Alphonse Mucha. El Polifacético Artista del Art Nouveau

En este artículo vamos a repasar la biografía y obra de Alphonse Mucha, el polifacético artista checo que con su estilo propio conquistó a la sociedad de la época y que hoy en día sigue siendo una gran influencia para muchos artistas.

Infancia y comienzos

Mucha creció a la sombra de dos poderosas fuerzas culturales: La Iglesia católica y el deseo de los eslavos de independizarse del Imperio austriaco. Su primer recuerdo, entusiasmado por la luz y el color, es el de las luces de los árboles de Navidad.

Un fresco barroco en su iglesia local despertó su interés por el arte, y se trasladó a Viena, donde hizo un aprendizaje como pintor de escenarios. Rodeado por la explosión del arte en la capital austriaca, conoció y admiró mucho la obra de Hans Makart, entre otros.

Para ganarse la vida, realizó encargos de retratos. Esto le llevó a un importante mentor, el conde Khuen-Belasi, que le contrató para pintar murales en el castillo de Emmahof. La pobreza y la popularidad de Mucha se pusieron de manifiesto mientras trabajaba en el castillo.

Su pobreza era tal que su único par de pantalones estaba tan deteriorado que un grupo de chicas de sociedad le compró un par nuevo. El conde Khuen-Belasi pagó la formación de Mucha en Bellas Artes en Múnich, donde siguió trabajando como ilustrador, sobre todo para la revista Krokodil, donde desarrolló su característico estilo caligráfico.

En 1887 se encuentra en París, estudiando en la Academia Julian y en la Academia Colarossi. Aquí, artistas como Vuillard y Bonnard empezaban a destacar. Con estos artistas llegaron nuevas ideas sobre lo que podía hacer el arte.

El arte pasó a ser visto como una actividad que podía revelar grandes misterios, y como algo que debía incorporarse a la vida y los objetos cotidianos. Estas ideas comenzaron a desarrollarse en lo que se convertiría en la concepción Art Nouveau del arte en la vida cotidiana.

Su primera etapa

Mucha se gana la vida a duras penas ilustrando revistas y anuncios. Compartió con Paul Gauguin un estudio en la Rue Grande Chaumiere. Mucha preparó el estudio para que cuando la puerta se abriera sonara una hermosa música.

Un entrevistador en 1900 calificó el estudio de «simplemente maravilloso». Estaba lleno de objetos exóticos y de escritores, artistas y músicos bohemios que venían a trabajar y a jugar. Una infame fotografía de Gauguin tocando el armonio sin pantalones capta el ambiente lúdico y de espíritu libre de su estudio. Fue aquí donde Mucha exploró por primera vez su interés por lo oculto con August Strindberg, y realizó experimentos hipnóticos y psíquicos con Albert de Rochas y el astrónomo Camille Flammarion.

Mucha saltó a la fama en 1894 con su cartel de teatro para Gismonda. La actriz principal, Sarah Bernhardt, era famosa en todo el mundo, y al asociarse con ella, Mucha se hizo rápidamente famoso también. Bernhardt le contrató y Mucha creó muchos carteles promocionales para ella, así como trajes y decorados.

En medio de los carteles de la Belle Époque, el estilo de Mucha fue un éxito. Los coleccionistas robaban sus carteles de las vallas publicitarias, apodando su estilo «Le Style Mucha». Pero él pensaba que el arte debía hacer algo más que ser visualmente agradable; debía comunicar un mensaje espiritual y elevar a sus espectadores.

El arte producido en masa le atraía, ya que podía llegar e inspirar a más personas. En los carteles de perfumes, cerveza, galletas, bicicletas y cigarrillos Job (1896) difuminó la barrera entre las bellas artes y el arte comercial, entre el comercio y la filosofía.

Inspirándose en las influencias de los prerrafaelistas, Hans Makart y los cortes de madera japoneses, Mucha desarrolló su estilo único. Su estilo era orgánico y ornamentado, elegante y dinámico, con líneas curvas y en picado y bordes, letras y marcos bizantinos.

Su icónica «mujer Mucha» tenía curvas, pelo suelto, túnicas de color pastel y, a menudo, un halo de luz o flores, que recuerdan los halos de los iconos religiosos que vio durante su infancia. Las mujeres de Mucha están llenas de vida; en marcado contraste con las mujeres fatales simbolistas (como la Madonna de Edvard Munch), las mujeres de Mucha no son una tentación peligrosa a la que haya que resistirse.

Sus innovadores paneles decorativos, Las estaciones (1896), impulsaron aún más el arte en los hogares. Inspirado por amigos como Auguste Rodin, Mucha experimentó con la escultura y se asoció con el orfebre Fouquet para producir fantásticas joyas de oro, marfil y piedras preciosas. Incluso creó un radiante «mundo Mucha» en la boutique de la Rue Royale de Fouquet, donde sus estatuas, vidrieras, fuentes, mosaicos, esculturas e iluminación convertían las compras en una experiencia teatral.

Tras sus exposiciones en Viena, Praga, Budapest, Múnich, Bruselas y Londres, fue aclamado como el mejor artista decorativo del mundo. Para difundir sus ideas publicó dos libros de plantillas Documents Decoratifs (1902) y Figures Decoratifs (1905). Estos libros estaban llenos de diseños de joyas, papel pintado, vidrieras, muebles y figuras, y juntos se convirtieron en la biblia del Art Nouveau. A pesar de su asociación con el Art Nouveau, Mucha rechazó la etiqueta, insistiendo en que el arte era eterno.

A finales de siglo, Mucha exploró sus creencias espirituales en su libro ilustrado Le Pater (1899), que era una reinterpretación del Padre Nuestro decorada con símbolos bizantinos, católicos y masónicos. El libro refleja la creencia de Mucha de que el arte tenía un propósito moral y político. No tenía sentido si, como él decía, «mi patria se quedaba saciando su sed con agua de acequia». Se sintió aplastado por la fama, que describió como «robándome el tiempo y obligándome a hacer cosas tan ajenas a las que sueño». Su sueño artístico era crear un ciclo de pintura épica que sirviera de bella ilustración de la historia eslava y que inspirara la búsqueda eslava de la libertad.

Periodo de madurez artística

Para financiar su monumental epopeya pictórica, Mucha realizó múltiples viajes a Estados Unidos para encontrar un mecenas. Al realizar retratos de sociedad en 1909, Mucha encontró finalmente a su hombre, el filántropo Charles Crane, que le financiaría durante los siguientes veinte años.

Mucha regresó a Praga en 1910 y se dedicó a su Epopeya Eslava, al tiempo que ejecutaba proyectos como el techo del Lord Mayor’s Hall, que llevaba la inscripción: «Aunque humillada y torturada volverás a vivir, mi país».

En 1918 el sueño de Mucha se hizo realidad cuando Checoslovaquia fue reconocida como nación independiente. Encantado, se puso a diseñar los sellos de correos, los billetes y el escudo de la nueva nación. En un estudio en el castillo de Zbiroh se afanaba en sus gigantescos lienzos, algunos de los cuales medían 6×8 metros, y estaban aparejados como velas de barco para subirlos y bajarlos.

Su trabajo requería investigación, y realizaba regularmente viajes de campo por los Balcanes y para consultar a los historiadores, con el fin de asegurarse de que todas las batallas y trajes fueran representados con precisión. Sus obras comenzaron a dar a la visión paneslava una atención internacional. En 1919, la primera fase de su obra épica estuvo de gira por Estados Unidos, atrayendo a 50.000 visitantes por semana.

Su última etapa

En 1926, Mucha completó su último lienzo, el número 20, La apoteosis de los eslavos, que muestra la nueva república protegida por Cristo, bajo un arco iris de paz.

En 1928, durante las celebraciones del décimo aniversario de la nación, donó la Epopeya Eslava a la ciudad de Praga y procedió a realizar una impresionante vidriera en la catedral de San Vito (1931).

A medida que avanzaba la década, su esperanza de seguridad se vio amenazada por los nazis, pero, como seguía creyendo en el poder del arte, inició un tríptico titulado Las tres edades (1936-38) para defender la razón, la sabiduría y el amor como caminos hacia la paz.

La invasión nazi de Checoslovaquia en 1939 puso fin a las esperanzas de Mucha, a su obra y, en última instancia, a su vida. Calificado de «reaccionario», fue interrogado por la Gestapo y, ya debilitado por una infección pulmonar, murió en 1939.

El legado de Alphonse Mucha

En el momento de su muerte, el estilo de Mucha se consideraba anticuado. Sin embargo, su hijo, el escritor Jiri Mucha, dedicó gran parte de su vida a escribir sobre él y a llamar la atención sobre su arte.

El interés por el estilo distintivo de Mucha experimentó un fuerte resurgimiento en la década de 1960 (con un interés general por el Art Nouveau) y es particularmente evidente en los carteles psicodélicos de Hapshash y The Coloured Coat, el nombre colectivo de dos artistas británicos, Michael English y Nigel Waymouth, que diseñaron carteles para grupos como Pink Floyd y The Incredible String Band.

En su propio país, las nuevas autoridades no se interesaron por Mucha. Su Epopeya Eslava estuvo enrollada y almacenada durante veinticinco años antes de ser expuesta en Moravsky Krumlov y sólo recientemente ha aparecido un museo de Mucha en Praga, dirigido por su nieto, John Mucha.

Ha seguido experimentando renacimientos periódicos de interés para ilustradores y artistas. Es una fuerte influencia reconocida para el pintor stuckista Paul Harvey, cuyos temas han incluido a Madonna y cuya obra se utilizó para promocionar la exposición The Stuckists Punk Victorian en la Walker Art Gallery durante la Bienal de Liverpool de 2004.

La artista de manga japonesa Naoko Takeuchi publicó una serie de pósters oficiales con cinco de los principales personajes de su serie de manga Sailor Moon imitando el estilo de Mucha. Otro dibujante de manga, Masakazu Katsura, nacido en 1962, también ha imitado el estilo de Mucha en varias ocasiones.

El dibujante de cómics y actual editor jefe de Marvel Comics, Joe Quesada, también tomó prestadas en gran medida las técnicas de Mucha para una serie de portadas, carteles y grabados.

El grupo de grindcore y sludge metal Soilent Green utilizó un cuadro de Mucha para la portada de su álbum Sewn Mouth Secrets.

Uno de los cuadros de Mucha, Quo Vadis o alternativamente Petronio y Eunice, fue objeto de un litigio en 1986. La sentencia dictada por Richard Posner describe biográficamente partes de la vida y la obra de Mucha.

Entre otros muchos logros, Mucha fue también el fundador de la masonería checa.

Las obras de arte más famosas de Alphonse Mucha

A continuación vamos a describir alguna de las obras más importantes y conocidas del artista checo Alphonse Maria Mucha.

Caja de cigarrillos Job

Este llamativo cartel fue creado como anuncio de la compañía de cigarrillos Job. Una hermosa mujer con un cigarrillo encendido domina el cartel de Mucha, el humo ascendente se entrelaza con su cabello prerrafaelista y el logotipo de Job.

El borde dorado en zigzag del cartel, inspirado en los mosaicos bizantinos, se combina con el humo que gira y el rico fondo morado para crear un ambiente lujoso y sensual. Las líneas curvas del cabello de la mujer y el humo ascendente destacan sobre las líneas rítmicas del marco en zigzag.

El mero hecho de que esta mujer esté fumando -y más aún que esté algo erotizada- era escandaloso, ya que ninguna mujer respetable de la época fumaba en público. Además, su sensual maraña de cabellos en cascada era atrevida, ya que las mujeres respetables de la época llevaban el pelo recogido.

Esta ruptura significativa con la tradición sugiere que la fumadora puede ser indolente y salvaje. Está perdida en el placer, posiblemente desnuda, con los ojos cerrados y una media sonrisa que sugiere el éxtasis. Mucha representa a su mujer fumadora a la manera de una santa extasiada para anunciar un producto cotidiano, revelando así su gran habilidad para mezclar arte y comercio. Eleva lo ordinario a un reino de misteriosa belleza.

Las estaciones

El primero de los muy copiados pânneaux décoratifs (paneles decorativos) de Mucha, Las estaciones (1896), muestra los ciclos armoniosos de la naturaleza.

Cuatro bellezas estacionales, cada una de ellas con un telón de fondo natural distinto, transmiten el estado de ánimo de cada estación. La inocente primavera se encuentra entre flores blancas y pájaros encantadores; el verano descansa entre amapolas rojas; el próspero otoño descansa con crisantemos, recogiendo frutos; y el invierno, en un paisaje nevado, se acurruca bajo un manto con un pequeño pájaro.

El estilo decorativo de las imágenes ilustra las influencias e intereses artísticos de Mucha. Este estilo refleja su deuda con las xilografías japonesas, así como con Los cinco sentidos de Hans Makart (1879), mientras que su asociación de las mujeres con un sutil trasfondo de muerte y renacimiento habla de su interés por el simbolismo. La elección del soporte refleja su interés por poner el arte al alcance de todos, ya que los paneles fueron creados como arte asequible para los hogares.

El deseo de Mucha de que el arte producido en masa llegara al mayor número posible de personas se cumplió rápidamente; sus pânneaux fueron tan populares que pronto creó otras obras similares: Las flores (1898), Las artes (1898), Los momentos del día (1899), Las piedras preciosas (1900) y La luna y las estrellas (1902).

El arte llevado a la joyería. El brazalete de serpiente

El interés de Mucha por ampliar los límites del arte y el diseño le llevó a realizar hermosas colaboraciones con el orfebre parisino Georges Fouquet. La más emblemática es esta pulsera de serpiente brillante, creada para su mentora, la actriz Sarah Bernhardt. (Mucha saltó a la fama cuando ilustró el cartel del teatro Gismonda de Bernhardt en 1894).

Gruesas espirales de oro se enroscan en la muñeca, la cola se desliza por el brazo, mientras que la cabeza alada y el mosaico de ópalos, rubíes y diamantes se posan en la mano. Los finos eslabones y bisagras de oro permiten el movimiento y se conectan a un anillo con cabeza de serpiente.

Este brazalete no sólo es un ejemplo de la conexión de Mucha con el mundo del teatro, sino que también revela su interés por unir las tradiciones de Oriente y Occidente. El brazalete es también impresionantemente utilitario: El hijo de Mucha, Jiri, dijo que el brazalete fue diseñado para acomodar la muñeca artrítica de Bernhardt. Mucha y Fouquet trabajaron juntos durante tres años, dando como resultado un tesoro de elaboradas joyas para la exposición de Fouquet en la Exposition Universelle de 1900.

Le Pater

Creado a principios de siglo, este libro ilustrado marca el momento en que la propia filosofía espiritual de Mucha entra en su obra.

En su libro, Mucha creó una imagen para cada línea del Padre Nuestro, con sus propias interpretaciones simbólicas. Esto incluía motivos misteriosos que iban desde una estrella de ocho puntas hasta estrellas, lunas crecientes, círculos y muchas otras imágenes esotéricas extraídas de la Cábala y la filosofía masónica, entre otras fuentes. Era una llamada universal de lo humano a lo divino, una oración para alcanzar un plano espiritual superior.

La imaginería de Mucha mezclaba sus propias tradiciones católicas con su interés por lo oculto, como el espiritismo (realizaba sesiones de espiritismo y experimentos psíquicos), y las creencias masónicas (era masón practicante). Consideraba el libro como su obra maestra, y decía que había puesto su alma en él.

La revista Century lo calificó de «nuevo místico» y señaló que en Le Pater, el Dios de Mucha «ya no es el Padre benigno o iracundo, sino un Ser misterioso cuya sombra llena la tierra. La naturaleza es personificada como un gigante luminoso y adolescente, y el Amor desciende del cielo bajo la apariencia de una mujer».

Slavia

Encargado por el millonario y filántropo Charles Crane con motivo de la boda de su hija Josefina, este cuadro es un retrato de Josefina como diosa eslava, Slavia. La obra dice más sobre el uso que hace Mucha de la imagen de Slavia como símbolo de su patria que sobre la propia Josefina.

Mucha pintó a Slavia/Josefina como su «mujer Mucha» definitiva, con su pelo, su cuerpo y su ropa creando formas gráciles frente a un fondo ricamente ornamentado. Es de suponer que Charles Crane quedó satisfecho con este cuadro, ya que posteriormente financiaría el proyecto más ambicioso de Mucha, la Epopeya Eslava (1911-26).

La diosa Slavia fue un icono recurrente tanto en la obra comercial y artística de Mucha, como en los carteles y logotipos del Banco Slavia. Slavia, símbolo de la nación eslava unificada, era una alegoría muy conocida en la cultura eslava, que aparecía tanto en las canciones épicas como en las leyendas.

Mucha retomó el tema diez años después, cuando se le encargó el diseño de los billetes de la recién fundada Checoslovaquia. Utilizó la imagen de Slavia en el billete de 100 coronas. Mucha también planeó utilizar la imagen de Slavia en su vidriera de la catedral de San Vito, pero finalmente se le convenció para que la sustituyera por el cristiano San Wenceslao.

Los Eslavos en su patria original y La Epopeya Eslava

Este es el primero de los veinte lienzos masivos (algunos de 6×8 metros) que constituyeron el proyecto de toda la vida de Mucha: La Epopeya Eslava (1911 – 1926), en el que trató de crear una iconografía nacional para el muy perseguido pueblo eslavo, al tiempo que lo unía con la virtud espiritual. En el cuadro, inocentes campesinos medievales son amenazados por los hunos que invaden desde el Este y por las tribus germánicas del Oeste.

Los colores de Mucha están impregnados de un significado simbólico que realza el poder y la belleza del cuadro. El azul dominante representa un reino espiritual, y el blanco contrastado de los eslavos sugiere pureza. Tanto el azul espiritual como el blanco puro contrastan con los rojos y naranjas de las llamas de un pueblo incendiado en el fondo.

La figura divina que flota en la parte superior derecha está flanqueada por un joven y una mujer, símbolos de la guerra y la paz. El mensaje parece ser de esperanza para los eslavos, esperanza de que puedan tener paz y prosperidad incluso a la sombra de sus muchas luchas y guerras.

Mucha trabajó durante dos décadas para completar los veinte lienzos que componen esta serie. Aprovechando su amplia experiencia en el trabajo de escenografía y teatro, utilizó fotografías de modelos disfrazados para componer sus imágenes.

Los primeros once lienzos se expusieron públicamente en Praga en 1919. Aunque los lienzos tuvieron una acogida positiva por parte del público en general, los críticos no se impresionaron y desconfiaron de la temática abiertamente nacionalista.

El último lienzo, La apoteosis de los eslavos, que representa la alegría de la independencia eslava, se terminó en 1926. Mucha regaló su serie a la ciudad de Praga y la serie se expuso también en Estados Unidos, con gran éxito.

Vidrieras

Esta impresionante vidriera proyecta una luz brillante en la nave norte de la catedral de San Vito de Praga. Crea un increíble estallido de luz, color y actividad, con los colores dorados y rojos del centro que se desvanecen en los fríos azules y verdes de las escenas exteriores.

En el centro está el niño San Wenceslao (el patrón checo) con su abuela, Santa Ludmila. Están rezando, y los tonos rojos que los rodean tal vez presagian el martirio que les espera. 36 episodios de la vida de los santos Cirilo y Metodio del siglo IX, famosos por bautizar a los eslavos en el cristianismo, rodean la escena central.

Wenceslao personifica la nación checoslovaca libre. Cristo mira desde arriba, mientras que las «mujeres Mucha» representan a los jóvenes de la nueva nación. El mundo secular se inmiscuye en esta escena religiosa, ya que la ventana lleva el logotipo del nuevo Banco Slavia, que había financiado el proyecto.

El escaparate de Mucha no sólo es un logro por su exuberancia de colores y su diseño dinámico, sino que también es emocional y psicológicamente profundo. La profunda humanidad y emoción de las figuras se manifiesta en sus expresiones faciales y en su lenguaje corporal.