10 Tableaux célèbres de Claude Monet

Oscar-Claude Monet était un peintre français, fondateur de la peinture impressionniste, considéré comme un précurseur clé du modernisme, en particulier pour ses tentatives de peindre la nature telle qu’il la percevait

Au cours de sa longue carrière, il a été le praticien le plus constant et le plus prolifique de la philosophie de l’impressionnisme, qui consiste à exprimer ses perceptions de la nature, en particulier dans la peinture de paysages extérieurs

Le terme « impressionnisme » est dérivé du titre de sa toile « Impression, soleil levant », exposée lors de l’exposition de 1874 (« Salón de refusés ») lancée par Monet et ses associés comme alternative au Salon.

Monet a grandi au Havre, en Normandie, et s’est intéressé dès son plus jeune âge au plein air et au dessin. Bien que sa mère, Louise-Justine Aubrée Monet, ait soutenu ses ambitions de devenir peintre, son père, Claude-Adolphe, désapprouvait et souhaitait qu’il fasse carrière dans le commerce. Il est très proche de sa mère, mais celle-ci meurt en janvier 1857, alors qu’il a seize ans, et il est envoyé chez sa tante Marie-Jeanne Lecadre, veuve et sans enfant, mais riche.

Il étudie à l’Académie suisse et chez le peintre d’histoire académique Charles Gleyre, où il est le compagnon d’Auguste Renoir. Ses premières œuvres comprennent des paysages, des marines et des portraits, mais attirent peu l’attention. L’une de ses premières influences est Eugène Boudin, qui lui fait découvrir le concept de la peinture en plein air

À partir de 1883, Monet vit à Giverny, également dans le nord de la France, où il achète une maison et une propriété et commence un vaste projet de paysage, comprenant un étang de nénuphars.

L‘ambition de Monet de documenter la campagne française l’a conduit à peindre plusieurs fois la même scène afin de saisir les changements de lumière et le passage des saisons. Parmi les exemples les plus connus, citons sa série de meules de foin (1890-91), les peintures de la cathédrale de Rouen (1894) et les tableaux de nénuphars dans son jardin de Giverny qui l’ont occupé continuellement pendant les 20 dernières années de sa vie.

Exposées fréquemment et avec succès de son vivant, la renommée et la popularité de Monet sont montées en flèche dans la seconde moitié du XXe siècle, où il est devenu l’un des peintres les plus célèbres du monde et une source d’inspiration pour des groupes d’artistes émergents.

Dans cet article, nous allons vous montrer 10 des œuvres les plus remarquables de cet artiste.

1- Femme à l’ombrelle

Femme à l’ombrelle – Madame Monet et son fils, parfois connue sous le nom de La Promenade, est une huile sur toile de Claude Monet datant de 1875

L’œuvre impressionniste représente sa femme Camille Monet et leur fils Jean Monet entre 1871 et 1877, alors qu’ils vivaient à Argenteuil, capturant un moment de promenade par une journée d’été venteuse.

Les coups de pinceau légers et spontanés de Monet créent des éclaboussures de couleur. Le voile de Mme Monet est agité par le vent, tout comme sa robe blanche ondulante ; l’herbe ondulante de la prairie est reprise par le dessous vert de son ombrelle. Elle est vue comme si elle était en bas, avec une forte perspective vers le haut, sur des nuages blancs et cotonneux dans un ciel bleu

Un garçon, le fils de Monet âgé de sept ans, est situé plus loin, caché derrière une élévation du sol et visible uniquement à partir de la taille, ce qui crée une impression de profondeur.

L’œuvre est une peinture de genre représentant une scène familiale quotidienne, et non un portrait formel. Elle a été peinte en plein air et rapidement, probablement en une seule période de quelques heures. Elle mesure 100 × 81 centimètres, ce qui en fait la plus grande œuvre de Monet dans les années 1870, et est signée « Claude Monet 75 » dans le coin inférieur droit.

Letableau est l’une des 18 œuvres de Monet exposées lors de la deuxième exposition impressionniste en avril 1876, à la galerie de Paul Durand-Ruel. Dix ans plus tard, Monet est revenu à un sujet similaire en peignant en 1886 une paire de scènes mettant en scène la fille de sa seconde épouse, Suzanne Monet, avec une ombrelle dans un pré à Giverny ; elles se trouvent au musée d’Orsay. John Singer Sargent a vu ce tableau à l’exposition de 1876 et s’en est inspiré pour créer un tableau similaire, Deux filles avec ombrelle à Fladbury, en 1889.

2- Bain à la Grenouillère

Bain à la Grenouillère est une huile sur toile de 1869. Elle représente « l’île du pot », aussi appelée le Camembert, et la passerelle de la Grenouillère, restaurant flottant et bateau charter sur la Seine à Croissy-sur-Seine. Il était accompagné de Pierre-Auguste Renoir, qui a également peint la scène au même moment.

Monet écrit le 25 septembre 1869 dans une lettre à son collègue Frédéric Bazille :

« J’ai un rêve, un tableau, les bains de La Grenouillère, dont j’ai fait quelques mauvaises esquisses, mais ce n’est qu’un rêve » Pierre-Auguste Renoir, qui vient de passer deux mois ici, veut aussi faire ce tableau »

Monet et Renoir, tous deux désespérément pauvres, étaient très proches à l’époque.

Ce tableau et un autre conservé à la National Gallery de Londres sont probablement les esquisses mentionnées par Monet dans sa lettre. Un tableau plus grand, aujourd’hui perdu, mais qui appartenait à la collection Arnhold à Berlin, pourrait être le « retable » dont il rêvait. Les coups de pinceau larges et constructifs de cette peinture sont clairement ceux d’une esquisse

Pour ses tableaux d’exposition, Monet recherche généralement à cette époque une surface plus délicate et soigneusement calibrée. Une composition presque identique du même sujet par Renoir, La Grenouillère, se trouve au Nationalmuseum de Stockholm. Il ne fait aucun doute que les deux amis ont travaillé côte à côte.

La Grenouillère était un lieu de villégiature populaire pour la classe moyenne, avec une station thermale, un établissement de yachting et un café flottant. Promu avec optimisme sous le nom de« Trouville-sur-Seine« , il était situé sur la Seine près de Bougival, facilement accessible par train depuis Paris, et venait d’être honoré de la visite de l’empereur Napoléon III avec sa femme et son fils. Monet et Renoir ont tous deux reconnu en La Grenouillère un sujet idéal pour les images de loisirs qu’ils espéraient vendre.

La Grenouillère est le cadre de la nouvelle « La femme de Paul », écrite par Guy de Maupassant en 1881. Elle y est décrite comme un lieu où :

 » on sent, au fond des narines, l’écume du monde, toutes ses canailles distinguées, le moule de la société parisienne : un mélange de vendeurs, de fanfarons, de journalistes de bas étage, de jeunes gens accompagnés, d’amateurs corrompus de la Bourse, de crétins fêtards, de vieux jouisseurs desséchés ; une foule trouble de tous les êtres suspects, à moitié connus, à moitié perdus, à moitié salués, à moitié disgraciés, escrocs, fripons, pourvoyeurs de femmes, messieurs d’industrie à l’air digne, à l’air de fanfaron qui semble dire :  » Le premier qui me traite de fripon, je le casse « . »

3- Impression, soleil levant

Impression, soleil levant est un tableau de 1872 de Claude Monet qui a été exposé pour la première fois lors de ce qui allait devenir l’« Exposition des impressionnistes » à Paris en avril 1874. On attribue à cette peinture l’inspiration du nom du mouvement impressionniste.

Impression, soleil levant » représente le port du Havre, la ville natale de Monet. Elle est actuellement exposée au musée Marmottan Monet à Paris.

Monet a visité sa ville natale du Havre, dans le nord-ouest de la France, en 1872 et a créé une série d’œuvres représentant le port du Havre. Les six toiles peintes représentent le port « à l’aube, de jour, au crépuscule et à la tombée de la nuit et de différents points de vue, certains depuis l’eau elle-même et d’autres depuis une chambre d’hôtel donnant sur le port. »

Impression, soleil levant est devenu le plus célèbre de la série après avoir été présenté en avril 1874 à Paris lors d’une exposition du groupe « Peintres, sculpteurs, graveurs, etc. Inc. ». Parmi les trente participants, l’exposition était dirigée par Monet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir et Alfred Sisley, et comprenait plus de deux cents œuvres qui ont été vues par quelque 4 000 personnes, dont certains critiques peu sympathiques.

En 1985, le tableau a été volé au Musée Marmottan Monet par Philippe Jamin et Youssef Khimoun. Il a été retrouvé et restitué au musée en 1990, puis exposé à nouveau en 1991.

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4- Saint-Georges majeur au crépuscule

Saint-Georges majeur au crépuscule désigne un tableau impressionniste de Claude Monet, qui existe en plusieurs versions. Il fait partie d’une série de vues de l’île-monastère de San Giorgio Maggiore. Cette série fait à son tour partie d’une série plus vaste de vues de Venise que Monet a commencée en 1908 lors de son unique visite dans la ville.

Bien que la vue depuis l’hôtel comprenne l’église de San Giorgio Maggiore, le tableau au coucher du soleil semble avoir été vu depuis la promenade connue sous le nom de Riva degli Schiavoni, où l’île constitue le point central de la vue. On dit que Monet était réticent à peindre depuis la promenade. Il n’aimait pas les foules de touristes et craignait également de se conformer à d’autres artistes attirés par Venise, tels que Renoir ou Manet

San Giorgio Maggiore était un sujet favori des peintres, y compris du proto-impressionniste Turner.

Monet considérait Venise comme une ville « trop belle pour être peinte », ce qui explique peut-être pourquoi il est retourné à Giverny, sa maison en France, avec de nombreux tableaux inachevés. Cependant, il s’était déjà éloigné de sa pratique antérieure consistant à peindre à partir du naturel, devant le sujet. Il a travaillé sur les scènes vénitiennes chez lui et la mort de sa femme Alice en 1911 semble avoir joué un rôle dans leur achèvement.

5- Le jardin de l’artiste à Giverny

Le Jardin de l’artisteà Gi verny est une peinture à l’huile sur toile de Claude Monet réalisée en 1900 et conservée au Musée d’Orsay à Paris.

C’est l’une des nombreuses œuvres de l’artiste sur son jardin à Giverny pendant les trente dernières années de sa vie. Le tableau montre des rangées de lys dans différentes nuances de violet et de rose, placées en diagonale sur le plan du tableau. Les fleurs se trouvent sous des arbres qui, en laissant entrer la lumière rasante, modifient la teinte de leurs couleurs. Au-delà des arbres, on aperçoit la maison de Monet.

Monet avait 60 ans l’année où il a peint ce tableau, et avait produit une œuvre immense

En 1900, l’année de cette peinture, il s’est lancé dans deux projets majeurs : une série de la Tamise à Londres et une autre série de ses jardins d’eau à Giverny, dont certaines de ses célèbres peintures de nénuphars, comme L’étang aux nénuphars (aujourd’hui au Museum of Fine Arts de Boston).

Son marchand Durand-Ruel expose des œuvres récentes, dont une douzaine de Nymphéas, et achète le tableau Mosquée (fête arabe) de son ami Renoir.

6- Camille

Camille, également connue sous le nom de La femme à la robe verte, est une huile sur toile de 1866

Le portrait montre la future épouse de Monet, Camille Doncieux, portant une robe et une veste vertes. Monet a présenté l’œuvre au Salon de Paris de 1866, où elle a été bien accueillie par les critiques. Le tableau est conservé dans la collection de la Kunsthalle de Brême.

Camille en robe verte est un portrait grandeur nature. Camille porte une robe en soie rayée verte et noire sur une veste noire garnie de fourrure. La robe vert émeraude correspondait à la mode de l’époque avec ses rayures verticales contrastées. Des gants en cuir jaune et une cape sombre ornée de plumes lui servent d’accessoires. Camille porte ses cheveux tirés en arrière dans un chignon attaché avec des rubans noirs sur la nuque. L’arrière-plan du tableau est d’un rouge sombre, presque noir.

Par la composition de l’image, Monet parvient à transmettre le mouvement. La queue de la robe a été coupée sur le bord gauche du tableau, provoquant un mouvement dans cette direction qui dépasse le bord du tableau.

Lejeu des plis de la jupe crée également de la vivacité. La position de la tête, légèrement tournée vers l’arrière, représente un moment de pause dans le tableau. La figure semble s’écouter elle-même plutôt que de réagir à quelqu’un qui lui parle. Pour ce faire, elle baisse les yeux et évite ainsi le contact visuel avec le spectateur. Le tableau est signé en bas à droite par Claude Monet en 1866.

L’éclairage de ce tableau est unique en ce sens qu’il est diffus et que la source d’éclairage est sombre. Nous voyons une sorte de demi-cercle de lumière entourant Camilla sur le sol, dont la source met particulièrement en évidence son visage, sa main et sa jupe

La lumière provient probablement d’une fenêtre, car elle semble trop naturelle pour être produite par des bougies ou des lampes à gaz. L’emplacement de la fenêtre est difficile à déterminer, mais elle se trouve probablement à gauche et devant elle, car son ombre est projetée à droite, mais son visage et sa jupe ressortent toujours.

7- Nymphéas

Les Nymphéas sont une série d’environ 250 peintures à l’huile réalisées par Claude Monet. Ces peintures représentent son jardin de fleurs dans sa maison de Giverny et ont constitué le principal centre d’intérêt de sa production artistique au cours des trente dernières années de sa vie. Nombre de ces œuvres ont été peintes alors que Monet souffrait de cataractes.

La préférence de Monet pour la production et l’exposition d’une série de peintures liées par le sujet et la perspective a commencé en 1889, avec au moins dix peintures réalisées dans la vallée de la Creuse, qui ont été exposées à la Galerie Georges Petit. Parmi ses autres séries célèbres, citons ses Meules de foin.

Dans les années 1920, l’État français a fait construire deux salles ovales dans le musée de l’Orangerie pour accueillir de manière permanente huit peintures murales de Monet représentant des nénuphars. L’exposition a été ouverte au public le 16 mai 1927, quelques mois après la mort de Monet. Soixante peintures de nénuphars provenant du monde entier ont été réunies pour une exposition spéciale au musée de l’Orangerie en 1999.

Les tableaux sont exposés dans des musées du monde entier, notamment au Princeton University Art Museum, au Marmottan Monet Museum, au musée d’Orsay à Paris, au Metropolitan Museum of Art, au Museum of Modern Art à New York, à l’Art Institute of Chicago, au St. Louis Art Museum, le Nelson-Atkins Museum of Art à Kansas City, Missouri, le Carnegie Museum of Art, le National Museum of Wales, le Musée des Beaux-Arts de Nantes, le Toled Museum of Art, le Cleveland Museum of Art, le Portland Museum of Art et la Légion d’honneur.

En 2020, le Museum of Fine Arts de Boston a célébré son 150e anniversaire en exposant certaines des peintures des Nymphéas de Monet.

7- Les meules

Les meules est le titre commun d’une série de peintures impressionnistes de Monet. Le sujet principal de chaque tableau de la série est un tas de blé moissonné (ou peut-être de l’orge ou de l’avoine : le titre français original, Les Meules à Giverny, signifie simplement Les tas de Giverny). Il fait principalement référence à une série de vingt-cinq toiles que Monet a commencée à la fin de l’été 1890 et poursuivie jusqu’au printemps suivant, bien que Monet ait également produit cinq tableaux antérieurs sur le même thème des monticules.

Cette série est célèbre pour la façon dont Monet répète le même sujet afin de montrer les différences de lumière et d’atmosphère à différents moments de la journée, au fil des saisons et dans de nombreux types de temps.

Cette série est l’une des œuvres les plus remarquables de Monet. Les plus grandes collections de Pajares se trouvent au Musée d’Orsay et au Musée Marmottan Monet à Paris, ainsi qu’à l’Art Institute of Chicago. Parmi les autres collections figurent celles du Museum of Fine Arts, Boston, du Metropolitan Museum et du Museum of Modern Art, New York, du National Museum of Western Art, Tokyo, et du Musée de l’Orangerie, Paris. La collection de l’Art Institute of Chicago comprend six des vingt-cinq tableaux de la série.

D’autres musées possèdent des parties de cette série, notamment le Getty Center de Los Angeles, le Hill-Stead Museum de Farmington, dans le Connecticut (qui possède également l’un des cinq tableaux du millésime 1888-89), la Scottish National Gallery, le Minneapolis Institute of Arts, le Kunsthaus Zürich, le Tel Aviv Museum of Art et le Shelburne Museum dans le Vermont. Le reste des tableaux se trouve dans des collections privées.

8- Femmes au jardin

Femmes au jardin est une peinture à l’huile commencée en 1866 par Claude Monet alors qu’il avait 26 ans. Il s’agit d’une grande œuvre peinte en plein air ; la taille de la toile a obligé Monet à peindre sa moitié supérieure avec la toile abaissée dans un fossé qu’il avait creusé, afin de pouvoir maintenir un seul point de vue tout au long de l’œuvre.

Le décor est le jardin d’une propriété qu’il loue. Sa compagne et future épouse Camille Doncieux pose pour les personnages. Monet a terminé l’œuvre dans des intérieurs et a utilisé des illustrations de magazines pour représenter les vêtements à la mode.

À cette époque, Monet est au début de sa carrière, expérimentant la méthode et le sujet. Ses premières peintures ont eu du succès dans les Salons de Paris, mais Femmes au jardin a été rejeté en 1867 en raison de son sujet et de sa faiblesse narrative. Le Salon s’inquiète également de la lourdeur du travail au pinceau de Monet, un style qui deviendra, bien sûr, l’une des caractéristiques de l’impressionnisme. Un juge a fait le commentaire suivant : « Trop de jeunes gens ne pensent qu’à continuer dans cette direction abominable. Il est grand temps de les protéger et de sauver l’art » Le tableau a été acquis par son collègue Frédéric Bazille pour aider Monet à une époque où il n’avait pas d’argent.

9- Le boulevard des Capucines

Le Boulevard des Capucines est une peinture à l’huile sur toile représentant une scène de rue du célèbre boulevard parisien réalisée par Monet en 1873.

Dès la fin des années 1860, Monet et d’autres artistes partageant les mêmes idées se heurtent au refus de l’Académie des Beaux-Arts, conservatrice, qui tient son exposition annuelle au Salon de Paris

Fin 1873, Monet, Renoir, Pissarro et Sisley organisent la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs pour exposer leurs œuvres de manière indépendante. Lors de leur première exposition, qui a lieu en avril 1874, Monet expose l’œuvre qui donnera au groupe son nom définitif, Impression, soleil levant. Parmi les œuvres que Monet a incluses dans la première exposition impressionniste figure Le Déjeuner, 1868, où figurent Camille Doncieux et Jean Monet. Le tableau a été rejeté par le Salon de Paris de 1870.

Cette exposition comprenait également un tableau intitulé Boulevard des Capucines, une peinture du boulevard réalisée depuis l’appartement du photographe Nadar au n° 35. Monet a peint le sujet deux fois et on ne sait pas avec certitude lequel des deux tableaux, celui qui se trouve aujourd’hui au Musée Pouchkine de Moscou ou celui qui se trouve au Nelson-Atkins Museum of Art de Kansas City, est celui qui figurait dans l’exposition révolutionnaire de 1874, bien que le tableau de Moscou ait été récemment privilégié.

10- La pie

La Pie est un paysage peint à l’huile sur toile, réalisé au cours de l’hiver 1868-1869 près de la commune d’Étretat en Normandie

Le mécène de Monet, Louis Joachim Gaudibert, a contribué à obtenir une maison à Étretat pour la fiancée de Monet, Camille Doncieux, et son fils nouveau-né, ce qui a permis à Monet de peindre dans un confort relatif, entouré de sa famille.

Entre 1867 et 1893, Monet et ses collègues impressionnistes Alfred Sisley et Camille Pissarro ont peint des centaines de paysages illustrant l’effet naturel de la neige. Pierre-Auguste Renoir, Gustave Caillebotte et Paul Gauguin ont peint des tableaux d’hiver similaires en plus petit nombre. Les historiens de l’art pensent qu’une série d’hivers rigoureux en France a contribué à l’augmentation du nombre de paysages d’hiver réalisés par les impressionnistes.

La pie est l’un des quelque 140 paysages de neige réalisés par Monet. Son premier paysage de neige, Une voiture sur la route enneigée de Honfleur, a été peint en 1865 ou 1867, suivi d’une remarquable série de paysages de neige la même année, à commencer par La route devant la ferme Saint-Siméon en hiver. La Pie a été achevée en 1869 et constitue la plus grande peinture d’hiver de Monet. Elle a été suivie par Le Cap rouge (1869-1871), la seule peinture d’hiver connue représentant Camille Doncieux.

La toile de La Pie représente une pie noire solitaire perchée sur une porte formée dans une clôture en bois, tandis que la lumière du soleil brille sur la neige fraîchement tombée, créant des ombres bleues. Cette peinture est l’un des premiers exemples de l’utilisation par Monet d’ombres colorées, qui seront plus tard associées au mouvement impressionniste

Monet et les impressionnistes ont utilisé des ombres colorées pour représenter les conditions réelles et changeantes de la lumière et de l’ombre dans la nature, remettant en question la convention académique consistant à peindre les ombres en noir. Cette théorie subjective de la perception des couleurs a été introduite dans le monde de l’art par les travaux de Johann Wolfgang von Goethe et de Michel Eugène Chevreul au début du siècle.

À l’époque, l’utilisation innovante de la lumière et de la couleur par Monet lui valut d’être rejeté au Salon de Paris de 1869. Aujourd’hui, les historiens de l’art considèrent La Pie comme l’un des plus beaux paysages enneigés de Monet. Le tableau est resté en mains privées jusqu’à ce que le musée d’Orsay l’acquière en 1984 ; il est considéré comme l’un des tableaux les plus populaires de sa collection permanente.