El movimiento artístico Ukiyo-e ha dado forma tanto al arte japonés como al occidental que vemos hoy en día.
Lo que comenzó en el siglo XVII en Japón ha llegado hasta el arte y el diseño occidentales contemporáneos. En este artículo, exploraremos cómo surgió el diseño Ukiyo-e y el propósito que tuvo al abrirse camino por todo el mundo.
¿Qué es el Ukiyo-e?
El Ukiyo-e es un tipo de impresión y pintura en madera que se remonta al siglo XVII en Japón. En aquella época, este nuevo estilo artístico se alejaba de las obras de arte tradicionalmente hiperrealistas por las que se esforzaban muchos artistas.
Estos diseños eran minimalistas, normalmente creados a través de un trabajo de línea simple y luego acabados magistralmente con colores llamativos. Este contraste entre el diseño simplista y centrado y el color vibrante y dramático ayuda a dar vida al diseño plano y bidimensional.
En lugar de llenar el espacio con detalles que distraen, el Ukiyo-e se centra en un solo tema y permite que el trazado de líneas y los colores intencionados lo destaquen en medio de un fondo natural y hermoso. Aunque hay muchas variaciones, estos componentes particulares lo definen y lo diferencian de otras formas de diseño.
Significado de la palabra Ukiyo-e
La palabra ukiyo expresaba originalmente la idea budista de la naturaleza transitoria de la vida. Esta noción, más bien pesimista, fue superada durante el periodo Edo. El carácter que significa «flotar» fue sustituido por el homónimo de «transitorio» para expresar una actitud de alegría de vivir.
Esta cultura hedonista que glorificaba la vida en el «mundo flotante» se expresó especialmente bien en la producción de grabados en madera, que ponían al alcance de cualquiera con un poco de dinero extra imágenes cautivadoras de seductoras cortesanas, excitantes actores de kabuki y famosas vistas románticas. Por primera vez, los artistas se inspiraron y respondieron a los intereses y preferencias del público en general.
Historia del Ukiyo-e
Durante el periodo Edo, llamado así porque la capital de Japón se había trasladado a Tokio (entonces llamada Edo), el país estaba gobernado por el shogunato Tokugawa. Este régimen militar imponía la segregación social haciendo hincapié en un sistema jerárquico de clases con los guerreros en la cima, seguidos por los agricultores, los artesanos y los comerciantes en la base.
El régimen también reservó ciertas zonas amuralladas en las ciudades donde se autorizaban los teatros, las casas de té y los burdeles y que llegaron a conocerse como los «distritos del placer«.
Era una época relativamente pacífica en lo interno y aislacionista en relación con el resto del mundo. Como resultado, el arte que reflejaba este estilo de vida decididamente japonés encontró un nuevo público con una clase media en ascenso. El Ukiyo-e nació como una evolución del yamato-e, en el que se enfatizaba y celebraba el nuevo estilo de vida.
Los temas de estos placeres mundanos, así como sus habitantes, como cortesanas famosas, actores de kabuki y similares, se convirtieron en la materia prima creativa preferida de los grabados ukiyo-e. Los grabados eran formas de arte popular «bajo», creadas para la clase mercantil y la población trabajadora urbana, pero pronto llegaron a considerarse obras de arte magistrales.
Iwasa Matabei fue un conocido pintor de obras representadas en byobu durante esta época. Aunque se formó en la Escuela Kanō, los temas y estilos tradicionales japoneses de la Escuela Tosa influyeron principalmente en su obra de madurez. Sus representaciones de geishas, cortesanas que entretenían tocando instrumentos, bailando y recitando poesía clásica japonesa, así como la vida de ocio de la clase media, se convirtieron en los primeros ejemplos de la pintura ukiyo-e.
Otro artista, Hishikawa Moronobu, es considerado el primer gran maestro y creador de los grabados ukiyo-e por las ilustraciones de libros que comenzó a realizar en 1672. Como aún no se había inventado la impresión en color, sus grabados eran principalmente monocromáticos, aunque también pintó a mano algunos de ellos. Reunió los elementos dispares de la imaginería y los temas anteriores del ukiyo-e y formalizó la forma de arte con su dominio de la línea derivado de la caligrafía.
Sus imágenes incluían escenas callejeras de la vida ordinaria, imágenes que hacían referencia a historias famosas, poemas o acontecimientos históricos, y paisajes, imágenes de mujeres hermosas y grabados eróticos. Por ello, se le considera tanto el último de los artistas proto-ukiyo-e como el primer artista verdaderamente ukiyo-e.
El ukiyo-e siguió siendo la forma de arte dominante durante el último siglo del periodo Edo.
Elaboración del Ukiyo-e
El Ukiyo-e dependía de la colaboración entre cuatro personas. El artista, utilizando tinta sobre papel, dibujaba la imagen que luego era tallada por un artesano en un bloque de madera. A continuación, un impresor aplicaba el pigmento a la plancha de madera y un editor supervisaba y coordinaba el proceso y comercializaba las obras.
Los Ukiyo-e se producían normalmente en forma de láminas, que eran tan baratas que muchos podían comprarlas. También se coleccionaban en libros, llamados e-hon. A veces, una estampa podía realizarse utilizando dos o tres hojas de papel, creando un efecto de tríptico.
Los retratos utilizaban un formato vertical, los paisajes un formato horizontal, pero ocasionalmente se hacían impresiones verticales y estrechas, creando el efecto de un pergamino que se exponía en columnas o pilares.
Suzuki Horunobu revolucionó el ukiyo-e cuando, en 1765, inventó el proceso para hacer nishiki-e, o «grabados en brocado», que permitía un empleo completo del color. El proceso consistía en hacer una serie de bloques de madera, todos con la misma imagen, y luego aplicar un solo color a cada bloque, de modo que el color de la impresión final era el resultado de capas de pigmento.
Los pigmentos utilizados eran de base vegetal y solubles en agua y daban lugar a una paleta sutil y rica. Se podían utilizar hasta 20 bloques de madera, cada uno con un color diferente, para imprimir una sola imagen en papel hecho a mano. La obra de Horunobu influyó en innumerables artistas del ukiyo-e.
Conceptos y temas comunes en el Ukiyo-e
Como en toda corriente artística, en el ukiyo-e había una serie de conceptos y temáticas que eran populares entre los artistas y se repetían una y otra vez. Estos temas eran:
Paisajes
El shogunato, o gobierno militar, del periodo Edo exigía que todos los señores feudales tuvieran residencias en Tokio (Edo) y dividieran su tiempo entre la residencia en la ciudad y sus dominios. Como resultado, se construyeron cinco grandes carreteras, como la carretera Tôkaidô, que abarca más de 300 millas entre Tokio y Kioto, y que se convirtieron en vías de paso para comerciantes, peregrinos y turistas que se dirigían a lugares famosos.
Estos lugares tenían a menudo un significado histórico espiritual, influenciado por la religión sintoísta de Japón, que establecía que cada lugar estaba ocupado por kami, lo que se ha traducido de diversas maneras como «dios«, «espíritu» o «esencia divina«.
Los santuarios en honor a los kami eran comunes en todo Japón. Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige son los artistas de ukiyo-e más conocidos del arte del paisaje. Hiroshige hizo del paisaje un énfasis primordial, como se ve en sus Cincuenta y tres etapas del Tôkaido (1833-1834) y Cien vistas de lugares famosos de Edo (1856-1859).
Las Treinta y Seis vistas del monte Fuji de Hakusai (1830-1832) muestran una variedad de escenas: desde agricultores en sus campos hasta viajeros en una carretera, mientras que el siempre presente y sagrado monte Fuji, que tradicionalmente se considera que contiene el secreto de la inmortalidad en la cultura japonesa, domina el fondo.
Dentro de esta colección también se encuentra «La Gran Ola de Kanagawa» una de las obras de arte más famosas del mundo.
Yakusha-e (Retratos de actores)
Los Yakusha-e, o «cuadros de actores», eran grabados que representaban a los actores de kabuki (teatro japonés). A menudo se vendían en hojas sueltas y eran baratas y estaban disponibles como recuerdo tras una producción teatral concreta.
Los grabados también ayudaban a promover la celebridad del actor y, conscientes de ello, las producciones de teatro kabuki a veces invitaban a los artistas a asistir a los ensayos.
En los primeros yakusha-e, los actores eran representados como tipos genéricos, aunque maestros notables como Katsukawa Shunshō comenzaron a crear retratos realistas. Sin embargo, el mayor maestro del género Tōshūsai Sharaku no estaba asociado a ninguna escuela, como demuestran sus tratamientos dinámicos y a menudo poco favorecedores que revolucionaron el género a finales del siglo XVIII.
Kacho-ga (Pájaros y flores)
Otro género importante del ukiyo-e era el kachō-ga o pinturas de «pájaros y flores», un estilo influenciado por el género tradicional chino de pintura de flores, pájaros, peces e insectos.
El espacio en blanco era un elemento importante del kachô-ga, que se reflejaba en la selección de una sola especie de ave emparejada con una sola planta, y en dejar gran parte del espacio circundante como amplios planos de color, con el fin de crear la sensación de simplicidad y armonía de la naturaleza.
Como género pictórico tradicional, la realización de imágenes de pájaros y flores creó un sentido de autenticidad artística para los artistas del ukiyo-e, estableciendo su trabajo como parte de una larga tradición. Varios de ellos, entre los que se encuentran Hokusai e Hiroshige, crearían este tipo de obras, a menudo incluyendo el texto de un poema clásico o haciendo alusión a una referencia histórica o cultural.
Shunga
El término shunga puede traducirse en japonés como «imágenes de la primavera», ya que primavera se refiere metafóricamente al sexo. El término también está tomado de shunkyū-higi-ga, el término japonés para los pergaminos chinos que representaban los doce actos sexuales que eran una expresión del yin y el yang.
El shunga se convirtió en un tema popular, ya que tanto hombres como mujeres compraban las imágenes, que solían venderse en pequeños libros. El shunga representaba a gente corriente, pero también a cortesanas, y aunque las imágenes eran predominantemente heterosexuales, también se representaban relaciones homosexuales y lésbicas.
El género se regía por varias convenciones; las figuras solían representarse vestidas, ya que esto permitía identificar su posición social, y se exageraban sus genitales. En Japón, la costumbre tradicional de bañarse en común hacía que el desnudo no se erotizara.
El shunga podía ser tanto sutil, como se ve en las primeras obras de Moronobu, donde los gestos de la pareja o las líneas fluidas de sus mangas evocan el encuentro erótico, como tan explícito que, en varias ocasiones durante el periodo Edo, el gobierno intentó prohibir o censurar las obras por considerarlas pornográficas.
Bijin-ga
El bijin-ga, que significa «cuadro de persona bella», fue un género dominante en el ukiyo-e. Los primeros grabados solían representar a cortesanas famosas que solían ser vistas como celebridades, pero posteriormente, artistas como Utamaro retrataban a mujeres conocidas por su belleza entre la población urbana.
Otros grandes maestros del género fueron Suzuki Harunobu, Keisai Eisen, Itō Shinsui, Toyohara Chikanobu, Uemura Shōen, Isoda Koryûsai y Torii Kiyonaga.
Los retratos reflejaban no solo los cambiantes estándares de belleza de la cultura japonesa, sino también la sensibilidad del artista. Los grabados de Isoda Koryûsai de mediados de la década de 1760 solían representar una figura femenina con forma de sauce, mientras que por la misma época Kitao Shigemasa hacía hincapié en la figura delicada.
Las figuras de Utamaro, que trabajaron a finales del siglo XVIII, fueron de las primeras en individualizarse, comunicando la personalidad y el estado de ánimo de la figura. En lugar de seguir un tratamiento idealizado, desarrolló su propio estilo, ya que sus figuras eran a menudo delgadas pero con cabezas proporcionalmente largas, lo que llevó a que su obra fuera apodada ōkubi-e, o retratos de «cabeza grande».
Escuelas de Ukiyo-e
La mayoría de los artistas del ukiyo-e no sólo estudiaron con un maestro en particular, sino que también tomaron el nombre de ese maestro. Entre 1672 y 1890 se desarrollaron treinta escuelas de ukiyo-e, cada una de las cuales representaba el estilo particular de su fundador, así como varias generaciones de sus artistas posteriores.
Escuela Torii
La Escuela Torii comenzó a principios del siglo XVIII con los trabajos de Torii Kiyonobu I, que fue alumno de Moronobu. Kiyonobu I procedía de una familia de destacados diseñadores de material promocional del kabuki, y debido a su propia experiencia e interés teatral, la Escuela Torii fue pionera en el tema del teatro kabuki, que se convirtió en uno de los temas dominantes de los grabados ukiyo-e.
El estilo de la escuela enfatizaba el drama kabuki y sus actores con sus apariciones generalizadas a través de diseños audaces con líneas gruesas y enérgicas.
La Escuela Torii se convirtió en el estilo dominante de la década de 1700 cuando una nueva generación de artistas pasó a la vanguardia. La escuela fue innovadora en el uso de grabados urushi-e, en los que la tinta podía mezclarse con cola para crear un efecto de laca o en los que se añadía mica o polvo de metal para crear una calidad brillante. También exploraron las impresiones Benizuri-e, «impresiones carmesí» o «impresiones rosas», en las que se aplicaba un número limitado de colores, a menudo incluyendo el verde y el rosa, en el proceso de impresión.
Entre los artistas asociados a la Escuela Torii destacan Suzuki Harunobo, que inventó los grabados de brocado nishiki-e, Kitagawa Utamaro y el fundador Torii Kiyonaga. Los tres artistas fueron célebres por sus grabados bijin-ga, que representan a bellas mujeres.
Escuela Katsukawa
La escuela de Katsukawa, fundada por Miyagawa Shunsui hacia 1750, fue la primera en retratar a los actores de kabuki de una forma que se alejaba de la representación genérica y enfatizaba sus características y personalidades individuales. Katsukawa Shunshō fue pionero en estos reconocibles retratos, a veces retratando a los actores en sus camerinos.
La representación más realista de las personas se trasladó a otros géneros del ukiyo-e, como se aprecia en las famosas imágenes de Katsushika Hokusai de gente corriente en la vida cotidiana.
Al principio de su carrera, Hokusai era miembro de la Escuela Katsukawa con el nombre de Shunro. Sin embargo, comenzó a explorar de forma innovadora la perspectiva y el sombreado del arte occidental en sus grabados, lo que provocó su expulsión de la escuela.
Hokusai describió este importante acontecimiento: «Lo que realmente motivó el desarrollo de mi estilo artístico fue la vergüenza que sufrí a manos de Shunko«. Implacable e innovador, llegó a crear más de 30.000 obras y en el transcurso de su larga vida adoptó 30 nombres de artistas.
Primero se hizo famoso por sus mangas, que eran libros que contenían grabados en madera de sus bocetos y que, según el crítico de arte John-Paul Stonnard, contenían «todos los temas imaginables: figuras y animales reales e imaginarios, plantas y escenas naturales, paisajes y marinas, dragones, poetas y deidades combinados de una manera que desafía todos los intentos de tejer una historia alrededor de ellos».
Escuela Utagawa
La Escuela Utagawa fue fundada por Utagawa Toyoharu en la década de 1760 y duró hasta la década de 1850, siendo en efecto la última gran escuela de ukiyo-e. Toyoharu era conocido por incorporar la perspectiva del arte occidental en sus grabados, como Cuadros en perspectiva de lugares de Japón: Sanjūsangen-dō en Kioto, (c. 1772-1781) y varios de sus alumnos continuaron la exploración.
Unos 400-500 artistas eran miembros de la escuela o estaban asociados a ella, y la escuela creó la mayoría de los grabados ukiyo-e que se conocen.
A mediados del siglo XIX, la prodigiosa producción de la escuela dio lugar a una especie de retrato estereotipado, que mostraba narices de linterna y algo exageradas, lo que dio lugar a críticas y a una sensación de declive del ukiyo-e.
El célebre Hokusai llegó a protestar a su editor por el hecho de que el tallador de xilografías siguiera alterando las narices de sus figuras. No obstante, la escuela se convirtió en la más conocida de todas las escuelas de ukiyo-e porque incluía a los artistas Toyokuni y Utagawa Hiroshige.
Hiroshige llegó a ser conocido como uno de los grandes maestros del ukiyo-e de todos los tiempos, que revivió el arte con su enfoque en vistas seriadas de paisajes y escenas de la vida cotidiana.
La influencia del Ukiyo-e en el arte occidental
En Europa, la llegada de los grabados en madera en la década de 1850 dio lugar al movimiento informal llamado Japonismo (Japonisme en francés). Este entusiasmo por todo lo japonés tuvo un gran impacto, casi inconmensurable, sobre los artistas y los movimientos artísticos. James Abbot McNeill Whistler, que lideró tanto el movimiento pictórico del tonalismo como el movimiento estético, se vio muy influenciado por el uso del color y la composición de los grabados japoneses.
La mayoría de los principales impresionistas, como Edgar Degas, Mary Cassatt y Claude Monet, y los postimpresionistas, como Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh y Paul Gauguin, se inspiraron en el ukiyo-e, al igual que Gustav Klimt, cuya obra condujo al desarrollo del Art Nouveau.
Sin embargo, la misma apertura al comercio que condujo al japonismo en Europa alimentó el declive del ukiyo-e en Japón. La afluencia de ideas, tecnología y arte europeos transformó radicalmente la cultura, y el ukiyo-e tradicional terminó en la década de 1880. Aunque algunos artistas seguirían trabajando en grabados, el mercado para ellos había desaparecido, sustituido por el deseo de arte de inspiración europea.
En el Japón de principios del siglo XX, varios movimientos artísticos japoneses se vieron influidos por el ukiyo-e. Nihonga, una escuela que enfatizaba la pintura tradicional japonesa, en contraposición a las obras de influencia occidental (llamado movimiento Yōga), se inspiró en artistas del ukiyo-e como Kōno Bairei. Además, los movimientos sōsaku-hanga y shin-hanga iban a revivir elementos del ukiyo-e.
El movimiento Sōsaku-hanga, o grabados creativos, se inició en 1904 con la creación de Pescador (1904) de Kanae Yamamoto. El artista evitó el proceso tradicional de colaboración para realizar la xilografía, dibujando, tallando, imprimiendo y publicando por su cuenta. El movimiento enfatizó este proceso solitario y lo relacionó con un sentido moderno del arte como expresión de la individualidad.
En 1915 le siguió el movimiento Shin-hanga, o nuevos grabados. Por el contrario, el shin-hanga volvió al proceso del ukiyo-e de cuatro personas y se centró en los temas tradicionales del ukiyo-e, al tiempo que estaba muy influenciado por el impresionismo y creaba grabados principalmente para los marchantes y coleccionistas de arte occidentales. La obra de Hashiguchi Goyô «Mujer después del baño» (1915) refleja tanto la influencia de Kitagawa Utamaro como la de Jean-Auguste-Domique Ingres en su representación de un desnudo de la tradición occidental.
Tanto el shin-hanga como el sōsaku-hanga continuaron en las décadas siguientes, atrayendo a las siguientes generaciones de artistas. Ambos movimientos experimentaron un resurgimiento tras la Segunda Guerra Mundial, cuando los grabados se hicieron populares entre los estadounidenses durante la ocupación de Japón por parte de este país.
En la década de 1950, algunos artistas creativos del grabado, como Hagiwara Hideo, se decantaron por la abstracción, y la siguiente generación, como Keiji Shinohara, comenzó a revisar y reconceptualizar el ukiyo-e. Shinohara se trasladó a Estados Unidos a principios de la década de 1980, donde colaboró con artistas tan conocidos como Balthus, Chuck Close y Sean Scully. El ukiyo-e también influyó en los colores planos, los temas y los contornos negros del anime y el manga japoneses.
El fundador del movimiento Superflat, Takashi Murakami, se vio influenciado por los pintores excéntricos del periodo Edo, como se ve en sus cuadros Durama (2011). Del mismo modo, en Occidente, los artistas contemporáneos siguen recurriendo a los grabados japoneses, como se ve en la frase del artista contemporáneo británico Julian Opie sobre los grabados de Hiroshige: «A menudo los uso como fuente de inspiración.»
