Pablo Picasso est l’un des artistes les plus importants et les plus remarquables de l’histoire de l’art. C’était un peintre très prolifique. Avec entre 1300 et 1900 œuvres d’art créées tout au long de sa vie, il est difficile d’en choisir seulement 10. Pour cet article, nous avons sélectionné 10 des œuvres les plus populaires de l’artiste de Malaga
1- Guernica
Guernica est peut-être l’œuvre la plus célèbre de Picasso et l’un des tableaux les plus connus au monde.
Picasso a créé cette huile sur toile de style cubiste entre le 1er mai et le 4 juin 1937 à Paris, en réponse à une commande du gouvernement républicain de Francisco Largo Caballero pour le pavillon espagnol de l’Exposition universelle de Paris de 1937.
Cette toile monumentale est une dénonciation engagée du bombardement de Guernica, qui venait d’avoir lieu le 26 avril 1937, durant la guerre d’Espagne, ordonné par les nationalistes espagnols et exécuté par les troupes fascistes allemandes et italiennes
Le tableau de Picasso, qui a été exposé dans de nombreux pays entre 1937 et 1939, a joué un rôle important dans l’intense propagande générée par les bombardements et la guerre d’Espagne, et a rapidement acquis une renommée internationale et une importance politique, devenant un symbole de la dénonciation de la violence franquiste et fasciste, puis de l’horreur de la guerre en général.
Conservée pendant toute la dictature franquiste aux États-Unis à la demande de Picasso, l’œuvre a été transférée en Espagne en 1981, où elle est conservée depuis 1992 au musée Reina Sofia de Madrid.
2- Les Demoiselles d’Avignon
Les Demoiselles d’Avignon (initialement intitulé Le bordel d’Avignon) est une grande peinture à l’huile créée en 1907 par Picasso. L’œuvre, qui fait partie de la collection permanente du Musée d’art moderne, représente cinq prostituées nues dans un bordel de la rue d’Avinyó, à Barcelone, en Espagne
Chacune des figures est représentée de manière déconcertante et conflictuelle, et aucune n’est conventionnellement féminine. Les femmes semblent légèrement menaçantes et sont représentées avec des formes corporelles anguleuses et disjointes
Le personnage de gauche a des traits du visage et des vêtements de style égyptien ou sud-asiatique. Les deux figures adjacentes sont représentées dans le style ibérique de l’Espagne natale de Picasso, tandis que les deux figures de droite ont des traits semblables à ceux des masques africains. Le primitivisme ethnique évoqué dans ces masques, selon Picasso, l’a poussé à « libérer un style artistique totalement original d’une force irrésistible, voire sauvage »
Avec cette adaptation du primitivisme et l’abandon de la perspective au profit d’un plan bidimensionnel, Picasso s’écarte radicalement de la peinture européenne traditionnelle. Cette œuvre proto-cubiste est considérée comme fondamentale pour le développement précoce du cubisme et de l’art moderne.
Cette peinture était révolutionnaire et controversée, et a provoqué une colère et un désaccord généralisés, même parmi les plus proches collaborateurs et amis du peintre. Matisse considérait l’œuvre comme une sorte de plaisanterie, mais y a réagi indirectement dans son œuvre de 1908, Baigneuses à la tortue. Georges Braque n’aimait pas non plus le tableau au départ, mais, peut-être plus que quiconque, il l’a étudié en détail
Son amitié et sa collaboration ultérieures avec Picasso ont conduit à la révolution cubiste. Sa ressemblance avec Les Baigneuses de Cézanne, la Statue Oviri de Paul Gauguin et L’Ouverture du cinquième sceau du Greco a été largement discutée par les critiques ultérieurs.
Au moment de sa première exposition, en 1916, le tableau était considéré comme immoral. L’œuvre, peinte dans l’atelier de Picasso au Bateau-Lavoir à Montmartre, Paris, a été vue pour la première fois en public au Salon d’Antin en juillet 1916, dans une exposition organisée par le poète André Salmon. C’est lors de cette exposition que Salmon (qui avait déjà intitulé le tableau en 1912 Le bordel philosophique) a renommé l’œuvre avec son titre actuel, moins scandaleux, Les Demoiselles d’Avignon, au lieu du titre initialement choisi par Picasso, Le Bordel d’Avignon
Picasso, qui a toujours appelé l’œuvre » mon bordel » ou « Le Bordel d’Avignon », n’a jamais apprécié le titre de Salmon et aurait préféré la périphrase « Les filles d’Avignon ».
3- Le Vieux Guitariste Aveugle
Le Vieux Guitariste aveugle est une peinture à l’huile de Picasso, réalisée entre fin 1903 et début 1904. Elle représente un musicien âgé, un homme émacié aux vêtements usés, qui est courbé sur sa guitare alors qu’il joue dans les rues de Barcelone, en Espagne. Elle est exposée à l’Art Institute of Chicago dans le cadre de la Helen Birch Bartlett Memorial Collection.
À l’époque de la création du Vieux Guitariste, le modernisme, l’impressionnisme, le post-impressionnisme et le symbolisme avaient grandement influencé le style de Picasso. En outre, El Greco, le niveau de vie médiocre de Picasso et le suicide d’un ami cher ont influencé le style de Picasso à cette époque, qui a été connue comme sa période bleue.
Plusieurs radiographies, images infrarouges et examens par des conservateurs ont révélé trois figures différentes cachées derrière Le Vieux Guitariste.
Les éléments de La Vieille Guitariste ont été soigneusement choisis pour susciter une réaction chez le spectateur. Par exemple, la palette de couleurs monochromes crée des formes plates et bidimensionnelles qui dissocient le guitariste du temps et du lieu. En outre, la palette générale de bleus sourds crée un ton général de mélancolie et accentue le caractère tragique et endeuillé du sujet
L’utilisation exclusive de l’huile sur carton provoque une ambiance plus sombre, plus théâtrale. L’huile tend à mélanger les couleurs sans en diminuer la luminosité, créant ainsi une composition dramatique encore plus cohérente.
De plus, le guitariste, bien que musclé, montre peu de signes de vie et semble proche de la mort, ce qui implique un manque de confort dans le monde et accentue la misère de sa situation. Les détails sont supprimés et l’échelle est manipulée pour créer des proportions allongées et élégantes, tout en intensifiant la contemplation tranquille du guitariste et son sentiment de spiritualité
La grande guitare brune est le seul changement de couleur significatif dans le tableau ; sa couleur brune sourde, mise en valeur par le fond bleu, devient le centre et le point de mire de l’attention. La guitare représente le monde du guitariste et son seul espoir de survie
Ce sujet aveugle et pauvre dépend de sa guitare et du petit revenu qu’il peut tirer de sa musique pour survivre. Certains historiens de l’art pensent que cette peinture exprime la vie solitaire d’un artiste et les luttes naturelles qui accompagnent une carrière. Ainsi, la musique, ou l’art, devient un fardeau et une force aliénante qui isole les artistes du monde. Et pourtant, malgré cet isolement, le guitariste (l’artiste) dépend du reste de la société pour sa survie
Toutes ces émotions reflètent la situation de Picasso à l’époque et sa critique de l’état de la société. Le vieux guitariste devient une allégorie de l’existence humaine.
4- La femme qui pleure
La Femme qui pleure est une série de peintures à l’huile sur toile de Pablo Picasso, dont la dernière a été réalisée à la fin de 1937. Les peintures représentent Dora Maar, l’amante et la muse de Picasso
Les peintures de la femme en pleurs ont été réalisées par Picasso en réponse au bombardement de Guernica pendant la guerre civile espagnole et sont étroitement liées à l’iconographie de sa peinture Guernica. Picasso était intrigué par le thème de la femme en pleurs, et a revisité le sujet à de nombreuses reprises cette année-là
La dernière version, exécutée le 26 octobre 1937, est la plus élaborée de la série et fait partie de la collection de la Tate Modern de Londres depuis 1987. Une autre peinture de la femme en pleurs se trouve à la National Gallery of Victoria et a été impliquée dans un vol d’art politique très médiatisé.
5-Jeune fille devant un miroir
Jeune fille devant un miroir est une huile sur toile peinte par Picasso en 1932
Lapeinture est un portrait de l’amante et muse de Picasso, Marie-Thérèse Walter, qui est représentée debout devant un miroir regardant son reflet. Il fait partie de la collection du Museum of Modern Art de New York.
Ce tableau a été réalisé en 1932, une année importante dans la carrière artistique de Picasso. À ce moment de sa vie, Picasso avait déjà 51 ans et s’était imposé comme un artiste important.
En 1932, la Galerie Georges Petit présente une exposition rétrospective de son œuvre, un événement inhabituel pour un artiste, Picasso assumant le rôle de commissaire. C’est également une année très productive pour Picasso, au cours de laquelle il concentre un grand nombre de ses œuvres sur son amante et muse de 22 ans, Marie-Thérèse Walter. Les portraits qu’il réalise d’elle en 1932 sont la première manifestation publique de sa relation secrète pendant son mariage avec Olga Khokhlova.
6- La Vie
La Vie a été peinte à Barcelone en mai 1903. Elle mesure 196,5 sur 129,2 centimètres et représente deux couples de personnes, un couple nu faisant face à une mère avec un enfant dans les bras.
Au fond de la pièce, apparemment un atelier, il y a deux tableaux dans le tableau, celui du haut avec un couple de nus accroupis et s’embrassant, et celui du bas avec un nu solitaire accroupi très similaire à Chagrin de la vie Vincent van Gogh. À côté, Picasso a repeint un autre motif, un homme-oiseau attaquant une femme nue allongée, dont les traces sont visibles à l’œil nu
Il a été peint à une époque où Picasso n’avait aucun succès financier. Au contraire, le nouveau tableau a été vendu un mois seulement après son achèvement, à un marchand d’art français, Jean Saint Gaudens. La vente a été rapportée dans le journal Liberal de Barcelone. Avec La Vie, Picasso a repeint la toile des Derniers Moments de 1899, un tableau qu’il avait présenté à l’Exposition internationale de Paris de 1900.
Le tableau a été donné par le Hanna Fund au Cleveland Museum of Art(Ohio) en 1945 et fait partie de sa collection permanente.
En 2020, le tableau a été prêté à la Royal Academy of Arts de Londres dans le cadre de l’exposition » Picasso et le papier « , où il a été exposé avec des dessins préparatoires et d’autres œuvres sur papier explorant les thèmes correspondants de la pauvreté, du désespoir et de l’aliénation sociale.
7- Trois Musiciens
Trois Musiciens est le titre de deux peintures à l’huile et collages similaires de l’artiste espagnol Pablo Picasso. Toutes deux ont été exécutées en 1921 à Fontainebleau, près de Paris, en France, et illustrent le style cubiste synthétique ; les aplats de couleur et la« composition complexe en forme de puzzle » font écho aux arrangements en papier découpé qui sont à l’origine de ce style
Chacune de ces peintures représente de manière colorée trois musiciens portant des masques dans la tradition du théâtre populaire italien, la Commedia dell’arte.
Chaque tableau présente un Arlequin, un Pierrot et un moine, censés représenter respectivement Picasso, Guillaume Apollinaire et Max Jacob. Apollinaire et Jacob, tous deux poètes, étaient des amis proches de Picasso dans les années 1910. Cependant, Apollinaire est mort de la grippe espagnole en 1918, tandis que Jacob a décidé d’entrer dans un monastère en 1921.
Une version se trouve dans la collection permanente du Museum of Modern Art (MoMA ) de New York ; l’autre version se trouve au Philadelphia Museum of Art.
8- La Célestine
Dans ce tableau, Pablo Picasso représente une vieille femme seule sur un fond bleu uni, la tête couverte d’un voile noir. Seules quelques touches de rose tentent de raviver les joues pâles de la vieille femme. Son regard attire l’attention du spectateur, d’une part parce qu’elle a un œil aveugle – une représentation exceptionnelle dans l’œuvre de Picasso, qui donne une grande importance à cet organe – et d’autre part parce que ce regard s’éloigne de celui du spectateur, donnant l’impression d’être perdu dans l’infini.
Ce tableau est une œuvre importante de la période bleue : en représentant la tenancière d’une maison close de Barcelone, Picasso exprime sa rencontre avec la réalité sociale et le désenchantement d’une génération..
Le bleu caractéristique de cette période témoigne de la mélancolie et de la souffrance, et représente la couleur de la misère sociale. Cependant, si la rencontre avec les réalités sociales traverse ses œuvres, l’essence de l’œuvre de Picasso à cette période réside dans de nouvelles expérimentations, dans de nouveaux genres d’expression plastique.
9- La Soupe
La Soupe est une huile sur toile peinte par Picasso en 1903. Elle appartient à sa célèbre période bleue
Malgré son succès initial à l’exposition Vollard en 1901, les fonds de Picasso sont rapidement épuisés. Il n’était pas rare que l’artiste ait faim pendant cette période à Paris, mais sa propre situation n’a fait que renforcer sa conscience de la pauvreté désespérée qui l’entourait souvent. De retour à Barcelone en 1902, Picasso réalise le tableau intitulé La Soupe.
Une fois de plus, il s’inspire de son expérience de la visite de la prison pour femmes de Saint-Lazare. Mais il se souvient aussi d’une visite qu’il avait faite au Panthéon pour voir les peintures murales, achevées cinq ans plus tôt par les Français. Le peintre symboliste Pierre Puvis de Chavannes
L’une des scènes de« La vie de sainte Geneviève » de Pierre Puvis représente une femme affamée que l’on aide dans la rue. Picasso a dessiné cette scène, qui a probablement influencé sa décision de peindre un moment similaire
La Soupe, cependant, est d’une ambiguïté intrigante : la femme âgée, accablée par son dénuement, donne-t-elle la soupe à la jeune fille ou la reçoit-elle d’elle ? Dans les deux cas, Picasso concentre l’acte de charité sur le besoin fondamental de se nourrir.
Actuellement exposé au Musée des Beaux-Arts de l’Ontario, Canada
10- Garçon à la pipe
Garçon à la Pipe est une huile sur toile de Picasso. Elle a été peinte en 1905, alors que Picasso avait 24 ans, pendant sa période rose, peu après son installation dans le quartier de Montmartre à Paris.
Le tableau représente un adolescent parisien tenant une pipe dans sa main gauche et portant une guirlande de fleurs sur la tête, entourée de deux ornements floraux. Le sujet était un garçon du quartier nommé « P’tit Louis », mort en bas âge
En 1905, Picasso était encore un artiste en herbe et s’était installé à Montmartre, à Paris. Il vivait dans la pauvreté dans un immeuble d’artistes délabré au 13 rue Ravignan, connu sous le nom de Le Bateau-Lavoir. Picasso avait surmonté sa période bleue pessimiste et se trouvait maintenant dans une nouvelle phase, plus optimiste, connue sous le nom de période rose.
Ce tableau est considéré comme l’un des plus chers, puisqu’il a été vendu aux enchères par Sotheby’s pour 104 millions de dollars le 5 mai 2004. C’est actuellement le cinquième tableau de Picasso le plus vendu.
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Comme nous l’avons déjà mentionné, Picasso a peint des milliers de tableaux au cours de sa vie. Nous avons donc dû nous limiter à sélectionner quelques-unes de nos œuvres préférées pour cet article
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