Desde la década de 1880 hasta la víspera de la Primera Guerra Mundial, el Art Nouveau floreció en toda Europa. Era un estilo universal que pretendía unificar las bellas artes y las artes aplicadas para crear una Gesamtkunstwerk («obra de arte total»). Todo, desde los muebles hasta la ilustración de libros, se vio influenciado por sus elegantes formas orgánicas.
El Art Nouveau era omnipresente en las estaciones de tren, los salones de té y los grandes almacenes de Europa: pertenecía por igual al ámbito público y al privado. El Art Nouveau floreció durante un periodo de rápidos cambios sociales y tecnológicos en Europa, a medida que se aceleraban la industrialización, la producción en masa y la urbanización.
Hoy reconocemos el Art Nouveau por sus características líneas fluidas, sus adornos florales, sus formas geométricas y el uso de figuras simbólicas. Pero, ¿cómo se formó el estilo y quiénes fueron sus principales practicantes?
Los orígenes del Art Nouveau
Las raíces del Art Nouveau se remontan al movimiento Arts and Crafts en Inglaterra durante la segunda mitad del siglo XIX. El movimiento Arts and Crafts se considera a menudo una respuesta a la creciente industrialización en Europa y al aumento de la producción en masa de las fábricas a expensas de la artesanía tradicional.
El escritor, diseñador, arquitecto y socialista inglés William Morris (1834-1896) fue su figura definitoria. Morris rechazaba los valores de producción de mal gusto y los aspectos deshumanizados del capitalismo victoriano, y en su lugar recurría a los valores comunitarios de la época medieval. Los ideales de Morris sobre la artesanía, y su uso de formas florales y orgánicas estilizadas, resonaron con muchos artistas del Art Nouveau.
El término Art Nouveau apareció por primera vez en la revista belga L’Art Moderne en 1884, refiriéndose a un grupo de escultores, diseñadores y pintores reformistas llamado Les XX (o Les Vingts), entre cuyos miembros fundadores se encontraban James Ensor (1860-1949) y Théo van Rysselberghe (1862-1926). El espíritu del nuevo movimiento se extendió rápidamente por Europa y su nombre se tradujo pronto en varios idiomas como Jugendstil, Modernismo, Secesión, Stile Floreale y términos similares.
Desde el principio, los artistas del Art Nouveau abogaron por la unidad de todas las artes y se opusieron a la discriminación entre las bellas artes (pintura y escultura) y las llamadas artes decorativas menores. Los artistas del Art Nouveau trataban de integrar el arte con lo cotidiano, produciendo objetos bellos para elevar la vida de las personas.
Al igual que en el movimiento Arts and Crafts, en el Art Nouveau se sostenía que los valores estéticos debían combinarse con un alto nivel de artesanía, y que las obras de arte debían ser tanto bellas como funcionales. Los límites entre las bellas artes y las artes aplicadas se difuminaron en los campos del diseño de muebles, la platería y la arquitectura, la pintura, el arte gráfico, la joyería, la moda y la cristalería.
El éxito del Art Nouveau
En el siglo XIX, el comercio minorista y la producción en masa de bienes se expandieron para servir a las crecientes poblaciones urbanas de Europa. El «look» Art Nouveau, asociado al lujo, se publicitó a través de una explosión publicitaria y pronto se hizo omnipresente en todo el continente. Una amplia gama de productos Art Nouveau se comercializaba para los consumidores de clase media con aspiraciones de moda e ingresos disponibles.
En Londres, un solo comerciante creó uno de los nombres por los que se conoció el Art Nouveau: stile Liberty. Los grandes almacenes británicos Liberty & Co., fundados por Arthur Lasenby Liberty en 1875, fueron uno de los más exitosos e influyentes vendedores de artículos Art Nouveau.
Tras una rápida expansión, Liberty se convirtió en un punto de venta para muchos artistas Art Nouveau de la Europa continental. Encargaba vidrio, joyas, muebles, plata y metalistería a su propia cuadrilla de diseñadores, y sus coloridos textiles eran especialmente populares.
En la segunda mitad del siglo XIX, Japón ejerció una gran influencia en el arte y la cultura europeos. Después de que los puertos japoneses reanudaran el comercio con Occidente en 1853, llegó un volumen y una variedad sin precedentes de productos japoneses procedentes de Oriente. Entre ellos, porcelana, sedas, abanicos, kimonos y grabados en madera de estilo Ukiyo-e, como la obra de Yoshitoshi Tsukioka que se muestra a la izquierda.
El fenómeno conocido como japonismo había comenzado y Arthur Liberty fue uno de los primeros en adoptarlo, introduciendo artefactos y estilos de inspiración japonesa en la gama de productos de su firma.
«El deseo de poseer objetos japoneses surgió tan pronto como se inauguró la Exposición Internacional de 1862, y no fue mucho después de esta época cuando nuestros comerciantes comenzaron a preocuparse por la introducción de estas extrañas manufacturas como artículos de comercio». Christopher Dresser
El empresario Siegfried Bing (1838-1905), nacido en Hamburgo, fue una figura influyente en la popularización del arte japonés y el Art Nouveau. A partir de la década de 1870, dirigió un negocio de importación y exportación en París y editó la influyente revista mensual Le Japon Artistique.
En diciembre de 1895, Bing abrió una galería llamada L’Art Nouveau que vendía joyas, pinturas, cerámicas, vidrieras y muebles de diseñadores como Tiffany, Georges de Feure, Eduard Colonna y Eugène Galliard. Los motivos japoneses inspiraron directamente las obras de artistas europeos como Émile Gallé, cuyo espectacular plato de 1880 se ilustra aquí.
Las exposiciones comerciales, especialmente las ferias mundiales, fueron importantes escaparates del estilo Art Nouveau. La Exposición Universal de 1900 en París marcó el punto álgido del Art Nouveau y promovió a Francia como centro principal del movimiento. Millones de visitantes y miles de expositores asistieron a la feria.
La naturaleza como inspiración
El mundo natural fue una inspiración central en el Art Nouveau, manifestada de diversas maneras. Tal vez impulsados por la migración masiva a las ciudades, los diseñadores del Art Nouveau utilizaron formas florales y orgánicas estilizadas para devolver la naturaleza a la vida moderna. Crustáceos y libélulas, orquídeas y lirios, amapolas y tulipanes: muchas especies de flora y fauna aparecen en la cristalería, la cerámica, los interiores y las ilustraciones de libros del Art Nouveau.
Los artistas y diseñadores del Art Nouveau, como Emile Gallé y Georg Hirth, editor de Jugend, hicieron referencia explícita a las ilustraciones naturalistas.
El zoólogo alemán Ernst Haeckel (1834-1919) era partidario del darwinismo y asesor de la expedición británica Challenger, que se propuso explorar el entorno de las profundidades marinas. La publicación en 1904 del volumen Kunstformen Der Natur de Haeckel, que presentaba acuarelas y dibujos de sus viajes, fue un hito en el género.
Inspirados por estos exquisitos dibujos botánicos, los diseñadores del Art Nouveau transpusieron motivos de los mismos en libros de diseño, de los cuales algunos de los mejores ejemplos fueron producidos por el artista de origen suizo Eugène Grasset (1845-1917) y uno de sus alumnos, Maurice Pillard Verneuil (1869-1942).
Estos volúmenes se estudiaron no sólo en las escuelas de bellas artes y arquitectura de Europa, sino también en las escuelas de dibujo industrial de todo el continente. Su influencia se extendió por las principales ciudades europeas, incluidas Viena y Budapest (entonces parte del Imperio Austrohúngaro).
Los animales, y en particular las aves, se utilizaban con frecuencia como motivos decorativos en el Art Nouveau. Las mariposas y las libélulas eran temas muy decorativos por sus alas de filigrana, mientras que los pavos reales resultaban atractivos por su espectacular plumaje y sus deslumbrantes colores.
El surgimiento del japonismo también desempeñó un papel importante, ya que las libélulas y las grullas fueron favorecidas tanto por el Art Nouveau como por los artistas japoneses. La conversación intercultural quedó ejemplificada en la magnífica Habitación del pavo real de Whistler, de 1876-77.
La forma y el movimiento de un cisne, con su cuello curvado y los movimientos fluidos de las ondas de agua a su paso, pueden considerarse un emblema del Art Nouveau.
Las criaturas exóticas de las profundidades, con sus formas sorprendentes y a menudo surrealistas, ejercieron una poderosa fascinación sobre los artistas plásticos. Las formas de vida náuticas, como los crustáceos, las medusas y las anémonas de mar, se adaptaban a las líneas fluidas y los colores llamativos del estilo Art Nouveau. Los artistas también establecieron analogías entre el misterioso mundo acuático y la mitología de las sirenas y las ninfas, como ilustra la metamorfosis del Pez de Plata (sirenas) de Gustav Klimt de 1899.
El enamoramiento del Art Nouveau por la naturaleza también abarcó las estaciones y el ciclo de la vida. Las estaciones de Alphonse Mucha (1860-1939) representan a cuatro hermosas mujeres, cada una de ellas con un fondo natural que evoca el estado de ánimo y el color de la estación. La primavera se encuentra delicadamente entre las flores y el canto de los pájaros, el verano lleva una guirnalda de amapolas, el otoño cosecha frutos silvestres y crisantemos, mientras que el invierno lleva un manto para aislarse del frío y la nieve.
Los artistas del Art Nouveau también exploraron temas más oscuros de la naturaleza, como el ciclo de la vida, la decadencia y la muerte, para crear visiones de los mundos subterráneos gobernados por fuerzas oscuras. El tema del dibujo de Jan Toorop de 1892, Oh, tumba, ¿dónde está la victoria? está tomado de una carta del apóstol Pablo sobre la victoria de la fe sobre la muerte. La muerte es representada como el liberador del sufrimiento terrenal. Cerca de una tumba abierta está el cuerpo de un hombre entrelazado con ramas espinosas, que simboliza la dolorosa existencia del hombre en la tierra. Dos serafines (ángeles) flotan sobre la tumba y liberan al muerto de estas ramas.
La importancia de la mujer en el Art Nouveau
El papel y el estatus de la mujer en la sociedad evolucionaron de forma significativa a finales del siglo XIX . Las mujeres se volvieron más independientes y un número creciente de mujeres de clase media metropolitana disfrutaban de ingresos disponibles.
Durante el mismo período, los artistas y diseñadores del Art Nouveau (predominantemente masculinos) representaron a las mujeres con formas muy idealizadas, femeninas y seductoras. Las mujeres esbeltas, atractivas -y a menudo desnudas- y con el pelo suelto, son las protagonistas de las joyas, los cuadros y las obras impresas del Art Nouveau.
La publicidad influyó en la percepción que el público tenía de la mujer y, al igual que hoy, utilizó el cuerpo femenino para vender estilos de vida y productos a los consumidores.
Muchos artistas del Art Nouveau utilizaron el erotismo en sus obras, ninguno con más provecho que el pintor y artista decorativo checo Alphonse Mucha (1860-1939). Como diseñador versátil de papeles pintados, textiles, platería y joyas, la obra de Mucha es reconocible al instante y fue ampliamente emulada tras la publicación de dos volúmenes de sus diseños gráficos en 1902.
El anuncio de Mucha para la compañía de cigarrillos Job, lustra la idea de que «el sexo vende»: una mujer voluminosa sostiene un cigarrillo encendido, mientras sus ojos cerrados y sus labios entreabiertos sugieren el éxtasis. El mero hecho de que esta mujer esté fumando podría considerarse escandaloso, ya que pocas mujeres respetables de la época fumaban en público.
La vida personal de la actriz francesa de teatro y cine Sarah Bernhardt (1844-1923) fue tan dramática como su carrera de actriz. Fue un icono del estilo Art Nouveau, cuya imagen respaldó diversos productos, como cosméticos, ropa y alimentos, como las galletas Lefèvre-Utile.
Bernhardt inspiró y encargó varias obras a Alphonse Mucha, como Gismonda, y encargó joyas, porcelana y otras piezas a artistas como René-Jules Lalique.
Celebridades femeninas como Bernhardt fueron importantes musas para muchos artistas y hubo un gran interés por artistas como la artista de club nocturno Jane Avril y la bailarina Loie Fuller.
Considerada a menudo como la personificación del Art Nouveau, Fuller debutó en los escenarios de París en 1892, en el escenario del Folies Bergère. Una de las primeras practicantes de la danza libre, desarrolló una serie de rutinas en las que giraba por el escenario al ritmo de la música de Debussy, Chopin y Schubert, iluminada por vívidos efectos de luz.
Durante este periodo, la moda femenina cambió a medida que el movimiento de reforma del vestido cobraba impulso. Los diseñadores de moda Art Nouveau desarrollaron prendas femeninas con diseños menos restrictivos, más ligeros y fáciles de llevar. Se llevaban tejidos suaves y líneas sinuosas en tonos modernos y, después de 1900, un nuevo estilo de corsé creó una silueta en forma de S.
Aparecen en el mercado prendas deportivas, de playa y de ciclismo para mujeres. Los zapatos presentaban motivos Art Nouveau con detalles estilísticos en los tacones. La última moda aparece en las revistas de moda, los periódicos y los grandes almacenes, y se extiende rápidamente por toda Europa.
En sintonía con los desarrollos artísticos contemporáneos, muchos artistas que trabajan en el estilo Art Nouveau retrataron a las mujeres de forma mística y simbólica. La fascinación de la cultura europea por la psicología y el simbolismo tuvo su origen en la poesía y la literatura decadentes y en los escritos de Sigmund Freud. Las teorías de Freud sobre el inconsciente y la interpretación de los sueños ofrecieron a los artistas visuales nuevos temas interesantes que explorar. Muchos artistas rechazaron las limitaciones del realismo y se volcaron en los mundos interiores.
La noción de la mujer como encarnación de la pureza, o su opuesto, era un tema común en el arte y la literatura del fin de siglo. A menudo se representaba a las mujeres como seres etéreos, seductores y mortales, como Medusa y Salomé. El cuadro de Franz von Stuck de 1895 El beso de la esfinge representa a una criatura femenina que besa apasionadamente a un hombre mientras lo domina con sus garras de león.
El pintor austriaco y miembro de la Secesión de Viena, Gustav Klimt (1862-1918) fue uno de los artistas más famosos de la época del Art Nouveau. Las obras de Klimt, como la Dánae de 1907-08, a menudo representaban el desnudo femenino de forma muy decorativa y sensual. Klimt incorporaba los desnudos con materiales preciosos, como el oro y la plata, para crear superficies brillantes que parecían mosaicos.
Carteles, revistas e impresión en el Art Nouveau
En la segunda mitad del siglo XIX se produjo una explosión de medios impresos como periódicos, novelas, boletines, caricaturas, grabados y libros ilustrados. Las líneas sinuosas y los motivos inspirados en la naturaleza del Art Nouveau aparecen con frecuencia en las cubiertas de los libros y en los ex libris.
En toda Europa se lanzaron revistas y periódicos sobre tendencias artísticas y decorativas, como Llibre d’Horas, Ve__r Sacrum, The Savoy, La Plume, Dekorative Kunst y Jugend. Este último era un popular semanario cultural de tendencias publicado por Georg Hirth que dio nombre al movimiento Jugendstil. En un formato delgado de veinte páginas o menos, Jugend cubría la ropa de moda, la literatura y presentaba las obras de arte de Hugo Hoppner (Fido), Emil Hansen (Nolde), Ernst Barlach y Peter Behrens.
El polifacético artista e ilustrador alemán Hans Christiansen (1866-1945) realizó vívidos diseños de cubiertas con sus característicos tipos de letra a mano. Nacido en Flensburg, Christiansen se trasladó a París en 1895 para estudiar en la Académie Julian y fue miembro de la Colonia de Artistas de Darmstadt hasta 1902. Además de la obra gráfica, diseñó patrones de papel pintado, tapices, cerámica y vidrieras.
«Me tomo mi trabajo como artista de la forma más general posible: Quiero pintar un retrato, pero también puedo diseñar un mueble; dibujo caricaturas, pero también papeles pintados, carteles; diseño vidrieras, pero también ocasionalmente un biombo». Hans Christiansen
En Inglaterra, Aubrey Beardsley (1872-1898) fue una figura importante de la ilustración victoriana y del movimiento estético. Nacido en la ciudad costera inglesa de Brighton, Beardsley se trasladó a París en 1892 tras ser animado por Edward Burne-Jones (1833-1898). La reputación de Beardsley se consolidó con una ilustración de Salomé sosteniendo la cabeza de Juan el Bautista, publicada en la primera edición de The Studio.
Las ilustraciones de Beardsley, cargadas de erotismo, tipifican el decadentismo de fin de siglo y se asocian con la revista trimestral de arte progresista The Yellow Book. Esta asociación terminó tras el juicio y el encarcelamiento de Oscar Wilde en 1895, que afectó a todos los de su círculo. La carrera de Beardsley se vio trágicamente truncada por su muerte a causa de la tuberculosis, a la edad de 25 años.
Los carteles y la publicidad se convirtieron en un medio de comunicación de masas dominante en toda Europa a finales del siglo XIX. El nuevo proceso litográfico de tres piedras permitió obtener colores deslumbrantes y la publicidad se convirtió en un medio popular para muchos artistas, como Leonetto Cappiello (1875-1942) y Alfred Choubrac (1853-1902).
En Francia, la Belle Époque fue personificada por los carteles de Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901) y Jules Chéret (1836-1932), ambos influenciados por los grabados japoneses Ukiyo-e. Chéret fue un pintor y litógrafo que se convirtió en un maestro del cartelismo de la Belle Époque.
Arquitectura y diseño de interiores
La rápida industrialización del siglo XIX generó un boom de la construcción en muchas ciudades europeas. La arquitectura Art Nouveau fue una declaración de modernidad nacional y de gusto estético, facilitada por los materiales -acero, hierro y vidrio- y las técnicas de la industrialización. Los diseños fluidos de hierro forjado y el gres arquitectónico aportaron una presencia distintiva y lujosa a las fachadas de los edificios y a los puentes.
En París, el arquitecto y diseñador Hector Guimard (1867-1942) desarrolló un estilo abstracto y fluido, y entre sus encargos figuran la Maison Coilliot de Lille y el Castel Béranger de París. Los diseños de Guimard para las estaciones de metro de París, construidas para la Exposición Universal de 1900, combinaban formas lineales con métodos de construcción industrial y siguen siendo mundialmente famosos.
El arquitecto y diseñador Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) definió la Escuela de Glasgow, junto con las hermanas Macdonald y Herbert McNair – juntos, eran conocidos como «Los Cuatro». Mackintosh desarrolló su propio estilo, contrastando fuertes ángulos rectos y motivos decorativos de inspiración floral.
En el diseño de Mackintosh para el interior de la Casa de un Amante del Arte en Glasgow, el motivo de la rosa aparece con frecuencia en diseños como el papel pintado, las vidrieras o los detalles del mobiliario. Como en todas las obras de Mackintosh, la Casa pretendía ser experimentada como una obra de arte unificada.
El Palacio Stoclet de Bruselas fue encargado por el banquero y coleccionista de arte Adolphe Stoclet en 1905. Fue diseñado por el arquitecto Josef Hoffmann y proyectado y construido entre 1905 y 1911.
La decoración de la villa presenta la obra de varios artistas importantes, como Koloman Moser, Gustav Klimt, Frantz Metzner y Richard Luksch. Es la máxima expresión del ideal de la Gesamtkunstwerk («obra de arte total»). A continuación se muestra el dibujo preparatorio a gran escala de Klimt para el Palais Stoclet.
En otros lugares de Bruselas, los arquitectos que trabajaron en el estilo Art Nouveau fueron Paul Hankar, Henry van de Velde y Paul Saintenoy, pero el más famoso fue Victor Horta (1861-1947). Su obra se caracteriza por la luz, los espacios abiertos, los techos de cristal y el uso innovador del hierro.
Horta utilizó el hierro curvado, inspirado en las formas naturales, tanto en los interiores como en los exteriores de sus edificios. Sus encargos del Hotel Solvay y el Hotel Tassel son un ejemplo de su enfoque completo de la arquitectura: Horta diseñó todos los elementos, desde las manillas de las puertas y el mobiliario hasta las vidrieras.
Los arquitectos y diseñadores del Art Nouveau trataron de crear obras que tuvieran un vocabulario visual coherente. Se deseaba que cada elemento del entorno construido, tanto en el interior como en el exterior, se diseñara teniendo en cuenta el conjunto. Los contornos orgánicos del exterior de los edificios iban acompañados de interiores igualmente atractivos.
El uso de formas vegetales en la metalistería, a menudo visto en la arquitectura, pronto apareció también en la platería, las lámparas y los artículos decorativos.
En Barcelona, la forma catalana del Art Nouveau fue el Modernismo y el arquitecto Antoni Gaudí (1852-1926) creó un estilo orgánico muy individual que se basaba en las tradiciones góticas y moriscas. Gaudí fue nombrado director de las obras del templo de la Sagrada Familia en 1883.
Gaudí trabajó en este proyecto extraordinario, único y muy complejo hasta su muerte en 1926 y sigue en construcción hoy en día.
La Joyería y Cristalería en el Art Nouveau
La excelencia técnica y la innovación fueron un sello distintivo de las artes decorativas en la época del Art Nouveau. En este capítulo encontraremos a algunos de los principales diseñadores y fabricantes que trabajan en cristalería, joyería y cerámica.
Para añadir capas de textura y esmaltes sobre los elementos decorativos, los ceramistas y vidrieros de la época solían devolver las piezas al horno muchas veces. Se recuperaron técnicas históricas y se inventaron otras nuevas, como la fórmula del vidrio Favrile, patentada en 1894 por Louis Comfort Tiffany (1848-1933), hijo del famoso joyero Charles Lewis Tiffany.
Cuando visitó el Museo de South Kensington de Londres en 1865, Tiffany quedó impresionado y se inspiró en la cristalería romana, siria y medieval. Tiffany consiguió las brillantes superficies iridiscentes del vidrio Favrile introduciendo óxidos metálicos en el vidrio fundido. Sus posteriores creaciones en vidrio se cuentan entre los objetos Art Nouveau más famosos del mundo.
La ventana de los Estudios Tiffany que se muestra a la izquierda pertenece a la colección del Museo Metropolitano de Nueva York. Fue diseñada como un monumento a la familia Frank de Nueva York y se instaló originalmente en un mausoleo de un cementerio de Brooklyn. El tema del Río de la Vida prevalece en los diseños que Tiffany creó para los monumentos conmemorativos, y los años entre 1900 y 1910 fueron el apogeo de la producción de ventanas eclesiásticas para los Estudios Tiffany.
Emile Gallé (1846-1904) fue un vidriero, ceramista y diseñador de muebles francés, que se convirtió en una de las figuras más influyentes del Art Nouveau y de las artes decorativas francesas. Nacido en Nancy, estudió botánica y mineralogía en Alemania antes de hacerse cargo de la fábrica de vidrio y cerámica de su padre en 1874.
En la Exposición Universal de París de 1889, las innovaciones estilísticas de Gallé en materia de vidrio con camafeos tallados y trabajos en pasta de vidrio fueron aclamadas. La Escuela de Nancy, cuyos fundadores eran Gallé, Louis Majorelle, Victor Prové, Eugene Vallin y los hermanos Daum, producía muebles, cristalería, cuero, cerámica y textiles. La Escuela de Nancy se convirtió en uno de los principales centros del Art Nouveau.
Los joyeros creaban piezas exquisitas para sus clientes, como gargantillas, colgantes, pulseras y pendientes. Estos artículos solían llevar esmalte y materiales semipreciosos como el marfil esculpido y el carey. Son frecuentes las piezas Art Nouveau inspiradas en la naturaleza que representan hojas, orquídeas, lirios y mariposas.
El joyero francés René-Jules Lalique (1860-1945) fue uno de los artesanos más reconocidos del Art Nouveau. Formado en París y Londres, Lalique era inusual por no provenir de una dinastía establecida de joyeros.
Tras consolidar su reputación trabajando para las célebres casas de joyería Cartier, Jacta y Boucheron, Lalique se hizo cargo del taller del joyero parisino Jules Destape en 1885. Sus lujosas piezas utilizaban materiales como el cuerno, el marfil, el cristal y las piedras preciosas de vivos colores.
Los insectos, las flores y las ninfas de Lalilque eran los motivos por excelencia del Art Nouveau, realizados con formas exquisitamente detalladas y delicadas. Lalique trabajaba para clientes privados, como Sarah Bernhardt, y para muchos de los mejores comerciantes de joyas de París.
Al igual que con la cristalería y la joyería, los mejores ceramistas del Art Nouveau experimentaron con nuevas formas e innovadoras técnicas de esmaltado. La arcilla maleable era el medio perfecto para realizar las formas características de la estética Art Nouveau.
Entre los artistas más destacados de Europa se encuentran Brantjes y Rozenburg en los Países Bajos, Meisenthal y Koepping en Alemania, Zsolnay en Hungría, Harrach y Loetz en Bohemia y en Escandinavia.
