Odilon Redon wurde als Bertrand Jean Redon in einer wohlhabenden Familie in Bordeaux geboren. Sein Spitzname war eine Ableitung des Vornamens seiner Mutter, Odile, einer französischen Kreolin aus Louisiana
Aufgrund einer Krankheit, die vielleicht auf Epilepsie zurückzuführen ist, wurde Redon der Obhut seines Onkels anvertraut und wuchs in Peyrelebade im Medoc auf dem Weingut der Familie auf
Seine Kindheit war einsam, und er beschrieb Tage, an denen er „die vorbeiziehenden Wolken beobachtete und mit unendlichem Vergnügen das magische Glühen ihrer flüchtigen Variationen verfolgte„. Redon bezeichnete sich aber auch als„trauriges und schwaches Kind“, das „die Schatten suchte“. Er erinnert sich: „Ich erinnere mich, dass ich eine tiefe und ungewöhnliche Freude daran empfand, mich unter den großen Vorhängen und in den dunklen Ecken des Hauses zu verstecken“. Dieser Hauch von Melancholie und Pessimismus findet sich in seiner reifen Kunst wieder, vor allem in seinen Noir-Krimis und symbolistischen Krimis.
Schließlich kehrte Redon zu seiner Familie nach Bordeaux zurück, wo er im Alter von 11 Jahren erstmals die Schule besuchte. Nachdem er einen Zeichenpreis gewonnen hatte, ließen ihn seine Eltern 1855 bei Stanislas Gorin lernen. Gorin übte einen tiefen Einfluss auf den angehenden Künstler aus, wie sich Redon erinnert:„Seine ersten Worte… waren der Rat, ich selbst zu sein und niemals einen einzigen Strich mit dem Bleistift zu machen, wenn nicht mein Gefühl und mein Verstand dabei waren“
Gorin, ein erfahrener Aquarellist, macht Redon mit Künstlern der Romantik wie Eugène Delacroix und Francisco Goya bekannt, deren Werke er zu kopieren versucht. Er machte den jungen Künstler auch mit der Kunst seiner Zeitgenossen wie Jean-Baptiste-Camille Corot und Gustave Moreaubekannt.
Seine Anfänge
Redons Vater drängte ihn, lieber Architektur als Kunst zu studieren, aber 1857 scheiterte er an der Aufnahmeprüfung für das Architekturstudium an der École des Beaux-Arts. In Paris lernte Redon den Botaniker Armand Clavaud kennen, der ihn mit den wissenschaftlichen Theorien von Charles Darwin, den literarischen Werken von Charles Baudelaire, Gustave Flaubert und Edgar Allan Poe sowie den heiligen Texten des Hinduismus und Buddhismus bekannt machte
Redon setzte seine Aquarelle im Stil von Gorin fort und schuf 1862 sein erstes Hauptwerk, Roland à Roncevaux, das den romantischen Helden der Kreuzzüge in einem an Delacroix erinnernden Stil darstellte. 1864 trat Redon in die Werkstatt des berühmten akademischen Malers Jean-Leon Gerome ein, eine lehrreiche Erfahrung, die Redon aufgrund der Überbetonung der mimetischen Darstellung durch Gerome als „gequält“ bezeichnete.
Auf der Suche nach einem günstigeren Umfeld kehrte Redon 1865 glücklich in sein Elternhaus in Bordeaux zurück und begann mit der Bildhauerei. Zu dieser Zeit lernt Redon Rodolphe Bresdin kennen, einen armen, aber sehr originellen und exzentrischen Künstler, dessen Kombination aus detailgetreuen Naturdarstellungen und visionären Sujets den jungen Künstler tiefgreifend beeinflussen wird. Bresdin wurde für Redon zu einem Mentor, der ihn lehrte, Radierungen anzufertigen, und ihn ermutigte, die Welt des Geistes und des Mysteriums zu erschließen, zu der sich Redon bereits hingezogen fühlte.
Die Periode seiner künstlerischen Reife: Die Noirs
Die 1870er Jahre waren eine Zeit tiefgreifender Veränderungen in Redons Leben und künstlerischer Praxis. Im Jahr 1870 wurde er zum Deutsch-Französischen Krieg eingezogen, der ein Jahr später mit der demütigenden Niederlage Frankreichs und der Kommune endete
Diese Erfahrung unterbrach sein Leben und seine Arbeit als Künstler und verstärkte seine natürliche Neigung zur Melancholie. Doch gleichzeitig führten die turbulenten Ereignisse von 1870-71 zu einem künstlerischen Durchbruch. Zurück in Paris begann er mit der Arbeit an seinen so genannten Noirs: monochromen Kohlezeichnungen, die den Reichtum des Mediums ausnutzen
Die außergewöhnliche Bandbreite an Farbtönen, Texturen und Schattierungen, die Redon in diesen Werken erreicht, ist außergewöhnlich und nur mit den Bleistiftzeichnungen von Georges Seurat aus der gleichen Zeit vergleichbar. Schwarz wurde für Redon zum idealen Medium, um seine Fantasie auszudrücken. Wie Redon sagte: „Schwarz muss respektiert werden. Nichts prostituiert sie. Sie erfreut weder das Auge noch weckt sie die Sinnlichkeit. Sie ist das Mittel des Geistes, viel mehr als die prächtige Farbe der Palette oder des Prismas„.
1872 lernte Redon Henri Fantin-Latour kennen, von dem er das Umdruckverfahren der Lithografie erlernte. Als Redons Vater 1874 mittellos starb, wandte sich Redon der Lithografie zu, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, da diese Drucke in relativ großen Mengen hergestellt und verkauft werden konnten, was es ihm ermöglichte, seine Werke einem größeren Publikum zu präsentieren. Wie er selbst beschreibt:„Ich hatte zuvor vergeblich versucht, mit den zahlreichen Zeichnungen, die ich bereits angefertigt hatte, in den offiziellen Salons auszustellen… Deshalb fertigte ich (1878) meine ersten Lithografien an, um meine Zeichnungen zu vervielfältigen„.
Im Jahr 1876 lernte er den Dichter und Kunstkritiker Stéphane Mallarmé kennen und nahm an regelmäßigen Treffen in Mallarmés Haus teil, wo er zahlreiche Schriftsteller und Künstler aus seinem symbolistischen Umfeld traf. In den späten 1870er Jahren begann Redon mit dem Erscheinen seines Wächtergeistes der Gewässer (1878) kritische Aufmerksamkeit zu erregen. Im Jahr 1879 schuf er seine erste lithografische Serie, In Sleep.
Hier sehen Sie einige der Illustrationen, die zu dieser Sammlung von Lithografien gehören.
1880 heiratete er Camille Falte, eine kreolische Frau wie seine Mutter, und sagte: „Ich glaube, dass das ‚Ja‘, das ich am Tag unserer Vereinigung aussprach, der Ausdruck der vollkommensten und unverfälschten Gewissheit war, die ich je erlebt habe.Eine Gewissheit, die vollständiger ist als meine Berufung„. Das Glück ihrer Ehe wurde jedoch durch den Verlust des ersten Kindes überschattet, das sechs Monate später starb. Diese Tragödie stürzte Redon in eine tiefe Depression, die er poetisch als„melancholische Ohnmacht“ bezeichnete.
In dieser Zeit arbeitet Redon vor allem an Lithografien und schafft mehrere Mappen, die als Begleitmaterial zu literarischen Werken gedacht sind. So erschien beispielsweise 1882 To Edgar Poe (Poes Gedichte waren ein Jahrzehnt zuvor von Mallarmé ins Französische übersetzt worden) und 1896 Die Versuchung des heiligen Antonius, inspiriert von Flauberts Roman
In Mallarmés Salons lernt Redon den Kritiker und Romancier Joris-Karl Huysmans kennen, der ein großer Bewunderer des Künstlers wird. Huysmans‚ dekadenter Roman Contra natura (1884) erzählt die Geschichte des Dandys Des Esseintes, der sich in seiner Villa am Rande von Paris vor der Gesellschaft versteckt. In seiner Kunstsammlung befinden sich mehrere Werke von Redon, darunter Kohlezeichnungen. Der Roman hat Redon berühmt gemacht
Etwa zur gleichen Zeit freundet sich Redon mit Paul Gauguin an, der die visionäre Kunst seines Freundes gut versteht:„Ich verstehe nicht, warum Odilon Redon angeblich Monster malt. Sie sind imaginäre Wesen. Erist ein Träumer, ein phantasievoller Geist„.
Redon nahm an der letzten Gruppenausstellung der Impressionisten im Jahr 1886 teil. Seine Werke signalisieren den Wandel der modernen Kunst vom Impressionismus zum Symbolismus und von der Beobachtung der flüchtigen Naturwirkungen zur Beschäftigung mit Subjektivität und innerer Vision.
Seine letzten Jahre: Die bunte Periode
In den 1890er Jahren erfährt Redons Werk einen radikalen Wandel, denn er beginnt, vorwiegend mit Pastellkreide zu arbeiten und setzt schließlich Farbe ein, nachdem er jahrelang nur in Schwarz gearbeitet hatte
Einige Gelehrte führen diesen Wandel auf ein religiöses Erwachen zurück, das sich im wachsenden Interesse des Künstlers für Themen aus dem Buddhismus oder dem Christentum zeigt, aber auch viele seiner Schwarz-Weiß-Lithographien sind religiösen Themen gewidmet
Hier sind zwei seiner Darstellungen des Buddha
Unabhängig vom Medium ging es Redon in erster Linie um die subjektive Erfahrung von Spiritualität und weniger um die Illustration liturgischer Texte. Die Farbe wurde einfach zu einem weiteren Mittel, um Bereiche jenseits des Sichtbaren zu erforschen und sie eher für expressive als für mimetische Zwecke einzusetzen. Andere Gelehrte führen Redons Farbwahl auf sein persönliches Glück zurück, da sein zweiter Sohn Ari 1889 geboren wurde
1913 reflektierte der Künstler seinen Übergang zur Farbe mit den Worten: „Wenn die Kunst eines Künstlers das Lied seines Lebens ist, eine feierliche oder traurige Melodie, dann muss ich den Grundton der Freude in der Farbe erklingen lassen.“
In den 1890er Jahren kam Redon durch seine anhaltende Freundschaft mit Gauguin in Kontakt mit den jungen Nabi-Künstlern. Maurice Denis sah in Redon das Beispiel eines etablierten Künstlers, der die formalen Mittel seiner Kunst auch nutzte, um persönliche Gefühle auszudrücken, oder wie er es nannte„den Zustand der Seele des Künstlers„. Redon lernte auch von den jüngeren Malern und übernahm deren Japonismus, die expressive Farbgebung und die Betonung der Dekoration
Viele der Nabis, wie Édouard Vuillard und Pierre Bonnard, schufen große dekorative Projekte wie Paravents und Wandgemälde, und auch Redon tat dies gegen Ende seiner Karriere, insbesondere mit seinen Wandgemälden für das Schloss von Baron Robert de Domecy und die Abtei von Fontfroide.
Ab1900 konzentriert sich Redon auf Porträts, von denen er viele in Auftrag gibt, sowie auf mythologische und literarische Themen, Blumenstilleben und die oben erwähnten dekorativen Arbeiten. Alles, was er von diesem Zeitpunkt an machte, war von leuchtenden Farben überschwemmt und zeigte das, was der surrealistische Künstler des 20. Jahrhunderts André Masson„lyrische Chromatik“ nannte.
Redons Ruhm wuchs gegen Ende seines Lebens; 1903 verlieh ihm die französische Regierung den Orden der Ehrenlegion. Im Jahr 1913 veröffentlichte der Verleger André Mellerio ein Werkverzeichnis seiner Grafiken; im selben Jahr wurde er in die berühmte Armory Show in New York aufgenommen und stellte mehr Werke aus als jeder andere Künstler in der Ausstellung. Redon starb 1916, vielleicht beschleunigt durch die Sorge und Angst um seinen Sohn, der als Soldat an der Front des Ersten Weltkriegs diente.
Das Vermächtnis von Odilon Redon Wie hat er das Werk anderer Künstler beeinflusst?
Redons großer Einfluss lässt sich in zwei Kategorien einteilen, die den beiden Hauptsträngen seines Werks entsprechen: seine außerordentlich lebhaften und farbenfrohen späten Gemälde und Pastelle und seine frühen Noirs. Für die Nabis war es Redons freier und ausdrucksstarker Umgang mit der Farbe, der die größte Wirkung hatte
Maurice Denis schrieb Redon die geistige Entwicklung seiner eigenen Kunst zu, während Pierre Bonnard über Redon sagte:„Unsere ganze Generation wurde von ihm in den Bann gezogen und erhielt seinen Rat. Henri Matisse erkannte später den Einfluss von Redons Pastellen auf seine eigene fauvistische Farbpalette an.
Aber die Wirkung von Redons Noirs auf die moderne Kunst war vielleicht noch tiefgreifender, denn in ihnen finden wir ihre größte Originalität und Erfindungsgabe. Die Surrealisten fühlten sich besonders von der traumhaften Qualität dieser Kohlezeichnungen und Lithografien angezogen, und André Breton, ihr faktischer Anführer, war ein großer Bewunderer. Ein wesentlicher Teil des Einflusses von Redon war die Suggestivität seiner Kunst: Anstatt die Dinge für uns zu beschreiben, nimmt der Betrachter aktiv an der Interpretation des Werks teil
Der Erfinder des Readymade, Marcel Duchamp, bemerkte:„Wenn ich sagen müsste, was mein eigener Ausgangspunkt war, würde ich sagen, dass es die Kunst von Odilon Redon war. Redons Einfluss geht sogar über die bildenden Künste hinaus, so auch auf das Werk des Komponisten Toru Takemitsu
Bei der Analyse des Werks von Odilon Redon haben wir festgestellt, dass es gewisse Ähnlichkeiten zwischen einigen der von Redon gezeichneten Kreaturen und den Figuren im Disney Pixar Film Monsters Inc. gibt
Die berühmtesten Werke von Odilon Redon
Im Folgenden werden einige der bekanntesten Werke von Odilon Redon aus seinen verschiedenen Schaffensperioden kurz beschrieben
Der Wächter der Gewässer
Ein großer, von Flügeln getragener Kopf schwebt über einer ruhigen See und blickt mit ausdrucksstarken Augen auf ein kleines Segelboot. Möwen flattern durch die Luft und gleiten über die Wasseroberfläche, die sich bis zum fernen Horizont ausdehnt
Ein zarter Heiligenschein umgibt den Kopf und verleiht der seltsamen Kreatur trotz ihrer brutalen Züge eine wohlwollende und göttliche Aura. Mit seiner realistischen Darstellung von Traumbildern nimmt The Guardian Spirit of the Waters den Surrealismus des 20. Jahrhunderts vorweg.
Als der Vater des Künstlers, Bernard Redon, ein junger Mann war, reiste er von Frankreich nach Louisiana, um das verlorene Erbe der Familie wiederzufinden. Dort lernte er die Mutter von Redon kennen und heiratete sie. Nach seiner Rückkehr nach Frankreich wurde Odile mit Odilon schwanger, der in Bordeaux geboren wurde. Der Künstler bedauerte oft, dass er nicht auf dem Meer geboren wurde,„einem Ort ohne Heimat in einem Abgrund„, was vielleicht besser zu den Ursprüngen seiner visionären Sensibilität gepasst hätte.
Die Zeichnung ist typisch für Redons Noirs, bei denen er die Kohle manipulierte, um eine reiche Palette an Farbtönen und Texturen zu erzielen. Auf cremefarbenem, behandeltem Papier verwendet der Künstler Schwung, Strich, Einschnitt und Kreidestriche, wobei er oft die unberührten Stellen des Blattes leuchten lässt, um sie hervorzuheben.
Kaktusmann
Der Kopf eines Mannes ragt aus einer Topfpflanze heraus, und sein Hals erhebt sich wie der Stiel einer seltsamen Hybridpflanze. Zarte Dornen bedecken seine Haut und seinen Kopf, was ihm ein kaktusartiges Aussehen verleiht und gleichzeitig an die Dornenkrone Christi oder anderer ähnlicher Märtyrer erinnert. Der Kopf mit den großen, stumpfen Augen, der flachen Nase und den breiten Lippen hat einen ebenso aufmerksamen wie gleichgültigen Ausdruck
Die Vase ist mit dem Bild einer Amazone verziert, die einen Mann erschlägt, eine Anspielung auf den griechischen Mythos der Kriegerinnen, deren Kombination von weiblichen und männlichen Merkmalen die Kombination von menschlichen und pflanzlichen Formen in der Zeichnung widerspiegelt.
Die Zeichnung könnte mit einer Ausstellung zusammenhängen, die Redon 1881 in Paris sah und die die Bewohner Feuerlands zeigte. Die ausgestellten südamerikanischen Eingeborenen, die Redon als„hochmütig, grausam und grotesk“ beschrieb, hatten eine tiefgreifende und zugleich komplizierte Wirkung auf den Künstler: Einerseits bewunderte er die Reinheit und Einfachheit der so genannten„primitiven“ Völker, andererseits erkannte er in ihnen die furchterregende Barbarei der menschlichen Ursprünge
Redons Mensch-Pflanze-Hybride, die aus einem viereckigen Topf – einem Symbol für westliche Kultur und Zurückhaltung – entspringt, kann als Versuch verstanden werden, die beiden Pole der menschlichen Existenz, Natur und Kultur, Wilde und Zivilisierte, miteinander zu versöhnen.
Das Auge, wie ein seltsamer Globus, bewegt sich in die Unendlichkeit
Ein Augapfel hat sich in einen seltsamen Globus verwandelt, dessen Blick in den Himmel gerichtet ist, während er sich über den Horizont erhebt. Anstelle eines Korbes mit Passagieren trägt die Weltkugel einen abgeschlagenen Kopf auf einem Tablett, ähnlich dem von Johannes dem Täufer in der biblischen Geschichte von Salome. Unten links sind die Wedel einer palmenähnlichen Pflanze zu sehen, und der Himmel ist mit dichten Wolken gefüllt.
Abgeschlagene Köpfe tauchen in der symbolistischen Kunst und Literatur sehr häufig auf, sei es in den Geschichten von Salome oder in rätselhafteren Bildern wie diesem
Der vom physischen Körper losgelöste Kopf oder Augapfel ist ein Symbol für die Freiheit von den Zwängen des Alltags und das Erreichen einer höheren Bewusstseinsebene. Wie die Wissenschaftlerin und Kuratorin Jodi Hauptman schreibt, „schweben Redons Augen „in die Unendlichkeit“, befreit von den Beschränkungen des Körpers und des Geistes, und können wahrhaftig sehen, über die Realität, über die Natur, über das Sichtbare hinaus“.
Dieses Werk wurde in Redons Mappe mit sechs Lithografien, A Edgar Poe, aufgenommen und ist das berühmteste Bild der Serie. Die Drucke waren nicht als Illustrationen von Poes Gedichten gedacht, sondern als„Korrespondenzen„, um Redons Ausdruck zu verwenden.
Die Poesie von Mallarmé und anderen Symbolisten, die das höchste Ziel der Kunst in der Suggestion und nicht in der Beschreibung sahen, ist durch einen ähnlich evokativen Ansatz gekennzeichnet. Außerdem nimmt der riesige Augapfel auf dem Stich die extreme Nahaufnahme des aufgeschnittenen Augapfels in Luis Buñuels surrealistischem Film Un Chien Andalou vorweg.
Die lächelnde Spinne
Eine seltsam lächelnde Spinne mit zehn Beinen ist das Motiv der Lithografie von Redon. Der runde, behaarte Körper der Spinne hat ein menschliches Gesicht, mit einer nach oben gerichteten Nase und einem breiten, lächelnden Mund, der eine Reihe kleiner Zähne zeigt
Die Kreatur neigt sich auf ihren dünnen Beinen leicht zur Seite, als ob sie gerade an einem seidenen Faden von der Decke herabgestiegen wäre. Das Gittermuster des Fußbodens vermittelt den Eindruck eines dreidimensionalen Raums, aber der Realismus der Umgebung verstärkt nur noch die beeindruckende Wirkung des Motivs (wer hat schon einmal eine solche Spinne auf seinem Küchenfliesenboden gesehen?)
Redon stützte sich auf eine frühere Kohlezeichnung,„Die weinende Spinne„, aber das lithografische Medium (Fetttinte oder Kreide, die direkt auf glatten Stein aufgetragen wird) war für die Erkundung der Farbe Schwarz durch den Künstler gleichermaßen geeignet.
Redon war von den Naturwissenschaften fasziniert und studierte, angeregt durch seinen Freund, den Botaniker Armand Clavaud, Anatomie, Osteologie und mikroskopisches Leben. Er besuchte auch das Naturhistorische Museum in Paris, in dem Ausstellungen über biologische Anomalien gezeigt wurden, und besuchte Vorlesungen an der Ecole de Médecine. Viele seiner „Monster“ beruhten auf Beobachtungen, wurden aber durch die Phantasie des Künstlers umgestaltet
Es ist das Erkennen unserer Menschlichkeit in diesen seltsamen Mischwesen – das dümmliche, zahnige Grinsen einer haarigen Spinne -, das sie so anziehend und abstoßend zugleich macht.
Geschlossene Augen
Dieses Gemälde zeigt eine Figur mit geschlossenen Augen, nackten Schultern und einem dichten Helm aus dunklem Haar, die aus dem Meer zu steigen scheint. Das Motiv der geschlossenen Augen gefiel Redon, für den das Symbol an Geheimnis, Schlaf, Meditation und Innenleben erinnerte. Gleichzeitig können geschlossene Augen auch den Tod bedeuten, der für die Symbolisten die endgültige Flucht aus der realen Welt und den irdischen Beschränkungen des bewussten Lebens darstellte.
Eyes Closed markiert einen Wendepunkt in Redons Karriere, als er zum ersten Mal Farbe in seiner Kunst einsetzte. Redon hat das Gemälde auf der Grundlage einer früheren Kohlezeichnung desselben Themas gemalt. In diesem Fall ist die Palette jedoch eher subtil.
Redon setzte feine Pinselstriche aus Ölfarbe ein, um einen durchscheinenden, ätherischen Effekt zu erzielen, während die blassen Farbtöne und die Dreiviertelkomposition an die Marmorporträts der italienischen Renaissance erinnern.
Eyes Closed ist zu einer Ikone des Symbolismus geworden (es war das erste Werk von Redon, das 1904 von einem großen französischen Museum erworben wurde) und stellt wahrscheinlich Redons Frau Camille Falte dar. Allerdings muss man die Zweideutigkeit des Geschlechts der Figur anerkennen, die ein weiteres Zeichen für die Distanzierung von der dargestellten materiellen Welt ist.
Das Androgyne war ein beliebtes Thema für die Symbolisten, da es mit dem spirituellen Bereich assoziiert wurde und von Natur aus eine hybride Natur hat (Leonardos Bilder des Heiligen Johannes zeigen ihn beispielsweise oft in einer ausgesprochen weiblichen Form). Schließlich trägt der ätherische Raum, der ihn umgibt, zum Gefühl der Unendlichkeit bei, und die Gesamtwirkung des Werks ist von heiterer Ruhe geprägt.
Die Baronin von Domecy
Dies ist eines von mehreren Porträts, die Redon von der Frau seines Freundes und Mäzens, des Barons de Domecy, malte. In diesem Fall stellt er sie vor einem abstrakten floralen Hintergrund dar
Das Gesicht und der Kopf der Frau sind präzise und realistisch gezeichnet, mit feinen Graphitstrichen, die ihre Züge definieren. Der hellbraune Papierhintergrund ersetzt ihre Haut, und die gedämpften Töne passen zu ihrem ernsten, zurückgezogenen Gesichtsausdruck, als sei sie in ihre eigenen Gedanken versunken
Im Gegensatz zu ihrem monochromen Gesicht lässt die rote Bluse der Baronin auf eine leidenschaftlichere Seele schließen, als ihr zurückhaltendes Auftreten vermuten lässt. Auch die Fülle der floralen Motive – die eher dekorativ als real wirken – verleiht der Szene einen traumhaften Aspekt und symbolisiert vielleicht ihr lebendiges Innenleben.
Blumenstrauß
Die zahlreichen Blumenstillleben, die Redon gegen Ende seiner Karriere schuf, gehören zu seinen populärsten und bekanntesten Werken und wurden vielfach reproduziert. Aus einer dekorativen blauen Vase, die vor einem abstrakten Hintergrund aus Rost-, Ocker-, Violett- und Rosatönen steht, blühen eine Vielzahl von bunten Blumen, die zart in Pastellfarben gezeichnet sind
Die Vase, die ebenfalls mit einem Blumenmotiv verziert ist, scheint im Raum zu schweben, anstatt auf einer offensichtlichen Oberfläche zu ruhen. Mehrere kleine Schmetterlinge flattern um den Strauß herum.
Redons pastellfarbene Stillleben wirken vertraut, rufen aber gleichzeitig die überhöhten Bilder eines eidetischen oder fotografischen Gedächtnisses hervor. Redon beschrieb seine Blumen als „am Zusammenfluss von zwei Ufern, dem der Darstellung und dem der Erinnerung“
Die leuchtenden Farben und der unbestimmte Rahmen tragen in der Tat dazu bei, den Strauß in den Bereich der inneren Vision zu stellen. Mehr als ein bloßes Element der häuslichen Dekoration wirken die Blumen wie eine Erscheinung, ein wunderbares Produkt einer fieberhaften Phantasie.
Tag und Nacht
1910 erklärte sich Redon bereit, die Bibliothek des Anwesens seines Freundes und Mäzens Gustave Fayet auszuschmücken. Der Künstler hatte die mittelalterliche Abtei 1908 gekauft, um sie zu restaurieren. In völliger Freiheit schuf Redon zwei große Tafeln, Tag und Nacht, für die beiden Wände und eine kleinere Tafel über der Tür
Day, das vier Pferde als Hommage an Delacroix‘ Deckendekoration für den Louvre (Galerie Apollo) in einem Rahmen aus Goldtönen und Blumen darstellt, drückt die Freude aus, die Redon mit der Farbe verband. In den Tafeln blickt Redon auf sein eigenes Werk zurück, wenn der Tag an seine Farbperiode und die Nacht an seine „Noirs“ erinnert.
In Night besetzen mehrere Figuren eine Landschaft mit dunklen Bäumen, die sich vor einem goldenen Licht unter einem dunkelblauen Himmel abzeichnen, mit schwebenden geflügelten Köpfen und einer Fülle von Pflanzen, Blumen und flatternden Schmetterlingen. Madeline Fayet, die Ehefrau von Gustave, und seine Tochter Simone werden als zwei verschleierte Frauen dargestellt
Rechts vom Baum sind die Profile von Gustave Fayet, seinen Söhnen Léon und Antoine sowie von Camille Redon zu sehen. Außerdem treten mehrere Musiker auf, darunter Robert Schumann, der Komponist Déodat de Séverac und der Pianist Ricardo Viñes.
Mit der Einbeziehung von Musikern würdigt Redon den Einfluss der Musik auf ihr eigenesWerk. Als Geiger, der manchmal öffentlich auftrat, sagte Redon, dass„Musik eine nächtliche Kunst ist, die Kunst des Schlafes„. Die Nacht ist selbst ein Traum, und die Darstellung der Figuren in dunkleren Farben lässt vermuten, dass sie in der nächtlichen Welt des Schlafs und der Träumerei leben
Die schmetterlinge sollten, wie Redon es ausdrückte, Wesen des Lichts sein, die aus der„Puppe der Dunkelheit“ schlüpfen. Während Redon in den schattenhaften Figuren seinen Noir erkennt, mildert das goldene Licht, das sie umgibt, die Dunkelheit, so dass die Szene eine Art friedliches, fantasievolles Paradies heraufbeschwört.
Der Zyklop
Polyphem, das mythische einäugige Ungeheuer aus Homers Odyssee, erhebt sich von der Spitze eines felsigen Hügels, während die gefangene Nymphe Galatea in ihrer Grotte schläft, umgeben von Blumen.
Redon stellte in seinen späteren Pastellen und Gemälden häufig Szenen aus der klassischen Mythologie dar und muss mit Ovids Version der Geschichte des Polyphem vertraut gewesen sein. In seinem Gemälde, wie auch im Gedicht, verliebt sich der Zyklop in die Meeresnymphe. Er kannte aber auch die gefeierten Werke von Gustave Moreau, die die Geschichte in den 1880er Jahren auf tragische Weise darstellten.
Redon scheint die Elemente, denen die beiden Figuren angehören, zu kontrastieren: Der Zyklop erhebt sich aus der harten, felsigen Erde, während die Nymphe in der Meeresgrotte mit ihrer üppigen, weiblichen Flora geborgen ist. Mit seinem großen, weichen, ausdrucksstarken Auge, das an den„träumenden Kopf“ des Symbolismus erinnert, ist Polyphem nicht das menschenfressende Ungeheuer aus Homers Odyssee, sondern ein sanftes, ja sogar skurriles Wesen.
Im Gegensatz zu Moreau behandelt Redon das Thema nicht auf tragische Weise und stellt auch kein frustriertes Verlangen dar. Galateas zur Seite gekrümmter Körper, ihr schlafendes Gesicht teilweise durch den ausgestreckten Arm verdeckt, suggeriert Intimität, eine Hinwendung zur inneren Welt der Träume. Und anstatt die nackte Nymphe im Schlaf anzustarren, neigt Polyphem den Kopf und schaut den Betrachter mit einem fast neugierigen Blick an
Das Ergebnis ist, dass der Betrachter, dessen Blick zunächst von der Form der Nymphe angezogen wird, sich bewusst ist, von einem Riesen beobachtet zu werden, der diese innere Vision sanft bewacht.
Stilistisch kann das Gemälde als eine Synthese von Redons bisherigem Schaffen betrachtet werden, da es sein frühes Interesse an der Ölmalerei mit der Farbpalette seiner Pastellmalerei verbindet, zusammen mit dem Bild eines„Monsters„, das einem seiner Noirs entnommen sein könnte.
