Odilon Redon nasce a Bordeaux da una famiglia benestante, Bertrand Jean Redon. Il suo soprannome era una derivazione del nome di sua madre, Odile, che era una creola francese della Louisiana
A causa di una salute cagionevole, forse dovuta all’epilessia, Redon fu affidato alle cure dello zio e crebbe a Peyrelebade, nella regione francese del Medoc, nella tenuta vinicola di famiglia
La sua infanzia è stata solitaria e descrive le giornate trascorse “a guardare le nuvole passare, seguendo con infinito piacere il magico bagliore delle loro fugaci variazioni“. Tuttavia, Redon si caratterizza anche come un“bambino triste e debole”, che “cercava l’ombra”. Ricorda: “Ricordo di aver provato una gioia profonda e insolita nel nascondermi sotto le grandi tende e negli angoli bui della casa”. Questa nota di malinconia e pessimismo troverà espressione nella sua arte matura, in particolare nei suoi misteri noir e simbolisti.
Alla fine Redon tornò dalla sua famiglia a Bordeaux, dove frequentò per la prima volta la scuola all’età di 11 anni. Dopo aver vinto un premio di disegno, nel 1855 i genitori lo fecero studiare da Stanislas Gorin. Gorin esercitò una profonda influenza sull’artista in erba, come ricorda Redon:“Le sue prime parole… furono di consigliarmi di essere me stesso, e di non fare mai un solo segno con la matita se non c’erano il mio sentimento e la mia ragione”
Gorin, esperto acquerellista, fece conoscere a Redon artisti romantici come Eugène Delacroix e Francisco Goya, di cui fu incoraggiato a copiare le opere. Inoltre, introdusse il giovane artista all’arte dei suoi contemporanei, come Jean-Baptiste-Camille Corot e Gustave Moreau.
I suoi inizi
Il padre di Redon lo spinse a studiare architettura piuttosto che arte, ma nel 1857 non superò gli esami di ammissione agli studi di architettura all’École des Beaux-Arts. A Parigi, Redon incontra il botanico Armand Clavaud, che gli fa conoscere le teorie scientifiche di Charles Darwin, le opere letterarie di Charles Baudelaire, Gustave Flaubert e Edgar Allan Poe e i testi sacri dell’induismo e del buddismo
Redon continuò a dipingere acquerelli nello stile di Gorin e nel 1862 realizzò la sua prima opera importante, Roland à Roncevaux, che ritraeva l’eroe romantico delle Crociate in uno stile che ricordava Delacroix. Nel 1864 Redon entrò nell’atelier del celebre pittore accademico Jean-Leon Gerome, un’esperienza formativa che Redon descrisse come “tormentata” a causa dell’eccessiva enfasi di Gerome sulla rappresentazione mimetica.
Nel 1865, alla ricerca di un ambiente più favorevole, Redon torna felicemente nella casa di famiglia a Bordeaux e si dedica alla scultura. Fu allora che Redon conobbe Rodolphe Bresdin, un artista povero ma del tutto originale ed eccentrico, la cui combinazione di rappresentazioni altamente dettagliate del mondo naturale e di soggetti visionari avrebbe influenzato profondamente il giovane artista. In effetti, Bresdin divenne un mentore per Redon, insegnandogli a realizzare acqueforti e incisioni e incoraggiandolo ad attingere al mondo dello spirito e del mistero da cui Redon era già attratto.
Il suo periodo di maturità artistica: I noir
Gli anni Settanta del XIX secolo furono un periodo di profondi cambiamenti nella vita e nella pratica artistica di Redon. Nel 1870 fu arruolato nella guerra franco-prussiana, che si concluse con l’umiliante sconfitta della Francia e la Comune un anno dopo
L’esperienza interrompe la sua vita e il suo lavoro di artista, aggravando la sua naturale tendenza alla malinconia. Ma allo stesso tempo, i tumultuosi eventi del 1870-71 portarono a una svolta artistica. Tornato a Parigi, inizia a lavorare a quelli che chiama i suoi noir: disegni monocromatici a carboncino che sfruttano la ricchezza intrinseca del mezzo
La straordinaria gamma di toni, texture e sfumature che Redon ottiene in queste opere è straordinaria, paragonabile solo ai disegni a matita di Georges Seurat dello stesso periodo. Il nero divenne per Redon il mezzo ideale per esprimere la sua immaginazione. Come disse Redon: “Il nero deve essere rispettato. Nulla la prostituisce. Non soddisfa l’occhio e non suscita sensualità . È l’agente dello spirito molto più che lo splendido colore della tavolozza o del prisma“.
Nel 1872, Redon incontra Henri Fantin-Latour, dal quale apprende il metodo di trasferimento della litografia. Quando il padre di Redon morì senza un soldo nel 1874, Redon si rivolse alla litografia come mezzo per guadagnarsi da vivere, poiché queste stampe potevano essere prodotte e vendute in quantità relativamente grandi, permettendogli di commercializzare le sue opere a un pubblico più ampio. Come lui stesso ha descritto:“In precedenza avevo cercato, invano, di esporre nei Saloni ufficiali con i numerosi disegni che avevo già realizzato… Per questo motivo ho realizzato le mie prime litografie (nel 1878) per moltiplicare i miei disegni“.
Nel 1876 conosce il poeta e critico d’arte Stéphane Mallarmé e partecipa a incontri regolari a casa di Mallarmé, dove incontra molti scrittori e artisti della sua cerchia simbolista. Alla fine degli anni Settanta del XIX secolo, Redon iniziò a ricevere l’attenzione della critica con l’apparizione del suo Spirito guardiano delle acque (1878). Nel 1879 realizza la sua prima serie litografica, In Sleep.
Qui potete vedere alcune delle illustrazioni appartenenti a questa collezione di litografie.
Nel 1880 sposò Camille Falte, una donna creola come sua madre, e disse che “credo che il “sì” che ho pronunciato il giorno della nostra unione sia stato l’espressione della certezza più completa e senza fronzoli che abbia mai sperimentato“.Una certezza più completa persino della mia vocazione“. Tuttavia, la felicità del loro matrimonio fu oscurata dalla perdita del primo figlio della coppia, che morì sei mesi dopo. Questa tragedia fece sprofondare Redon in una profonda depressione che egli descrisse poeticamente come un “malinconico svenimento“.
In questo periodo Redon si dedica principalmente alle litografie, creando diverse cartelle concepite come accompagnamento di opere letterarie. Ad esempio, To Edgar Poe apparve nel 1882 (le poesie di Poe erano state tradotte in francese un decennio prima da Mallarmé), e La tentazione di Sant’Antonio, ispirato al romanzo di Flaubert, nel 1896
Ai Salon di Mallarmé, Redon incontra il critico e romanziere Joris-Karl Huysmans, che diventa un grande ammiratore dell’artista. Il romanzo decadente Contra natura (1884) di Huysmans racconta la storia del dandy Des Esseintes, che si nasconde dalla società nella sua villa alla periferia di Parigi. Tra le sue collezioni d’arte ci sono diverse opere di Redon, tra cui disegni a carboncino. Il romanzo contribuì a rendere famoso Redon
Nello stesso periodo, Redon diventa amico di Paul Gauguin, che comprende chiaramente l’arte visionaria dell’amico:“Non capisco perché si dice che Odilon Redon dipinga mostri. Sono esseri immaginari. È unsognatore, uno spirito immaginativo“.
Redon espone con gli impressionisti nella loro ultima mostra collettiva del 1886. Le sue opere segnalano i cambiamenti nell’arte moderna, dall’Impressionismo al Simbolismo, dall’osservazione degli effetti fugaci della natura alla preoccupazione per la soggettività e la visione interiore.
Gli ultimi anni: il periodo colorato
Negli anni Novanta del XIX secolo, l’opera di Redon subisce un cambiamento radicale: l’artista inizia a lavorare prevalentemente a pastello, impiegando finalmente il colore dopo aver lavorato per anni solo in nero
Alcuni studiosi hanno attribuito il cambiamento a un risveglio religioso, come dimostra il crescente interesse dell’artista per temi tratti dal buddismo o dal cristianesimo, ma anche molte delle sue litografie in bianco e nero erano dedicate a temi religiosi
Ecco due delle sue raffigurazioni del Buddha
A prescindere dal mezzo, la preoccupazione principale di Redon era l’esperienza soggettiva della spiritualità , piuttosto che l’illustrazione di testi liturgici. Il colore divenne semplicemente un altro mezzo per esplorare i regni al di là del visibile, utilizzandolo a fini espressivi piuttosto che mimetici. Altri studiosi hanno attribuito l’adozione del colore da parte di Redon alla sua felicità personale, dato che il suo secondo figlio, Ari, era nato nel 1889
Nel 1913, l’artista riflette sul suo passaggio al colore, dicendo: “Se l’arte di un artista è il canto della sua vita, una melodia solenne o triste, devo aver suonato la nota della gioia nel colore”.
Negli anni Novanta del XIX secolo, la continua amicizia di Redon con Gauguin lo mette in contatto con i giovani artisti nabi. Maurice Denis vide in Redon un esempio di artista affermato che utilizzava anche gli strumenti formali della sua arte per esprimere un sentimento personale, o quello che lui chiamava“lo stato dell’anima dell’artista“. Redon imparò anche dai pittori più giovani e iniziò ad adottare il loro japonisme, l’uso espressivo del colore e l’enfasi sulla decorazione
Molti dei Nabis, come Édouard Vuillard e Pierre Bonnard, realizzarono progetti decorativi su larga scala, come paraventi e murales, e anche Redon lo farà verso la fine della sua carriera, in particolare nei dipinti murali per il castello del barone Robert de Domecy e per l’ abbazia di Fontfroide.
Dal1900 in poi, Redon si concentra sui ritratti, molti dei quali commissionati, oltre che su soggetti mitologici e letterari, su nature morte floreali e sui lavori decorativi sopra citati. Da questo momento in poi, tutto ciò che fece fu totalmente inondato di colori vivaci, mostrando quello che l’artista surrealista del XX secolo André Masson avrebbe chiamato“cromatismo lirico“.
La fama di Redon crebbe verso la fine della sua vita; nel 1903 il governo francese gli conferì la Legion d’onore. Nel 1913, l’editore André Mellerio pubblicò un catalogo ragionato delle sue stampe; nello stesso anno fu incluso nel famoso Armory Show di New York, esponendo più opere di qualsiasi altro artista in mostra. Redon morì nel 1916, forse affrettato dall’ansia e dalla paura per il figlio, che stava prestando servizio come soldato al fronte della Prima guerra mondiale.
L’eredità di Odilon Redon Come ha influenzato il lavoro di altri artisti?
La grande influenza di Redon si divide in due categorie che corrispondono ai due filoni principali della sua opera: i suoi dipinti e pastelli tardivi, straordinariamente vivaci e colorati, e i suoi primi noir. Per i Nabis fu l’uso libero ed espressivo del colore di Redon ad avere il maggiore impatto
Maurice Denis attribuì a Redon l’evoluzione spirituale della propria arte, mentre Pierre Bonnard disse di Redon:“Tutta la nostra generazione è caduta sotto il suo incantesimo e ha ricevuto i suoi consigli. Henri Matisse riconobbe in seguito l’influenza dei pastelli di Redon sulla propria tavolozza di colori fauve.
Ma l’impatto dei noir di Redon sull’arte moderna è stato forse ancora più profondo, perché in essi troviamo la sua massima originalità e inventiva. I surrealisti erano particolarmente attratti dalla qualità onirica di questi carboncini e litografie e André Breton, il loro leader de facto, ne era un grande ammiratore. Una parte fondamentale dell’influenza di Redon è stata la suggestività della sua arte: invece di descrivere le cose per noi, lo spettatore partecipa attivamente all’interpretazione dell’opera
L’inventore del readymade, Marcel Duchamp, ha osservato:“Se devo dire qual è stato il mio punto di partenza, devo dire che è stata l’arte di Odilon Redon. L’influenza di Redon si estende anche oltre le arti visive, includendo il lavoro del compositore Toru Takemitsu
Analizzando l’opera di Odilon Redon, abbiamo notato che ci sono alcune somiglianze tra alcune delle creature disegnate da Redon e i personaggi del film Disney Pixar Monsters Inc
Le opere più famose di Odilon Redon
Di seguito una breve descrizione di alcune delle opere più note di Odilon Redon, appartenenti ai suoi diversi periodi artistici
Il Guardiano delle Acque
Una grande testa sostenuta da ali fluttua sopra un mare calmo, guardando una piccola barca a vela con occhi molto espressivi. I gabbiani svolazzano nell’aria, sfiorando la superficie dell’acqua che si estende verso il lontano orizzonte
Una delicata aureola circonda la testa, conferendo alla strana creatura un’aura benevola e divina nonostante i suoi tratti brutali. Con la sua rappresentazione realistica di immagini oniriche, Lo spirito guardiano delle acque anticipa il surrealismo del XX secolo.
Quando il padre dell’artista, Bernard Redon, era giovane, viaggiò dalla Francia alla Louisiana per cercare di recuperare l’eredità perduta della famiglia. Lì conobbe la madre di Redon e la sposò. Al suo ritorno in Francia, Odile rimase incinta di Odilon, che nacque a Bordeaux. L’artista si rammaricava spesso di non essere nato in mare,“un luogo senza patria in un abisso“, che forse avrebbe corrisposto meglio alle origini della sua sensibilità visionaria.
Il disegno è tipico dei noir di Redon, in cui l’artista manipola il carboncino per ottenere una ricca gamma di toni e texture. L’artista ha usato spazzate, tratti, incisioni e tocchi di gesso su carta trattata color crema, lasciando spesso brillare le aree non toccate del foglio per evidenziarle.
Uomo cactus
La testa di un uomo emerge da una pianta in vaso e il suo collo si alza come lo stelo di una strana pianta ibrida. Delicate spine ricoprono la sua pelle e la sua testa, dandogli un aspetto simile a un cactus ed evocando allo stesso tempo la corona di spine di Cristo o di altri martiri simili. Con occhi grandi e spenti, naso piatto e labbra larghe, la testa ha un’espressione al tempo stesso osservatrice e indifferente
Il vaso è decorato con l’immagine di un’Amazzone che uccide un uomo, un riferimento al mito greco delle donne guerriere, la cui combinazione di tratti femminili e maschili riecheggia la combinazione di forme umane e vegetali del disegno.
Il disegno potrebbe essere legato a una mostra che Redon vide a Parigi nel 1881 e che aveva come protagonisti gli abitanti della Terra del Fuoco. Gli indigeni sudamericani esposti, che Redon descrisse come “altezzosi, crudeli e grotteschi“, ebbero un impatto profondo e complicato sull’artista: da un lato, egli ammirava la purezza e la semplicità dei cosiddetti popoli “primitivi“, mentre dall’altro riconosceva in loro la spaventosa barbarie delle origini dell’uomo
Emergendo da un vaso quadrato – simbolo della cultura occidentale e della costrizione – l’ibrido uomo-pianta di Redon può essere inteso come un tentativo di conciliare i due poli dell’esistenza umana, natura e cultura, selvaggio e civilizzato.
L’occhio, come uno strano mappamondo, si muove verso l’infinito
Un bulbo oculare è stato trasformato in uno strano globo, il cui sguardo è diretto verso il cielo mentre si alza sopra l’orizzonte. Invece di una cesta con i passeggeri, il globo porta una testa mozzata su un vassoio, come quella di San Giovanni Battista nella storia biblica di Salomè. In basso a sinistra si vedono le fronde di una pianta simile a una palma, mentre il cielo è pieno di nuvole dense.
Le teste mozzate compaiono molto spesso nell’arte e nella letteratura simbolista, sia nelle storie di Salomè che in immagini più misteriose come questa
La testa o il bulbo oculare dissociato dal corpo fisico è un simbolo di libertà dai vincoli della vita quotidiana e del raggiungimento di un piano di coscienza superiore. Come scrive la studiosa e curatrice Jodi Hauptman, “fluttuando “nell’infinito”, liberati dalle limitazioni del corpo e della mente, gli occhi di Redon sono liberi di vedere veramente, oltre la realtà , oltre la natura, oltre il visibile”.
Quest’opera è stata inclusa nel portfolio di sei litografie di Redon, A Edgar Poe, ed è l’immagine più famosa della serie. Le stampe non erano intese come illustrazioni delle poesie di Poe, ma come “corrispondenze“, per usare l’espressione di Redon.
La poesia di Mallarmé e di altri simbolisti, che consideravano la suggestione piuttosto che la descrizione l’obiettivo più alto dell’arte, è caratterizzata da un approccio altrettanto evocativo. Inoltre, il bulbo oculare gigante dell’incisione prefigura l’estremo primo piano del bulbo oculare tagliato nel film surrealista di Luis Buñuel Un Chien Andalou.
Il ragno sorridente
Uno strano ragno sorridente con dieci zampe è il soggetto della litografia di Redon. Il corpo rotondo e peloso del ragno ha un volto umano, con un naso all’insù e un’ampia bocca sorridente che rivela una fila di piccoli denti
La creatura si inclina leggermente di lato sulle sue zampe tozze, come se fosse appena scesa dal soffitto su un filo di seta. Il motivo a griglia del pavimento dà un senso di spazio tridimensionale, ma il realismo dell’ambientazione non fa che aumentare l’effetto suggestivo del soggetto (chi ha mai visto un ragno del genere sul pavimento piastrellato della propria cucina?)
Redon si è basato su un precedente disegno a carboncino,“Il ragno piangente“, ma il mezzo litografico (che utilizza inchiostro grasso o pastello applicato direttamente sulla pietra liscia) era ugualmente adatto all’esplorazione del colore nero da parte dell’artista.
Redon era affascinato dalle scienze naturali e, incoraggiato dall’amico botanico Armand Clavaud, studiò anatomia, osteologia e vita microscopica. Frequentò anche il Museo di Storia Naturale di Parigi, che comprendeva mostre di anomalie biologiche, e seguì le lezioni dell’Ecole de Médecine. Infatti, molti dei suoi “mostri” erano basati sull’osservazione, ma trasformati dall’immaginazione dell’artista
È il riconoscimento della nostra umanità in queste strane creature ibride – il ghigno stralunato di un ragno peloso – che le rende così attraenti e repellenti allo stesso tempo.
Occhi chiusi
Il dipinto raffigura una figura con gli occhi chiusi, le spalle nude e un casco stretto di capelli scuri, che sembra emergere dal mare. Il motivo degli occhi chiusi piaceva a Redon, per il quale il simbolo evocava il mistero, il sonno, la meditazione e la vita interiore. Allo stesso tempo, gli occhi chiusi possono anche indicare la morte, che per i simbolisti rappresentava la fuga definitiva dal mondo reale e dalle limitazioni terrene della vita cosciente.
Occhi chiusi segna una svolta nella carriera di Redon, che inizia ad adottare per la prima volta il colore nella sua arte. In realtà , Redon ha basato il dipinto su un precedente disegno a carboncino dello stesso soggetto. In questo caso, tuttavia, la tavolozza è piuttosto sottile.
Redon ha utilizzato sottili pennellate di pittura a olio per dare un effetto traslucido ed etereo, mentre i toni chiari e la composizione a tre quarti evocano i ritratti in marmo del Rinascimento italiano.
Occhi chiusi è diventato una sorta di icona simbolista (è stata la prima opera di Redon ad essere acquisita da un importante museo francese, nel 1904) e probabilmente raffigura la moglie di Redon, Camille Falte. Tuttavia, bisogna riconoscere l’ambiguità del genere della figura, che è un ulteriore segno dell’allontanamento dal mondo materiale rappresentato.
L’androgino era un soggetto popolare per i simbolisti a causa della sua associazione con il regno spirituale e della sua natura intrinsecamente ibrida ( le immagini di San Giovanni di Leonardo lo ritraggono spesso in una forma decisamente femminile, ad esempio). Infine, lo spazio etereo che lo circonda contribuisce al senso di infinito e l’effetto complessivo dell’opera è di calma serena.
La baronessa di Domecy
Questo è uno dei numerosi ritratti che Redon eseguì della moglie del suo amico e mecenate, il barone di Domecy. In questo caso, la ritrae su uno sfondo floreale astratto
Il volto e la testa della donna sono disegnati in modo preciso e realistico, con delicati tratti di grafite che ne definiscono i tratti. Lo sfondo di carta abbronzata sostituisce la sua pelle e i suoi toni smorzati si adattano alla sua espressione seria e ritirata, come se fosse persa nei suoi pensieri
In contrasto con il suo volto monocromatico, la camicetta rossa della baronessa suggerisce un’anima più passionale di quanto il suo contegno riservato possa indicare. Allo stesso modo, la profusione di motivi floreali – che sembrano più decorativi che reali – conferisce alla scena un aspetto onirico, forse simbolo della sua vivida vita interiore.
Bouquet di fiori
Le numerose nature morte floreali che Redon realizzò verso la fine della sua carriera sono tra le sue opere più popolari e riconoscibili e sono state ampiamente riprodotte. Qui, una varietà di fiori dai colori vivaci, delicatamente disegnati a pastello, sboccia da un vaso decorativo blu, inserito in uno sfondo astratto dai toni ruggine, ocra, viola e rosa
Il vaso, anch’esso decorato con un motivo floreale, sembra fluttuare nello spazio, anziché poggiare su una superficie evidente. Alcune piccole farfalle svolazzano intorno al bouquet.
Le nature morte a pastello di Redon sembrano familiari, ma allo stesso tempo evocano le immagini amplificate della memoria eidetica o fotografica. Redon ha descritto i suoi fiori come “alla confluenza di due sponde, quella della rappresentazione e quella della memoria”
In effetti, i colori vivaci e l’ambientazione indeterminata contribuiscono a collocare il bouquet nel regno della visione interiore. Più che un semplice elemento di decorazione domestica, i fiori sembrano un’apparizione, un meraviglioso prodotto di un’immaginazione febbrile.
Giorno e notte
Nel 1910, Redon accettò di decorare la biblioteca della tenuta del suo amico e mecenate Gustave Fayet, un artista che aveva acquistato l’abbazia medievale nel 1908 con l’intenzione di restaurarla. Avendo piena libertà nel progetto, Redon creò due grandi pannelli, Giorno e Notte, per le due pareti, e un pannello più piccolo sopra la porta
Day, che raffigura quattro cavalli in omaggio alle decorazioni del soffitto di Delacroix per il Louvre (la Galleria Apollo) in una cornice di toni dorati e fiori, esprime la gioia che Redon associava al colore. Nelle tavole, Redon guarda al proprio lavoro, mentre il Giorno evoca il suo periodo a colori e la Notte guarda ai suoi “noir”.
In Night, diverse figure occupano un paesaggio, con alberi scuri che si stagliano in una luce dorata sotto un cielo blu scuro, teste alate fluttuanti e una profusione di piante e fiori e farfalle svolazzanti. Madeline Fayet, moglie di Gustave, e sua figlia Simone sono raffigurate come due donne velate
A destra dell’albero si trovano i profili di Gustave Fayet, dei suoi figli Léon e Antoine e di Camille Redon. Compaiono anche diversi musicisti, tra cui Robert Schumann, il compositore Déodat de Séverac e il pianista Ricardo Viñes.
Includendo i musicisti, Redon rende omaggio all’influenza della musica sul propriolavoro. Violinista che a volte si esibiva in pubblico, Redon diceva che“la musica è un’arte notturna, l’arte del sonno“. La notte è di per sé un sogno e la rappresentazione delle figure con colori più scuri suggerisce che esse abitano il mondo notturno del sonno e della fantasticheria
Il farfalle per dirla con Redon, dovevano essere creature di luce che emergevano dalla“crisalide delle tenebre“. Se Redon riconosce il suo noir nelle figure in ombra, la luce dorata che le circonda attenua l’oscurità , così che la scena evoca una sorta di paradiso pacifico e immaginifico.
Il ciclope
Polifemo, il mitico mostro con un occhio solo dell’Odissea di Omero, incombe dalla cima di una collina rocciosa mentre la ninfa Galatea, prigioniera, dorme nella sua grotta, circondata da fiori.
Nei suoi ultimi pastelli e dipinti Redon raffigura spesso scene della mitologia classica e deve aver conosciuto la versione di Ovidio della storia di Polifemo. Nel suo dipinto, come nel poema, il Ciclope si innamora della ninfa marina. Tuttavia, egli conosceva anche le acclamate opere di Gustave Moreau, che negli anni Ottanta del XIX secolo rappresentavano la storia in modo tragico.
Redon sembra contrapporre gli elementi a cui appartengono le due figure, con il Ciclope che emerge dalla terra dura e rocciosa e la ninfa che si culla nella grotta marina e nella sua abbondante flora femminile. Con il suo grande occhio morbido ed espressivo che evoca la“testa sognante” del simbolismo, Polifemo non è il mostro divoratore di uomini dell’Odissea di Omero, ma una creatura gentile, persino capricciosa.
A differenza di Moreau, Redon non tratta il soggetto in modo tragico, né rappresenta il desiderio frustrato. Il corpo di Galatea rannicchiato su un lato, il volto addormentato parzialmente nascosto dal braccio teso, suggerisce intimità , un rivolgersi verso il mondo interiore dei sogni. E, invece di guardare la ninfa nuda nel sonno, Polifemo inclina la testa e guarda verso lo spettatore con uno sguardo quasi indagatore
Il risultato è che lo spettatore, il cui sguardo è inizialmente attratto dalle forme della ninfa, è consapevole di essere osservato da un gigante che custodisce con delicatezza questa visione interiore.
Dal punto di vista stilistico, il dipinto può essere considerato una sintesi dell’opera di Redon fino a quel momento della sua carriera, in quanto combina il suo iniziale interesse per la pittura a olio con la tavolozza di colori del periodo dei pastelli, insieme all’immagine di un“mostro” che potrebbe essere stata presa da uno dei suoi noir.
