Las 10 Obras de Arte Más Importantes de Leonardo Da Vinci

Leonardo da Vinci fue un polímata que ejerció como pintor, dibujante, ingeniero, científico, teórico, escultor y arquitecto.

Aunque su fama se basó inicialmente en sus logros como pintor, también se hizo conocido por sus cuadernos de notas, en los que hacía dibujos y anotaciones sobre diversos temas, como anatomía, astronomía, botánica, cartografía, pintura y paleontología.

El genio de Leonardo personificó el ideal humanista del Renacimiento, y su obra colectiva constituye una contribución a las generaciones posteriores de artistas sólo igualada por la de su contemporáneo más joven, Miguel Ángel. Leonardo se encuentra entre los más grandes pintores de la historia del arte y a menudo se le atribuye ser el fundador del Alto Renacimiento.

A pesar de tener muchas obras perdidas y de que se le atribuyen menos de 25 obras importantes -incluidas numerosas obras inacabadas-, creó algunas de las pinturas más influyentes del arte occidental, como las conocida mundialmente «Mona Lisa» o «La última Cena«.

En este artículo hemos seleccionado 10 de sus obras de arte más emblemáticas.

1- Mona Lisa

La Mona Lisa (Gioconda) es un retrato de medio cuerpo del artista italiano Leonardo da Vinci. Considerada una obra maestra arquetípica del Renacimiento italiano.

Ha sido descrita como «la más conocida, la más visitada, la más escrita, la más cantada, la más parodiada obra de arte del mundo» Las cualidades novedosas del cuadro incluyen la expresión enigmática del sujeto, la monumentalidad de la composición, el sutil modelado de las formas y el ilusionismo atmosférico.

Se ha identificado definitivamente que el cuadro representa a la noble italiana Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo.

Está pintado al óleo sobre un panel de álamo blanco de Lombardía. Leonardo nunca entregó el cuadro a la familia Giocondo, y posteriormente se cree que lo dejó en su testamento a su aprendiz favorito Salaì.

Se creía que había sido pintado entre 1503 y 1506; sin embargo, Leonardo pudo haber seguido trabajando en él hasta 1517. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia y ahora es propiedad de la República Francesa. Está expuesta de forma permanente en el Louvre de París desde 1797.

La Mona Lisa es uno de los cuadros más valiosos del mundo. Posee el Récord Mundial Guinness por la valoración de seguro de pintura más alta de la historia, con 100 millones de dólares en 1962. (equivalentes a 870 millones de dólares en 2021).

Después de la Revolución Francesa, el cuadro se trasladó al Louvre, pero pasó un breve periodo en el dormitorio de Napoleón en el Palacio de las Tullerías. La Mona Lisa no era muy conocida fuera del mundo del arte, pero en la década de 1860, una parte de la intelectualidad francesa comenzó a aclamarlo como una obra maestra de la pintura renacentista. Durante la Guerra Franco-Prusiana (1870-1871), el cuadro se trasladó del Louvre al Arsenal de Brest.

En 1911, el cuadro seguía sin ser popular entre el público lego. El 21 de agosto de 1911, el cuadro fue robado del Louvre. El cuadro fue extrañado por primera vez al día siguiente por el pintor Louis Béroud. Tras una confusión sobre si el cuadro estaba siendo fotografiado en algún lugar, el Louvre fue cerrado durante una semana para investigar. El poeta francés Guillaume Apollinaire cayó bajo sospecha y fue detenido y encarcelado. Apollinaire implicó a su amigo Pablo Picasso, que fue llevado para ser interrogado. Ambos fueron exonerados más tarde.

El verdadero culpable fue el empleado del Louvre Vincenzo Peruggia, que había ayudado a construir la caja de cristal del cuadro. Llevó a cabo el robo entrando en el edificio durante el horario habitual, escondiéndose en un armario de escobas y saliendo con el cuadro escondido bajo su abrigo una vez cerrado el museo.

Peruggia era un patriota italiano que creía que el cuadro de Leonardo debería haber sido devuelto a un museo italiano. Es posible que Peruggia estuviera motivado por un socio cuyas copias del original aumentarían significativamente su valor tras el robo del cuadro.

Tras haber guardado la Mona Lisa en su apartamento durante dos años, Peruggia se impacientó y fue atrapado cuando intentó venderla a Giovanni Poggi, director de la Galería Uffizi de Florencia. Se expuso en la Galería de los Uffizi durante más de dos semanas y se devolvió al Louvre el 4 de enero de 1914.

El ladrón de la Mona Lisa cumplió seis meses de prisión por el delito y fue aclamado por su patriotismo en Italia. Un año después del robo, el periodista del Saturday Evening Post Karl Decker escribió que conoció a un presunto cómplice llamado Eduardo de Valfierno, que afirmaba haber sido el autor intelectual del robo. El falsificador Yves Chaudron habría creado seis copias del cuadro para venderlas en EE.UU. mientras ocultaba la ubicación del original[101]. Decker publicó este relato del robo en 1932.

2- La Última Cena

La Última Cena (Cenacolo o L’Ultima Cena) es una pintura mural del del Alto Renacimiento , fechada hacia 1495-1498.

El cuadro representa la escena de la Última Cena de Jesús con los Doce Apóstoles, tal y como se relata en el Evangelio de Juan, concretamente el momento en que Jesús anuncia que uno de sus apóstoles le traicionará.

Su manejo del espacio, el dominio de la perspectiva, el tratamiento del movimiento y la compleja muestra de las emociones humanas lo han convertido en una de las pinturas más reconocidas del mundo occidental y en una de las obras más célebres de Leonardo Algunos comentaristas lo consideran fundamental para inaugurar la transición hacia lo que hoy se denomina Alto Renacimiento.

La obra fue encargada como parte de un plan de renovación de la iglesia y sus edificios conventuales por el mecenas de Leonardo, Ludovico Sforza, duque de Milán. Para permitir su inconsistente calendario de pintura y sus frecuentes revisiones, está pintada con materiales que permitían alteraciones regulares: témpera sobre gesso, brea y masilla.

Debido a los métodos utilizados, a diversos factores ambientales y a los daños intencionados, hoy en día queda poco de la pintura original, a pesar de los numerosos intentos de restauración, el último de los cuales finalizó en 1999. Ubicada en el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia, La última cena es su obra más grande, aparte de la Sala delle Asse.

3- Hombre de Vitruvio

El hombre de Vitruvio ( L’uomo vitruviano) es un dibujo fechado hacia 1490. Inspirado en los escritos del antiguo arquitecto romano Vitruvio, el dibujo representa a un hombre desnudo en dos posiciones superpuestas con los brazos y las piernas separadas e inscrito en un círculo y un cuadrado.

Descrito por la historiadora del arte Carmen C. Bambach como «justamente clasificado entre las imágenes icónicas de todos los tiempos de la civilización occidental», la obra es una síntesis única de ideales artísticos y científicos y suele considerarse una representación arquetípica del Alto Renacimiento.

El dibujo representa la concepción de Leonardo de las proporciones corporales ideales, originalmente derivadas de Vitruvio pero influenciadas por sus propias medidas, los dibujos de sus contemporáneos y el tratado De pictura de Leon Battista Alberti.

Leonardo realizó el Hombre de Vitruvio en Milán y la obra pasó probablemente a su alumno Francesco Melzi. Más tarde llegó a manos de Venanzio de Pagave , quien convenció al grabador Carlo Giuseppe Gerli para que la incluyera en un libro de dibujos de Leonardo, lo que dio amplia difusión a la imagen, hasta entonces poco conocida. Más tarde fue propiedad de Giuseppe Bossi, que escribió sobre ella, y finalmente fue vendida a la Gallerie dell’Accademia en 1822, donde ha permanecido desde entonces.

Debido a su sensibilidad a la luz, el dibujo rara vez se expone al público, pero fue prestado por el Louvre en 2019 para su exposición que conmemora el 500 aniversario de la muerte de Leonardo.

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4- Salvator Mundi

Salvator Mundi (en latín, »Salvador del mundo») es un cuadro atribuido total o parcialmente a Leonardo da Vinci, fechado entre 1499 y 1510.

Durante mucho tiempo se pensó que era una copia de un original perdido y velado con una sobrepintura, pero fue redescubierto, restaurado e incluido en una gran exposición de la obra de Leonardo en la National Gallery de Londres en 2011-2012.

Christie’s afirmó, justo después de vender la obra, que la mayoría de los principales especialistas la consideran una obra original de Leonardo, pero esta atribución ha sido discutida por otros especialistas, algunos de los cuales afirman que solo aportó algunos elementos.

El cuadro representa a Cristo con un anacrónico vestido azul renacentista, haciendo la señal de la cruz con su mano derecha, mientras sostiene un orbe de cristal transparente y no refractante en la izquierda, señalando su papel de Salvator Mundi y representando la «esfera celeste» de los cielos. Se han identificado unas treinta copias y variaciones de la obra realizadas por alumnos y seguidores de Leonardo. Dos dibujos preparatorios a tiza y tinta del paño de Leonardo se conservan en la Colección Real Británica.

El cuadro fue vendido en subasta por 450,3 millones de dólares el 15 de noviembre de 2017 por Christie’s en Nueva York al príncipe Badr bin Abdullah, estableciendo un nuevo récord de la pintura más cara jamás vendida en subasta pública.

El príncipe Badr supuestamente realizó la compra en nombre del Departamento de Cultura y Turismo de Abu Dabi, pero desde entonces se ha planteado que podría haber sido un postor suplente de su estrecho aliado, el príncipe heredero de Arabia Saudí Mohammed bin Salman. Esto se produce después de que a finales de 2017 se informara de que el cuadro se expondría en el Louvre de Abu Dabi y de la inexplicable cancelación de su inauguración prevista para septiembre de 2018.

Se ha informado de que se desconoce la ubicación actual del cuadro, pero un informe de junio de 2019 afirmaba que se estaba almacenando en el yate de bin Salman, a la espera de que se completara un centro cultural en Al-‘Ula, y un informe de octubre de 2019 indicaba que podría estar almacenado en Suiza.

5- Autorretrato

El retrato de un hombre en tiza roja en la Biblioteca Real de Turín es ampliamente aceptado, aunque no universalmente, como un autorretrato de Leonardo da Vinci. Se cree que Leonardo da Vinci dibujó este autorretrato alrededor de los 60 años.

El retrato ha sido ampliamente reproducido y se ha convertido en una representación icónica de Leonardo como polímata u «hombre del Renacimiento«. A pesar de ello, algunos historiadores y estudiosos no están de acuerdo con la verdadera identidad del retratado.

El retrato está dibujado con tiza roja sobre papel. Representa la cabeza de un anciano en vista de tres cuartos, con el rostro vuelto hacia el espectador. El sujeto se distingue por su larga cabellera y su larga barba ondulada que fluye sobre los hombros y el pecho. La longitud del cabello y de la barba es poco común en los retratos del Renacimiento y sugiere, como ahora, a una persona sagaz.

El rostro tiene una nariz algo aguileña y está marcado por líneas profundas en la frente y bolsas bajo los ojos. Parece que el hombre ha perdido los dientes frontales superiores, lo que ha provocado la profundización de los surcos de las fosas nasales. Los ojos de la figura no se dirigen al espectador, sino que miran al frente, velados por las largas cejas.

El dibujo ha sido trazado con líneas finas y únicas, sombreadas por el sombreado y ejecutadas con la mano izquierda, como era la costumbre de Leonardo. El papel tiene «marcas de zorro» de color marrón, causadas por la acumulación de sales de hierro debido a la humedad.

En 1839, Giovanni Volpato, un anticuario que podría haber adquirido el dibujo en Inglaterra o Francia, lo vendió al príncipe Carlos Alberto de Cerdeña junto con otros dibujos de grandes artistas como Rafael y Miguel Ángel. Se encuentra en Turín, en la Biblioteca Real, y no suele ser visible para el público debido a su fragilidad y mal estado.

6- La Virgen de las Rocas

La Virgen de las Rocas (en italiano: Vergine delle rocce), a veces Madonna de las Rocas, es el nombre de dos pinturas de Da Vinci, de un mismo tema, con una composición que es idéntica salvo por varios detalles significativos.

La versión considerada generalmente como la primera, la más antigua de las dos, no ha sido restaurada y se encuentra en el Louvre de París. La otra, restaurada entre 2008 y 2010, se encuentra en la National Gallery de Londres.

Las obras se conocen a menudo como la Virgen de las Rocas del Louvre y la Virgen de las Rocas de Londres, respectivamente. Ambos cuadros miden casi 2 metros (más de 6 pies) de altura y están pintados al óleo. Ambas se pintaron originalmente sobre paneles de madera, pero la versión del Louvre se ha trasladado a un lienzo.

Ambos cuadros muestran a María y al niño Jesús con el niño Juan Bautista y un ángel Uriel, en un entorno rocoso que da a los cuadros su nombre habitual. Las diferencias compositivas significativas están en la mirada y la mano derecha del ángel.

Ambas obras difieren en muchos aspectos menores, como los colores, la iluminación, la flora y la forma en que se ha utilizado el sfumato. Aunque la fecha de un encargo asociado está documentada, se desconocen las historias completas de las dos pinturas, lo que lleva a especular sobre cuál de las dos es anterior.

Otros dos cuadros están asociados al encargo: paneles laterales con un ángel tocando un instrumento musical, cada uno de ellos realizado por colaboradores de Leonardo. Ambos se encuentran en la National Gallery de Londres.

7- La Dama del Armiño

La Dama del Armiño es un retrato atribuido a Leonardo da Vinci. La obra, fechada entre 1489 y 1491, está pintada al óleo sobre un panel de madera de nogal. Su tema es Cecilia Gallerani, amante de Ludovico Sforza («Il Moro»), duque de Milán; Leonardo era pintor de la corte de los Sforza en Milán en el momento de su ejecución. Es el segundo de los cuatro únicos retratos de mujer que se conservan pintados por Leonardo, los otros son Ginevra de’ Benci, La Belle Ferronnière y la Mona Lisa.

La Dama del Armiño se encuentra actualmente en el Museo Czartoryski de Cracovia y es uno de los tesoros nacionales de Polonia. Forma parte de la Colección de los Príncipes Czartoryski, que fue vendida por 100 millones de euros el 29 de diciembre de 2016 al gobierno polaco por la Fundación de los Príncipes Czartoryski, representada por Adam Karol Czartoryski, el último descendiente directo de Izabela Czartoryska Flemming y Adam George Czartoryski, que trajo el cuadro a Polonia desde Italia en 1798.

8- La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana

La Virgen, el Niño y Santa Ana es un óleo inacabado fechado entre 1501 y 1519. Representa a Santa Ana, su hija la Virgen María y el niño Jesús.

El cuadro fue encargado como retablo mayor para la iglesia de la Santissima Annunziata de Florencia y su tema había preocupado durante mucho tiempo a Leonardo.

El cuadro de Leonardo es a la vez agradable, tranquilo y a la vez confuso al examinarlo más de cerca. La composición de las tres figuras es bastante ajustada, con la Virgen María interactuando claramente con el niño Jesús.

Al examinar más de cerca su posición, es evidente que María está sentada en el regazo de Santa Ana. No está claro qué significado podría tener esto y qué sentido pretendía proyectar Leonardo con esa pose. No hay un paralelo claro en otras obras de arte y las mujeres sentadas en el regazo de la otra no son una referencia cultural o tradicional clara con la que el espectador pueda relacionarse.

Además, aunque no se conocen los tamaños exactos de la Virgen Madre ni de Santa Ana, se puede extrapolar del cuadro que Santa Ana es una persona significativamente más grande que María. Esta sutil pero perceptible distorsión del tamaño fue utilizada por Leonardo para enfatizar la relación madre-hija entre las dos mujeres, a pesar de la aparente falta de indicios visuales de la mayor edad de Santa Ana, que de otro modo la identificaría como la madre. La niña sostiene un cordero.

También vemos que María mira a los ojos de su hijo, mientras que Santa Ana mira a María. Como María está sentada en su regazo y Santa Ana la mira, es posible que Leonardo intentara hacer una observación sobre su relación y sus personalidades.

9- Ginevra d´Benci

Ginevra de’ Benci es un retrato de la aristócrata florentina del siglo XV Ginevra de’ Benci (nacida hacia 1458). Expuesto en la National Gallery of Art de Washington, D.C., es el único cuadro de Leonardo expuesto al público en América.

Ginevra de’ Benci, una conocida joven florentina, es considerada universalmente como la modelo del retrato. Leonardo pintó el retrato en Florencia entre 1474 y 1478, posiblemente para conmemorar el matrimonio de Ginevra con Luigi di Bernardo Niccolini a la edad de 16 años.

Lo más probable es que conmemore el compromiso. Los retratos femeninos contemporáneos solían encargarse para una de estas dos ocasiones: los esponsales o el matrimonio. Tradicionalmente, los retratos de boda se hacían por parejas, con la mujer a la derecha, mirando a la izquierda; como este retrato mira a la derecha, es más probable que represente los esponsales.

El enebro que rodea la cabeza de Ginevra y que ocupa gran parte del fondo, sirve para algo más que para decorar. En la Italia del Renacimiento, el enebro se consideraba un símbolo de la virtud femenina, mientras que la palabra italiana para enebro, ginepro, también hace un juego con el nombre de Ginevra.

Las imágenes y el texto del reverso del panel -una rama de enebro rodeada por una corona de laurel y palma, conmemorada por el lema latino Virtvtem Forma Decorat («La belleza adorna la virtud«)- refuerzan la identificación del retrato. La frase se entiende como símbolo de la intrincada relación entre la virtud intelectual y moral de Ginevra, por un lado, y su belleza física, por otro. La rama de enebro, rodeada de laurel y palma, sugiere su nombre. El laurel y la palma son el emblema personal de Bernardo Bembo, embajador veneciano en Florencia, cuya relación platónica con Ginevra se revela en los poemas que intercambiaron.

El examen por infrarrojos ha revelado el lema de Bembo «Virtud y Honor» bajo el de Ginevra, lo que hace probable que Bembo estuviera de algún modo implicado en el encargo del retrato.

El retrato es uno de los más destacados de la Galería Nacional de Arte, y es admirado por muchos por su retrato del temperamento de Ginevra. Ginevra es bella, pero austera; no tiene ningún atisbo de sonrisa y su mirada, aunque dirigida, parece indiferente al espectador.

En algún momento se eliminó la parte inferior del cuadro, presumiblemente debido a daños, y se cree que los brazos y las manos de Ginevra se perdieron.

10- La Scapigliata

La Scapigliata (en italiano, «La dama de los cabellos revueltos») es un cuadro inacabado que se atribuye generalmente a Leonardo da Vinci y que está fechado entre 1506 y 1508.

Pintado al óleo, al ámbar y con pigmentos blancos de plomo sobre un pequeño panel de madera de álamo, su atribución sigue siendo controvertida, ya que varios expertos atribuyen la obra a un alumno de Leonardo. El cuadro ha sido admirado por su cautivadora belleza, su misterioso comportamiento y su maestría en el sfumato.

No existe un consenso real sobre el tema, la fecha, la historia o la finalidad del cuadro. Muestra a una mujer no identificada que mira hacia abajo mientras su cabello llena el marco detrás de ella. Se han propuesto muchas teorías sobre el tema: que se trata de un boceto para un cuadro inacabado de Santa Ana; un estudio para la versión londinense de la Virgen de las Rocas o el cuadro perdido de Leonardo de Leda y el cisne; o un cuadro dejado deliberadamente inacabado por su valor estético.

El cuadro se registró en la venta en 1826 de la colección de Gaetano Callani a la Galleria Nazionale di Parma, el museo en el que se encuentra actualmente, pero la prueba de su existencia puede remontarse a 1531, cuando pudo ser propiedad de Isabel de Este.

Aunque muchos estudios sobre la obra de Leonardo no se pronuncian al respecto, la mayoría de los estudiosos que analizan el cuadro lo consideran una obra autógrafa de Leonardo da Vinci, y ha sido catalogado como tal en varias grandes exposiciones de Leonardo.

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