Léonard de Vinci était un polymathe, à la fois peintre, dessinateur, ingénieur, scientifique, théoricien, sculpteur et architecte
Bien que sa célébrité ait d’abord reposé sur ses réalisations en tant que peintre, il s’est également fait connaître pour ses carnets, dans lesquels il a réalisé des dessins et pris des notes sur divers sujets, notamment l’anatomie, l’astronomie, la botanique, la cartographie, la peinture et la paléontologie.
Le génie de Léonard de Vinci incarne l’idéal humaniste de la Renaissance, et son œuvre collective constitue une contribution aux générations ultérieures d’artistes qui n’a d’égal que celle de son jeune contemporain, Michel-Ange. Léonard fait partie des plus grands peintres de l’histoire de l’art et on lui attribue souvent la paternité de la Haute Renaissance
Bien que de nombreuses œuvres aient été perdues et que moins de 25 œuvres majeures lui aient été attribuées – y compris de nombreuses œuvres inachevées – il a créé certaines des peintures les plus influentes de l’art occidental, comme la mondialement célèbre« Joconde » ou« La Cène« .
Dans cet article, nous avons sélectionné 10 de ses œuvres d’art les plus emblématiques
1- La Joconde
La Joconde est un portrait en pied de l’artiste italien Léonard de Vinci. Il est considéré comme un chef-d’œuvre archétypal de la Renaissance italienne.
Il a été décrit comme « l’œuvre d’art la plus connue, la plus visitée, la plus écrite, la plus chantée, la plus parodiée du monde« . Les qualités inédites de la peinture comprennent l’expression énigmatique du sujet, la monumentalité de la composition, le modelage subtil des formes et l’illusionnisme atmosphérique.
Le tableau a été définitivement identifié comme représentant la noble italienne Lisa Gherardini, épouse de Francesco del Giocondo
Il est peint à l’huile sur un panneau de peuplier blanc de Lombardie. Léonard n’a jamais donné le tableau à la famille Giocondo, et on pense qu’il l’a légué par testament à son apprenti préféré, Salaì
On pense qu’il a été peint entre 1503 et 1506, mais Léonard a peut-être continué à y travailler jusqu’en 1517. L’œuvre a été acquise par le roi François Ier de France et est aujourd’hui la propriété de la République française. Elle est exposée en permanence au Louvre à Paris depuis 1797.
La Joconde est l’un des tableaux les plus précieux au monde. Elle détient le record mondial Guinness de l’évaluation d’assurance la plus élevée de l’histoire pour un tableau, soit 100 millions de dollars en 1962 (équivalent à 870 millions de dollars en 2021).
Après la Révolution française, le tableau a été transféré au Louvre, mais a passé une brève période dans la chambre de Napoléon au palais des Tuileries. La Joconde n’était pas très connue en dehors du monde de l’art, mais dans les années 1860, une partie de l’intelligentsia française a commencé à l’acclamer comme un chef-d’œuvre de la peinture de la Renaissance. Pendant la guerre franco-prussienne (1870-1871), le tableau est déplacé du Louvre à l’Arsenal de Brest.
En 1911, le tableau reste impopulaire auprès du public profane. Le 21 août 1911, le tableau est volé au Louvre. Le tableau a été regretté pour la première fois le lendemain par le peintre Louis Béroud. Après une confusion quant à savoir si le tableau était photographié quelque part, le Louvre a été fermé pendant une semaine pour enquêter. Le poète français Guillaume Apollinaire tombe sous le coup des soupçons et est arrêté et emprisonné. Apollinaire a impliqué son ami Pablo Picasso, qui a été amené pour être interrogé. Tous deux ont été disculpés par la suite
Le véritable coupable est Vincenzo Peruggia, employé du Louvre, qui a participé à la construction de la vitrine du tableau. Il a commis le vol en entrant dans le bâtiment pendant les heures d’ouverture normales, en se cachant dans un placard à balais et en partant avec le tableau caché sous son manteau après la fermeture du musée.
Peruggia était un patriote italien qui pensait que le tableau de Léonard de Vinci aurait dû être rendu à un musée italien. Il est possible que Peruggia ait été motivé par un partenaire dont les copies de l’original auraient pris beaucoup de valeur après le vol du tableau.
Après avoir gardé la Joconde dans son appartement pendant deux ans, Peruggia s’impatiente et se fait prendre lorsqu’il tente de la vendre à Giovanni Poggi, directeur de la Galerie des Offices à Florence. Elle a été exposée à la galerie des Uffizi pendant plus de deux semaines et est revenue au Louvre le 4 janvier 1914
Le voleur de la Joconde a purgé six mois de prison pour ce crime et a été salué pour son patriotisme en Italie. Un an après le vol, le journaliste Karl Decker du Saturday Evening Post a écrit qu’il avait rencontré un complice présumé du nom d’Edward de Valfierno, qui prétendait avoir organisé le vol. Le faussaire Yves Chaudron aurait créé six copies du tableau pour les vendre aux États-Unis tout en dissimulant l’emplacement de l’original[101]. Decker a publié ce récit du vol en 1932.
2- La Cène
La Cène (Cenacolo ou L’Ultima Cena) est une peinture murale de la Haute Renaissance, datée des années 1495-1498
La peinture représente la scène de la Cène de Jésus avec les douze apôtres, telle qu’elle est racontée dans l’Évangile de Jean, en particulier le moment où Jésus annonce que l’un de ses apôtres va le trahir
Sa gestion de l’espace, sa maîtrise de la perspective, son traitement du mouvement et sa représentation complexe des émotions humaines en ont fait l’une des peintures les plus reconnues du monde occidental et l’une des œuvres les plus célèbres de Léonard. Certains commentateurs considèrent qu’elle a joué un rôle essentiel dans l’inauguration de la transition vers ce que l’on appelle aujourd’hui la Haute Renaissance.
L’œuvre a été commandée dans le cadre d’un plan de rénovation de l’église et de ses bâtiments conventuels par le mécène de Léonard, Ludovico Sforza, duc de Milan. Pour permettre un calendrier de peinture irrégulier et des révisions fréquentes, l’œuvre est peinte avec des matériaux permettant des modifications régulières : détrempe sur gesso, poix et mastic
En raison des méthodes utilisées, de divers facteurs environnementaux et de dommages intentionnels, il ne reste aujourd’hui que peu de choses de la peinture originale, malgré de nombreuses tentatives de restauration, dont la dernière a été achevée en 1999. Située dans le réfectoire du couvent de Santa Maria delle Grazie à Milan, en Italie, La Cène est son œuvre la plus importante, hormis la Sala delle Asse.
3- Homme de Vitruve
L’Homme de Vitruve ( L’ uomo vitruviano) est un dessin daté d’environ 1490. Inspiré des écrits de l’ancien architecte romain Vitruve, le dessin représente un homme nu dans deux positions superposées, bras et jambes écartés, inscrites dans un cercle et un carré.
Décrite par l’historienne de l’art Carmen C. Bambach comme étant « à juste titre classée parmi les images iconiques de tous les temps de la civilisation occidentale », l’œuvre est une synthèse unique des idéaux artistiques et scientifiques et est souvent considérée comme une représentation archétypale de la Haute Renaissance.
Le dessin représente la conception de Léonard des proportions corporelles idéales, initialement dérivée de Vitruve mais influencée par ses propres mesures, les dessins de ses contemporains et le traité De pictura de Leon Battista Alberti.
Léonard a réalisé l’Homme de Vitruve à Milan et l’œuvre est probablement passée à son élève Francesco Melzi. Elle est ensuite tombée entre les mains de Venanzio de Pagave, qui a convaincu le graveur Carlo Giuseppe Gerli de l’inclure dans un livre de dessins de Léonard, ce qui a donné une large diffusion à cette image jusqu’alors peu connue. Elle fut ensuite la propriété de Giuseppe Bossi, qui écrivit à son sujet, et fut finalement vendue à la Gallerie dell’Accademia en 1822, où elle est restée depuis lors
En raison de sa sensibilité à la lumière, le dessin est rarement exposé au public, mais il a été prêté par le Louvre en 2019 pour son exposition commémorant le 500e anniversaire de la mort de Léonard.
4- Salvator Mundi
Le Salvator Mundi (latin, »Sauveur du monde ») est un tableau attribué en tout ou partie à Léonard de Vinci, daté entre 1499 et 1510
Longtemps considéré comme une copie d’un original perdu voilé par une surpeinture, il a été redécouvert, restauré et inclus dans une grande exposition de l’œuvre de Léonard à la National Gallery de Londres en 2011-2012.
Christie’s a déclaré juste après la vente de l’œuvre que la plupart des grands spécialistes la considèrent comme une œuvre originale de Léonard, mais cette attribution a été contestée par d’autres spécialistes, dont certains affirment qu’il n’a apporté que quelques éléments.
Le tableau représente le Christ dans une robe bleue anachronique de la Renaissance, faisant le signe de croix de la main droite, tout en tenant dans la main gauche un globe de verre transparent et non réfringent, signalant son rôle de Salvator Mundi et représentant la« sphère céleste » des cieux. Une trentaine de copies et de variantes de l’œuvre réalisées par les élèves et les disciples de Léonard ont été identifiées. Deux dessins préparatoires à la craie et à l’encre de la toile de Léonard sont conservés dans la collection royale britannique.
Le tableau a été vendu aux enchères pour 450,3 millions de dollars le 15 novembre 2017 par Christie’s à New York au prince Badr bin Abdullah, établissant un nouveau record pour le tableau le plus cher jamais vendu aux enchères publiques
Le prince Badr aurait effectué l’achat au nom du ministère de la Culture et du Tourisme d’Abu Dhabi , mais il a depuis été évoqué qu’il aurait pu être un enchérisseur par procuration pour son proche allié, le prince héritier saoudien Mohammed bin Salman. Cela fait suite aux rapports de la fin 2017 selon lesquels le tableau serait exposé au Louvre Abu Dhabi et à l’annulation inexpliquée de son ouverture prévue en septembre 2018
L’emplacement actuel de la peinture serait inconnu, mais un rapport de juin 2019 a déclaré qu’elle était stockée sur le yacht de bin Salman, en attendant l’achèvement d’un centre culturel à Al-‘Ula, et un rapport d’octobre 2019 a indiqué qu’elle pourrait être stockée en Suisse.
5- Autoportrait
Le portrait d’un homme à la craie rouge dans la Bibliothèque royale de Turin est largement, mais pas universellement, accepté comme un autoportrait de Léonard de Vinci. On pense que Léonard de Vinci a dessiné cet autoportrait vers l’âge de 60 ans
Ce portrait a été largement reproduit et est devenu une représentation iconique de Léonard en tant que polymathe ou « homme de la Renaissance« . Malgré cela, certains historiens et chercheurs ne sont pas d’accord sur la véritable identité du modèle.
Le portrait est dessiné à la craie rouge sur du papier. Il représente la tête d’un vieil homme en vue de trois quarts, le visage tourné vers le spectateur. Le sujet se distingue par ses longs cheveux et sa longue barbe ondulée qui coulent sur ses épaules et sa poitrine. La longueur des cheveux et de la barbe est inhabituelle dans les portraits de la Renaissance et suggère, comme aujourd’hui, une personne avisée
Le visage a un nez quelque peu aquilin et est marqué par des lignes profondes sur le front et des poches sous les yeux. L’homme semble avoir perdu ses dents supérieures de devant, ce qui a pour effet de creuser les sillons des narines. Les yeux du personnage ne sont pas dirigés vers le spectateur, mais regardent droit devant, voilés par les longs sourcils
Le dessin a été tracé à l’aide de lignes fines et simples, ombrées par des dégradés et exécuté de la main gauche, comme c’était l’habitude de Léonard. Le papier présente des « marques de renard » brunes, causées par l’accumulation de sels de fer due à l’humidité.
En 1839, Giovanni Volpato, un antiquaire qui a peut-être acquis le dessin en Angleterre ou en France, le vend au prince Charles Albert de Sardaigne avec d’autres dessins de grands artistes tels que Raphaël et Michel-Ange. Il se trouve à Turin, à la Bibliothèque royale, et n’est généralement pas visible par le public en raison de sa fragilité et de son mauvais état.
6- La Vierge aux rochers
La Vierge aux rochers (en italien : Vergine delle rocce), parfois Madone des rochers, est le nom de deux tableaux de De Vinci, du même sujet, dont la composition est identique à l’exception de plusieurs détails significatifs
La version généralement considérée comme la première, la plus ancienne des deux, n’a pas été restaurée et se trouve au Louvre à Paris. L’autre, restaurée entre 2008 et 2010, se trouve à la National Gallery de Londres
Lesœuvres sont souvent appelées respectivement la Vierge des rochers du Louvre et la Vierge des rochers de Londres. Les deux tableaux mesurent près de 2 mètres (plus de 6 pieds) de haut et sont peints à l’huile. Elles étaient à l’origine peintes sur des panneaux de bois, mais la version du Louvre a été transférée sur toile.
Les deux tableaux représentent Marie et l’enfant Jésus avec l’enfant Jean Baptiste et l’ange Uriel, dans un décor rocheux qui donne aux tableaux leur nom habituel. Les principales différences de composition se situent au niveau du regard et de la main droite de l’ange
Les deux œuvres diffèrent dans de nombreux aspects mineurs, tels que les couleurs, l’éclairage, la flore et la manière dont le sfumato a été utilisé. Bien que la date d’une commande associée soit documentée, l’histoire complète des deux tableaux est inconnue, ce qui donne lieu à des spéculations quant à savoir lequel des deux est antérieur.
Deux autres tableaux sont associés à la commande : des panneaux latéraux représentant un ange jouant d’un instrument de musique, tous deux réalisés par des collaborateurs de Léonard. Tous deux sont conservés à la National Gallery de Londres.
7- La Dame à l’hermine
La Dame à l’hermine est un portrait attribué à Léonard de Vinci. L’œuvre, datée entre 1489 et 1491, est peinte à l’huile sur un panneau de bois de noyer. Son sujet est Cecilia Gallerani, maîtresse de Ludovico Sforza (« Il Moro »), duc de Milan ; Léonard était peintre de la cour de la famille Sforza à Milan au moment de son exécution. C ‘est le deuxième des quatre portraits de femmes peints par Léonard qui subsistent, les autres étant Ginevra de’ Benci, La Belle Ferronnière et la Joconde.
La Dame à l’hermine est actuellement conservée au musée Czartoryski de Cracovie et constitue l’un des trésors nationaux de la Pologne. Elle fait partie de la collection des princes Czartoryski, qui a été vendue pour 100 millions d’euros le 29 décembre 2016 au gouvernement polonais par la Fondation des princes Czartoryski, représentée par Adam Karol Czartoryski, le dernier descendant direct d’Izabela Czartoryska Flemming et d’Adam George Czartoryski, qui ont apporté le tableau en Pologne depuis l’Italie en 1798.
8- Sainte Anne, la Vierge et l’Enfant Jésus jouant avec un agneau
Sainte Anne, la Vierge et l’Enfant Jésus jouant avec un agneau est une peinture à l’huile inachevée datée entre 1501 et 1519. Elle représente Sainte Anne, sa fille la Vierge Marie et l’enfant Jésus
Cette peinture a été commandée comme retable principal de l’église de la Santissima Annunziata à Florence et son sujet préoccupait Léonard depuis longtemps.
En y regardant de plus près, le tableau de Léonard est à la fois plaisant, calme et pourtant déroutant. La composition des trois personnages est assez serrée, la Vierge Marie interagissant clairement avec l’enfant Jésus
En examinant de plus près sa position, il est évident que Marie est assise sur les genoux de Sainte Anne. On ne sait pas très bien quelle signification cela peut avoir et quel sens Léonard voulait donner à cette pose. Il n’y a pas de parallèle évident dans d’autres œuvres d’art et les femmes assises sur les genoux de l’autre ne constituent pas une référence culturelle ou traditionnelle claire à laquelle le spectateur peut se référer
En outre, bien que les tailles exactes de la Vierge et de sainte Anne ne soient pas connues, on peut extrapoler à partir du tableau que sainte Anne est une personne nettement plus grande que Marie. Cette distorsion subtile mais perceptible de la taille a été utilisée par Léonard pour souligner la relation mère-fille entre les deux femmes, malgré l’absence apparente d’indices visuels de l’âge avancé de sainte Anne, qui l’identifierait autrement comme la mère. La jeune fille tient un agneau
Nous voyons également que Marie regarde son fils dans les yeux, tandis que sainte Anne regarde Marie. Puisque Marie est assise sur ses genoux et que Sainte-Anne la regarde, il est possible que Léonard ait voulu faire une remarque sur leur relation et leur personnalité.
9- Ginevra de’ Benci
Ginevra de’ Benci est un portrait de l’aristocrate florentine du XVe siècle Ginevra de’ Benci (née vers 1458). Exposé à la National Gallery of Art de Washington, D.C., c’est le seul tableau de Léonard de Vinci exposé au public en Amérique.
Ginevra de’ Benci, une jeune Florentine bien connue, est universellement considérée comme le modèle du portrait. Léonard a peint le portrait à Florence entre 1474 et 1478, probablement pour commémorer le mariage de Ginevra avec Luigi di Bernardo Niccolini à l’âge de 16 ans
Il s’agittrès probablement d’une commémoration des fiançailles. Les portraits féminins contemporains étaient généralement commandés pour l’une des deux occasions suivantes : fiançailles ou mariage. Traditionnellement, les portraits de mariage étaient réalisés par paires, avec la femme à droite, tournée vers la gauche ; comme ce portrait est tourné vers la droite, il est plus probable qu’il représente les fiançailles.
Le genévrier entourant la tête de Ginevra, qui occupe une grande partie de l’arrière-plan, a plus qu’une fonction décorative. Dans l’Italie de la Renaissance, le genévrier était considéré comme un symbole de vertu féminine, tandis que le mot italien pour genévrier, ginepro, joue également sur le nom de Ginevra.
Les images et le texte figurant au verso du panneau – une branche de genévrier entourée d’une couronne de laurier et de palmiers, commémorée par la devise latine Virtvtem Forma Decorat ( « La beauté orne la vertu« ) – renforcent l’identification du portrait. La phrase est comprise comme un symbole de la relation complexe entre la vertu intellectuelle et morale de Ginevra, d’une part, et sa beauté physique, d’autre part. La branche de genévrier, entourée de laurier et de palmier, suggère son nom. Le laurier et le palmier sont l’emblème personnel de Bernardo Bembo, ambassadeur vénitien à Florence, dont la relation platonique avec Ginevra est révélée par les poèmes qu’ils ont échangés
Un examen infrarouge a révélé la devise de Bembo « Vertu et honneur » sous celle de Ginevra, ce qui rend probable l’implication de Bembo dans la commande du portrait.
Ce portrait, l’un des plus importants de la National Gallery of Art, est admiré par beaucoup pour sa représentation du tempérament de Ginevra. Ginevra est belle, mais austère ; elle n’a pas l’ombre d’un sourire et son regard, bien que dirigé, semble indifférent au spectateur.
À un moment donné, la partie inférieure du tableau a été retirée, probablement en raison de dommages, et l’on pense que les bras et les mains de Ginevra ont été perdus.
10- La Scapigliata
La Scapigliata (en italien « La Dame aux cheveux ébouriffés ») est un tableau inachevé généralement attribué à Léonard de Vinci et daté entre 1506 et 1508
Peinte à l’huile, à l’ambre et aux pigments de plomb blanc sur un petit panneau de bois de peuplier, son attribution reste controversée, plusieurs experts attribuant l’œuvre à un élève de Léonard. La peinture a été admirée pour sa beauté captivante, son comportement mystérieux et sa maîtrise du sfumato.
Il n’existe pas de véritable consensus sur le sujet, la date, l’histoire ou l’objectif de la peinture. Il montre une femme non identifiée regardant vers le bas alors que ses cheveux remplissent le cadre derrière elle. De nombreuses théories ont été proposées sur le sujet : il s’agirait d’une esquisse pour un tableau inachevé de Sainte Anne, d’une étude pour la version londonienne de la Vierge des Rochers ou du tableau perdu de Léonard de Vinci, Léda et le Cygne, ou d’un tableau délibérément laissé inachevé pour sa valeur esthétique.
Letableau a été enregistré lors de la vente, en 1826, de la collection de Gaetano Callani à la Galleria Nazionale di Parma, le musée dans lequel il se trouve aujourd’hui, mais les preuves de son existence remontent à 1531, date à laquelle il aurait appartenu à Isabelle d’Este
Bien que de nombreuses études sur l’œuvre de Léonard soient muettes à ce sujet, la plupart des spécialistes qui analysent le tableau le considèrent comme une œuvre autographe de Léonard de Vinci, et il a été catalogué comme tel dans plusieurs grandes expositions consacrées à Léonard.
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aimez-vous les œuvres de Léonard de Vinci ? Laissez-nous un commentaire et dites-nous quelle est votre œuvre préférée de ce grand artiste. Dites-nous pourquoi vous l’aimez et quelles sensations elle vous transmet
Nous vous laissons ici quelques articles avec des compilations d’œuvres de grands artistes de l’histoire :
Bonjour,
Merci pour cet article bien écrit, et intéressant. Bien ciblé.
J’aime toutes ces oeuvres.
Avec une préférence attendrie pour la Scapigliata.
J’adore ce tableau. Plein de douceur. De lumière. D’âme. On le croirait vivant. Il a comme un souffle de vie. Avec cette simplicité, ce naturel, si travaillé, fruit de tant de recherches et explorations de Léonard.
Il est fascinant. Mystérieux. Je le regarde tous les jours, car une petite reproduction est accrochée au mur chez moi.
Je l’avais vu quand il a été exposé en France.
Il m’a inspirée pour un texte que j’ai écrit sur léonard de Vinci, Un rêve inachevé.
Cette énigmatique madone, avec ce si doux regard maternel, pourrait être un souvenir ou une projection de sa maman ? Qu’il a peu connue.
Bien à vous,
Alexandra
Bonjour Alexandra,
Merci beaucoup pour votre commentaire touchant et profond. Nous sommes ravis que notre article vous ait plu et que « La Scapigliata » vous inspire tant d’émotions et de réflexions. Votre texte sur Léonard de Vinci doit être aussi fascinant que l’œuvre qui l’a inspiré. Si vous souhaitez le partager, nous serions enchantés de le lire.
Au plaisir de partager et d’échanger davantage sur l’art et son impact.