Jean-Michel Basquiat è stato uno dei primi artisti afroamericani a raggiungere una statura e una ricchezza internazionali nel mondo dell’arte, e ha avuto una carriera breve ma di grande impatto. La sua ascesa alla fama è stata rapida, in quanto è stato celebrato per la sua fusione di simboli multiculturali, il suo pungente commento sociale e il suo stile grafico distintivo.
In questo articolo parleremo brevemente della sua vita e delle sue opere più importanti.
Basquiat Biografia
Jean-Michel Basquiat è nato a Brooklyn nel 1960. Anche sua madre, Matilde Andradas, era nata a Brooklyn, ma da genitori portoricani. Suo padre, Gerard Basquiat, era un immigrato di Port-au-Prince, Haiti. Grazie a questo patrimonio misto, il giovane Jean-Michel parlava correntemente sia il francese che lo spagnolo, oltre all’inglese
Le sue prime letture della poesia simbolista francese in lingua originale influenzeranno in seguito le opere d’arte che produrrà da adulto. Basquiat ha dimostrato il suo talento per l’arte fin dall’infanzia, imparando a disegnare e dipingere con l’incoraggiamento della madre e utilizzando spesso materiali (come la carta) portati a casa dal padre che lavorava come contabile. Insieme, Basquiat e la madre frequentarono molte mostre museali a New York e all’età di sei anni Jean-Michel fu iscritto come membro junior del Brooklyn Museum. È stato anche un appassionato atleta, partecipando a gare di atletica leggera nella sua scuola.
Dopo essere stato investito da un’auto mentre giocava per strada all’età di otto anni, Basquiat si sottopose a un intervento chirurgico per l’asportazione della milza. Questo evento lo portò a leggere il famoso trattato medico e artistico Gray’s Anatomy (pubblicato originariamente nel 1858), regalatogli dalla madre durante la convalescenza. Le sinuose immagini biomeccaniche di questo testo, insieme all’arte dei fumetti e dei cartoni animati che il giovane Basquiat amava, un giorno avrebbero trovato spazio sulle tele dei graffiti per i quali divenne famoso.
Dopo il divorzio dei genitori, Basquiat vive da solo con il padre, poiché la madre viene dichiarata inadatta a prendersi cura di lui a causa dei suoi problemi di salute mentale. Denunciando abusi fisici ed emotivi, Basquiat alla fine scappa di casa e viene adottato dalla famiglia di un amico. Sebbene abbia frequentato sporadicamente la scuola a New York e a Porto Rico, dove il padre aveva cercato di trasferire la famiglia nel 1974, ha infine abbandonato la Edward R. Murrow High School di Brooklyn nel settembre 1978, all’età di 17 anni.
L suoi primi lavori
Come ha dichiarato Basquiat: “Non ho mai frequentato una scuola d’arte. Non ho superato i corsi d’arte che ho frequentato a scuola. Ho guardato un sacco di cose. Ed è così che ho imparato a conoscere l’arte, guardandola”
L’arte di Basquiat era fondamentalmente radicata nella scena newyorkese dei graffiti degli anni Settanta. Dopo aver partecipato a un gruppo teatrale dell’Upper West Side chiamato Family Life Theater, ha sviluppato il personaggio di SAMO (acronimo di “Same Old Shit”), un uomo che cerca di vendere al pubblico una falsa religione
Nel 1976, insieme a un amico artista, Al Diaz, ha iniziato a dipingere con lo spray gli edifici di Lower Manhattan con questo nome d’arte. I pezzi di SAMO erano in gran parte basati sul testo e comunicavano un messaggio anti-establishment, anti-religioso e anti-politico. Il testo di questi messaggi era accompagnato da loghi e immagini che sarebbero poi apparsi nelle opere personali di Basquiat, in particolare la corona a tre punte.
I pezzi di SAMO ricevono presto l’attenzione dei media, in particolare del Village Voice, una pubblicazione che documenta l’arte, la cultura e la musica considerate distinte dal mainstream
Quando Basquiat e Diaz ebbero un disaccordo e decisero di smettere di lavorare insieme, Basquiat concluse il progetto con un messaggio secco: SAMO È MORTO. Questo messaggio è apparso sulle facciate di diverse gallerie d’arte di SoHo e di edifici del centro nel 1980. Dopo aver preso nota della dichiarazione, Keith Haring, amico e collaboratore di Basquiat nella Street Art, organizza una finta veglia funebre per SAMO al Club 57, un locale notturno underground dell’East Village.
Durante questo periodo, Basquiat era spesso senza casa e costretto a dormire negli appartamenti degli amici o sulle panchine dei parchi, mantenendosi con l’accattonaggio, lo spaccio di droga e la vendita di cartoline e magliette dipinte a mano. Tuttavia, frequentava i club del centro, in particolare il Mudd Club e il Club 57, dove era conosciuto come parte della “baby crowd” di giovani frequentatori (questo gruppo comprendeva anche l’attore Vincent Gallo).
Entrambi i club erano luoghi popolari per una nuova generazione di artisti visivi e musicisti, come Keith Haring, Kenny Scharf, il regista Jim Jarmusch e Ann Magnusson, che divennero amici e occasionali collaboratori di Basquiat
Haring, in particolare, è stato un notevole rivale oltre che amico, e spesso si ricorda che i due erano in competizione tra loro per migliorare la portata, la scala e l’ambizione del loro lavoro. Entrambi hanno ottenuto il riconoscimento in momenti simili della loro carriera, progredendo in parallelo per raggiungere le vette della celebrità artistica mondiale.
Grazie anche alla sua immersione in questa scena del centro, Basquiat inizia ad avere più opportunità di esporre la sua arte e diventa una figura chiave del nuovo movimento artistico del centro
Ad esempio, è apparso come DJ di un nightclub nel video musicale di Rapture dei Blondie, consolidando la sua fama di figura della “nuova ondata” di musica, arte e cinema cool emergente dal Lower East Side. In questo periodo forma e si esibisce anche con il suo gruppo Gray. Tuttavia, Basquiat criticava la mancanza di persone di colore nel centro della città e, alla fine degli anni Settanta, iniziò a trascorrere del tempo nei quartieri alti con graffitari del Bronx e di Harlem.
Dopo l’inclusione delle sue opere nella storica mostra di Times Square del giugno 1980, il profilo di Basquiat aumenta e nel 1982 tiene la sua prima mostra personale alla galleria Annina Nosei di SoHo. L’articolo di René Ricard su Artforum, “The Radiant Child” (Il bambino radioso), del dicembre 1981, cementò la posizione di Basquiat come astro nascente nel mondo dell’arte in generale, nonché la congiunzione tra le scene dei graffiti e del punk del centro città che il suo lavoro rappresentava.
L’ascesa di Basquiat verso la notorietà coincide con l’arrivo del movimento neo-espressionista tedesco a New York, che fornisce un forum adatto al suo espressionismo di strada. Basquiat inizia a esporre regolarmente accanto ad artisti come Julian Schnabel e David Salle, che reagiscono, in un modo o nell’altro, al recente dominio storico dell’arte del concettualismo e del minimalismo. Il neo-espressionismo ha segnato il ritorno della pittura e il riemergere della figura umana nell’arte contemporanea
Le immagini della diaspora africana e dell’America classica punteggiano il lavoro di Basquiat in questo periodo, alcune delle quali sono state esposte alla prestigiosa Mary Boone Gallery in mostre personali a metà degli anni Ottanta (Basquiat è stato poi rappresentato dal mercante e gallerista Larry Gagosian a Los Angeles).
Il successo di Basquiat
il 1982 è un anno importante per Basquiat. Ha inaugurato sei mostre personali in città di tutto il mondo ed è diventato il più giovane artista a essere incluso in Documenta, la prestigiosa mostra internazionale di arte contemporanea che si tiene ogni cinque anni a Kassel, in Germania
Durante questo periodo, Basquiat crea circa 200 opere d’arte e sviluppa un motivo caratteristico: un’eroica figura di oracolo coronata di nero
Il leggendario musicista jazz Dizzy Gillespie e i pugili Sugar Ray Robinson e Muhammad Ali furono tra le ispirazioni di Basquiat per le sue opere in questo periodo. I ritratti, abbozzati e spesso astratti, catturano l’essenza più che la somiglianza fisica dei suoi soggetti
La ferocia della tecnica di Basquiat, con squarci di colore e tratti dinamici, aveva lo scopo di rivelare ciò che egli vedeva come l’interiorità dei suoi soggetti, i loro sentimenti nascosti e i loro desideri più profondi. Queste opere rafforzano anche l’intelletto e la passione dei suoi soggetti, piuttosto che fissarsi sul corpo feticizzato del maschio nero. Anche un’altra figurazione epica, basata sul griot dell’Africa occidentale, gioca un ruolo importante in questo periodo dell’opera di Basquiat
Il griot propagava la storia della comunità nella cultura dell’Africa occidentale attraverso la narrazione e il canto, e Basquiat lo ritraeva solitamente con una smorfia e con gli occhi ellittici e stretti fissi sullo spettatore. Le strategie artistiche e l’ascesa personale di Basquiat erano in linea con un più ampio rinascimento nero nel mondo dell’arte newyorkese nello stesso periodo (esemplificato dalla diffusa attenzione che allora veniva rivolta al lavoro di artisti come Faith Ringgold e Jacob Lawrence).
All’inizio degli anni Ottanta, Basquiat stringe amicizia con l’artista pop Andy Warhol, con cui collabora per una serie di opere tra il 1984 e il 1986, tra cui Ten Punching Bags (Last Supper) (1985-86). Warhol dipingeva per primo e poi Basquiat stratificava le sue opere
Nel 1985, un articolo del New York Times dichiara Basquiat il giovane artista americano più alla moda degli anni Ottanta. Questo rapporto divenne oggetto di attrito tra Basquiat e molti dei suoi contemporanei della downtown, poiché sembrava segnare un nuovo interesse per la dimensione commerciale del mercato dell’arte.
Warhol è stato anche criticato per il possibile sfruttamento di un artista di colore giovane e alla moda per aumentare le proprie credenziali di attualità e rilevanza nella nuova e significativa scena dell’East Village. In generale, queste collaborazioni non sono state ben accolte né dal pubblico né dalla critica e oggi sono spesso considerate opere minori di entrambi gli artisti.
Forse a causa della nuova fama e della pressione commerciale esercitata sul suo lavoro, Basquiat diventa sempre più dipendente da eroina e cocaina. Molti amici hanno collegato questa dipendenza allo stress di mantenere la sua carriera e alla pressione di essere una persona di colore in un mondo dell’arte prevalentemente bianco. Basquiat morì di overdose di eroina nel suo appartamento nel 1988, all’età di 27 anni.
L’eredità artistica di Basquiat
Nella sua breve vita, Jean-Michel Basquiat ha giocato un ruolo importante e storico nell’ascesa della scena culturale del centro di New York e del neo-espressionismo in generale
Mentre il grande pubblico si è attaccato all’esotismo superficiale del suo lavoro ed è stato catturato dalla sua celebrità, la sua arte, che è stata spesso descritta in modo impreciso come “ingenua” e “etnicamente grintosa”, aveva importanti connessioni con precursori espressivi come Jean Dubuffet e Cy Twombly.
Prodotto della cultura commerciale e ossessionata dalle celebrità degli anni Ottanta, Basquiat e il suo lavoro continuano a servire per molti osservatori come metafora dei pericoli dell’eccesso artistico e sociale. Come i supereroi dei fumetti che lo hanno influenzato, Basquiat ha raggiunto fama e ricchezza, per poi ricadere altrettanto rapidamente sulla Terra, vittima di abuso di droghe e overdose.
Oggetto di retrospettive postume al Brooklyn Museum (2005) e al Whitney Museum of American Art (1992), nonché di numerose biografie e documentari, come Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child (2010), e del lungometraggio di Julian Schnabel, Basquiat (1996; con l’amico di lunga data David Bowie nel ruolo di Andy Warhol), Basquiat e la sua eredità controculturale persistono
Nel 2017 è uscito un altro film, Boom for Real: The Late Teenage Years of Jean Michel Basquiat, acclamato dalla critica, che ha ispirato anche una mostra dallo stesso titolo alla galleria d’arte Barbican di Londra. La sua arte rimane una costante fonte di ispirazione per gli artisti contemporanei e la sua breve vita una costante fonte di interesse e speculazione per un’industria artistica che vive di leggende biografiche.
Insieme all’amico e contemporaneo Keith Haring, l’arte di Basquiat è arrivata a rappresentare quel particolare periodo dell’arte controculturale newyorkese. Le opere di entrambi gli artisti sono spesso esposte l’una accanto all’altra (più recentemente nella mostra del 2019 “Keith Haring I Jean-Michel Basquiat: Crossing Lines” a Melbourne, Australia) e sono state concesse diverse licenze commerciali per la riproduzione di alcuni dei loro motivi visivi. Più di recente, questo ha incluso una gamma di T-shirt con stampe grafiche presso Uniqlo che presentano il lavoro di entrambi gli artisti.
L’accresciuta notorietà di Basquiat dopo la sua morte ha anche spinto nuovi artisti a produrre opere ispirate o addirittura in diretto riferimento al suo lavoro. Si tratta di pittori, graffitari e installatori che lavorano in galleria, ma anche di musicisti, poeti e registi.
Tra gli artisti visivi influenzati da Basquiat figurano David Hewitt, Scott Haley, Barb Sherin e Mi Be in Nord America, oltre ad artisti europei e asiatici come David Joly, Mathieu Bernard-Martin, Mikael Teo e Andrea Chisesi, che citano il suo lavoro come formativo per il proprio sviluppo. Anche musicisti come Kojey Radical, Shabaka Hutchings e Lex Amor hanno lodato il suo lavoro come fonte di informazioni. Questi tre artisti musicali, in particolare, sono stati inseriti insieme ad altri in Untitled, una compilation collaborativa pubblicata come tributo a Basquiat nel 2019 dall’etichetta discografica londinese The Vinyl Factory.
Opere notevoli di Jean-Michel Basquiat
A differenza di altri artisti, a causa della natura dell’arte di Basquiat, le sue opere sono senza titolo. Di seguito sono descritte alcune delle sue opere più importanti.
SAMO, il suo periodo di graffiti
Basquiat ha iniziato a dipingere graffiti alla fine degli anni Settanta, spesso socializzando e lavorando a fianco di altri artisti della sottocultura nel Bronx e ad Harlem. I graffitari tendevano a concentrarsi su immagini figurative (vignette di animali, persone e oggetti), oltre che su semplici “tag”, cioè loghi o nomi progettati per essere un marchio o un biglietto da visita, e qui ha iniziato anche Basquiat. Ma i graffiti di Basquiat si svilupparono rapidamente in una direzione più astratta, dando origine alla tag “SAMO”, piuttosto misteriosa e carica di significato simbolico.
Questa etichetta di vernice spray nera su un muro è emblematica delle opere SAMO che Basquiat e il suo collaboratore Al Diaz hanno realizzato tra il 1976 e il 1980. Applicati rapidamente agli spazi pubblici della strada e della metropolitana, i pezzi SAMO trasmettevano ai passanti messaggi brevi, taglienti e spesso antimaterialistici. Normalmente considerati un segno di intrusione e vandalismo, i graffiti nelle mani di Diaz e Basquiat diventano uno strumento di “branding” artistico e rappresentano una tappa importante nello sviluppo del lavoro di Basquiat.
Il concetto di SAMO, o “Same Old Shit”, è stato sviluppato durante il coinvolgimento di Basquiat in un progetto teatrale a New York, in cui ha concepito un personaggio impegnato a vendere una falsa religione. Diaz e Basquiat hanno applicato la critica implicita incarnata da questa figura di venditore di olio di serpente alle imprese commerciali e aziendali che vedevano vendere prodotti negli spazi pubblici della loro città
All’inizio hanno iniziato a dipingere con lo spray gli slogan che componevano l’opera sui treni della metropolitana come un modo per “sfogarsi”, ma, come ricorda Díaz, si sono presto resi conto che aveva una funzione importante se si confronta l’opera con i graffiti più convenzionali. Come dice Díaz, “SAMO è stato come un corso di aggiornamento, perché è stata fatta una dichiarazione”.
Dopo anni di collaborazione, Diaz e Basquiat hanno deciso di segnare la fine della loro joint venture con l’annuncio in tre parole “SAMO IS DEAD”. Realizzata episodicamente in varie città come pezzo di graffitismo effimero, la frase è apparsa ripetutamente su edifici squallidi, soprattutto quelli di Lower Manhattan, dove Basquiat e i suoi collaboratori svolgevano gran parte della loro attività artistica.
Cranio
Esempio dei primi lavori su tela di Basquiat, presenta un teschio fatto di toppe che sembra quasi l’equivalente pittorico del mostro di Frankenstein di Mary Shelley: una somma costruita e suturata di parti incongrue. Sospeso su uno sfondo che suggerisce aspetti della metropolitana di New York, il teschio è allo stesso tempo la rivisitazione di una lunga tradizione occidentale di autoritratto da parte di un graffitaro contemporaneo e il “pezzo forte” di un bohémien di strada
L’espressione del volto del teschio è depressa e la cucitura approssimativa suggerisce una combinazione infelice di parti costitutive. I colori utilizzati, sfumati e vorticosi, suggeriscono lividi o ferite sul viso, che combinati con le linee frastagliate implicano la violenza o le sue conseguenze.
Il recente passato di Basquiat come venditore ambulante, vagabondo e personaggio da nightclub all’epoca in cui ha creato quest’opera è impresso in modo analogo nel tormentato profilo di tre quarti. Nel loro insieme, queste caratteristiche suggeriscono che l’opera diventa un’icona stanca del mondo degli immigrati portoricani e haitiani sfollati che Basquiat sembrava destinato a rimanere, anche se navigava con successo nelle nuove strade gentrificate di SoHo degli anni Ottanta e nel mercato dell’arte che vi si dilettava.
Teschio nero
Come una pagina ordinatamente estratta dal diario di un artista, questa tela senza titolo presenta una serie di iconografie personali e simboli ricorrenti di Basquiat su uno sfondo nero e macchie di vernice lucida. Un teschio bianco sporge dal centro della composizione in ebano, richiamando vividamente la tradizione del memento mori del venerato pittore, a ricordare la natura effimera di ogni vita e l’eventuale, spietata degenerazione del corpo
L’osso sulla destra della tela potrebbe anche essere interpretato come un fallo, suggerendo la rappresentazione della sessualità maschile nera come qualcosa di minaccioso o primitivo (soprattutto se accostato alla freccia del dipinto). La bilancia appare appena sotto il cranio, forse a rappresentare la bilancia della giustizia e quindi a sottintendere la disparità di trattamento degli uomini di colore da parte della polizia e del sistema giudiziario che si perpetua ancora oggi.
Basquiat si appropria audacemente di immagini comunemente associate all’arte rurale africana – un teschio, un osso, una freccia – e le modernizza con il suo stile neo-espressionista fatto di pittura densamente applicata, soggetti resi frettolosamente e caratteri lineari scarabocchiati, che fluttuano liberamente nel campo pittorico, come se fossero allucinati
Basquiat dimostra in uno “studio” conciso come sia in grado di eseguire un’antica pratica di pittura di “nature morte”, suggerendo al contempo che il lavoro dell’artista era relativamente senza sforzo, se non del tutto improvvisato, come l’esibizione di un musicista jazz. Tuttavia, la densità delle immagini e il loro carico di simbolismo rivelano la destrezza e l’abilità di Basquiat nella composizione.
Flessibile
Flexible presenta due dei motivi più famosi di Basquiat: il griot e la venerabile corona. Una figura nera ed emaciata guarda dalla tela verso lo spettatore, le sue braccia creano un circuito chiuso in quello che potrebbe essere un riferimento all’energia spiritualizzata, un concetto che compare in diverse opere con il griot
L’opera riflette anche lo sviluppo di Basquiat come artista ed è una sintesi delle sue influenze, con la rappresentazione diagrammatica dei polmoni e dell’addome della figura che ricorda la fascinazione del giovane Basquiat per gli schizzi anatomici di Gray’s Anatomy.
Sebbene la mancanza di tratti distintivi possa far pensare a un “uomo qualunque”, l’etnia specificamente africana della figura costituisce un chiaro riferimento all’identità e all’origine dello stesso Basquiat. Nella tavolozza dei colori e nella particolare rappresentazione della figura umana attraverso gli arti sottili e la grande testa, è evidente l’influenza delle forme d’arte tradizionali dell’Africa occidentale. Lo storico dell’arte e collaboratore di Basquiat Fred Hoffman scrive che l’immagine raffigura un re tribale, la cui “postura, con le braccia alzate e intrecciate sopra la testa, trasmette sicurezza e autorità, attributi del suo eroismo”. Sembra che si stia incoronando”.
Dato che il griot è tradizionalmente una sorta di filosofo errante, artista di strada e commentatore sociale, è possibile che Basquiat si sia visto assumere questo ruolo all’interno del mondo dell’arte newyorkese, che ha alimentato il suo successo artistico ma lo ha anche rapidamente sfruttato per un guadagno materiale. L’immagine è dipinta su listelli di legno che Basquiat ha chiesto ai suoi assistenti di rimuovere da una recinzione che proteggeva il confine del suo studio di Los Angeles. Rimuovendo questa barriera, Basquiat ha reso la proprietà aperta e libera di camminare, forse riflettendo la sua empatia e la sua esperienza personale dei limiti dello spazio pubblico come senzatetto a New York.
Arm and Hammer II
Basquiat dipinge sopra la riproduzione di Andy Warhol di un logo aziendale, in questo caso della marca di bicarbonato di sodio Arm and Hammer. Adattando una delle due riproduzioni del logo nel dipinto per mostrare un sassofonista nero al posto del braccio bianco flesso, Basquiat incornicia l’immagine con un testo che recita “Liberty 1955”
L’inserimento di un’immagine di creatività nera all’interno di un logo pubblicitario può essere un’affermazione di agenzia e di recupero dello spazio pubblico da parte di Basquiat. È anche un riferimento visivo al jazz, una forma musicale afroamericana che raggiunse nuove vette di popolarità negli anni Cinquanta, e un implicito riconoscimento della repressione dei neri che esisteva nonostante il successo della musica e la sua incorporazione nell’identità americana.
Inoltre, l’inserimento di un’immagine di creatività nera all’interno di un logo pubblicitario può essere un’affermazione di agenzia e di recupero dello spazio pubblico da parte di Basquiat. Tipico della loro collaborazione, Arm and Hammer II dimostra come Basquiat e Warhol si siano passati un’opera a vicenda, come un gioco di casualità, libera associazione e ispirazione reciproca
L’uso caratteristico di Warhol dei loghi aziendali e delle copie pubblicitarie come segni stenografici della psiche materialista moderna si sovrappone spesso al tentativo di Basquiat di deturparli con il suo stile libero, come se stesse vanamente alzando il pugno contro un mostro monolitico, insidioso e in gran parte invisibile nella forma dell’America corporativa.
Cavalcare con la morte
Riding with Death è uno degli ultimi dipinti di Basquiat, che può essere facilmente interpretato come una rappresentazione del suo turbamento interiore e della sua crescente convinzione che la natura razzista, classista e corrotta dell’America degli anni Ottanta fosse visibile ovunque, anche nel mondo dell’arte.
Dipinta nelle settimane precedenti la sua morte, la desolazione e la tristezza dell’immagine e del suo titolo sono rafforzate dal fatto che la vita dell’artista si sarebbe conclusa troppo presto dopo la sua realizzazione.
Meno ornato e visivamente denso di molti dei suoi dipinti precedenti, Riding with Death presenta un campo marrone strutturato su cui Basquiat ha raffigurato una figura africana che cavalca uno scheletro. Lo scheletro striscia a quattro zampe verso il lato sinistro dell’immagine, mentre il cavaliere, raffigurato in modo meno dettagliato rispetto alle ossa su cui siede, si contorce o agita le braccia.
Il teschio fissa lo spettatore, con le sue proporzioni da cartone animato e la sua espressione ampia, che suggerisce la gestualità dei graffiti, influenza stilistica fondamentale per la pittura di Basquiat. La semplicità dello sfondo e del soggetto richiamano anche l’arte rupestre preistorica e la successiva arte tribale africana. La testa della figura africana è indistinta, i suoi lineamenti sono oscurati da ghirigori neri, a parte un unico occhio sulla fronte.
Le figure centrali, sebbene incorniciate in modo semplice, sono cariche di simbolismo. La coppia suggerisce un nichilismo o un viaggio verso la morte, reso ancora più toccante dalla dipendenza di Basquiat dall’eroina e da altre droghe all’epoca in cui fu dipinto
Sebbene la figura africana cavalchi lo scheletro e possa quindi essere interpretata come una posizione di dominanza, la posizione assertiva dello scheletro suggerisce invece che è lui a controllare, forse trascinando il cavaliere dall’altra parte del dipinto. Insieme alla distinzione cromatica tra i due (uno scheletro bianco e un cavaliere nero), questa coppia potrebbe essere letta come una metafora della repressione e della distruzione delle società africane da parte delle potenze coloniali, nonché delle disuguaglianze esistenti nell’America degli anni Ottanta per le persone di colore
Quest’opera è un eccellente esempio dei complessi significati che Basquiat era in grado di comunicare e suggerire attraverso un linguaggio visivo complesso che i critici spesso descrivono come “primitivo” o “ingenuo”. Come dimostra questa struggente immagine, il lavoro di Basquiat era in realtà molto sofisticato e tecnicamente molto più compiuto di quanto spesso gli venga attribuito.
