Les œuvres de Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) sont admirées pour leur représentation extraordinairement réaliste des émotions et des sentiments humains avec toutes leurs nuances, et pour leur utilisation brillante de la lumière et des ombres
Le peintre néerlandais du Siècle d’Or a produit un grand nombre de tableaux (plus de 300 au total), mais de nombreuses œuvres qui lui ont été attribuées pendant des siècles sont aujourd’hui contestées car ses nombreux disciples et imitateurs ont créé des copies presque parfaites de son style
Dans cet article, nous avons sélectionné 10 des œuvres les plus célèbres et les plus remarquables de l’artiste néerlandais.
1- La Ronde de nuit
La Compagnie de milice du district II sous le commandement du capitaine Frans Banninck Cocq, également connue sous le nom de Compagnie des tireurs d’élite de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch, mais communément appelée La Ronde de nuit (en néerlandais : De Nachtwacht), est une peinture de 1642.
Il appartient à la collection du musée d’Amsterdam, mais est exposé au Rijksmuseum comme le tableau le plus connu de sa collection. La Ronde de nuit est l’un des tableaux les plus célèbres de l’âge d’or néerlandais.
Le tableau est célèbre pour trois choses : sa taille colossale (363 x 437 centimètres), l’utilisation dramatique de la lumière et de l’ombre (ténébrisme), et la perception du mouvement dans ce qui aurait été traditionnellement un portrait militaire de groupe statique
Il a été achevé en 1642, à l’apogée de l’âge d’or néerlandais. Il représente la compagnie éponyme en marche, menée par le capitaine Frans Banninck Cocq (vêtu de noir, avec une ceinture rouge) et son lieutenant, Willem van Ruytenburch (vêtu de jaune, avec une ceinture blanche)
Grâce à une utilisation efficace de l’ombre et de la lumière, Rembrandt dirige le regard vers les trois personnages les plus importants de la foule : les deux hommes au centre (dont le tableau tire son titre original) et la femme au centre gauche portant un poulet. Derrière eux, l’enseigne Jan Visscher Cornelissen porte les couleurs de la compagnie. Les personnages sont presque grandeur nature.
Rembrandt a représenté l’emblème traditionnel de l’arquebusier de manière naturelle, avec la femme à l’arrière-plan portant les principaux symboles. Elle-même est une sorte de mascotte ; les griffes d’une poule morte à sa ceinture représentent les clauweniers (arquebusiers), le pistolet derrière la poule représente le trèfle et elle tient la coupe de la milice. L’homme devant elle porte un casque avec une feuille de chêne, un motif traditionnel des arquebusiers. La poule morte représente également un adversaire vaincu. La couleur jaune est souvent associée à la victoire.
2-Le Christ dans la tempête sur la mer de Galilée
Le Christ dans la tempête sur la mer de Galilée est une huile sur toile de 1633 . Elle se trouvait autrefois au Isabella Stewart Gardner Museum de Boston, mais a été volée en 1990 et est toujours introuvable
La peinture représente l’histoire biblique de Jésus apaisant la tempête sur la mer de Galilée, telle que décrite dans le quatrième chapitre de l’Évangile de Marc.
Le tableau, de format vertical, montre un gros plan des disciples du Christ luttant frénétiquement contre la tempête pour reprendre le contrôle de leur bateau de pêche. Une énorme vague frappe la proue et déchire la voile. On voit l’un des disciples vomir par-dessus bord. Un autre, regardant directement le spectateur, est un autoportrait de l’artiste. Seul le Christ, représenté à droite, reste calme.
Le traitement du premier plan du sujet et la composition générale remontent à une gravure d’Adriaen Collaert d’après un dessin de l’artiste flamand Maerten de Vos. Cette gravure, représentant La tempête en mer de Galilée, était la planche 8 de la Vita, passio et Resvrrectio Iesv Christ , publiée en 12 parties par Jan et Raphael Sadeler à Anvers en 1583
La peinture de Rembrandt suit le format du portrait dans sa composition et représente également le bateau dans une position penchée vers l’avant. Comme dans la gravure, la majeure partie de l’espace de l’œuvre est occupée par le motif principal, à savoir les disciples dans la barque luttant contre les éléments.
3- La Leçon d’anatomie du docteur Tulp
La Leçon d’anatomie du docteur Tulp est une huile sur toile de Rembrandt datant de 1632 et conservée au Mauritshuis Museum de La Haye (Pays-Bas). Cette peinture est considérée comme l’un des premiers chefs-d’œuvre de Rembrandt.
Dans l’œuvre, Nicolaes Tulp est représenté en train d’expliquer la musculature du bras à un groupe de médecins. Certains des spectateurs sont plusieurs médecins qui ont payé des commissions pour être inclus dans le tableau
Le tableau est signé dans le coin supérieur gauche par Rembrandt. C’est peut-être la première fois que Rembrandt signe un tableau de son prénom (dans sa forme originale), plutôt que du monogramme RHL (Rembrandt Harmenszoon of Leiden), et c’est donc un signe de sa confiance artistique croissante.
4- Le Retour du fils prodigue
Le retour du fils prodigue (en néerlandais : De terugkeer van de verloren zoon) est une huile de Rembrandt qui fait partie de la collection du musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg.
Il s’agit de l’une des dernières œuvres du maître néerlandais, probablement achevée deux ans avant sa mort en 1669
Elle dépeint le moment du retour du fils prodigue auprès de son père dans la parabole biblique. Il s’agit d’une œuvre renommée décrite par l’historien de l’art Kenneth Clark comme« un tableau dont ceux qui ont vu l’original à Saint-Pétersbourg peuvent être pardonnés de dire qu’il est le plus beau tableau jamais peint »
Dans le tableau, le fils est rentré chez lui dans un état misérable après un voyage au cours duquel il a dilapidé son héritage et est tombé dans la pauvreté et le désespoir. Il s’agenouille devant son père en signe de repentir, demandant le pardon et la position de serviteur dans la maison de son père, ayant réalisé que même les serviteurs de son père avaient un meilleur statut dans la vie que lui. Son père le reçoit avec un geste tendre et l’accueille comme s’il était son propre fils
Ses mains semblent suggérer à la fois la maternité et la paternité ; la gauche semble plus grande et plus masculine, posée sur l’épaule du fils, tandis que la droite a un geste plus doux et plus réceptif. À droite se trouve le frère aîné du fils prodigue, qui croise les mains en signe de jugement ; dans la parabole, il s’oppose à la compassion du père pour le fils pécheur.
Rembrandt a été ému par cette parabole et a réalisé une série de dessins, de gravures et de peintures sur le sujet pendant plusieurs décennies, à commencer par une gravure de 1636.
Le Retour du fils prodigue comprend des personnages qui ne sont pas directement liés à la parabole, mais que l’on voit dans certaines de ces œuvres antérieures ; leur identité a fait l’objet de débats. La femme en haut à gauche, à peine visible, est probablement la mère, tandis que l’homme assis, dont le vêtement implique la richesse, peut être un conseiller en succession ou un collecteur d’impôts.
5- La Fiancée juive
La Fiancée juive (en néerlandais : Het Joodse bruidje) est un tableau de Rembrandt, peint vers 1665-1669.
Le tableau a acquis son nom actuel au début du XIXe siècle, lorsqu’un collectionneur d’art d’Amsterdam a identifié le sujet comme étant celui d’un père juif offrant un collier à sa fille le jour de son mariage. Cette interprétation n’est plus acceptée, et l’identité du couple est incertaine. L’ambiguïté est accentuée par l’absence de contexte anecdotique, ne laissant que le thème central et universel, celui d’un couple uni par l’amour
Des suggestions spéculatives ont été faites quant à l’identité du couple, allant du fils de Rembrandt, Tito, et de sa fiancée au poète amstellodamois Miguel de Barrios et à sa femme. Plusieurs couples de l’Ancien Testament ont également été envisagés, comme Abraham et Sarah, Boaz et Ruth, ou Isaac et Rebecca, ce que confirme un dessin réalisé par l’artiste plusieurs années auparavant.
Bien que les preuves techniques suggèrent que Rembrandt avait initialement envisagé une composition plus grande et plus élaborée, l’emplacement de sa signature en bas à gauche indique que ses dimensions actuelles ne diffèrent pas sensiblement de celles qui existaient au moment de son exécution. Selon Christopher White, biographe de Rembrandt, la composition achevée est « l’une des plus grandes expressions de la tendre fusion de l’amour spirituel et physique dans l’histoire de la peinture »
Le tableau fait partie de la collection permanente du Rijksmuseum d’Amsterdam.
6- Danaë
Danaë est un tableau de l’artiste néerlandais Rembrandt, peint pour la première fois en 1636, bien qu’il ait ensuite été largement retouché par Rembrandt, probablement dans les années 1640 et peut-être avant 1643
Elle a appartenu à la collection de Pierre Crozat et se trouve depuis le XVIIIe siècle au musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, en Russie.
Il s’agit d’unereprésentation en taille réelle du personnage mythologique grec Danaé, la mère de Persée. Elle est vraisemblablement représentée en train de recevoir Zeus, qui l’a fécondée sous la forme d’une pluie d’or
Étant donné qu’il s’agit de l’un des tableaux les plus magnifiques de Rembrandt, il n’est pas exclu qu’il l’ait apprécié, mais il est également possible qu’il ait été difficile à vendre en raison de sa taille de deux mètres sur trois. Bien que Saskia, l’épouse de l’artiste, ait été le modèle original de Danaë, Rembrandt a par la suite modifié le visage de la figure pour celui de son amante Geertje Dircx.
Le remaniement a modifié la position de la tête, du bras tendu et des jambes de Danaë, entre autres. Le tableau a été considérablement recadré. Il porte une signature difficile à lire avec une date se terminant par « 6 », mais il est possible qu’elle ne soit pas authentique.
Il a été gravement vandalisé en 1985, mais a été restauré.
7- La conspiration de Claudius Civilis
La conspiration de Claudius Civilis (en néerlandais : De samenzwering van de Bataven onder Claudius Civilis) est une peinture à l’huile de 1661-62, qui était à l’origine la plus grande qu’il ait peinte, environ cinq mètres sur cinq sous forme de lunette
La peinture a été commandée par le conseil municipal d’Amsterdam pour l’hôtel de ville. Après que l’œuvre ait été brièvement mise en place, elle a été rendue à Rembrandt, qui n’a peut-être jamais reçu de paiement. Rembrandt a réduit drastiquement le tableau à un quart de sa taille originale afin de le vendre. Il s’agit de la dernière peinture d’histoire séculaire qu’il a réalisée.
Letableau suit les Histoires de Tacite en décrivant un épisode de la rébellion des Bataves, dirigée par le chef borgne Claudius Civilis, qui « rassembla dans l’un des bois sacrés, apparemment pour un banquet, les chefs de la nation et les esprits les plus audacieux de la classe inférieure », les persuada de se joindre à sa rébellion, puis « lia toute l’assemblée par des rites barbares et d’étranges formes de serments »
Le tableau est exposé au Nationalmuseum de Stockholm (Suède).
8- Bethsabée au bain
Bethsabée au bain (ou Bethsabée avec la lettre du roi David) est une peinture à l’huile réalisée en 1654.
Représentation à la fois sensuelle et empathique, elle décrit un moment de l’histoire de l’Ancien Testament racontée dans 2 Samuel 11, au cours duquel le roi David voit Bethsabée se baigner et, séduit, la séduit et la féconde. Afin d’épouser Bethsabée et de cacher son péché, David envoie son mari au combat et ordonne à ses généraux de l’abandonner, le laissant à la merci d’une mort certaine.
Bien que la scène de David espionnant Bethsabée ait été peinte par des artistes antérieurs, la représentation de Rembrandt se distingue par son approche picturale et sa vitalité érotique, obtenues par des coups de pinceau larges et épais et des couleurs vives.
Le tableau est accroché au Louvre ; il fait partie des 583 œuvres données par le Dr Louis La Caze en 1869. Pour Kenneth Clark, cette toile est « la plus belle peinture de nu de Rembrandt » Sa vision du dilemme moral de Bethsabée a été décrite comme « l’une des grandes réussites de la peinture occidentale ».
9- Le Festin de Balthazar
Le Festin de Balthazar est un important tableau de Rembrandt qui se trouve actuellement à la National Gallery de Londres
Ce tableau est la tentative de Rembrandt de s’établir comme peintre de grands tableaux historiques baroques. La date de la peinture est inconnue, mais la plupart des sources donnent une date entre 1635 et 1638.
L’histoire de Belshazzar et de l’écriture sur le mur trouve son origine dans le livre de Daniel de l’Ancien Testament. Le roi babylonien Nabuchodonosor a saccagé le temple de Jérusalem et a volé les objets sacrés, tels que les coupes d’or. Son fils Belshazzar utilisa ces gobelets pour un grand festin au cours duquel la main de Dieu apparut et écrivit sur le mur l’inscription prophétisant la chute du règne de Belshazzar
Le texte sur le mur dit « mene, mene, tekel, upharsin« . Les spécialistes de la Bible interprètent ce texte comme signifiant :« Dieu a compté les jours de ton règne et l’a mené à sa fin ; tu as été pesé dans la balance et tu as manqué ; ton royaume a été donné aux Mèdes et aux Perses«
10- Le Fils prodigue à la taverne
Le fils prodigue au bordel ou Le fils prodigue à la taverne ou Rembrandt et Saskia dans la parabole du fils prodigue. Il se trouve à la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, en Allemagne. Elle est signée « REMBRANDT F. ».
Elle représente deux personnes qui ont été identifiées comme étant Rembrandt lui-même et sa femme Saskia. Dans le monde protestant contemporain, le thème du fils prodigue était un sujet fréquent dans les œuvres d’art en raison de ses connotations morales. Rembrandt lui-même a peint Le retour du fils prodigue en 1669.
Le côté gauche de la toile a été coupé, peut-être par l’artiste lui-même, pour éliminer les personnages secondaires et concentrer l’attention du spectateur sur le sujet principal.
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