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10 Pinturas Famosas de Claude Monet

Las obras más famosas de Claude Monet, fundador del Impresionismo.

Oscar-Claude Monet fue un pintor francés, fundador de la pintura impresionista, considerado un precursor clave del modernismo, especialmente por sus intentos de pintar la naturaleza tal y como la percibía.

Durante su larga carrera, fue el más consecuente y prolífico practicante de la filosofía del impresionismo de expresar las propias percepciones ante la naturaleza, especialmente aplicada a la pintura de paisajes al aire libre.

El término «impresionismo» se deriva del título de su cuadro Impresión, sol naciente, expuesto en la exposición de 1874 («exposición de rechazos») iniciada por Monet y sus asociados como alternativa al Salón.

Monet se crió en Le Havre, Normandía, y desde muy joven se interesó por el aire libre y el dibujo. Aunque su madre, Louise-Justine Aubrée Monet, apoyaba sus ambiciones de ser pintor, su padre, Claude-Adolphe, lo desaprobaba y quería que hiciera carrera en los negocios. Estaba muy unido a su madre, pero ésta murió en enero de 1857, cuando él tenía dieciséis años, y fue enviado a vivir con su tía Marie-Jeanne Lecadre, viuda y sin hijos, pero rica.

Estudió en la Académie Suisse y con el pintor de historia académica Charles Gleyre, donde fue compañero de Auguste Renoir. Sus primeras obras incluyen paisajes, marinas y retratos, pero atrajeron poca atención. Una de sus primeras influencias fue Eugène Boudin, que le introdujo en el concepto de la pintura al aire libre.

A partir de 1883, Monet vivió en Giverny, también en el norte de Francia, donde compró una casa y una propiedad y comenzó un amplio proyecto de paisajismo, que incluía un estanque de nenúfares.

La ambición de Monet de documentar la campiña francesa le llevó a pintar la misma escena muchas veces para captar el cambio de luz y el paso de las estaciones. Entre los ejemplos más conocidos están su serie de almiares (1890-91), los cuadros de la catedral de Rouen (1894) y las pinturas de nenúfares en su jardín de Giverny que le ocuparon continuamente durante los últimos 20 años de su vida.

Expuesto con frecuencia y con éxito durante su vida, la fama y la popularidad de Monet se dispararon en la segunda mitad del siglo XX, cuando se convirtió en uno de los pintores más famosos del mundo y en una fuente de inspiración para grupos de artistas emergentes.

En este artículo vamos a mostrarte 10 de las obras más destacadas de este artista.

Mujer con sombrilla, de Claude Monet.

Mujer con sombrillaMadame Monet y su hijo, a veces conocido como El paseo (en francés: La Promenade) es un óleo sobre lienzo de Claude Monet de 1875.

La obra impresionista representa a su esposa Camille Monet y a su hijo Jean Monet en el período comprendido entre 1871 y 1877, mientras vivían en Argenteuil, capturando un momento de un paseo en un ventoso día de verano.

Las ligeras y espontáneas pinceladas de Monet crean salpicaduras de color. El velo de la Sra. Monet es movido por el viento, al igual que su ondulante vestido blanco; la hierba ondulada de la pradera tiene su eco en la parte inferior verde de su sombrilla. Se la ve como desde abajo, con una fuerte perspectiva ascendente, contra unas nubes blancas y esponjosas en un cielo azul.

Un niño, el hijo de siete años de Monet, está situado más lejos, oculto tras una elevación del terreno y visible sólo de cintura para arriba, creando una sensación de profundidad.

La obra es un cuadro de género de una escena familiar cotidiana, no un retrato formal.Fue pintada al aire libre, en plein air, y rápidamente, probablemente en un solo periodo de unas pocas horas. Mide 100 × 81 centímetros, la obra más grande de Monet en la década de 1870, y está firmada «Claude Monet 75» en la esquina inferior derecha.

El cuadro fue una de las 18 obras de Monet expuestas en la segunda exposición impresionista de abril de 1876, en la galería de Paul Durand-Ruel. Diez años más tarde, Monet volvió a tratar un tema similar, pintando en 1886 un par de escenas en las que aparece la hija de su segunda esposa, Suzanne Monet, con una sombrilla en un prado de Giverny; se encuentran en el Museo de Orsay. John Singer Sargent vio el cuadro en la exposición de 1876 y se inspiró más tarde para crear un cuadro similar, Dos chicas con sombrilla en Fladbury, en 1889.

Baño en la Grenouillere, de Claude Monet.

Bain à la Grenouillère es un óleo sobre lienzo de 1869 . Representa la «isla de la maceta», también conocida como el Camembert, y la pasarela de la Grenouillère, un restaurante flotante y un barco de alquiler en el Sena en Croissy-sur-Seine. Le acompañó Pierre-Auguste Renoir, que también pintó la escena en la misma época.

Monet escribió el 25 de septiembre de 1869 en una carta a su colega Frédéric Bazille:

«Tengo un sueño, un cuadro , los baños de La Grenouillère, para el que he hecho algunos malos bocetos , pero sólo es un sueño» Pierre-Auguste Renoir, que acaba de pasar dos meses aquí, también quiere hacer este cuadro».

Monet y Renoir, ambos desesperadamente pobres, estaban muy unidos en aquella época.

Este cuadro y otro de la National Gallery de Londres son probablemente los bocetos mencionados por Monet en su carta. Un cuadro de mayor tamaño, hoy perdido, pero que perteneció a la colección Arnhold de Berlín, podría ser el «retablo» con el que soñaba. Las amplias y constructivas pinceladas de este cuadro son claramente las de un boceto.

Para sus cuadros de exposición, Monet suele buscar en esta época una superficie más delicada y cuidadosamente calibrada. Una composición casi idéntica del mismo tema de Renoir, La Grenouillère, se encuentra en el Nationalmuseum de Estocolmo. No cabe duda de que los dos amigos trabajaban codo con codo.

La Grenouillère era un popular complejo turístico de clase media que contaba con un balneario, un establecimiento náutico y un café flotante. Promocionado con optimismo como «Trouville-sur-Seine«, estaba situado en el Sena, cerca de Bougival, fácilmente accesible en tren desde París, y acababa de ser favorecido con una visita del emperador Napoleón III con su esposa e hijo. Tanto Monet como Renoir reconocieron en La Grenouillère un tema ideal para las imágenes de ocio que esperaban vender.

La Grenouillère es el escenario del cuento de Guy de Maupassant de 1881 «La femme de Paul». Se describe como un lugar en el que:

«se huele, en lo más profundo de nuestras fosas nasales, la espuma del mundo, todos sus distinguidos canallas, el molde de la sociedad parisina: una mezcla de vendedores, fanfarrones, periodistas de baja estofa, jóvenes acompañados, aficionados corruptos de la bolsa, cretinos fiesteros, viejos desecados buscadores de placer; una turbia multitud de todos los seres sospechosos, medio conocidos, medio perdidos, medio saludados, medio deshonrados, estafadores, bribones, proveedores de mujeres, señores de la industria con una mirada digna, la mirada de un fanfarrón que parece decir: «Al primero que me llame pillo, lo reviento».

Impresión, sol naciente, considerada la obra que dio nombre al impresionismo.

Impresión, sol naciente (en francés: Impression, soleil levant) es una pintura de 1872 de Claude Monet que se expuso por primera vez en lo que se conocería como la «Exposición de los Impresionistas» en París en abril de 1874. A este cuadro se le atribuye la inspiración del nombre del movimiento impresionista.

Impresión, sol naciente» representa el puerto de Le Havre, ciudad natal de Monet. Actualmente se expone en el Museo Marmottan Monet de París.

Monet visitó su ciudad natal de Le Havre, en el noroeste de Francia, en 1872 y procedió a crear una serie de obras que representaban el puerto de Le Havre. Los seis lienzos pintados representan el puerto «durante el amanecer, el día, el atardecer y la oscuridad y desde distintos puntos de vista, algunos desde el agua misma y otros desde una habitación de hotel que mira hacia el puerto».

Impresión, sol naciente se convirtió en la más famosa de la serie tras ser estrenada en abril de 1874 en París en una exposición del grupo «Pintores, Escultores, Grabadores, etc. Inc.». Entre los treinta participantes, la exposición estaba encabezada por Monet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir y Alfred Sisley, y mostraba más de doscientas obras que fueron vistas por unas 4.000 personas, entre las que se encontraban algunos críticos poco comprensivos.

En 1985 el cuadro fue robado del Museo Marmottan Monet por Philippe Jamin y Youssef Khimoun. Fue recuperado y devuelto al museo en 1990, y vuelto a exponer en 1991.

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Crepúsculo en Venecia, de Monet.

Saint-Georges majeur au crépuscule se refiere a un cuadro impresionista de Claude Monet, que existe en más de una versión. Forma parte de una serie de vistas del monasterio-isla de San Giorgio Maggiore. Esta serie forma parte, a su vez, de una serie más amplia de vistas de Venecia que Monet comenzó en 1908 durante su única visita a la ciudad.

Aunque la vista desde el hotel incluía la iglesia de San Giorgio Maggiore, el cuadro al atardecer parece haber sido visto desde el paseo marítimo conocido como la Riva degli Schiavoni, donde la isla forma un punto focal de la vista. Se dice que Monet era reacio a pintar desde el paseo marítimo. No le gustaban las multitudes de turistas y también le preocupaba conformarse con otros artistas que se sentían atraídos por Venecia, como Renoir o Manet.

San Giorgio Maggiore era uno de los temas favoritos de los pintores, incluido el protoimpresionista Turner.

Monet consideraba que Venecia era una ciudad «demasiado bella para ser pintada», lo que puede ser la razón por la que regresó con muchos cuadros inacabados a Giverny, su casa en Francia. Sin embargo, ya se había retirado de su práctica anterior de pintar del natural, frente al sujeto. Trabajó en las escenas venecianas en su casa y la muerte de su esposa Alice en 1911 parece haber sido un factor para su finalización.

Jardín del artista en Giverny, de Claude Monet.

El jardín del artista en Giverny (en francés: Le Jardin de l’artiste à Giverny) es una pintura al óleo sobre lienzo de Claude Monet realizada en 1900 y que actualmente se encuentra en el Museo de Orsay de París.

Es una de las muchas obras del artista sobre su jardín de Giverny durante los últimos treinta años de su vida. El cuadro muestra hileras de lirios en varios tonos de púrpura y rosa colocados en diagonal sobre el plano del cuadro. Las flores se encuentran bajo árboles que, al dejar pasar la luz moteada, cambian el tono de sus colores. Más allá de los árboles se vislumbra la casa de Monet.

Monet tenía 60 años el año en que pintó este cuadro, y había producido una inmensa obra.

En 1900, el año de este cuadro, se embarcó en dos grandes proyectos: una serie del río Támesis en Londres y otra serie de sus jardines acuáticos en Giverny, que incluye algunos de sus famosos cuadros de nenúfares, como El estanque de los nenúfares (actualmente en el Museo de Bellas Artes de Boston).

Su marchante Durand-Ruel expuso obras recientes, entre ellas una docena de Nenúfares y compró el cuadro Mezquita (Fiesta árabe) de su amigo Renoir.

Camille o la mujer con el vestido verde.

Camille, también conocido como La mujer del vestido verde, es un óleo sobre lienzo de 1866.

El retrato muestra a la futura esposa de Monet, Camille Doncieux, con un vestido y una chaqueta verdes. Monet presentó la obra al Salón de París de 1866, donde fue bien recibida por la crítica. El cuadro se conserva en la colección de la Kunsthalle Bremen.

Camille con el vestido verde es un retrato a tamaño natural. Camille lleva un vestido de seda a rayas verdes y negras sobre una chaqueta negra adornada con pieles. El vestido de color verde esmeralda correspondía a la moda de la época con las rayas verticales en contraste. Los guantes de cuero amarillo y un capote oscuro decorado con plumas sirven de accesorios. Camille lleva el pelo recogido en un moño atado con cintas negras en la nuca. El fondo del cuadro es un telón rojo oscuro, casi negro.

A través de la composición de la imagen, Monet consigue transmitir movimiento. La cola del vestido se ha cortado en el borde izquierdo del cuadro, provocando un movimiento en esta dirección que va más allá del borde del cuadro.

El juego de los pliegues de la falda también crea vivacidad. La posición de la cabeza, ligeramente girada hacia atrás, representa un momento de pausa en el cuadro. La figura parece escucharse a sí misma en lugar de reaccionar a alguien que le habla. Esto se consigue con los ojos bajos y evitando así el contacto visual con el espectador. El cuadro está firmado en la parte inferior derecha por Claude Monet en 1866.

La iluminación de este cuadro es única, ya que es difusa y el origen de la misma es oscuro. Vemos una especie de semicírculo de luz que rodea a Camila en el suelo y cuya fuente resalta especialmente su rostro, su mano y su falda.

Es probable que la luz provenga de una ventana, ya que tiene un aspecto demasiado natural para ser producida por velas o lámparas de gas. La ubicación de la ventana es difícil de precisar, pero probablemente esté a la izquierda y delante de ella, ya que su sombra se proyecta hacia la derecha, pero su rostro y su falda siguen resaltando.

Nenúfares es la serie más conocida de Monet.

Nenúfares es una serie de aproximadamente 250 óleos de Claude Monet. Los cuadros representan su jardín de flores en su casa de Giverny, y fueron el principal foco de su producción artística durante los últimos treinta años de su vida. Muchas de las obras fueron pintadas mientras Monet sufría de cataratas.

Puente Japonés y nenúfares, de Claude Monet.

La preferencia de Monet por producir y exponer una serie de cuadros relacionados por el tema y la perspectiva comenzó en 1889, con al menos diez cuadros realizados en el Valle de la Creuse, que se expusieron en la Galerie Georges Petit. Entre sus otras series famosas están sus Pajares.

En la década de 1920, el Estado francés construyó un par de salas ovaladas en el Museo de la Orangerie como sede permanente de ocho murales de nenúfares de Monet. La exposición se abrió al público el 16 de mayo de 1927, unos meses después de la muerte de Monet. Sesenta pinturas de nenúfares de todo el mundo se reunieron para una exposición especial en el Museo de la Orangerie en 1999.

Los cuadros están expuestos en museos de todo el mundo, como el Museo de Arte de la Universidad de Princeton, el Museo Marmottan Monet, el Museo de Orsay de París, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte de San Luis, el Museo de Arte Nelson-Atkins de Kansas City, Missouri, el Museo de Arte Carnegie, el Museo Nacional de Gales, el Museo de Bellas Artes de Nantes, el Museo de Arte de Toled, el Museo de Arte de Cleveland, el Museo de Arte de Portland y la Legión de Honor.

En 2020, el Museo de Bellas Artes de Boston celebró su 150 aniversario con algunos de los cuadros de los Nenúfares de Monet.

Pajares es una serie de pinturas del impresionista francés Claude Monet.

Pajares es el título común de una serie de cuadros impresionistas de Monet. El tema principal de cada cuadro de la serie son montones de trigo cosechado (o posiblemente cebada o avena: el título original en francés, Les Meules à Giverny, significa simplemente Los montones de Giverny). Se refiere principalmente a una serie de veinticinco lienzos que Monet comenzó a finales del verano de 1890 y continuó hasta la primavera siguiente, aunque Monet también realizó cinco cuadros anteriores con el mismo tema de los montones.

La serie es famosa por la forma en que Monet repite el mismo tema para mostrar las diferencias de luz y atmósfera en diferentes momentos del día, a lo largo de las estaciones y con muchos tipos de clima.

Esta serie es una de las obras más notables de Monet. Las mayores colecciones de Pajares se encuentran en el Museo de Orsay y el Museo Marmottan Monet de París, y en el Instituto de Arte de Chicago. Otras colecciones son las del Museo de Bellas Artes de Boston, el Museo Metropolitano y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio y el Museo de la Orangerie de París. La colección del Instituto de Arte de Chicago incluye seis de los veinticinco cuadros de la serie.

Otros museos que conservan partes de esta serie son el Getty Center de Los Ángeles, el Hill-Stead Museum de Farmington, Connecticut (que también tiene uno de los cinco de la anterior cosecha de 1888-89), la Scottish National Gallery, el Minneapolis Institute of Arts, el Kunsthaus Zürich, el Tel Aviv Museum of Art y el Shelburne Museum de Vermont. Las colecciones privadas conservan el resto de los cuadros.

Mujeres en el jardín es una pintura de Monet cuando era joven.

Mujeres en el jardín (en francés: Femmes au jardin) es una pintura al óleo iniciada en 1866 por Claude Monet cuando tenía 26 años. Es una obra de gran tamaño pintada en plein air; el tamaño del lienzo obligó a Monet a pintar su mitad superior con el lienzo bajado en una zanja que había cavado, para poder mantener un único punto de vista durante toda la obra.

El escenario es el jardín de una propiedad que tenía alquilada. Su compañera y futura esposa Camille Doncieux posa para las figuras. Monet terminó la obra en interiores y utilizó ilustraciones de revistas para representar la ropa de moda.

En esta época, Monet se encuentra en los inicios de su carrera, experimentando con el método y el tema. Sus primeros cuadros tuvieron éxito en los Salones de París, pero Mujeres en el jardín fue rechazado en 1867 por su tema y su debilidad narrativa. El Salón también se mostró preocupado por la pesada pincelada de Monet, un estilo que, por supuesto, se convertiría en una de las señas de identidad del impresionismo. Un juez comentó: «Demasiados jóvenes no piensan más que en continuar en esta abominable dirección. Ya es hora de protegerlos y de salvar el arte». El cuadro fue adquirido por su colega Frédéric Bazille para ayudar a Monet en una época en la que no tenía dinero.

Pintura del boulevard des capucines, Monet.

El Boulevard des Capucines es una pintura al óleo sobre lienzo de una escena callejera del famoso bulevar de París realizada Monet en 1873.

Desde finales de la década de 1860, Monet y otros artistas de ideas afines se encuentran con el rechazo de la conservadora Académie des Beaux-Arts, que celebra su exposición anual en el Salón de París.

A finales de 1873, Monet, Renoir, Pissarro y Sisley organizan la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs para exponer sus obras de forma independiente. En su primera exposición, celebrada en abril de 1874, Monet expuso la obra que daría al grupo su nombre definitivo, Impresión, sol naciente. Entre las obras que Monet incluyó en la primera exposición impresionista estaba El almuerzo, 1868, en el que aparecen Camille Doncieux y Jean Monet. El cuadro fue rechazado por el Salón de París de 1870.

En esta exposición también figuraba un cuadro titulado Boulevard des Capucines, una pintura del bulevar realizada desde el apartamento del fotógrafo Nadar en el número 35. Monet pintó el tema dos veces y no se sabe con certeza cuál de los dos cuadros, el que ahora se encuentra en el Museo Pushkin de Moscú, o el que se encuentra en el Museo de Arte Nelson-Atkins de Kansas City, fue el que apareció en la innovadora exposición de 1874, aunque recientemente se ha favorecido el cuadro de Moscú.

La urraca es un paisaje nevado de Monet.

La urraca (en francés: La Pie) es un paisaje pintado al óleo sobre lienzo, creado durante el invierno de 1868-1869 cerca de la comuna de Étretat en Normandía.

El mecenas de Monet, Louis Joachim Gaudibert, ayudó a conseguir una casa en Étretat para la novia de Monet, Camille Doncieux, y su hijo recién nacido, lo que permitió a Monet pintar con relativa comodidad, rodeado de su familia.

Entre 1867 y 1893, Monet y sus compañeros impresionistas Alfred Sisley y Camille Pissarro pintaron cientos de paisajes que ilustran el efecto natural de la nieve (effet de neige). Pierre-Auguste Renoir, Gustave Caillebotte y Paul Gauguin pintaron cuadros invernales similares en menor cantidad. Los historiadores del arte creen que una serie de inviernos severos en Francia contribuyó a un aumento del número de paisajes invernales producidos por los impresionistas.

La urraca es uno de los aproximadamente 140 paisajes de nieve realizados por Monet. Su primer paisaje de nieve, Un carro en la carretera nevada de Honfleur, fue pintado en algún momento de 1865 o 1867, seguido por una notable serie de paisajes de nieve en el mismo año, comenzando con El camino frente a la granja de Saint-Simeon en invierno. La urraca se terminó en 1869 y es el cuadro invernal más grande de Monet. Le siguió El cabo rojo (1869-1871), el único cuadro invernal conocido en el que aparece Camille Doncieux.

El lienzo de La urraca representa una urraca negra solitaria posada en una puerta formada en una valla de zarzo, mientras la luz del sol brilla sobre la nieve recién caída creando sombras azules. Este cuadro es uno de los primeros ejemplos del uso que hace Monet de las sombras coloreadas, que más tarde se asociaría con el movimiento impresionista.

Monet y los impresionistas utilizaron las sombras coloreadas para representar las condiciones reales y cambiantes de la luz y la sombra en la naturaleza, desafiando la convención académica de pintar las sombras en negro. Esta teoría subjetiva de la percepción del color se introdujo en el mundo del arte a través de las obras de Johann Wolfgang von Goethe y Michel Eugène Chevreul a principios de siglo.

En su momento, el uso innovador de la luz y el color por parte de Monet provocó su rechazo en el Salón de París de 1869. Hoy en día, los historiadores del arte consideran que La urraca es uno de los mejores paisajes nevados de Monet. El cuadro estuvo en manos privadas hasta que el Museo de Orsay lo adquirió en 1984; está considerado como uno de los cuadros más populares de su colección permanente.

Antoni A

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