Pendant des siècles, l’histoire de l’art a été dominée par des noms masculins tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange et Rembrandt. Cependant, tout au long de l’histoire, des femmes artistes talentueuses et visionnaires ont créé des œuvres d’art impressionnantes et apporté des contributions significatives au monde de l’art.
De la peinture à la sculpture en passant par la photographie et l’art vidéo, les femmes artistes ont défié les attentes culturelles et remis en question les rôles des hommes et des femmes à travers leurs œuvres. Dans cet article, nous explorons la vie et l’œuvre de certaines des femmes artistes les plus éminentes de l’histoire.
10 femmes artistes à ne pas manquer
Bien entendu, l’histoire de l’art regorge de femmes artistes et il serait impossible de toutes les citer dans cet article. Nous avons donc sélectionné quelques-unes des femmes artistes les plus remarquables.
1-Sofonisba Anguissola
Sofonisba Anguissola (v. 1532 – 16 novembre 1625), également connue sous le nom de Sophonisba Angussola ou Sophonisba Anguisciola, est une peintre italienne de la Renaissance née à Crémone dans une famille noble relativement pauvre.
Elle reçut une éducation complète qui incluait les beaux-arts, et son apprentissage auprès de peintres locaux créa un précédent en permettant aux femmes d’être acceptées en tant qu’étudiantes en art.
Jeune femme, Anguissola se rend à Rome, où elle est présentée à Michel-Ange, qui reconnaît immédiatement son talent, et à Milan, où elle peint le duc d’Albe. La reine d’Espagne, Isabelle de Valois, était une grande admiratrice de la peinture et, en 1559, Anguissola a été recrutée pour aller à Madrid en tant que tutrice, avec le rang de dame d’honneur.
Elle devient ensuite peintre officiel de la cour de Philippe II et adapte son style aux exigences plus formelles du portrait officiel de la cour d’Espagne. Après la mort de la reine, Philippe l’a aidée à organiser un mariage aristocratique. Il s’installe en Sicile, puis à Pise et à Gênes, où il continue à travailler comme portraitiste de premier plan.
Ses tableaux les plus caractéristiques et les plus attrayants sont les portraits d’elle-même et de sa famille, qu’elle a peints avant de rejoindre la cour d’Espagne. Ses représentations d’enfants, en particulier, sont fraîches et soigneusement rendues. À la cour d’Espagne, elle a peint des portraits d’État formels dans le style officiel dominant, en tant que l’une des premières femmes peintres de cour, relativement peu nombreuses, et l’une de celles qui ont connu le plus de succès. Plus tard, elle a également peint des sujets religieux, bien qu’un grand nombre de ses peintures religieuses aient été perdues. Elle mourut à l’âge de 93 ans en 1625 à Palerme.
L’exemple d’Anguissola, tout comme son œuvre, a eu une influence durable sur les générations suivantes d’artistes, et son grand succès a ouvert la voie à d’autres femmes qui se sont mises sérieusement à la peinture.
Ses peintures sont exposées dans des galeries à Boston (Isabella Stewart Gardner Museum), Milwaukee (Milwaukee Art Museum), Bergame, Brescia, Budapest, Madrid (Museo del Prado), Naples et Sienne, ainsi qu’à la Galerie des Offices à Florence.
Son contemporain Giorgio Vasari a écrit qu’Anguissola « a fait preuve d’une plus grande application et d’une meilleure grâce qu’aucune autre femme de notre époque dans ses efforts de dessin ; ainsi, elle a non seulement réussi à dessiner, à colorer et à peindre d’après nature, et à copier excellemment d’après d’autres, mais elle a elle-même créé des peintures rares et très belles ».
2-Elisabeth Louise Vigée Le Brun
Élisabeth Louise Vigée Le Brun (16 avril 1755 – 30 mars 1842), également connue sous le nom de Madame Le Brun, est une portraitiste française, en particulier de femmes, de la fin du XVIIIe siècle et du début du XIXe siècle.
Son style artistique est généralement considéré comme faisant partie des suites du rococo avec des éléments d’un style néoclassique adopté. Ses sujets et sa palette de couleurs peuvent être classés comme rococo, mais son style s’inscrit dans l’émergence du néoclassicisme. Vigée Le Brun s’est fait un nom dans la société d’Ancien Régime en tant que portraitiste de Marie-Antoinette.
Elle a bénéficié du patronage d’aristocrates, d’acteurs et d’écrivains européens et a été élue aux académies des beaux-arts de dix villes. Certains artistes contemporains célèbres, comme Joshua Reynolds, la considéraient comme l’une des meilleures portraitistes de son temps, la comparant aux anciens maîtres hollandais.
Vigée Le Brun a réalisé 660 portraits et 200 paysages. Outre de nombreuses œuvres dans des collections privées, ses peintures appartiennent à d’importants musées tels que le Louvre à Paris, le musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres, le Metropolitan Museum of Art à New York et de nombreuses autres collections en Europe et aux États-Unis. Son habitus personnel se caractérise par une grande sensibilité au son, à la vue et à l’odorat.
Entre 1835 et 1837, alors que Vigée Le Brun a plus de 80 ans, il publie ses mémoires en trois volumes (Souvenirs), qui contiennent également de nombreux portraits à la plume et des conseils pour les jeunes portraitistes.
3-Rosa Bonheur
Rosa Bon heur (née Marie-Rosalie Bonheur ; 16 mars 1822 – 25 mai 1899) est une artiste française connue principalement comme animalière.
Elle a également réalisé des sculptures dans le style réaliste. Parmi ses œuvres, citons Le labourage dans le Nivernais, exposé pour la première fois au Salon de Paris de 1848 et aujourd’hui conservé au musée d’Orsay, à Paris, et Le marché aux chevaux, exposé au Salon de Paris de 1853 (achevé en 1855) et aujourd’hui conservé au Metropolitan Museum of Art, à New York. Bonheur était considéré comme le peintre le plus célèbre du XIXe siècle.
On a prétendu que Bonheur était ouvertement lesbienne, car elle a vécu avec sa compagne Nathalie Micas pendant plus de 40 ans, jusqu’à la mort de Micas, après quoi elle a vécu avec la peintre américaine Anna Elizabeth Klumpke . D’autres soulignent toutefois que rien ne vient étayer cette affirmation.
4-Hilma Af Klint
Hilma af Klint (26 octobre 1862 – 21 octobre 1944) était une artiste et mystique suédoise dont les peintures sont considérées comme faisant partie des premières œuvres abstraites connues dans l’histoire de l’art occidental. Une grande partie de son œuvre précède les premières compositions purement abstraites de Kandinsky, Malevitch et Mondrian.
Elle appartenait à un groupe appelé « Les Cinq », un cercle de femmes inspirées par la théosophie, qui partageaient la conviction qu’il était important d’essayer d’entrer en contact avec les soi-disant « Grands Maîtres », souvent par le biais de séances de spiritisme.
Leurs peintures, qui ressemblent parfois à des diagrammes, étaient une représentation visuelle d’idées spirituelles complexes.
5-Frida Kahlo
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (6 juillet 1907 – 13 juillet 1954) était une peintre mexicaine connue pour ses nombreux portraits, autoportraits et œuvres inspirées par la nature et les objets du Mexique. Inspirée par la culture populaire du pays, elle a utilisé un style folklorique naïf pour explorer les questions d’identité, de post-colonialisme, de genre, de classe et de race dans la société mexicaine.
Ses peintures comportent souvent de forts éléments autobiographiques et mêlent réalisme et fantaisie. Outre son appartenance au mouvement post-révolutionnaire Mexicayotl, qui cherchait à définir une identité mexicaine, Kahlo a été décrite comme une surréaliste ou une réaliste magique. Elle est connue pour avoir peint sur son expérience de la douleur chronique.
Née d’un père allemand et d’une mère métisse, Kahlo a passé la majeure partie de son enfance et de sa vie d’adulte à La Casa Azul, sa maison familiale de Coyoacán, aujourd’hui accessible au public sous la forme du musée Frida Kahlo.
Bien qu’handicapée par la polio dans son enfance, Kahlo était une étudiante prometteuse qui se destinait à la médecine jusqu’à ce que, à l’âge de 18 ans, elle soit victime d’un accident de bus qui lui causa des douleurs et des problèmes médicaux tout au long de sa vie. Pendant sa convalescence, elle a repris l’intérêt qu’elle portait à l’art depuis son enfance, avec l’idée de devenir artiste.
Son intérêt pour la politique et l’art l’amène à rejoindre le Parti communiste mexicain en 1927, ce qui lui permet de rencontrer un autre artiste mexicain, Diego Rivera. Le couple se marie en 1929 et passe la fin des années 1920 et le début des années 1930 à voyager au Mexique et aux États-Unis. À cette époque, elle développe son style artistique, s’inspirant principalement de la culture populaire mexicaine, et peint surtout de petits autoportraits mêlant des éléments de croyances précolombiennes et catholiques.
Ses peintures suscitent l’intérêt de l’artiste surréaliste André Breton, qui organise la première exposition personnelle de Kahlo à la Julien Levy Gallery de New York en 1938 ; l’exposition est un succès et est suivie d’une autre à Paris en 1939. Bien que l’exposition française soit moins réussie, le Louvre acquiert un tableau de Kahlo, Le Cadre, faisant d’elle la première artiste mexicaine à entrer dans sa collection. Tout au long des années 1940, Kahlo participe à des expositions au Mexique et aux États-Unis et travaille en tant que professeur d’art. Elle enseigne à l’Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado (« La Esmeralda ») et est membre fondateur du Seminario de Cultura Mexicana. La santé de Kahlo, toujours fragile, commence à décliner au cours de la même décennie.
Sa première exposition personnelle au Mexique a lieu en 1953, peu avant sa mort en 1954, à l’âge de 47 ans.
L’œuvre de Kahlo en tant qu’artiste est restée relativement méconnue jusqu’à la fin des années 1970, lorsqu’elle a été redécouverte par des historiens de l’art et des activistes politiques. Au début des années 1990, elle est non seulement devenue une figure reconnue de l’histoire de l’art, mais elle est également considérée comme une icône pour les Chicanos, le mouvement féministe et la communauté LGBTQ+. L’œuvre de Kahlo a été célébrée dans le monde entier comme une icône.
6-Mary Cassatt
Mary Stevenson Cassatt (22 mai 1844 – 14 juin 1926) était une peintre et graveur américaine. Elle est née à Allegheny, en Pennsylvanie (qui fait aujourd’hui partie du nord de la région de Pittsburgh), mais a vécu une grande partie de sa vie d’adulte en France, où elle s’est liée d’amitié avec Edgar Degas et a exposé avec les impressionnistes.
Cassatt a souvent créé des images de la vie sociale et privée des femmes, en mettant particulièrement l’accent sur les liens intimes entre les mères et les enfants.
Gustave Geffroy l’a décrite comme l’une des « trois grandes dames » de l’impressionnisme, avec Marie Bracquemond et Berthe Morisot en 1879. Diego Martelli l’a comparée à Degas, car tous deux cherchaient à représenter le mouvement, la lumière et le design dans le sens le plus moderne du terme.
7-Georgia O’Keeffe
Georgia Totto O’Keeffe (15 novembre 1887 – 6 mars 1986) était une artiste moderniste américaine. Elle était connue pour ses peintures de fleurs agrandies, de gratte-ciel new-yorkais et de paysages du Nouveau-Mexique. O’Keeffe a été surnommée la « mère du modernisme américain ».
En 1905, O’Keeffe commence sa formation artistique à l’école de l’Art Institute de Chicago, puis à l’Art Students League de New York. En 1908, ne pouvant poursuivre ses études, elle travaille pendant deux ans comme illustratrice commerciale et, entre 1911 et 1918, enseigne en Virginie, au Texas et en Caroline du Sud.
Elle étudie l’art pendant les étés 1912 et 1914 et s’initie aux principes et à la philosophie d’Arthur Wesley Dow, qui crée des œuvres d’art basées sur le style personnel, la conception et l’interprétation des sujets, plutôt que d’essayer de les copier ou de les représenter. Cela a provoqué un grand changement dans ses sentiments et son approche de l’art, comme en témoignent les premières aquarelles de ses études à l’université de Virginie et, de façon plus spectaculaire, les dessins au fusain qu’elle a réalisés en 1915 et qui l’ont amenée à l’abstraction totale. Alfred Stieglitz, marchand d’art et photographe, organise une exposition de ses œuvres en 1917. Pendant les deux années suivantes, elle enseigne et poursuit ses études au Teachers College de l’université de Columbia.
En 1918, elle s’installe à New York à la demande de Stieglitz et commence à travailler sérieusement en tant qu’artiste. Tous deux développent une relation professionnelle et personnelle qui aboutit à leur mariage en 1924. O’Keeffe a créé de nombreuses formes d’art abstrait, y compris des gros plans de fleurs, comme les peintures Red Canna, que beaucoup considèrent comme représentant des vulves, bien qu’O’Keeffe ait toujours nié cette intention. L’imputation de la représentation de la sexualité féminine a également été alimentée par les photographies explicites et sensuelles d’O’Keeffe que Stieglitz avait prises et exposées.
O’Keeffe et Stieglitz vivent ensemble à New York jusqu’en 1929, date à laquelle O’Keeffe commence à passer une partie de l’année dans le Sud-Ouest, ce qui lui inspire des peintures de paysages du Nouveau-Mexique et des images de crânes d’animaux, telles que Cow’s Skull : Red, White, and Blue et Ram’s Head White Hollyhock and Little Hills. Après la mort de Stieglitz, il a vécu au Nouveau-Mexique à Georgia O’Keeffe Home and Studio à Abiquiú jusqu’aux dernières années de sa vie, où il a vécu à Santa Fe.
En 2014, le tableau Jimson Weed/White Flower No. 1 (1932) de Georgia O’Keeffe a été vendu 44 405 000 dollars, soit plus du triple du précédent record mondial de vente aux enchères pour une artiste féminine. Après sa mort, le Georgia O’Keeffe Museum a été créé à Santa Fe.
8-HelenFrankethaler
Helen Frankenthaler (12 décembre 1928 – 27 décembre 2011) était une peintre expressionniste abstraite américaine. Elle a apporté une contribution décisive à l’histoire de la peinture américaine d’après-guerre.
Elle a exposé ses œuvres pendant plus de six décennies (du début des années 1950 jusqu’en 2011), traversant plusieurs générations de peintres abstraits tout en produisant des œuvres nouvelles, vitales et en constante évolution.Frankenthaler a commencé à exposer ses peintures expressionnistes abstraites à grande échelle dans des musées et des galeries contemporaines au début des années 1950.
Elle a participé à l’exposition Post-Painting Expressionist de 1964. En 1964, elle a participé à l’exposition Post-Paintterly Abstraction, organisée par Clement Greenberg, qui a introduit une nouvelle génération de peinture abstraite connue sous le nom de colour field.
Née à Manhattan, elle a été influencée par les peintures de Greenberg, Hans Hofmann et Jackson Pollock.
Son œuvre a fait l’objet de plusieurs rétrospectives, dont une exposition en 1989 au Museum of Modern Art de New York, et a été exposée dans le monde entier depuis les années 1950. En 2001, il a reçu la médaille nationale des arts.
Frankenthaler avait une maison et un studio à Darien, dans le Connecticut.
9-Leonora Carrington
Mary Leonora Car rington (6 avril 1917 – 25 mai 2011) est une artiste britannique, peintre surréaliste et romancière. Elle a vécu la majeure partie de sa vie adulte à Mexico et est l’une des dernières survivantes du mouvement surréaliste des années 1930.
Carrington a également été l’un des membres fondateurs du mouvement de libération des femmes au Mexique dans les années 1970.
10-Louis Bourgeois
Louise Joséphine Bourgeois (25 décembre 1911 – 31 mai 2010) était une artiste franco-américaine. Bien qu’elle soit surtout connue pour ses sculptures et installations à grande échelle, Bourgeois était également une peintre et une graveuse prolifique.
Tout au long de sa longue carrière, elle a exploré une variété de thèmes, tels que la domesticité et la famille, la sexualité et le corps, ainsi que la mort et l’inconscient, en relation avec des événements de son enfance, qu’elle considérait comme un processus thérapeutique.
Bien que Bourgeois ait exposé avec les expressionnistes abstraits et que son œuvre ait beaucoup en commun avec le surréalisme et l’art féministe, elle n’était pas formellement affiliée à un mouvement artistique particulier.
