Pour cet article, nous avons fait une sélection de 10 des œuvres les plus remarquables du peintre surréaliste par excellence, Salvador Dalí
L’œuvre de Dalí est très vaste, car il était un artiste très prolifique. C’est pourquoi nous avons sélectionné ce que nous considérons comme ses œuvres les plus emblématiques et quelques-unes de nos préférées
1- La persistance de la mémoire
La persistance de la mémoire (en catalan : La persistència de la memòria) est un tableau de 1931 de l’artiste Dalí et l’une des œuvres les plus reconnues du surréalisme.
Exposé pour la première fois à la galerie Julien Levy en 1932, le tableau fait partie depuis 1934 de la collection du Museum of Modern Art (MoMA) de New York, qui l’a reçu d’un donateur anonyme.
Il est largement reconnu et fréquemment cité dans la culture populaire, et est parfois désigné par des titres plus descriptifs, tels que« Les horloges fondantes » ou « Les horloges molles »
Dalí reprend le thème de cette peinture avec la variation La désintégration de la persistance de la mémoire, qui montre sa célèbre œuvre antérieure se fragmentant systématiquement en éléments plus petits, et une série de blocs rectangulaires qui révèlent plus d’images à travers les espaces entre eux, ce qui implique qu’il y a quelque chose sous la surface de l’œuvre originale ; cette œuvre se trouve aujourd’hui au Salvador Dalí Museum de Saint-Pétersbourg, en Floride, tandis que la Persistance de la mémoire originale reste au Museum of Modern Art de New York
À la fin de sa carrière, Dalí a également réalisé plusieurs lithographies et sculptures sur le thème des montres molles. Parmi ces sculptures, citons Persistance de la mémoire, Noblesse du temps, Profil du temps et Trois horloges qui dansent.
2- La Tentation de Saint Antoine
La Tentation de Saint Antoine est un tableau peint en 1946. Il s’agit d’un précurseur de l’ensemble de l’œuvre de Dalí, communément appelé » période classique » ou » Renaissance Dalí« .
Dalí a peint La Tentation de saint Antoine en 1946, en réponse à un concours organisé par la société de production cinématographique David L. Loew-Albert Lewin pour la peinture de La Tentation de saint Antoine. Loew-Albert Lewin pour une peinture de La Tentation de saint Antoine, qui serait utilisée dans le film Les Affaires privées de Bel Ami. Il s’agit du seul concours d’art auquel Dalí participe, et le tableau choisi pour le film est la version de la tentation par Max Ernst.
Le tableau contient de nombreux éléments surréalistes typiques de son œuvre. Il est intéressant de noter que c’est la première de ses œuvres à montrer son intérêt pour l’entre-deux entre le Ciel et la Terre
Cette œuvre est actuellement conservée aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique à Bruxelles, en Belgique.
Les artistes et les auteurs ont longtemps représenté la Tentation de saint Antoine dans leurs œuvres. La Tentation de saint Antoine est peinte à l’huile sur toile. Elle représente un paysage désertique : une ligne d’horizon basse avec des nuages élevés et des tons sombres et chauds dans un ciel bleu
Le personnage de saint Antoine est agenouillé dans le coin inférieur gauche. Il tient une croix dans sa main droite et, de la main gauche, il s’appuie sur une forme ambiguë. Un crâne humain repose à côté de son pied droit. Un défilé d’éléphants mené par un cheval s’approche de San Antonio
Les éléphants portent des objets symboliques représentant la tentation : une statue de femme nue tenant ses seins, un obélisque, un ensemble de bâtiments entourant un torse féminin nu et désincarné, et une tour verticale. Les animaux ont des jambes exagérées, longues et grêles, qui les font paraître en apesanteur.
3- Rêve causé par le vol d’une abeille autour d’une grenade une seconde avant l’éveil
Le rêve causé par le vol d’une abeille autour d’une grenade une seconde avant de l’éveil est une peinture surréaliste de Salvador Dalí. Un titre alternatif plus court pour cette peinture est Rêve causé par le vol d’une abeille
Il a été peint en 1944, et la femme dans le tableau, qui rêve, est censée représenter sa femme, Gala. Le tableau se trouve actuellement au musée Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Il s’agit d’une peinture à l’huile sur bois. Dans cette « photographie onirique peinte à la main« , comme Dalí avait l’habitude d’appeler ses tableaux, on peut voir un paysage marin composé d’horizons lointains et d’eaux calmes, peut-être Port Lligat, au milieu duquel Gala est le sujet de la scène. À côté du corps nu de la femme endormie, en lévitation sur un rocher plat flottant sur la mer, Dalí représente deux gouttes d’eau en suspension et une grenade, symbole chrétien de fertilité et de résurrection. Sur la grenade vole une abeille, un insecte qui symbolise traditionnellement la Vierge.
Dans la partie supérieure gauche du tableau, ce qui semble être un sébaste jaune jaillit de la grenade et vomit à son tour un tigre bondissant, qui vomit à son tour un autre tigre bondissant sur le point d’attaquer Gala et un fusil à baïonnette sur le point de la piquer au bras. Au-dessus d’eux, Dalí utilise pour la première fois un éléphant aux longues pattes de flamant rose, que l’on retrouvera dans ses compositions ultérieures comme La Tentation de saint Antoine
L’éléphant porte sur son dos un obélisque, inspiré de l’éléphant et de l’obélisque du Bernin sur la Piazza Santa Maria sopra Minerva à Rome.
4- Galatée des Sphères
Galatée des sphères est un tableau de Salvador Dalí réalisé en 1952. Il représente Galatea Dalí, l’épouse et la muse de Salvador Dalí, comme une série de sphères disposées de façon continue
Le nom de Galatea fait référence à une nymphe de mer de la mythologie classique, célèbre pour sa vertu, et peut également faire référence à la statue aimée par son créateur, Pygmalion.
Le tableau, qui mesure 65,0 x 54,0 cm, représente le buste de Galatea composé d’une matrice de sphères apparemment suspendues dans l’espace. Il représente une synthèse de l’art de la Renaissance et de la théorie atomique et illustre la discontinuité ultime de la matière[1], les sphères elles-mêmes représentant des particules atomiques.
Dalí s’intéresse de près à la physique nucléaire depuis les premières explosions de bombes atomiques d’août 1945, et décrit l’atome comme son « aliment préféré pour la pensée »
Reconnaissant que la matière est composée d’atomes qui ne se touchent pas, il a essayé de reproduire cela dans son art de l’époque, avec des éléments suspendus et sans contact les uns avec les autres, comme dans La Vierge de Port Lligat. Ce tableau est également le symbole de sa tentative de concilier sa foi renouvelée dans le catholicisme et la physique nucléaire
Dalí souhaite que ce tableau soit exposé sur un chevalet ayant appartenu au peintre français Jean-Louis-Ernest Meissonier, dans un ensemble de trois pièces appelé Palais des vents (du nom de la tramontane) du Théâtre et Musée Dalí de Figueres
Elle a été transportée et exposée à la National Gallery of Victoria à Melbourne en 2009, avec de nombreux autres tableaux de Dalí dans l’exposition Liquid Desire.
5- Le Grand Masturbateur
Le Grand Masturbateur est une peinture de Salvador Dalí réalisée pendant la période surréaliste, actuellement exposée au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
Le centre du tableau représente un visage humain déformé, de profil, regardant vers le bas, inspiré de la forme d’une formation rocheuse naturelle au Cap de Creus, sur la côte catalane. On retrouve un profil similaire dans le tableau le plus célèbre de Dalí, La persistance de la mémoire, peint deux ans plus tard
Une figure féminine nue (ressemblant à la nouvelle muse de Dalí, Gala) émerge de l’arrière de la tête ; il s’agit peut-être du fantasme masturbatoire suggéré par le titre. La bouche de la femme est proche de l’entrejambe d’un homme à peine vêtu, ce qui suggère qu’une fellation est en train de se produire.
Le personnage masculin, que l’on ne voit qu’à partir de la taille, a des coupures fraîches et saignantes aux genoux. Sous la tête du profil central, au-dessus de sa bouche, se trouve une sauterelle, un insecte auquel Dalí fait référence à plusieurs reprises dans ses écrits
Un essaim de fourmis (un motif populaire représentant l’anxiété sexuelle dans l’œuvre de Dalí) se rassemble sur l’abdomen de la sauterelle, ainsi que sur le visage incliné
Dans le paysage ci-dessous, trois autres personnages sont disposés, ainsi qu’un œuf (communément utilisé comme symbole de fertilité) et d’autres éléments épars. Deux des personnages du paysage sont disposés de telle sorte qu’ils projettent une seule ombre longue, tandis que l’on voit l’autre personnage marcher rapidement au loin, à la périphérie de la toile
À l’arrière de la figure centrale de la tête, on peut voir une formation de deux rochers et d’une plante sèche en pot, la plante en pot étant placée sur le rocher inférieur, tandis que l’autre rocher est en équilibre de façon irréaliste sur celui-ci. On pense que cette partie représente l’idée de fuite de la réalité que l’on retrouve dans de nombreuses autres œuvres de Dalí.
Le tableau peut représenter les attitudes très conflictuelles de Dalí à l’égard des relations sexuelles. Dans la jeunesse de Dalí, son père lui avait laissé un livre contenant des photos explicites de personnes souffrant de maladies vénériennes avancées non traitées, afin d' »éduquer » le garçon. Les images de parties génitales malades et grotesquement endommagées fascinaient et horrifiaient le jeune Dalí, qui a continué à associer le sexe à la putréfaction et à la pourriture jusqu’à l’âge adulte.
6- Girafe en feu
La Girafe en Feu est une huile sur carton qui se trouve au Kunstmuseum Basel et a été peinte en 1937.
Dalí a peint Girafe en feu avant son exil aux États-Unis, qui a duré de 1940 à 1948. Bien que Dalí se soit déclaré apolitique – » Je suis Dalí, et rien d’autre » -, ce tableau montre sa lutte personnelle contre le combat dans son pays natal
Les tiroirs ouverts de la figure féminine bleue, que Dalí a décrite plus tard comme « Femme-coccyx » (femme-os de la queue), sont caractéristiques. Ce phénomène remonte à la méthode psychanalytique de Sigmund Freud, que Dalí admirait beaucoup. Il le considérait comme un énorme progrès pour la civilisation, comme le montre la citation suivante : « La seule différence entre la Grèce immortelle et notre époque est Sigmund Freud, qui a découvert que le corps humain, qui à l’époque grecque n’était que néoplatonicien, est désormais rempli de tiroirs secrets qui ne peuvent être ouverts que par la psychanalyse ».
Les tiroirs ouverts de cette figure féminine expressive et soutenue renvoient donc au subconscient de l’homme. Selon les propres mots de Dalí, ses tableaux forment « une sorte d’allégorie qui sert à illustrer une certaine perception, à suivre les nombreuses odeurs narcissiques qui montent de chacun de nos tiroirs »
L‘image se déroule dans une atmosphère crépusculaire avec un ciel d’un bleu intense. Il y a deux figures féminines au premier plan, l’une d’elles ayant des tiroirs qui s’ouvrent de son côté comme un coffre. Toutes deux ont des formes phalliques indéfinies (peut-être des horloges fondues, image récurrente dans les œuvres antérieures de Dalí) dépassant de leur dos et s’appuyant sur des objets ressemblant à des béquilles. Les mains, les avant-bras et le visage de la figure la plus proche sont dénudés jusqu’au tissu musculaire sous la peau. L’un des personnages tient une bande de chair
Les figures humaines servant d’habilleuses et les béquilles sont des archétypes courants dans l’œuvre de Dalí.
On aperçoit au loin l’Agiraffe au dos flamboyant. Dalí a utilisé pour la première fois l’image de la girafe enflammée dans son film L’Âge d’Or ( 1930). Elle réapparaît en 1937 dans le tableau L’Invention des monstres. Dalí décrit cette image comme « le monstre cosmique apocalyptique masculin ». Il y voit une prémonition de la guerre.
7- Métamorphose de Narcisse
La Métamorphose de Narcisse est une huile sur toile qui appartient à la période paranoïaque-critique de Dalí et représente son interprétation du mythe grec de Narcisse. Dalí a commencé à peindre au printemps 1937 alors qu’il se trouvait à Zürs, dans les Alpes autrichiennes.
Selon la mythologie grecque, la beauté de Narcisse attirait presque tous ceux qui le voyaient et les hommes et les femmes le poursuivaient, mais il rejetait toutes les avances. L’une de ses admiratrices, une nymphe nommée Echo, tomba si follement amoureuse de lui que, après qu’il l’eut rejetée, elle fut consumée jusqu’à ce que seule sa voix subsiste. La déesse Némésis, prenant pitié d’Echo, convainquit Narcisse de se regarder dans une piscine. Voyant son propre visage se refléter dans l’eau, Narcisse tomba amoureux de son propre reflet. Incapable d’embrasser son propre reflet, Narcisse dépérit à son tour et, à sa place, poussa la fleur qui porte son nom, la jonquille.
Dans le tableau de Dalí, la figure de Narcisse est représentée sur le côté gauche de la toile, accroupie près d’un lac, la tête reposant sur un genou, et une main de pierre serrant un œuf qui reflète la forme de son corps sur le côté droit. De l’œuf brisé jaillit une fleur de jonquille. Au centre du tableau se trouve un groupe de prétendants rejetés par Narcisse. Entre les montagnes à l’arrière-plan se trouve une troisième figure de Narcisse.
Le 19 juillet 1938, à Londres, Dalí rencontre Sigmund Freud, que le peintre admire depuis les années 20, après avoir lu le livre de Freud, L’interprétation des rêves
Lors de leur rencontre, Dalí apporte son tableau Métamorphose de Narcisse dans l’espoir de l’utiliser pour discuter de la théorie psychanalytique du narcissisme et de son concept de paranoïa critique, qu’il a développé à partir du concept de paranoïa de Freud. Il a également reçu l’autorisation de dessiner Freud. La réunion est organisée par l’écrivain Stefan Zweig et le bienfaiteur de Dalí, Edward James, qui y assiste également et finit par obtenir la propriété de Métamorphose de Narcisse.
8- Christ de Saint-Jean de la Croix
Christ de Saint-Jean de la Croix est une peinture réalisée en 1951 qui fait partie de la collection de la Kelvingrove Art Gallery and Museum de Glasgow
Elle représente Jésus-Christ en croix dans un ciel sombre flottant au-dessus d’une étendue d’eau, avec un bateau et des pêcheurs. Bien qu’il s’agisse d’une représentation de la crucifixion, elle est dépourvue de clous, de sang et de couronne d’épines car, selon Dalí, un rêve l’a convaincu que ces éléments gâcheraient sa représentation du Christ. C’est également au cours d’un rêve que lui fut révélée l’importance de représenter le Christ sous l’angle extrême que l’on voit dans le tableau.
Le tableau est connu sous le nom de Christ de Saint-Jean de la Croix, car sa conception est basée sur un dessin du frère espagnol du XVIe siècle, Juan de la Cruz.
La composition du Christ est également basée sur un triangle et un cercle (le triangle est formé par les bras du Christ ; le cercle est formé par la tête du Christ). Le triangle, ayant trois côtés, peut être considéré comme une référence à la Trinité, et le cercle peut être une allusion à la pensée platonicienne. Le cercle représente l’Unité : toutes les choses existent dans le « trois », mais dans le quatre, être heureux.
Au bas de ses études pour le tableau, Dalí explique son inspiration
» D’abord, en 1950, j’ai fait un » rêve cosmique » dans lequel j’ai vu cette image en couleur et qui, dans mon rêve, représentait le » noyau de l’atome » Ce noyau a ensuite acquis un sens métaphysique ; je le considérais comme « l’unité même de l’univers », le Christ ! ».
Pour créer la figure du Christ, Dalí a fait pendre l’acteur cascadeur hollywoodien Russell Saunders à un portique, afin de voir comment le corps apparaîtrait sous l’angle souhaité et d’imaginer la force de gravité sur le corps humain. L’étendue d’eau représentée est la baie de Port Lligat, résidence de Dalí au moment où il a peint le tableau.
9- Désintégration de la persistance de la mémoire
La désintégration de la persistance de la mémoire est une peinture à l’huile sur toile de 1954 qui recrée la célèbre œuvre de 1931 de l’artiste, La persistance de la mémoire, et mesure un petit 25,4 × 33 cm
Connue à l’origine sous le nom de The Chromosome of a Heavily Colored Fisheye that Initiates the Harmonious Disintegration of The Persistence of Memory, elle a été exposée pour la première fois à la Carstairs Gallery de New York en 1954.
Dans cette version, le paysage de l’œuvre originale a été inondé d’eau. La désintégration représente ce qui se passe à la fois au-dessus et au-dessous de la surface de l’eau
Le paysage de Cadaqués flotte maintenant au-dessus de l’eau. Le plan et le bloc de l’original sont maintenant divisés en formes de briques qui flottent ensemble, sans que rien ne les relie. Elles représentent la décomposition de la matière en atomes, une révélation à l’ère de la mécanique quantique
Derrière les briques, les cornes qui s’éloignent symbolisent des missiles atomiques, soulignant que, malgré l’ordre cosmique, l’humanité peut provoquer sa propre destruction. L’olivier mort auquel est suspendue l’horloge molle a également commencé à se briser
Les aiguilles des horloges flottent au-dessus de leurs cadrans, et plusieurs objets coniques flottent en formations parallèles autour des horloges. Une quatrième horloge en fusion a été ajoutée. Le visage humain déformé de la peinture originale commence à se transformer en un autre des étranges poissons qui flottent au-dessus de lui. Pour Dalí, cependant, le poisson était un symbole de vie.
10- Construction molle avec des haricots bouillis
Construction molle avec haricots bouillis (Prémonition de la guerre civile) est une œuvre que Dalí a créée pour représenter les horreurs de la guerre civile espagnole, l’ayant peinte seulement six mois avant le début du conflit. Il a affirmé plus tard qu’il était conscient que la guerre allait se produire bien avant qu’elle ne commence, et a cité son œuvre comme preuve du « pouvoir prophétique de son subconscient » Cependant, certains ont émis l’hypothèse que Dalí aurait changé le nom du tableau après la guerre pour mettre en avant ses affirmations prophétiques, bien que cela ne soit pas tout à fait sûr
L’historien de l’art Robert Hughes a commenté le tableau de Dalí dans sa biographie de Goya en déclarant que
« Salvador Dalí s’est approprié la cuisse horizontale du Saturne accroupi de Goya pour le monstre hybride du tableau Construction molle aux haricots bouillis, … qui – plus que la Le Guernica de Picasso– est la meilleure œuvre d’art visuel inspirée par la guerre civile espagnole. »
Le tableau est une huile sur toile et se trouve au Philadelphia Museum of Art. Dalí l’a peint en 1936, mais certaines études le datent de 1934
Dalí et sa femme, Gala, ont été pris au milieu d’une grève générale et d’un soulèvement armé par des séparatistes catalans en Catalogne en 1934, un incident qui a peut-être influencé son motif de la guerre civile espagnole.
Salvador et Gala se sont enfuis à Paris, où ils se sont mariés. Dalí et Gala avaient engagé une escorte pour les emmener en sécurité à Paris, mais celle-ci mourut à leur retour en raison des tensions de la guerre civile espagnole. Lorsque Dalí rentre enfin chez lui, sa maison de Port Lligat a été détruite par la guerre. Il est également très affecté par le fait que son ami, Federico Garcia Lorca, a été exécuté pendant la guerre et que sa sœur Ana Maria a été emprisonnée et torturée.
Cette peinture exprime la destruction pendant la guerre civile espagnole. La créature monstrueuse de cette peinture est autodestructrice, comme l’est la guerre civile
Il ne s’agit pas de représenter le choix d’un camp, bien que Dalí ait eu de nombreuses raisons de choisir son camp pendant la guerre civile espagnole. Sa sœur a été torturée et emprisonnée par des soldats communistes combattant pour la République et son bon ami de l’école d’art, le poète Federico García Lorca, a été tué par un peloton d’exécution fasciste
Dalí a également donné à ce tableau un aspect très réaliste, tout en continuant à y apporter des concepts surréalistes. Bien que les humains n’aient pas le potentiel de ressembler aux créatures de ce tableau, celui-ci conserve un aspect réaliste, rappelant au spectateur la gravité des idées qui le sous-tendent. Il a également apporté des idées de tradition à cette œuvre avec un beau ciel catalan, créant un contraste avec l’idée de révolution
Il y a un nombre important de haricots bouillis dans ce tableau. Dalí aurait dit que la raison pour laquelle il a inclus les haricots bouillis était qu’il « ne pouvait pas s’imaginer avaler toute cette viande inconsciente sans la présence d’un légume farineux et mélancolique ». Il voulait dire par là que la guerre posait de nombreuses difficultés et que les citoyens espagnols devaient faire de leur mieux pour faire face à leurs problèmes. Il a joué avec les thèmes de l’amour, de la nourriture et de la guerre et la façon dont ils sont tous liés.
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