Paul Klee fue un artista alemán nacido en Suiza. Su estilo, muy personal, estuvo influenciado por movimientos artísticos como el expresionismo, el cubismo y el surrealismo.
Klee era un dibujante nato que experimentó con la teoría del color y llegó a explorarla en profundidad, escribiendo sobre ella ampliamente; sus conferencias Escritos sobre la teoría de la forma y el diseño (Schriften zur Form und Gestaltungslehre), publicadas en inglés como Paul Klee Notebooks, se consideran tan importantes para el arte moderno como el Tratado sobre la pintura del Renacimiento de Leonardo da Vinci.
Tanto él como su colega, el pintor ruso Wassily Kandinsky, enseñaron en la escuela de arte, diseño y arquitectura Bauhaus de Alemania. Sus obras reflejan su humor seco y su perspectiva a veces infantil, sus estados de ánimo y creencias personales, y su musicalidad.
En este artículo te presentamos 10 de sus obras más conocidas.
1- Insula Dulcamara
Insula dulcamara es una pintura al óleo sobre papel de periódico pegado a arpillera realizada en 1938, cuando padecía la enfermedad de la esclerodermia. Es su obra más grande y forma parte de la colección del Zentrum Paul Klee de Berna.
Como gran parte de la producción de Klee, la imagen transmite un mensaje codificado al espectador, pidiéndole que reflexione sobre los procesos de pensamiento del artista durante su creación.
La interpretación convencional, basada en el hecho de que el título original del cuadro iba a ser La isla de Calipso, es que los símbolos dispuestos sobre un fondo liso representan una isla desierta con un ídolo y un barco de vapor de paso.
Sin embargo, un análisis más reciente realizado por el académico Chris Pike sugiere que los símbolos representan la propia identidad y mortalidad de Klee, deletreando su nombre y haciendo referencia a aspectos de su vida e intereses. A partir del signo de puntos encerrado en el centro de la izquierda, que representa el «origen», es posible distinguir las letras de la palabra Paul.
Las letras de la palabra Klee no son tan evidentes, pero pueden determinarse con la imaginación, especialmente en comparación con su firma escrita. La cara pálida de la letra P puede representar el tono de su piel, resultado de su estado de salud y de la proximidad de la muerte. Las manchas rojas pueden representar las bayas de la planta Solanum dulcamara (belladona) mencionada en el título de la obra.
2- Senecio
Senecio o Cabeza de hombre que envejece es un cuadro cubista de 1922 de Klee. Actualmente se encuentra en el Kunstmuseum de Basilea.
La adaptación de Klee de la cabeza humana divide el rostro de un anciano en rectángulos de color naranja, rojo, amarillo y blanco. Los cuadrados geométricos planos dentro del círculo se asemejan a una máscara o a los parches de un arlequín, de ahí la referencia del título al artista-intérprete Senecio. El triángulo y la línea curva sobre los ojos izquierdo y derecho respectivamente dan la ilusión de una ceja levantada.
El uso de las líneas, las formas ambiguas y el espacio demuestran los principios del arte de Klee, en el que los elementos gráficos simples son «puestos en movimiento por la energía de la mente del artista».
3- Fish Magic
Fish Magic es un cuadro surrealista de 1925. El cuadro perteneció a la colección de Walter y Louise Arensberg antes de ser donado en 1950 al Museo de Arte de Filadelfia, donde se encuentra actualmente.
Se ve como una mezcla de entidades acuáticas, celestiales y terrestres. El cuadro está cubierto por una delicada superficie de pintura negra, bajo la cual se encuentra una densa capa de pigmentos multicolores. Las coloridas figuras fueron rayadas y garabateadas por Klee sobre el fondo oscuro.
Un cuadrado de muselina fue pegado a la pintura en el centro, dando al cuadro la sensación de un collage. La paleta oscura del cuadro y la fragilidad de la muselina crean una atmósfera misteriosa y de tinta.
Según Ann Temkin, Fish Magic es una obra maestra en la que las fuerzas intelectuales e imaginativas de las dotes artísticas de Klee se reconcilian, produciendo una «sensación de magia». En concreto, Temkin señala la fina línea diagonal que se extiende desde el centro derecho del lienzo hasta la parte superior de la torre del reloj, escribiendo que la «larga línea pintada desde el lateral parece dispuesta a arrancar el cuadrado de muselina para revelar algo debajo».
4- Muerte y Fuego
Muerte y fuego, conocido en alemán como Tod und Feuer, es un cuadro expresionista de Paul Klee de 1940. Fue uno de los últimos antes de su muerte, el 29 de junio de ese año.
En 1935, Klee empezó a sufrir de esclerodermia, que se manifestaba con fatiga, erupciones cutáneas, dificultad para tragar, falta de aliento y dolor en las articulaciones de las manos.
Los cuadros de esta época tendían a ser más sencillos y representativos del sufrimiento que padecía «Tod», palabra alemana que significa muerte, es un motivo común en todo el cuadro. Se aprecia sobre todo en los rasgos del rostro, aunque la «d» y la «t» están giradas. La palabra también puede verse en el brazo levantado de la figura como la «T», el orbe amarillo como la «O» y la cabeza (o el torso) de la figura como la «D».
El cuadro también representa jeroglíficos, un interés de Klee durante esta época, que también puede verse en muchos de sus otros cuadros de finales de los años treinta, como Insula dulcamara y Heroische Rosen. Desde 2014, se expone en el Zentrum Paul Klee, un museo de Berna (Suiza) dedicado a las obras de Paul Klee.
5- Gato y Pájaro
Gato y pájaro es una obra de 1928. Fue realizado con óleo y tinta sobre lienzo gessoed montado sobre madera. Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Klee fue uno de los muchos artistas modernistas que querían practicar lo que él llamaba «el cultivo puro de los medios» de la pintura, es decir, utilizar la línea, la forma y el color por sí mismos y no para describir algo visible. Esa prioridad le permitió crear imágenes que trataban menos de la percepción que del pensamiento, de modo que el pájaro de este cuadro parece volar no delante de la frente del gato, sino dentro de ella: el pájaro está literalmente en la mente del gato.
Al hacer que el gato sea todo cabeza, Klee se concentra en el pensamiento, la fantasía, el apetito, las ansias del cerebro. Uno de sus objetivos como artista, decía, era «hacer visiones secretas visibles».
El gato es vigilante, aterrador, pero también tranquilo, y la paleta de Klee también es tranquila, en una estrecha gama que va del leonado al rosa con zonas de verde azulado. Esto y la sugerencia de un dibujo infantil aligeran el ambiente.
Creyendo que los niños estaban cerca de las fuentes de la creatividad, Klee estaba fascinado por su arte, y lo evoca aquí a través de líneas y formas simples: óvalos para los ojos y las pupilas del gato (y, más libremente, para el cuerpo del pájaro), triángulos para sus orejas y nariz. Y en la punta de esa nariz hay un corazón rojo, signo del deseo del gato.
6- Twittering Machine
Twittering Machine (Die Zwitscher-Maschine) es una acuarela y una transferencia al óleo con tinta sobre papel de 1922.
Al igual que otras obras de Klee, combina la biología y la maquinaria, representando un grupo de pájaros vagamente dibujados en un cable o rama conectado a una manivela.
Las interpretaciones de la obra son muy variadas: se ha percibido como un señuelo de pesadilla para el espectador o una representación de la impotencia del artista, pero también como un triunfo de la naturaleza sobre las actividades mecánicas. Se ha visto como una representación visual de la mecánica del sonido.
Expuesta originalmente en Alemania, la imagen fue declarada «arte degenerado» por Adolf Hitler en 1933 y vendida por el Partido Nazi a un marchante de arte en 1939, desde donde llegó a Nueva York. Es una de las más conocidas de las más de 9.000 obras realizadas por Klee, y se encuentra entre las imágenes más famosas del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).
Ha inspirado varias composiciones musicales y, según un perfil de la revista New York Magazine de 1987, ha sido una pieza popular para colgar en las habitaciones de los niños.
7- Castillo y Sol
Castillo y el sol, 1928, es un paisaje urbano abstracto de Paul Klee.
Los colores de esta obra son realmente impresionantes, con triángulos y rectángulos que ofrecen una forma abstracta de una escena urbana. Esta luminosidad ha contribuido a que esta obra se convierta en una de las más reproducidas de todas las obras de Klee, junto a otras como Angelus Novus y Twittering Machine.
Burg und Sonne era el título original de esta obra, que se traduce directamente como Castillo y Sol, captando los principales puntos de atención de este cuadro. Algunos han interpretado erróneamente que el sol es en realidad una luna, pero el título del cuadro lo aclara. El propio Klee realizó varias de estas intrincadas escenas de azulejos y han resultado ser de las más queridas por sus admiradores.
La creación de la forma a través de una formación abstracta de formas geométricas nos recuerda más a la obra de Wassily Kandinsky y otros miembros del movimiento de la Bauhaus. Se sabe que Klee se alineó con los artistas de la Bauhaus a principios del siglo XX, por lo que las similitudes son de esperar. La paleta de colores de Klee le ayudó a mantener su independencia artística.
8- Flower Myth
Flower Myth es una obra expresionista de Paul Klee de 1918. Fue creada durante el primer periodo místico-abstracto de Klee, y contiene mucho más de lo que uno podría averiguar a primera vista.
Frente a un fondo rojo profundo, aparentemente espacial, crece una planta flotante en el centro del cuadro, acompañada de sencillos símbolos del sol, la luna y las estrellas. Un pájaro se acerca a la flor que se abre desde arriba. Una fina línea plateada enmarca la composición.
Paul Klee no representaba objetos. En su lugar, utilizó los símbolos típicos de las plantas y los árboles, de los cuerpos celestes y de la Tierra, entre otros. Esto demuestra que se apartó de la representación «realista». No se ocupa de un tiempo, una fecha o una estación específicos. Klee consideró la totalidad de la creación. La proximidad de la representación simultánea de los elementos esbozados -la tierra, el sol, la luna y las estrellas- así lo sugiere.
Paul Klee tampoco se refirió a una planta específica. Su interés se centra en las plantas en general: una planta que crece a partir de un bulbo; que tiene raíces, hojas y que un capullo florece en la parte superior, ya r esemblando el fruto que será. Una criatura se acerca a recoger el polen. Se subraya el carácter cíclico de la vida y del crecimiento en el universo.
9- Angelus Novus
Angelus Novus de Paul Klee es una obra de 1920, que muestra «un ángel, contemplado y fijado en un objeto, alejándose lentamente de él«, según el comprador de la obra, el filósofo alemán Walter Benjamin.
Fue la opinión de Benjamin sobre la obra la que la hizo especialmente famosa, pero no fue el único propietario de la misma. Se la compró a Klee en 1921 antes de que pasara a manos de sus allegados, Theodor W. Adorno y más tarde Gershom Scholem.
Según varios expertos y filósofos, Paul Klee pintó lo que muchos imaginan como el Ángel de la Historia. Klee fue reclutado por las fuerzas alemanas durante la Primera Guerra Mundial, lo que le afectó profundamente.
El método de Klee para pintar el Angelus Novus fue inventado por él mismo. Su técnica de transferencia al óleo (monoprint) consistía en cubrir un trozo de papel de calco con tinta, colocar debajo un papel de dibujo y rayar el papel superior con una aguja u otro objeto punzante para hacer una copia en el inferior.
El Angelus Novus muestra un ángel aparentemente atónito, con los ojos clavados en una imagen de desesperación, atascado en un movimiento de vuelo que no avanza ni retrocede. No se ven muchos cuadros como éste en el mundo, debido a la inventiva de la nueva técnica de Klee y también al tema del que Paul creó su obra.
10- Highway and Byways
Highway and Byways es una pintura al óleo sobre lienzo. Pertenece al grupo de sus numerosas pinturas de capas y rayas y fue creada en enero de 1929 tras el segundo viaje de Klee a Egipto.
Prestada por Werner Vowinckel, fue expuesta por primera vez en el Museo Wallraf-Richartz de Colonia y ahora puede verse en el Museo Ludwig, también en Colonia.
El título del cuadro corresponde a su estructura. En el centro, discurre el camino principal recto y contorneado, dividido en varias partes, diferenciadas por los contrastes de color, que se mueve principalmente entre el azul-naranja y el rojo-verde, casi alineado con el centro del cuadro y estrechándose en capas en su estructura interna horizontal.
El camino principal no es sólo un camino, sino también una «franja de campos que se divide 45 veces a través de la zona alta del horizonte rayado de azul y púrpura», más bien una «pintura de la escalera celeste de una pirámide escalonada».
A la izquierda y a la derecha del mismo, los pequeños caminos laterales discurren de forma mucho más irregular, en sendas retorcidas y desordenadas, que en parte terminan en la nada, en parte también en el mismo horizonte azul-gris, que también parece dar al camino principal su claro destino.
