El puntillismo, cuyo nombre fue acuñado originalmente por los críticos de arte para ridiculizar la técnica, se desarrolló como parte del movimiento postimpresionista a finales de la década de 1880. Esta técnica artística consistía en pintar puntos diminutos pero distintos unos junto a otros para formar una imagen.
Muchos artistas empezaron a adoptar esta técnica de pintura y después de la década de 1890, una vez que el puntillismo alcanzó su máximo esplendor, dio paso al desarrollo del movimiento artístico fauvista.
¿Qué es el puntillismo?
La revolucionaria técnica pictórica que acabó conociéndose como puntillismo intentaba utilizar la ciencia de la óptica en la creación de cuadros. Para ello, se pintaban puntos pequeños pero separados de colores no mezclados, uno al lado del otro, que se colocaban en varios patrones para formar una imagen.
El efecto que se conseguía era que al colocar los puntos tan cerca unos de otros, los ojos de los espectadores los difuminaban automáticamente en una imagen. Esta técnica se asemeja al funcionamiento actual de las pantallas de ordenador, ya que los píxeles de la pantalla se asemejan a los puntos de una pintura puntillista.
El arte del puntillismo reinventó el uso de la pintura con pequeños toques de pintura que se hizo famoso por el movimiento impresionista, hasta el punto de que los artistas intentaron producir un cuadro entero a partir de estos pequeños puntos de color puro. Por ello, a menudo se considera parte del movimiento postimpresionista, ya que se hizo popular entre las décadas de 1880 y 1890, una vez finalizado el periodo impresionista.
Uno puede preguntarse por qué los artistas se tomaron tantas molestias para desarrollar esta técnica innovadora y a la vez singularmente compleja. Esto se debió simplemente al hecho de que querían remodelar y transformar lo que representaba el arte. Al hacerlo, fueron capaces de presentar una nueva definición de lo que significaba ser un artista en aquella época.
Historia del puntillismo
Inventado principalmente por los artistas franceses Georges Seurat y Paul Signac en 1886, el puntillismo se desarrolló en respuesta al movimiento popular del impresionismo que dominaba. El puntillismo contrastaba fuertemente con otras técnicas artísticas creadas durante el movimiento impresionista, ya que exigía a los artistas un enfoque mucho más científico.
El impresionismo seguía basándose en gran medida en las opiniones subjetivas de los artistas de la época, con las que muchos artistas que buscaban una nueva técnica artística no estaban de acuerdo.
Además de Georges Seurat y Paul Signac, muchos otros artistas notables franceses, belgas e italianos fueron miembros destacados del grupo puntillista. Algunos de estos artistas fueron sus compañeros franceses Maximilien Luce y Henri-Edmond Cross. Otros artistas experimentaron brevemente con el estilo puntillista en algún momento de su carrera, como Vincent van Gogh y Pablo Picasso.
El término «puntillismo» fue inventado inicialmente por los críticos de arte como una forma de burlarse de esta técnica artística aparentemente absurda. Sin embargo, a medida que crecía la popularidad de la técnica, el puntillismo fue adoptado como nombre oficial y abandonó su anterior implicación despectiva.
Antes de ser conocido como puntillismo, este estilo de pintura se denominaba «divisionismo», que desde entonces se ha convertido en una técnica de pintura similar pero distinta
El puntillismo, que se estableció durante el periodo neoimpresionista del arte, intentaba imitar el funcionamiento de la luz, ya que los pequeños puntos individuales se apilaban unos junto a otros para permitir la mezcla óptica.
El resultado de esta técnica es que la mente y el ojo del espectador son capaces de mezclar los puntos para crear una imagen detallada. Esta mezcla óptica también mostraba imágenes con una gama de matices más completa y vívida que la que podían ofrecer los puntos individuales por sí solos.
Mientras que artistas impresionistas como Vincent van Gogh y Claude Monet utilizaban a menudo pequeños toques y trazos de pintura como parte de su técnica, el estilo puntillista amplió esta idea.
Como técnica artística, el puntillismo era relativamente fácil de entender, ya que sólo consistía en aplicar pequeños puntos de color sobre el lienzo. Además, los pioneros Seurat y Signac hicieron que el estilo pareciera muy sencillo a través de las exquisitas pinturas que produjeron, cuando en realidad la técnica era bastante compleja de conseguir.
Debido a que el puntillismo intentaba imitar cómo se percibían la luz y el color, existía como un estilo muy científico y técnico. Esto significaba que los artistas que practicaban esta técnica tenían que estar bien informados sobre dónde colocar sus puntos en relación con sus otras manchas de color para que sus imágenes se formaran correctamente en una etapa posterior.
A medida que más artistas comenzaron a adoptar esta famosa técnica de pintura de puntos, que también se denominaba «arte de puntos» en un contexto más coloquial, la técnica puntillista se convirtió en uno de los estilos artísticos más vanguardistas de la época. Al presentar una comprensión totalmente nueva del tema de los estudios del color, el puntillismo tuvo una enorme influencia en varios movimientos artísticos que se desarrollaron. Estos abarcaron desde finales del siglo XIX hasta las etapas vanguardistas del siglo XX.
Si bien el enfoque puntillista se considera que pertenece exclusivamente al movimiento postimpresionista, también tuvo un impacto en el desarrollo posterior del cubismo y del arte pop. Cuando se consideran las tendencias del arte contemporáneo en la actualidad, muchos artistas siguen haciendo uso de esta notable técnica en su arte.
También se ven elementos del puntillismo en los píxeles de las pantallas digitales y en el arte informático actual. Sin embargo, aunque la lógica pueda parecer similar, el estilo y el contexto del pixel art y del puntillismo son muy diferentes.
Técnica y práctica del puntillismo
Inspirados por los cuadros impresionistas de la época, Seurat y Signac intentaron recrear pinturas que representaran la luz en sus cualidades cambiantes mediante una nueva técnica, con el fin de producir cuadros con una luminosidad abrumadora. Seurat comenzó a colocar pequeños toques y puntos de color puro sobre un lienzo en determinados patrones que se transformaban en bellas imágenes cuando se veían juntos, y así nació el arte del puntillismo.
La técnica del puntillismo fue difícil de dominar para los artistas al principio, ya que aprovechaba la forma en que nuestros ojos funcionan con nuestro cerebro. Al mirar un cuadro puntillista, nuestros ojos mezclan automáticamente los numerosos puntos de diferentes colores para formar una imagen sólida. Debido a la influencia científica de esta técnica, son muy pocos los artistas que siguen pintando de este modo en la actualidad.
Al estar vagamente relacionado con el divisionismo, muchos se preguntaron: ¿qué es el puntillismo? Básicamente, mientras que el divisionismo se interesaba por la teoría del color, el puntillismo se centraba en el estilo específico de pincelada que se utilizaba al aplicar la pintura. Así, el puntillismo existía como la variante más técnica de este estilo específico. El puntillismo existía como un marcado contraste con los métodos tradicionales de mezcla de pigmentos en una paleta, ya que la técnica se basaba en la capacidad de los ojos y la mente de los espectadores para mezclar las manchas de color en varios tonos.
Esta famosa técnica de pintura de puntos es similar al proceso de impresión en cuatricromía CMYK que utilizan las imprentas de color hoy en día, en el que se combinan el cian (C), el magenta (M), el amarillo (Y) y el negro (K) para producir diferentes colores. Aunque este proceso puede compararse con el puntillismo debido a algunas similitudes poco evidentes, el puntillismo se centraba más en una serie de características que conformaban la técnica. Estas características se explican a continuación.
La ciencia del ojo
El puntillismo fue uno de los enfoques más científicos que se desarrollaron en relación con la producción de arte. Una importante influencia en la teoría del puntillismo fue el químico francés Michel Eugène Chevreul, que escribió un libro mientras investigaba formas de mejorar la fuerza de los colores para una empresa parisina de tapices.
Chevreul llegó a la conclusión de que el impacto visual de los tapices se basaba en la óptica y la yuxtaposición de colores complementarios, y el puntillismo se basó en estos resultados en las pinturas que se produjeron.
Puntos de color sin diluir y sin mezclar
Al utilizar la técnica puntillista, los artistas utilizaban puntos de colores puros y no mezclados al crear sus cuadros. Estos puntos se colocaban cuidadosamente en zonas en las que el artista sabía que el ojo del espectador los mezclaría correctamente y tendrían un efecto más llamativo. Por ello, los artistas nunca mezclaban los colores, ya que, una vez mezclados, perdían de algún modo su luminosidad. Además, cuanto más pequeños eran estos puntos, más nítidas eran las líneas y más clara era la pintura.
Técnica precisa
Esta técnica neoimpresionista era increíblemente meticulosa, ya que se centraba en la idea de la ilusión óptica. Los artistas del puntillismo rechazaban los trazos fluidos y espontáneos en favor de una forma de pintar más precisa y metódica. Cada cuadro del puntillismo se planificaba cuidadosamente antes de que los artistas comenzaran a aplicar la pintura, de modo que supieran más o menos cómo sería el resultado de su obra. Debido a la tecnicidad de esta técnica, la mayor parte del arte puntillista se realizaba con pintura al óleo, ya que se prefería por su grosor y su tendencia a no correrse.
Características del puntillismo
El puntillismo fue una técnica de inspiración impresionista que pretendía reinventar la forma de pintar paisajes, retratos y marinas dentro del movimiento neoimpresionista. Su nombre se debe a la influencia del crítico de arte Félix Fénéon, que utilizó por primera vez la expresión «pintura por puntos» para describir este curioso estilo de pintura.
Aunque Seurat prefería el nombre de «Divisionismo» o «Cromoluminismo» para la técnica que inventó, «Puntillismo» acabó derivando de la expresión de Fénéon y se quedó.
En lugar de mezclar los colores en una paleta antes de utilizarlos, el puntillismo se caracterizaba por la aplicación de colores puros colocados directamente en un lienzo. Esto se debe a que los pigmentos crudos eran capaces de mantener su brillo genuino cuando se dejaban sin mezclar, lo que hizo que la técnica del puntillismo fuera tan innovadora. Además, al pintar se utilizaban pinceles redondos o a veces cuadrados, lo que permitía que la mezcla de los colores se produjera en el lienzo a través del ojo del espectador.
El puntillismo también se caracterizaba por la saturación de los tonos utilizados, ya que los colores eran típicamente vivos y brillantes. Al crear estos colores intensos, los artistas del puntillismo utilizaban diferentes variedades del mismo tono sin mezclar los pigmentos. Al hacerlo, ayudaban a que los lienzos tuvieran un aspecto más suave y menos hostil a la vista, además de crear estos tonos vibrantes.
Se dice que este uso excesivo del color en el arte del puntillismo allanó el camino para el desarrollo de los movimientos fauvista y surrealista, ya que ambos hicieron uso de colores llamativos.
Por último, una de las principales características que definen el puntillismo es que los puntos sólo pueden diferenciarse entre sí cuando se observan desde una distancia determinada. Por lo general, los toques puntuales del pincel obligaban al espectador a dar automáticamente unos pasos atrás para poder ver la aparición del cuadro en su conjunto.
Así, los cuadros del puntillismo se caracterizaban por la distancia que exigían al espectador al contemplar la obra terminada, ya que cuanto más lejos estaba el espectador, más «completa» parecía la pintura.
Las diferencias entre puntillismo y divisionismo
En algunos momentos de la historia del arte, el puntillismo se ha asociado erróneamente con el divisionismo. Esto se debe a que la técnica del Divisionismo, a veces denominada Cromoluminismo, surgió al mismo tiempo que el Puntillismo y también se pensó que formaba parte del movimiento Postimpresionista.
Los divisionistas utilizaban un enfoque similar a la hora de formar imágenes a través de los patrones creados, pero el resultado final de su práctica difería enormemente del puntillismo.
El divisionismo surgió debido a las teorías y reglas científicas del color que se habían establecido y estuvo influenciado por la teoría de los colores contrastados, que fue desarrollada por el crítico de arte francés Charles Blanc.
Mientras que el divisionismo se ocupaba de los colores y de cómo podían dividirse, el puntillismo se centraba en las posibilidades de crear patrones a partir de puntos que formaran imágenes coherentes cuando se veían desde lejos. Esta diferencia se observaba en el arte del puntillismo, ya que no se tenía en cuenta la separación de los colores una vez formada la pieza.
Posiblemente la mayor diferencia entre estos dos estilos se observaba en el producto final, ya que los divisionistas utilizaban pinceladas más grandes en forma de cubo, mientras que los artistas del puntillismo caracterizaban su composición con pequeños puntos multicolores.
En última instancia, se pensó que la confusión entre estas dos técnicas artísticas se basaba en el hecho de que el mismo grupo de artistas que desarrolló el puntillismo ayudó a facilitar la aparición del divisionismo. Seurat, Signac e incluso Van Gogh eran conocidos por practicar ambas técnicas.
Diferencias con el arte de puntos
Aunque el puntillismo ha sido denominado en el pasado como «la famosa pintura de puntos», la técnica es esencialmente lo mismo que el arte de puntos. La única diferencia que existe entre estos dos términos es que «puntillismo» es utilizado por los historiadores del arte y los coleccionistas para referirse a las obras de arte que han utilizado esta técnica, mientras que «arte punteado» se utiliza en un entorno más coloquial entre el público en general.
Un ejemplo muy conocido de arte punteado es el arte aborigen, que utiliza puntos y puntillas en las famosas pinturas rupestres. Sin embargo, el arte punteado se utiliza hoy en día para referirse al trabajo de los artistas amateurs, ya que el término ejerce menos presión y expectativas sobre las obras que se producen, a diferencia de etiquetarlas como arte punteado.
Artistas famosos del puntillismo y sus cuadros
Muchas de las obras de arte creadas con la técnica del puntillismo existen como algunas de las pinturas más significativas hasta la fecha. En la siguiente sección, veremos y exploraremos algunos de los artistas puntillistas más conocidos y su infame arte puntillista.
Camille Pissarro
El artista danés-francés Camille Pissarro, que se enmarca en el movimiento impresionista y neoimpresionista, perfeccionó su técnica de retratar la vida ordinaria en sus cuadros. Pissarro trató de explorar nuevos temas y métodos que le permitieran romper con el estilo pictórico contemporáneo de su época, optando por volver a las representaciones de individuos corrientes en entornos muy realistas.
Fue en este momento de su estilo artístico cuando Pissarro conoció a Georges Seurat y Paul Signac, que ya habían empezado a utilizar la técnica puntillista. Pissarro adoptó e implementó rápidamente el puntillismo en sus obras y fue uno de los artistas cuyas obras destacaron enormemente dentro del grupo puntillista. Un cuadro puntillista muy conocido es Gelée Blanche, Jeune Paysanne Faisant du Feu, que pintó entre 1887 y 1888.
A gran escala, este cuadro demuestra cómo Pissarro era capaz de manipular el complejo tema de la luz. Su brillante representación de los entresijos de la luz y la atmósfera se aprecia en la representación del calor y el frío, ya que el sol bajo proyecta sombras sobre los prados y la escarcha nocturna restante. Además, en el fondo se aprecia un poco de niebla, que contrasta con la luz débil pero brillante que se representa.
En este cuadro, Pissarro fue capaz de crear una extraordinaria y singularmente sutil ilustración del humo, el fuego y el aire frío, que no pudo ser igualada en otro arte puntillista producido. Además de la brillantez de Pissarro al considerar los efectos de la luz, su enfoque empático de la condición humana dentro de sus obras de arte diferenció sus pinturas de las demás.
Vincent van Gogh
Un pintor holandés conocido por experimentar brevemente con el puntillismo fue Vincent van Gogh. Tras visitar el estudio de Georges Seurat, van Gogh exclamó que había entrado en contacto con una «revelación del color», lo que le llevó a empezar a pintar con la técnica puntillista.
Sin embargo, los historiadores del arte coinciden en que van Gogh tenía un espíritu demasiado inquieto como para continuar con un estilo tan técnico como el puntillismo, como lo demuestra el hecho de que abandonara la técnica al cabo de poco tiempo.
Un cuadro muy conocido de van Gogh que demuestra claramente el uso del puntillismo es su Autorretrato de 1887. En este cuadro, van Gogh respondió al icónico cuadro de Seurat, Un domingo en la Grande Jatte (1884), e hizo uso de una pincelada gruesa que se convertiría en una marca de su estilo. Sin embargo, la diferencia en la pintura de van Gogh era que él unía un lenguaje emocional apasionado a la paleta de colores elegida, mientras que Seurat y otros artistas basaban su técnica en el frío distanciamiento relacionado con la ciencia.
La superficie de Autorretrato deslumbra con motas de color que incluyen verdes, azules, naranjas y rojos. El contraste entre los tonos fríos y cálidos crea un efecto chispeante, ya que parece que el fondo detrás de van Gogh está lleno de movimiento. Mientras que el espectador no puede evitar dejarse atrapar por el ritmo creado por las pinceladas abruptas e inconexas de pintura, los profundos ojos verdes de van Gogh parecen transmitir una profunda intensidad que actúa como otro punto focal en la obra.
Van Gogh demostró una gran habilidad para expresar la fluidez de la luz, que le enseñó su colega Camille Pissarro.
Van Gogh se convirtió en inquilino temporal en la casa de Pissarro y durante este tiempo que pasaron juntos, Pissarro le enseñó las diferentes formas de encontrar y expresar la luz y el color, habilidad que se identifica en su Autorretrato.
Charles Angrand (1854 – 1926)
Otro artista francés que obtuvo un amplio reconocimiento por sus pinturas fue Charles Angrand. Influido por los miembros del grupo puntillista, como Camille Pissarro, Georges Seurat y Paul Signac, Angrand comenzó a aplicar las técnicas puntillistas en sus propios cuadros, a pesar de que sus implementaciones difieren de la obra de otros artistas del puntillismo.
Uno de los cuadros puntillistas más notables de Angrand es Los cosechadores, pintado en 1892. En la mayoría de las obras de Angrand, se puede ver que su elección de colores es más tenue que los colores brillantes y contrastados que se utilizaban normalmente en las obras de Seurat y Signac. Se dice que Angrand evitaba conscientemente la coloración violenta que se observa en muchos otros cuadros del puntillismo, ya que consideraba que su tema apagado le permitía captar y ejecutar mejor las representaciones de la luz en sus obras.
Sin embargo, en Las cosechadoras, Angrand copió el estilo y la paleta de colores de Seurat y Signac, y este cuadro es una de sus obras más coloridas. Así lo demuestran los tonos cálidos utilizados para representar a los trabajadores en el campo, además del resplandor de luz aparentemente caliente que parece bañarlos.
El contraste creado entre los tonos cálidos de las figuras y los tonos fríos del fondo demuestra la perspicacia de Angrand a la hora de representar el elemento transitorio de la luz.
Henri-Edmond Cross (1856 – 1910)
El pintor francés Henri-Edmond Cross fue un afamado artista del movimiento neoimpresionista y uno de los más importantes que utilizó la técnica del puntillismo. Mientras experimentaba con el puntillismo, Cross ejerció una influencia decisiva en el mundo del arte, que contribuyó a allanar el camino para el desarrollo del fauvismo. En 1884, Cross cofundó la «Société des Artistes Indépendants», lo que le llevó a conocer a creadores que compartían los mismos valores, entre ellos los artistas del puntillismo Georges Seurat y Charles Angrand.
A pesar de haber establecido una estrecha relación con estos artistas, Cross no empezó a pintar con la técnica puntillista hasta 1891. Su primer cuadro puntillista, creado ese mismo año, fue un retrato de su futura esposa y se tituló Madame Hector France. En este gran retrato de cuerpo entero de Irma Clare, casada entonces con el escritor Hector France, se aprecia un cuidadoso equilibrio entre luces y sombras.
La luz, que sugiere una noche de verano, está representada por las lámparas parpadeantes del fondo, así como por el rododendro blanco que se ve en primer plano. Estas zonas iluminadas contrastan además con los colores oscuros que se utilizan para representar el vestido de Madame France, incluida la ligera sombra que cae sobre su rostro. En este cuadro, Cross también consiguió crear la ilusión de profundidad y espacio, al representar la silla en ángulo, y la inclusión de las formas geométricas que cubren el suelo.
A pesar de emplear las técnicas del puntillismo, se ha dicho que la pintura de Cross tenía un estilo más divisionista. Esto se debe a que su retrato parecía tener un brillo granulado pero atmosférico, lo que posiblemente demuestra una mayor atención a la división de los colores en contraposición a los patrones de los puntos.
Maximilien Luce (1858 – 1941)
Otro destacado artista francés que fue importante dentro de la época del puntillismo fue Maximilien Luce, que acabó volviendo al impresionismo una vez que el puntillismo empezó a decaer. En la mayoría de sus obras puntillistas, Luce representó escenas de gente corriente en su trabajo.
Una de sus obras más notables, que muestra a un hombre preparándose para el trabajo por la mañana, fue Mañana, interior, pintada en 1890. Se dice que el hombre de este cuadro es el amigo íntimo de Luce y su compañero neoimpresionista, Gustave Perrot.
En este cuadro, un joven aparece sentado en una cama endeble mientras se calza la bota izquierda. La habitación está escasamente amueblada, pero lo que llama la atención es la representación de la luz del sol de la mañana que entra en la habitación a través de las ventanas.
En un intento de captar esta luz, Luce representa la habitación con puntos amarillos, naranjas y rojos, lo que crea una vibrante representación de la calidez que aporta la luz. También se aprecian manchas de azul claro y violeta, que complementan los tonos más cálidos y enfatizan aún más la luz presente.
El contraste de colores utilizado por Luce ayuda a modular la diferente caída de la luz en toda la habitación, como demuestran los colores utilizados para mostrar el jarrón, la ropa de cama y el jarrón. A través de esta suave representación de la luz, se muestra una escena increíblemente íntima de un individuo que se supone que es el artista Perrot y que realiza sus actividades matutinas de vestirse en su sencilla vivienda. La técnica de punteado que Luce utilizó en este cuadro es exclusivamente puntillista, lo que demuestra su influencia en el estilo.
Georges Seurat
El primer pionero del puntillismo y el artista más importante dentro de esta técnica fue el pintor francés Georges Seurat, cuya corta carrera causó un gran impacto en la comunidad artística. Típicamente conocido como Puntillismo de Seurat, esta técnica ayudó a Seurat a fundar el movimiento neo-impresionista dentro del cual se enmarca y practica el Puntillismo. Seurat era increíblemente matemático en su enfoque de la pintura puntillista, y su precisión y abstracciones lógicas se pueden ver en la mayoría de las obras de arte que creó.
Posiblemente la obra maestra más conocida del puntillismo, además de ser uno de los cuadros más significativos creados dentro de la historia del arte, sea Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, de Seurat, pintada entre 1884 y 1886. Este cuadro retrata a miembros de diferentes clases sociales relajándose en una isla del río Sena conocida como La Grande Jatte y participando en diversas actividades del parque.
Seurat trabajó de forma muy sistemática y completó todo este cuadro mediante el uso de pequeños puntos que contrastaban en color, lo que permitía a los ojos del espectador mezclar los colores ópticamente. Debido al gran tamaño de la obra y al tecnicismo de este estilo, Seurat tardó dos años en completar este cuadro, ya que pasó la mayor parte de ese tiempo en el parque haciendo unos 60 bocetos como preparación.
Se puede apreciar una manipulación magistral con la luz y la sombra, ya que el río brillante contrasta fuertemente con la sombra en la esquina inferior izquierda, así como las sombras creadas por todas las figuras que están de pie. Además, la inclusión de los paraguas se suma a esta idea de sombra, ya que las figuras que los sostienen están bañadas tanto por la sombra como por la luz.
A pesar de que la obra de Seurat adopta un enfoque más científico e intuitivo de la creación artística, no todo es lo que parece. Si se observa con detenimiento, saltan a la vista algunas anomalías.
Por ejemplo, la dama representada en tonos más oscuros en la esquina inferior izquierda parece sostener un mono con correa, que corre junto a un perro. Otra desviación del estilo tan cuidadosamente creado por Seurat dentro de esta obra se observa en la niña situada en el centro de la composición, ya que es la única figura que aparece sin sombra.
En 1889, Seurat realizó un último cambio en Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. Alargó el lienzo para poder añadir un borde pintado con puntos naranjas, rojos y azules. Esto se hizo para proporcionar un pasaje visual entre el interior del cuadro y su marco blanco. Por desgracia, la vida de Seurat terminó trágicamente a los 31 años debido a la difteria. Sin embargo, el legado del puntillismo de Seurat perduró a través de otros notables artistas que experimentaron con su técnica.
Théo van Rysselberghe
El artista belga Théo van Rysselberghe fue otro destacado artista que utilizó el puntillismo y desempeñó un papel crucial en la escena artística europea de principios del siglo XX.
Van Rysselberghe experimentó normalmente con el retrato durante su periodo de puntillismo, ya que a menudo pintaba retratos de su mujer y su hija. Sin embargo, algunas de sus obras puntillistas más icónicas representaban paisajes y marinas.
Una de las obras puntillistas más emblemáticas de van Rysselberghe, así como uno de los cuadros puntillistas más bellos que existen, es su cuadro de 1892 Barcos de pesca en el Mediterráneo. Este cuadro representa el agua azul turquesa del mar Mediterráneo reflejando los rayos del sol mientras las olas se mueven. Una gran flota de barcos de pesca pasa por delante de un afloramiento de rocas anaranjadas, disfrutando del brillo dorado de la luz mediterránea.
Este cuadro incluye algunas de las formas más puras de las aplicaciones divisionistas, que pueden verse en la regulación de las formas dentro del cuadro. Tal vez inspirado en el naturalismo impresionista, este cuadro puntillista ofrece una representación abstracta de un paisaje marino abierto, con barcos, agua del mar y luz del sol. En este cuadro, se puede ver la representación del mundo natural a través de formas geométricas ordenadas de diferentes colores.
Los conjuntos complementarios de colores naranja y azul y amarillo y morado permiten ampliar la composición abstracta general del cuadro. Al mismo tiempo, sin embargo, el punto de vista desde el que se sitúa el espectador insinúa la precariedad de la mancha sobre el borde de un acantilado, en relación con la fisicidad de nuestra propia realidad. Este cuadro también proporciona una gran sensación de temporalidad en la forma en que la naturaleza interminable del agua del océano contrasta con la fragilidad de los barcos que pasan, completamente indefensos ante los efectos del océano, de forma similar a cómo la humanidad está sujeta a las pruebas y tribulaciones de la vida.
Paul Signac
El otro fundador del puntillismo, así como el segundo artista más importante dentro de este estilo, fue el pintor francés Paul Signac. Junto a Georges Seurat, Signac estudió y desarrolló la técnica del puntillismo, ya que era alumno de Seurat en aquella época. Tras la prematura muerte de Seurat, Signac continuó trabajando en el puntillismo durante toda su carrera y dejó un enorme legado de obras de arte que utilizaban esta técnica.
Una obra muy conocida de Signac, que pintó en 1890, se titula Opus 217. Contra el esmalte de un fondo rítmico con latidos y ángulos, tonos y tintes, Retrato de M. Félix Fénéon. En este cuadro, Signac rinde homenaje a su amigo, el influyente crítico de arte, coleccionista, comisario y marchante Félix Fénéon, en un retrato que sigue siendo la obra más memorable y destacada de Signac.
Este retrato ilustra la preferencia de Signac por utilizar tonos vibrantes y llamativos, ya que la combinación de colores parece abrumadora al principio. La rueda de colores representada en el fondo demuestra el impresionante uso del puntillismo por parte de Signac, ya que el espectador tiene que mezclar primero ópticamente los colores antes de poder dar sentido a las formas que se forman.
Aunque tanto Fénéon como la flor blanca que sostiene permanecen inmóviles frente a la sinfonía de colores, el título sugiere movimiento y música a través de la palabra «Opus». Además, el movimiento está implícito en la técnica puntillista de esta obra, ya que los puntos de colores vibrantes parecen vibrar unos contra otros. El perfil de Fénéon se suma al movimiento de este cuadro, ya que su nariz, su codo y su bastón declinan en un patrón de tipo zigzag que recuerda al movimiento.
En esta obra, Signac demostró con arte su manipulación del puntillismo a través de los puntos vivos y los ángulos que utilizó. Ambos elementos contribuyen a la vitalidad que se percibe al contemplar este cuadro, ya que parece cobrar vida con un movimiento excitado y animado cuando se estudia de cerca.
El legado del puntillismo
En la década de 1890, el arte del puntillismo había alcanzado su punto álgido, ya que muchos artistas de la época habían adoptado la técnica en las obras que producían. El puntillismo tuvo una gran influencia en el movimiento postimpresionista, que se extendió hasta principios del siglo XX. Después de esto, el estilo se fue apagando poco a poco, ya que la mayoría de los artistas comenzaron a experimentar con otras formas de creación artística.
A pesar de que algunos artistas sólo practicaron esta técnica, mientras que otros sólo la tocaron brevemente, no se puede negar la gran influencia que el puntillismo tuvo en el arte.
Aunque generalmente se considera que el puntillismo fue lo que más influyó en el ámbito técnico del arte, su experimentación con la teoría del color y la comprensión del realismo óptico abrieron muchas puertas a futuros movimientos artísticos. Un movimiento importante que se desarrolló a raíz del puntillismo fue el fauvismo, que se inspiró en el uso vívido del color utilizado por los artistas del puntillismo. A menudo se dice que Luxe, Calme et Volupté (1904) de Henri Matisse es una importante obra de transición entre ambos estilos.
Como técnica pictórica, el puntillismo era difícil de dominar y, por ello, no son muchos los artistas que pueden pintar de este modo en la actualidad. Sin embargo, a pesar de que el apogeo del arte puntillista haya terminado, muchos de sus conceptos e ideas siguen siendo utilizados por artistas en un contexto más contemporáneo, que crean obras de arte en una variedad de medios diferentes. Algunos de estos medios que se ven en el Arte Moderno de hoy, que fueron claramente influenciados por el Puntillismo, incluyen la moda y los tatuajes.
Influencia del puntillismo en los artistas contemporáneos de hoy
En la era moderna, muchos artistas están experimentando con los temas e ideas que eran prominentes en el estilo puntillista. El concepto primario de los puntos ha sido reestructurado para adaptarlo a un entorno contemporáneo, y muchos artistas utilizan los puntos en diversas formas y con distintos fines. Algunos artistas incluso han creado obras de arte basadas exclusivamente en los puntos, lo que demuestra que el arte puntillista sigue estando presente incluso en el siglo XXI.
Damien Hirst
Uno de los primeros artistas contemporáneos que nos vienen a la mente al hablar de arte moderno es el británico Damien Hirst. Aunque no podemos clasificar a Hirst como artista puntillista, sí que experimentó con la técnica en una serie de pinturas punteadas que parecían rendir homenaje al estilo original.
Su cuadro de 1986, titulado Spotted Painting, fue uno de los primeros cuadros experimentales de Hirst que incluían puntos. Al ver la obra, se aprecian numerosos puntos multicolores, que parecen haber sido colocados al azar por todo el lienzo.
Esta suposición está justificada, ya que cuanto más se aleja uno al ver la obra -en un intento de que la ilusión óptica tenga sentido- no parecen aparecer figuras de los puntos. No importa la distancia que se cree entre el cuadro y el espectador, los puntos son claramente visibles desde todos los ángulos.
En cierto modo, esta obra de arte puede clasificarse como una forma de arte de puntos, ya que eso es exactamente lo que es. El Spotted Painting de Hirst, junto con las demás obras de esta serie, sigue siendo fiel a lo que es, que es esencialmente una colección de puntos de colores.
Philip Karlberg
Otro artista moderno conocido por incorporar los puntos y las teorías del puntillismo en sus obras es el fotógrafo sueco Philip Karlberg. Aunque se inspira en los puntos, la expresión artística de Karlberg y sus posteriores creaciones difieren enormemente de la idea original del puntillismo, pero su influencia puede verse claramente en sus obras.
Al emprender un inmenso proyecto en 2012, al que denominó su serie Pin Art Portraits, Karlberg creó retratos de figuras icónicas utilizando más de 1.200 palos de madera meticulosamente dispuestos sobre tablas de madera para que se parecieran a determinados famosos. Algunas de las celebridades que capturó fueron Johnny Depp, Jackie O, Lady Gaga y Karl Lagerfeld. En cada retrato, Karlberg hizo que cada famoso llevara unas gafas de sol de diseño.
En estas llamativas piezas, Karlberg se inspiró en la ilusión óptica del puntillismo para crear estas obras, en las que los ojos de los espectadores también debían acomodar los palos en los rostros de estas conocidas celebridades. La sombra creada por cada palo, que clavó en el tablero a diferentes longitudes, ayudó a construir aún más los rostros de cada celebridad, demostrando el uso de Karlberg de la iluminación estratégica.
