El Pop Art quizás el desarrollo artístico más conocido del siglo XX, surgió como reacción al consumismo, los medios de comunicación de masas y la cultura popular.
Este movimiento surgió en la década de 1950 y cobró un gran impulso a lo largo de los años sesenta. El Pop Art se alejó de la teoría y los métodos utilizados en el expresionismo abstracto, el principal movimiento que lo precedió.
En su lugar, se basó en objetos y medios cotidianos como periódicos, cómics, revistas y otros objetos mundanos para producir composiciones vibrantes, estableciendo el movimiento como una piedra angular del arte contemporáneo.
Esta introducción de imágenes identificables supuso un gran cambio respecto a la dirección del modernismo, que los artistas pop consideraban vacía y elitista.
Muchos artistas asociados al movimiento -sobre todo Andy Warhol y Roy Lichtenstein- alcanzaron una fama y un estatus sin precedentes, una experiencia que acercó a los practicantes a la celebridad de la corriente principal.
Hoy en día, el Pop Art es una de las formas de arte más reconocibles al instante.
¿Qué es el Pop Art o Arte Pop?
El Pop Art es un movimiento que surgió a mediados del siglo XX y en el que los artistas incorporaron a sus obras objetos cotidianos: tiras de cómic, latas de sopa, periódicos, etc.
El movimiento del arte pop pretendía consolidar la idea de que el arte puede proceder de cualquier fuente, y que no existe una jerarquía cultural que lo desvirtúe.
Breve historia del arte pop
El arte pop comenzó a mediados de la década de 1950 en Gran Bretaña de la mano de un grupo de pintores, escultores, escritores y críticos llamado Independent Group.
Poco después se extendió a Estados Unidos. Gran parte de las raíces del movimiento fueron impulsadas por una revolución cultural dirigida por activistas, pensadores y artistas que pretendían reestructurar un orden social regido por el conformismo.
El movimiento se extendió rápidamente, y muchos creen que el collage de 1956 del pionero del pop británico Richard Hamilton, ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? marcó el inicio oficial del fenómeno cultural tras su aparición en la Galería Whitechapel de Londres.
Hamilton describió las características del movimiento escribiendo: «El arte pop es Popular (diseñado para un público masivo), Transitorio (solución a corto plazo), Prescindible (se olvida fácilmente), De bajo coste, Producido en masa, Joven (dirigido a la juventud), Ingenioso, Sexy, Gimmicky, Glamuroso, Gran negocio».
Tras la irrupción del movimiento en Estados Unidos, se extendió rápidamente por todo el mundo y sigue influyendo en las bellas artes y la cultura popular.
Características del Pop Art
El arte pop es fácilmente reconocible por su vitalidad y sus características únicas, presentes en muchas de las obras más icónicas del movimiento. A continuación se exponen algunas de las características que definen el arte pop:
Imágenes reconocibles: El arte pop utilizaba imágenes e iconos de medios y productos populares. Esto incluía artículos comerciales como latas de sopa, señales de tráfico, fotos de famosos, periódicos y otros artículos populares en el mundo comercial. Incluso se incorporaron nombres de marcas y logotipos.
Colores brillantes: El arte pop se caracteriza por sus colores vivos y brillantes. Los colores primarios rojo, amarillo y azul eran pigmentos destacados que aparecían en muchas obras famosas, especialmente en la obra de Roy Lichtenstein.
Ironía y sátira: El humor fue uno de los principales componentes del arte pop. Los artistas utilizan el tema para hacer una declaración sobre los acontecimientos actuales, burlarse de las modas y desafiar el statu quo.
Técnicas innovadoras: Muchos artistas pop utilizaron procesos de impresión que les permitían reproducir rápidamente imágenes en grandes cantidades. Andy Warhol utilizó la serigrafía, un proceso mediante el cual la tinta se transfiere al papel o al lienzo a través de una malla con una plantilla.
Roy Lichtenstein utilizó la litografía, o impresión a partir de una placa de metal o piedra, para lograr su estilo visual característico.
Los artistas pop a menudo tomaban imágenes de otras áreas de la cultura dominante y las incorporaban a sus obras de arte, ya sea alteradas o en su forma original. Este tipo de arte de apropiación solía ir de la mano de la repetición para romper la separación entre el arte elevado y el arte bajo, lo que permitía distinguir la publicidad y los medios de comunicación de las bellas artes.
Medios mixtos y collage: Los artistas pop a menudo mezclaban materiales y utilizaban distintos tipos de medios. Al igual que Robert Rauschenberg, cuyas obras anticiparon el movimiento del arte pop, los artistas Tom Wesselmann y Richard Hamilton combinaron imágenes aparentemente dispares en un solo lienzo para crear una forma de narrativa completamente moderna.
Del mismo modo, Marisol es conocida por sus esculturas que utilizan una gran variedad de materiales diferentes para representar figuras.
Artistas Pop que definieron el movimiento
Andy Warhol
El nombre de Andy Warhol se ha convertido en sinónimo del arte pop estadounidense. Las obras de Warhol tipifican muchos aspectos del movimiento, como la obsesión por las celebridades, la repetición de imágenes y el uso de la publicidad como tema.
Entre sus series más destacadas están «Latas de sopa Campbell», representaciones de Jacqueline Kennedy Onassis y «Muerte y desastre». Warhol colaboró con artistas como Jean-Michel Basquiat y marcas comerciales como Perrier. Llegó a abrir un estudio artístico llamado «The Factory», que servía de taller para la creación de arte de Warhol, así como de lugar de encuentro para los bohemios.
Roy Lichtenstein
Otro icono del Pop Art estadounidense es Roy Lichtenstein. Conocido por su uso de colores primarios y contornos llamativos, el estilo característico de Lichtenstein hacía referencia a los cómics de los que obtuvo gran parte de su material inicial. Incluso en series posteriores de obras,
Lichtenstein utilizó puntos Ben-Day para evocar el estilo del cómic en sus lienzos y esculturas. Al igual que Warhol y Lichtenstein, Ed Ruscha y James Rosenquist tomaron el tema de los medios impresos para crear riffs sobre la señalización que ejemplificaban el zeitgeist cultural.
Robert Rauschenberg
Rauschenberg mezcló radicalmente materiales y métodos para crear notables collages de arte pop, incorporando la imaginería popular de la época en la que vivió.
Una de sus obras más notables, Retroactive II, creada en 1964, era una serigrafía en la que aparecían un retrato de John F. Kennedy y un astronauta de la NASA entre otras imágenes mezcladas y recombinadas de forma interesante.
David Hockney
David Hockney ayudó a ser el pionero del movimiento de arte pop británico en la década de 1960, creando pinturas semiabstractas y experimentando con una amplia gama de medios.
Su obra de 1967, A Bigger Splash, fue uno de los múltiples cuadros de Pop Art centrados en las piscinas, una fascinación que creció después de que se trasladara a California y reconociera la forma relajada y sensual en que vivían los residentes de esa zona.
Las Mujeres en el Pop Art
Las mujeres artistas pop suelen quedar excluidas de la narrativa tradicional del movimiento, pero muchas desempeñaron un papel fundamental a lo largo de sus carreras.
La dramaturga y artista de vanguardia Rosalyn Drexler, la artista conceptual y pop Marisol y la pintora belga Evelyne Axell contribuyeron al éxito del movimiento pop. Hoy en día, gracias a estas pioneras, cada vez hay más artistas pop femeninas en las exposiciones de los museos y en las subastas.
Datos sobre el arte pop
- La primera obra de Pop Art fue creada por el artista escocés Eduardo Paolozzi en 1952. Se trataba de un collage realizado a partir de revistas titulado I was a Rich Man’s Plaything.
- El arte pop se denominó originalmente arte propagandístico.
- Andy Warhol diseñó la icónica portada del primer álbum de The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico.
- El Souper Dress, una prenda de usar y tirar inspirada en la serie de latas de sopa Campbell de Warhol, fue fabricado por la Campbell Soup Company en 1966-67.
- El uso del arte pop de objetos e imágenes encontradas se remonta al movimiento dadaísta de principios del siglo XX.
- Artistas como Jeff Koons y Claes Oldenburg satirizaron los objetos cotidianos representándolos en proporciones monumentales. Las piezas icónicas de Oldenburg incluyen cucharas gigantes de helado, cucharas, pinzas de la ropa, etc.
- La obra más cara que Warhol ha vendido es Silver Car Crash (Double Disaster), que creó en 1963. Se vendió por 105 millones de dólares en 2013.
- El arte pop se extendió por prácticamente todas las facetas de la sociedad, primero a través de colaboraciones de artistas en el diseño y la música, y más tarde cuando las nuevas generaciones de artistas se inspiraron en el estilo de mediados de siglo.
- En la década de 1980, algunos artistas posmodernos trabajaron bajo la bandera del «Neo-Pop». Estos artistas, entre ellos Jeff Koons, siguieron tomando objetos de la vida cotidiana y los incorporaron a sus obras de arte.
Hoy en día, el manto del Pop Art está siendo retomado por artistas como el fenómeno japonés Takashi Murakami. Murakami acuñó el término «Superflat» para describir su arte, que hace referencia a su naturaleza gráfica inspirada en el anime, la cultura pop y el consumismo.
Además, artistas callejeros como Banksy se han visto influenciados por el legado del arte pop, utilizando plantillas y diseño gráfico para conseguir una estética similar en sus obras.
Dado que el arte pop imita casi a la perfección los aspectos de la sociedad a los que reacciona, su impacto en la cultura de Estados Unidos y de otros países es, a estas alturas, inconmensurable.
