Si le preguntas a alguien si conoce «La persistencia de la memoria«, puede que diga que no, pero si le mencionas las palabras «Relojes derretidos», estamos seguros de que enseguida le vendrá a la cabeza el famoso cuadro de Salvador Dalí ¿Cierto?
El primer verano que Dalí pasó en Port Lligat, Figueras, en 1931, le marcó de por vida. Fue aquí donde creó su cuadro más famoso, «La persistencia de la memoria». Este cuadro icónico introduce la imagen del reloj de bolsillo blando; los relojes que se derriten se extienden lánguidamente sobre diversas superficies duras, sugiriendo la irrelevancia y la naturaleza transitoria o fluida del tiempo.
El paisaje marino está claramente inspirado en los recuerdos de Dalí de la costa catalana. Dalí trata de yuxtaponer imágenes cotidianas en un entorno surrealista con la inclusión de hormigas y relojes, siendo éste el principio central del surrealismo.
Una breve biografía de su autor, Salvador Dalí
Dalí nació en 1904 en Figueres, España, y comenzó a estudiar y exponer arte a una edad temprana. Aunque fue admitido en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid a los 17 años, pronto se dio cuenta de que le interesaban más las innovaciones artísticas que se producían en París.
Idolatraba a su compatriota Pablo Picasso y lo conoció en un viaje a París en 1926. Ese año, Dalí fue expulsado de la escuela tras insultar la inteligencia del tribunal que calificaba su obra, diciendo: «Soy infinitamente más inteligente que estos tres profesores, y por eso me niego a que me examinen. Conozco demasiado bien esta asignatura».
En 1929, le presentaron a André Breton en otro viaje a París y comenzó a colaborar con los surrealistas franceses. Conoció a la que sería su esposa, Gala (que por aquel entonces estaba casada con Paul Éluard), en un viaje a Cadaqués con un grupo de surrealistas ese mismo año, y a partir de ese momento, Dalí quedó prendado de ella, incluso cuando su relación estuvo plagada de infidelidades.
A lo largo de la década de 1930, Dalí creó algunos de sus cuadros más emblemáticos y colaboró con otros miembros del grupo en proyectos cinematográficos y de escritura. Aunque Dalí nunca dejó de crear obras surrealistas, fue expulsado del grupo por Breton antes del final de la década por su política, que se alineaba más firmemente con el fascismo. En 1940 se traslada con Gala a Nueva York, donde permanece hasta 1948. En Estados Unidos, Dalí diseñó decorados de teatro para el ballet, comenzó a crear joyas y entabló una relación con Philippe Halsman
A lo largo de la segunda mitad de su vida, Dalí aprovechó al máximo el nombre familiar en el que se había convertido, yendo a The Dick Cavett Show y apareciendo en anuncios de todo tipo, desde el chocolate Lanvin hasta el whisky Old Angus. También se dedicó a ilustrar clásicos de la literatura, como El Quijote y Alicia en el País de las Maravillas, e incluso aportó su toque surrealista a la Biblia.
Dalí era conocido por su carácter excéntrico, y su amor por el protagonismo se manifestaba en acciones como llevar una escafandra completa (con la que estuvo a punto de asfixiarse) en la inauguración de una exposición en 1936; declararse descaradamente un genio, sobre todo en un libro titulado Diario de un genio (1963); y pasearse por París con un oso hormiguero atado.
Algunas de estas payasadas parecían eclipsar la seriedad de su obra, y durante un tiempo, hacia el final de su vida y justo después de su muerte en 1989, los estudiosos parecían descartar gran parte de la obra de Dalí, afirmando que había llegado a su punto álgido como artista en las décadas de 1920 y 1930. Desde entonces se ha recuperado el respeto por el maestro surrealista, y su influencia duradera es indeleble.
El movimiento surrealista
El poeta André Breton fundó el surrealismo en 1924 en oposición a los ideales imperantes de la Ilustración que gobernaban gran parte del arte y la literatura en los siglos XVII y XVIII. Durante cientos de años, el racionalismo había estado en el centro de la sociedad, y Breton creía que había contribuido al «empobrecimiento y la esterilidad de los procesos de pensamiento».
Los ideales de la Ilustración hacían hincapié en la objetividad, la ciencia y el racionalismo, y sofocaban la creatividad, por lo que el pensamiento irracional tenía que ser el antídoto.
Breton y los surrealistas eran devotos seguidores del psicoanalista austriaco Sigmund Freud, y su teoría psicoanalítica de la personalidad dio al grupo de artistas y escritores una estrella del norte para la producción creativa.
Al acceder a la mente inconsciente -el conjunto de pensamientos, recuerdos, sueños e impulsos no dictados por la mente consciente- estos artistas se dedicarían a una forma pura de hacer arte que no había sido esterilizada por las costumbres sociales o las inseguridades.
Los surrealistas buscaron diferentes métodos para acceder a la información enterrada que existía bajo la superficie de su conciencia, pero muchos adoptaron el automatismo, un medio de hacer arte que abrazaba el azar e intentaba eliminar la conciencia. Al salpicar la pintura, dejar que los materiales cayeran y se colocaran según el azar, y garabatear las formas y la composición resultantes, el artista eliminaba esencialmente su agencia en la medida de lo posible del proceso creativo. Esto dio lugar a obras como La batalla de los peces (1926) de André Masson, una pieza multimedia en la que la arena adherida al azar se convierte en una cordillera y las salpicaduras rojas salen como sangre de la boca de un pez.
Otros artistas, como Dalí, buscaron la inspiración en los sueños. Soñar es una función de la mente inconsciente, y Dalí aprovechaba el sueño para alimentar su práctica. Era conocido por hacer micro-siestas a lo largo del día. Estas rápidas sesiones de sueño le proporcionaban beneficios tanto creativos como físicos. Las siestas breves permitían a Dalí entrar en un estado hiperasociativo -aunque fuera brevemente- que facilitaba la unión de asociaciones y conceptos inesperados.
¿Cuál es el significado del cuadro «La persistencia de la memoria»?
La persistencia de la memoria representa una escena en la que aparecen relojes de bolsillo, desprendidos de sus cadenas, fundiéndose lentamente sobre las rocas y las ramas de un árbol, con el océano como telón de fondo. Una parte del cuadro está bañada por la luz del sol y otra está envuelta en una sombra. Si se observa con atención, se pueden ver rocas demasiado pequeñas, una a la luz del sol y otra a la sombra.
Dalí utilizaba con frecuencia la filosofía de lo duro y lo blando en sus cuadros. Los relojes que se derriten señalan que el tiempo es fluido y eterno, mientras que las rocas duras son la realidad de la vida y el océano representa la inmensidad de la tierra. Hay un reloj naranja cubierto de hormigas. Utilizó el simbolismo para transmitir la decadencia del tiempo o la muerte (y a veces, los genitales femeninos). La extraña figura humana del centro podría interpretarse como una persona sin forma que imaginamos mientras estamos en un trance onírico.
Ha habido muchas interpretaciones y análisis de La persistencia de la memoria, pero el propio Dalí nunca interpretó ni explicó su obra. La crítica de arte Dawn Ades escribió que «los relojes blandos son un símbolo inconsciente de la relatividad del espacio y el tiempo». Cuando se le preguntó a Dalí si esta alusión a la Teoría de la Relatividad de Einstein era cierta, respondió, con bastante ligereza, que era una visión surrealista del queso Camembert derritiéndose al calor del sol.
Los expertos han dicho que La persistencia de la memoria fue una pintura durante su fase freudiana de la vida, antes de que los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki le impulsaran a su fase científica. Sea lo que sea lo que Dalí quería transmitir con el cuadro, se llevó la interpretación a la tumba. De una manera extraña, cada uno de nosotros podría interpretarlo a su manera y todos tendríamos razón. Quién sabe, tal vez sea eso lo que pretendía Dalí.
La influencia de «La persistencia de la memoria» en la cultura popular
Dalí pintó La persistencia de la memoria en 1931, cuando sólo tenía 28 años y el movimiento surrealista estaba en su apogeo. Para entonces, ya estaba involucrado formalmente con los surrealistas y había desarrollado su «método paranoico-crítico» para crear arte. Con este método, Dalí se autoinduce un estado hipnótico que le permite liberarse de la realidad. Tenía la esperanza de que, una vez liberado, pudieran comenzar las visiones de sus cuadros.
La persistencia de la memoria es una obra físicamente pequeña para la gran reputación histórico-artística y cultural que tiene: el cuadro es sólo un par de centímetros más ancho que un trozo de papel normal de ordenador. La obra puede parecer firmemente arraigada en un mundo imaginario, pero los acantilados del fondo han sido identificados como la costa de Cataluña, donde nació Dalí.
Aunque los acantilados aportan un elemento de realidad a la ambigua escena, los relojes distorsionados se funden en un árbol muerto, una plataforma inexplicable y una forma amorfa de color carne (identificada como un autorretrato del artista de perfil). Las hormigas pululan sobre un reloj cerrado como si fuera de carne, y el paisaje da la impresión de una quietud total y espeluznante.
Dalí proclamó que no conocía el significado de la obra, lo que ha dado a los estudiosos y a los amantes del arte un amplio margen para imponer el significado del cuadro. Mientras que la opinión generalizada es que los relojes simbolizan la omnipresencia del tiempo, Dalí se negaba a asociarlos con algo que no fuera un queso francés: se refería a ellos como el «camembert del tiempo».
Dalí coge objetos duros y mecánicos y los vuelve flácidos: aunque el tiempo controla las horas de vigilia de la sociedad, a menudo se dobla en los sueños y en la memoria. Las hormigas reunidas (y la única mosca, posada sobre un reloj) aparecen como si estuvieran sobre carne podrida, aludiendo a la muerte y la decadencia.
Estos objetos son familiares, pero están distorsionados y descontextualizados, como suele ocurrir en los sueños. La forma de la cara que duerme en el centro de la obra parece, a primera vista, un cráneo de vaca seco como un hueso. Con el tiempo, la calavera empieza a revelar características humanas: largas pestañas, una nariz e incluso el mechón de un bigote rizado.
Esta no es la última vez que Dalí incluiría muchos de estos símbolos en su obra, y unos 30 años más tarde, volvió a La persistencia de la memoria con La desintegración de la persistencia de la memoria (1952-54). La obra toma su pintura de 1931 y la actualiza para reflejar la ansiedad más contemporánea de la guerra nuclear. Dalí se refirió a la obra de principios de la década de 1950 como parte de su «periodo rinoceronte»: cuernos de rinoceronte que evocan misiles lanzados bajo el agua.
Curiosamente, la procedencia de La persistencia de la memoria es un misterio: un donante anónimo regaló la obra al MoMA en 1934, donde ha estado colgada desde entonces. Una vez que apareció en el MoMA, el cuadro no tardó en convertirse en una de las principales atracciones del museo, que siempre traza una línea.
Desde entonces, la ubicuidad de la obra se ha cimentado con recreaciones en forma de cameo en Los Simpson (la cara de Marge Simpson se derrite en una plataforma, su pelo azul se acumula en el suelo, y un donut escarchado de fresa atrae la atención de las hormigas) y en Barrio Sésamo (un monstruo de las galletas durmiendo ocupa el lugar del autorretrato de Dalí en el centro de esta interpretación, y aparecen galletas derritiéndose en lugar de los icónicos relojes).
Aunque La persistencia de la memoria es una obra temprana para Dalí, definió su carrera por su ejecución de los ideales surrealistas. En su apasionado primer «Manifiesto del Surrealismo», Breton escribió: «El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociaciones anteriormente descuidadas, en la omnipotencia del sueño, en el juego desinteresado del pensamiento».
La icónica obra de Dalí crea nuevas asociaciones, deconstruye el todopoderoso mecanismo del tiempo y lleva al lienzo la sensación, a menudo desconcertante y sin sentido, de soñar. Casi 100 años después de su creación, La persistencia de la memoria sigue siendo un retrato de la visión desenfrenada de un gran artista.
