Massenkunst, die möglichst viele Menschen erreichen sollte, wurde schnell erfüllt; seine Pânneaux waren so beliebt, dass er bald weitere ähnliche Werke schuf: Die Blumen (1898), Die Künste (1898), Die Augenblicke des Tages (1899), Die kostbaren Steine (1900) und Der Mond und die Sterne (1902).
Kunst als Schmuck. Das Schlangenarmband
Mucha Interesse, die Grenzen der Kunst und des Designs zu erweitern, führte ihn zu einer wunderbaren Zusammenarbeit mit dem Pariser Goldschmied Georges Fouquet. Das ikonischste ist dieses schimmernde Schlangenarmband, das er für seine Mentorin, die Schauspielerin Sarah Bernhardt, schuf (Mucha wurde berühmt, als er 1894 Bernhardts Gismonda-Theaterplakat illustrierte)
Dicke Goldspiralen winden sich um das Handgelenk, der Schwanz gleitet den Arm hinunter, während der geflügelte Kopf und das Mosaik aus Opalen, Rubinen und Diamanten auf der Hand ruhen. Die Glieder und Scharniere aus Feingold sind beweglich und mit einem Schlangenkopfring verbunden.
Dieses Armband ist nicht nur ein Beispiel für Muchas Verbundenheit mit der Welt des Theaters, sondern zeigt auch sein Interesse an der Vereinigung der Traditionen von Ost und West. Das Armband ist auch von beeindruckender Zweckmäßigkeit: Muchas Sohn Jiri sagte, dass das Armband für Bernhardts arthritisches Handgelenk entworfen wurde. Mucha und Fouquet arbeiteten drei Jahre lang zusammen. Das Ergebnis war eine Fülle von kunstvollen Schmuckstücken für Fouquets Ausstellung auf der Weltausstellung 1900.
Le Pater
Dieses um die Jahrhundertwende entstandene Bilderbuch markiert den Moment, in dem Muchas eigene spirituelle Philosophie in sein Werk einfließt
In seinem Buch schuf Mucha für jede Zeile des Vaterunsers ein Bild mit einer eigenen symbolischen Deutung. Dazu gehörten geheimnisvolle Motive wie ein achtzackiger Stern, Sterne, Mondsicheln, Kreise und viele andere esoterische Bilder, die unter anderem aus der Kabbala und der freimaurerischen Philosophie stammten. Es war ein universeller Ruf des Menschen an das Göttliche, ein Gebet, um eine höhere geistige Ebene zu erreichen.
Muchas Bildsprache vermischte seine eigenen katholischen Traditionen mit seinem Interesse am Okkulten, wie dem Spiritismus (er führte Séancen und übersinnliche Experimente durch) und den freimaurerischen Überzeugungen (er war praktizierender Freimaurer). Er betrachtete das Buch als sein Meisterwerk und sagte, er habe seine Seele hineingesteckt
Die Zeitschrift Century nannte ihn einen „neuen Mystiker“ und stellte fest, dass Muchas Gott in Le Pater „nicht mehr der gütige oder zornige Vater ist, sondern ein geheimnisvolles Wesen, dessen Schatten die Erde erfüllt. Die Natur wird als leuchtender, heranwachsender Riese personifiziert, und die Liebe steigt in Gestalt einer Frau vom Himmel herab“.
Slavia
Dieses Gemälde wurde von dem Millionär und Philanthropen Charles Crane für die Hochzeit seiner Tochter Josephine in Auftrag gegeben. Es handelt sich um ein Porträt von Josephine als slawische Göttin Slavia. Das Werk sagt mehr über Muchas Verwendung des Bildes von Slavia als Symbol ihres Heimatlandes aus als über Josephine selbst
Mucha malte Slavia/Josephina als seine definitive „Mucha-Frau“, deren Haare, Körper und Kleidung anmutige Formen vor einem reich verzierten Hintergrund bilden. Charles Crane war vermutlich mit diesem Gemälde zufrieden, da er später Muchas ehrgeizigstes Projekt, das Slawische Epos (1911-26), finanzieren sollte.
Die Göttin Slavia war eine immer wiederkehrende Ikone in Muchas kommerziellem und künstlerischem Werk sowie auf den Plakaten und Logos der Slavia-Bank. Slavia, das Symbol der geeinten slawischen Nation, war in der slawischen Kultur eine bekannte Allegorie, die sowohl in epischen Liedern als auch in Legenden vorkommt.
Zehn Jahre später kehrte Mucha zu diesem Thema zurück, als er den Auftrag erhielt, die Banknoten der neu gegründeten Tschechoslowakei zu gestalten. Er verwendete das Bild von Slavia auf dem 100-Kronen-Schein. Mucha plante auch, das Bild von Slavia in seinem Buntglasfenster im Veitsdom zu verwenden, wurde aber schließlich dazu überredet, es durch den christlichen Heiligen Wenzel zu ersetzen.
Die Slawen in ihrer ursprünglichen Heimat und Das slawische Epos
Es handelt sich um das erste von zwanzig riesigen Gemälden (ca. 6 x 8 Meter), die Muchas Lebensprojekt darstellen: Das Slawische Epos (1911 – 1926), mit dem er eine nationale Ikonographie für das viel verfolgte slawische Volk schaffen und es gleichzeitig mit geistiger Tugendhaftigkeit verbinden wollte. Auf dem Gemälde werden unschuldige mittelalterliche Bauern von einfallenden Hunnen aus dem Osten und germanischen Stämmen aus dem Westen bedroht
Muchas Farben sind von einer symbolischen Bedeutung durchdrungen, die die Kraft und Schönheit des Gemäldes noch verstärkt. Das vorherrschende Blau steht für einen spirituellen Bereich, und das kontrastierende Weiß der Slawen suggeriert Reinheit. Sowohl das spirituelle Blau als auch das reine Weiß stehen im Kontrast zu den Rot- und Orangetönen der Flammen eines brennenden Dorfes im Hintergrund.
Die oben rechts schwebende göttliche Figur wird von einem jungen Mann und einer jungen Frau flankiert, Symbole für Krieg und Frieden. Die Botschaft scheint eine der Hoffnung für die Slawen zu sein, der Hoffnung, dass sie auch im Schatten ihrer vielen Kämpfe und Kriege Frieden und Wohlstand haben können.
Mucha arbeitete zwei Jahrzehnte lang an der Fertigstellung der zwanzig Gemälde, die diese Serie bilden. Auf der Grundlage seiner umfangreichen Erfahrungen in der Bühnen- und Theaterarbeit verwendete er Fotos von kostümierten Modellen, um seine Bilder zu komponieren
Die ersten elf Gemälde wurden 1919 in Prag öffentlich ausgestellt. Obwohl die Gemälde von der breiten Öffentlichkeit positiv aufgenommen wurden, waren die Kritiker nicht beeindruckt und zeigten sich misstrauisch gegenüber den offenkundig nationalistischen Motiven.
Das letzte Gemälde, Die Apotheose der Slawen, das die Freude über die slawische Unabhängigkeit darstellt, wurde 1926 fertiggestellt. Mucha schenkte seine Serie der Stadt Prag, und sie wurde auch in den Vereinigten Staaten mit großem Erfolg ausgestellt.
Buntes Glas
Dieses beeindruckende Glasfenster wirft ein strahlendes Licht in das nördliche Seitenschiff des Veitsdoms in Prag. Sie schafft einen unglaublichen Ausbruch von Licht, Farbe und Aktivität, wobei die Gold- und Rottöne im Zentrum in die kühlen Blau- und Grüntöne der äußeren Szenen übergehen
In der Mitte ist das Kind St. Wenzel (der tschechische Schutzpatron) mit seiner Großmutter, St. Ludmila, abgebildet. Sie beten, und die Rottöne um sie herum deuten vielleicht das Martyrium an, das sie erwartet. 36 Episoden aus dem Leben der Heiligen Kyrill und Methodius aus dem 9. Jahrhundert, die für die Taufe der Slawen zum Christentum berühmt sind, umgeben die zentrale Szene.
Wenzel verkörpert die freie tschechoslowakische Nation. Christus schaut von oben herab, während die „Mucha-Frauen“ die Jugend der neuen Nation darstellen. Die weltliche Welt dringt in diese religiöse Szene ein, denn das Fenster trägt das Logo der neuen Slavia-Bank, die das Projekt finanziert hat.
Das Fenster von Mucha ist nicht nur wegen seiner Farbenpracht und seiner dynamischen Gestaltung ein Erfolg, sondern auch wegen seiner emotionalen und psychologischen Tiefe. Die tiefe Menschlichkeit und Emotionalität der Figuren zeigt sich in ihrer Mimik und Körpersprache.
