Durante siglos, la historia del arte ha sido dominada por nombres masculinos como Leonardo da Vinci, Michelangelo y Rembrandt. Sin embargo, a lo largo de la historia, también han existido mujeres artistas talentosas y visionarias que han creado obras de arte impresionantes y han hecho contribuciones significativas al mundo del arte.
Desde la pintura y la escultura hasta la fotografía y el videoarte, las mujeres artistas han desafiado las expectativas culturales y han cuestionado los roles de género a través de sus obras. En este artículo, exploraremos la vida y obra de algunas de las mujeres artistas más destacadas de la historia.
10 Mujeres Artistas que no te puedes perder
Por supuesto, la historia del arte está llena de mujeres artistas y sería imposible nombrarlas a todas en este artículo, por eso, hemos seleccionada algunas de las artistas más destacadas.
1-Sofonisba Anguissola
Sofonisba Anguissola (c. 1532 – 16 de noviembre de 1625), también conocida como Sophonisba Angussola o Sophonisba Anguisciola,fue una pintora renacentista italiana nacida en Cremona en el seno de una familia noble relativamente pobre.
Recibió una educación completa que incluía las bellas artes, y su aprendizaje con pintores locales sentó un precedente para que las mujeres fueran aceptadas como estudiantes de arte.
De joven, Anguissola viajó a Roma, donde fue presentada a Miguel Ángel, que reconoció inmediatamente su talento, y a Milán, donde pintó al duque de Alba. La reina de España, Isabel de Valois, era una gran aficionada a la pintura y en 1559 Anguissola fue reclutada para ir a Madrid como su tutora, con el rango de dama de compañía.
Más tarde se convirtió en pintora oficial de la corte del rey Felipe II y adaptó su estilo a los requisitos más formales de los retratos oficiales para la corte española. Tras la muerte de la reina, Felipe le ayudó a concertar un matrimonio aristocrático. Se trasladó a Sicilia, y más tarde a Pisa y Génova, donde continuó ejerciendo como retratista de primera fila.
Sus cuadros más característicos y atractivos son sus retratos de sí misma y de su familia, que pintó antes de trasladarse a la corte española. En particular, sus representaciones de niños son frescas y muy cuidadas. En la corte española pintó retratos formales de Estado en el estilo oficial imperante, como una de las primeras y más exitosas de las relativamente escasas mujeres pintoras de la corte. Más tarde también pintó temas religiosos, aunque muchos de sus cuadros religiosos se han perdido. Murió a los 93 años, en 1625, en Palermo.
El ejemplo de Anguissola, al igual que su obra, ejerció una influencia duradera en las generaciones posteriores de artistas, y su gran éxito abrió el camino para que un mayor número de mujeres se dedicaran seriamente a la pintura.
Sus cuadros pueden verse en galerías de Boston (Museo Isabella Stewart Gardner), Milwaukee (Museo de Arte de Milwaukee), Bérgamo, Brescia, Budapest, Madrid (Museo del Prado), Nápoles y Siena, así como en la Galería Uffizi de Florencia.
Su contemporáneo Giorgio Vasari escribió que Anguissola «ha demostrado mayor aplicación y mejor gracia que cualquier otra mujer de nuestra época en sus esfuerzos por dibujar; así, no sólo ha logrado dibujar, colorear y pintar del natural, y copiar excelentemente de otros, sino que por sí misma ha creado pinturas raras y muy bellas».
2-Elisabeth Louise Vigée Le Brun
Élisabeth Louise Vigée Le Brun (16 de abril de 1755 – 30 de marzo de 1842), también conocida como Madame Le Brun, fue una retratista francesa, especialmente de mujeres, de finales del siglo XVIII y principios del XIX.
Su estilo artístico se considera generalmente parte de las secuelas del Rococó con elementos de un estilo Neoclásico adoptado. Su temática y paleta de colores pueden clasificarse como Rococó, pero su estilo se alinea con la aparición del Neoclasicismo. Vigée Le Brun se hizo un nombre en la sociedad del Antiguo Régimen como retratista de María Antonieta.
Gozó del mecenazgo de aristócratas, actores y escritores europeos, y fue elegida miembro de las academias de arte de diez ciudades. Algunos artistas contemporáneos famosos, como Joshua Reynolds, la consideraban una de las mejores retratistas de su época, comparándola con los antiguos maestros holandeses.
Vigée Le Brun realizó 660 retratos y 200 paisajes. Además de numerosas obras en colecciones privadas, sus cuadros pertenecen a importantes museos, como el Louvre de París, el Museo del Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y muchas otras colecciones de Europa y Estados Unidos. Su habitus personal se caracterizaba por una gran sensibilidad al sonido, la vista y el olfato.
Entre 1835 y 1837, cuando Vigée Le Brun tenía más de 80 años, publicó sus memorias en tres volúmenes (Souvenirs), que también contenían numerosos retratos a pluma y consejos para jóvenes retratistas.
3-Rosa Bonheur
Rosa Bonheur (nacida Marie-Rosalie Bonheur; 16 de marzo de 1822 – 25 de mayo de 1899) fue una artista francesa conocida sobre todo como pintora de animales (animalière).
También realizó esculturas de estilo realista. Entre sus obras destacan Arar en el Nivernais, expuesta por primera vez en el Salón de París de 1848 y conservada en el Museo de Orsay de París, y La feria de caballos (en francés: Le marché aux chevaux),expuesta en el Salón de 1853 (terminada en 1855) y conservada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Bonheur fue considerada la pintora más famosa del siglo XIX.
Se ha afirmado que Bonheur era abiertamente lesbiana, ya que vivió con su compañera Nathalie Micas durante más de 40 años, hasta la muerte de Micas, tras lo cual vivió con la pintora estadounidense Anna Elizabeth Klumpke. Sin embargo, otros señalan que nada apoya esta afirmación.
4-Hilma Af Klint
Hilma af Klint (26 de octubre de 1862 – 21 de octubre de 1944) fue una artista y mística sueca cuyas pinturas se consideran de las primeras obras abstractas conocidas en la historia del arte occidental. Una parte considerable de su obra es anterior a las primeras composiciones puramente abstractas de Kandinsky, Malevich y Mondrian.
Perteneció a un grupo llamado «Las Cinco», formado por un círculo de mujeres inspiradas en la teosofía, que compartían la creencia en la importancia de intentar contactar con los llamados «Altos Maestros», a menudo mediante sesiones espiritistas.
Sus pinturas, que a veces parecen diagramas, eran una representación visual de ideas espirituales complejas.
5-Frida Kahlo
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (6 de julio de 1907 – 13 de julio de 1954) fue una pintora mexicana conocida por sus numerosos retratos, autorretratos y obras inspiradas en la naturaleza y los objetos de México. Inspirada por la cultura popular del país, empleó un estilo folclórico ingenuo para explorar cuestiones de identidad, poscolonialismo, género, clase y raza en la sociedad mexicana.
Sus pinturas tenían a menudo fuertes elementos autobiográficos y mezclaban realismo con fantasía. Además de pertenecer al movimiento posrevolucionario Mexicayotl, que buscaba definir una identidad mexicana, Kahlo ha sido descrita como surrealista o realista mágica. Es conocida por pintar sobre su experiencia de dolor crónico.
Nacida de padre alemán y madre mestiza, Kahlo pasó la mayor parte de su infancia y su vida adulta en La Casa Azul, su hogar familiar en Coyoacán, hoy accesible al público como Museo Frida Kahlo.
Aunque la poliomielitis la incapacitó de niña, Kahlo era una estudiante prometedora que iba a estudiar medicina hasta que, a los 18 años, sufrió un accidente de autobús que le causó dolores y problemas médicos de por vida. Durante su recuperación, retomó su interés infantil por el arte con la idea de convertirse en artista.
Su interés por la política y el arte la llevó a afiliarse al Partido Comunista Mexicano en 1927, a través del cual conoció al también artista mexicano Diego Rivera. La pareja se casó en 1929 y pasaron juntos los últimos años de la década de 1920 y los primeros de la de 1930 viajando por México y Estados Unidos. Durante este tiempo, desarrolló su estilo artístico, inspirándose principalmente en la cultura popular mexicana, y pintó sobre todo pequeños autorretratos que mezclaban elementos de creencias precolombinas y católicas.
Sus pinturas despertaron el interés del artista surrealista André Breton, que organizó la primera exposición individual de Kahlo en la Julien Levy Gallery de Nueva York en 1938; la exposición fue un éxito y le siguió otra en París en 1939. Aunque la exposición francesa tuvo menos éxito, el Louvre adquirió un cuadro de Kahlo, El marco, convirtiéndola en la primera artista mexicana en figurar en su colección a lo largo de la década de 1940, Kahlo participó en exposiciones en México y Estados Unidos y trabajó como profesora de arte. Impartió clases en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado («La Esmeralda») y fue miembro fundador del Seminario de Cultura Mexicana. La salud de Kahlo, siempre frágil, empezó a decaer en la misma década.
Su primera exposición individual en México tuvo lugar en 1953, poco antes de su muerte en 1954, a los 47 años.
La obra de Kahlo como artista permaneció relativamente desconocida hasta finales de la década de 1970, cuando fue redescubierta por historiadores del arte y activistas políticos. A principios de la década de 1990, no sólo se había convertido en una figura reconocida en la historia del arte, sino que también se la consideraba un icono para los chicanos, el movimiento feminista y la comunidad LGBTQ+. La obra de Kahlo ha sido celebrada internacionalmente como emblemática.
6-Mary Cassat
Mary Stevenson Cassatt (22 de mayo de 1844 – 14 de junio de 1926) fue una pintora y grabadora estadounidense. Nació en Allegheny, Pensilvania (actualmente parte de la zona norte de Pittsburgh), pero vivió gran parte de su vida adulta en Francia, donde entabló amistad con Edgar Degas y expuso con los impresionistas.
Cassatt solía crear imágenes de la vida social y privada de las mujeres, haciendo especial hincapié en los vínculos íntimos entre madres e hijos.
Gustave Geffroy la describió como una de «les trois grandes dames» (las tres grandes damas) del Impresionismo, junto a Marie Bracquemond y Berthe Morisot en 1879, Diego Martelli la comparó con Degas, ya que ambos buscaban representar el movimiento, la luz y el diseño en el sentido más moderno.
7-Georgia O´Keeffe
Georgia Totto O’Keeffe (15 de noviembre de 1887 – 6 de marzo de 1986) fue una artista modernista estadounidense. Fue conocida por sus pinturas de flores agrandadas, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México. O’Keeffe ha sido llamada la «Madre del modernismo americano».
En 1905, O’Keeffe comenzó su formación artística en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y después en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. En 1908, ante la imposibilidad de seguir estudiando, trabajó durante dos años como ilustradora comercial y, entre 1911 y 1918, impartió clases en Virginia, Texas y Carolina del Sur.
Estudió arte en los veranos entre 1912 y 1914 y conoció los principios y la filosofía de Arthur Wesley Dow, que creaba obras de arte basadas en el estilo personal, el diseño y la interpretación de los temas, en lugar de intentar copiarlos o representarlos. Esto provocó un gran cambio en su forma de sentir y enfocar el arte, como se aprecia en las primeras etapas de sus acuarelas de sus estudios en la Universidad de Virginia y, de forma más dramática, en los dibujos al carboncillo que realizó en 1915 y que la llevaron a la abstracción total. Alfred Stieglitz, marchante de arte y fotógrafo, organizó una exposición de sus obras en 1917 durante los dos años siguientes, impartió clases y continuó sus estudios en el Teachers College de la Universidad de Columbia.
En 1918 se trasladó a Nueva York a petición de Stieglitz y comenzó a trabajar en serio como artista. Ambos entablaron una relación profesional y personal que desembocó en su matrimonio en 1924. O’Keeffe creó muchas formas de arte abstracto, incluidos primeros planos de flores, como las pinturas Red Canna, que muchos consideraron que representaban vulvas,aunque O’Keeffe negó sistemáticamente esa intención. La imputación de la representación de la sexualidad femenina también se vio alimentada por las fotografías explícitas y sensuales de O’Keeffe que Stieglitz había tomado y expuesto.
O’Keeffe y Stieglitz vivieron juntos en Nueva York hasta 1929, cuando O’Keeffe comenzó a pasar parte del año en el Suroeste, que le sirvió de inspiración para sus pinturas de paisajes de Nuevo México e imágenes de cráneos de animales, como Cow’s Skull: Red, White, and Blue y Ram’s Head White Hollyhock and Little Hills. Después de la muerte de Stieglitz, vivió en Nuevo México en Georgia O’Keeffe Home and Studio en Abiquiú hasta los últimos años de su vida, cuando vivió en Santa Fe.
En 2014, el cuadro de O’Keeffe Jimson Weed/White Flower No. 1, de 1932, se vendió por 44.405.000 dólares, más del triple del anterior récord mundial en subasta para cualquier artista femenina tras su muerte, se creó el Museo Georgia O’Keeffe en Santa Fe.
8-Helen Frankethaler
Helen Frankenthaler (12 de diciembre de 1928 – 27 de diciembre de 2011) fue una pintora expresionista abstracta estadounidense. Contribuyó decisivamente a la historia de la pintura estadounidense de posguerra.
Expuso su obra durante más de seis décadas (desde principios de los años 50 hasta 2011), abarcando varias generaciones de pintores abstractos y produciendo al mismo tiempo obras nuevas, vitales y siempre cambiantes.Frankenthaler comenzó a exponer sus pinturas expresionistas abstractas a gran escala en museos y galerías contemporáneas a principios de los años 50.
Fue incluida en la exposición Post-Paining Expressionist de 1964. En 1964 fue incluida en la exposición Post-Painterly Abstraction, comisariada por Clement Greenberg, que introdujo una nueva generación de pintura abstracta conocida como campo de color.
Nacida en Manhattan, se vio influida por las pinturas de Greenberg, Hans Hofmann y Jackson Pollock.
Su obra ha sido objeto de varias exposiciones retrospectivas, incluida una de 1989 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y se ha expuesto en todo el mundo desde la década de 1950. En 2001 recibió la Medalla Nacional de las Artes.
Frankenthaler tenía casa y estudio en Darien, Connecticut.
9-Leonora Carrington
Mary Leonora Carrington (6 de abril de 1917 – 25 de mayo de 2011) fue una artista, pintora surrealista y novelista de origen británico. Vivió la mayor parte de su vida adulta en Ciudad de México y fue una de las últimas participantes supervivientes del movimiento surrealista de los años 30.
Carrington también fue miembro fundadora del movimiento de liberación de la mujer en México durante la década de 1970.
10-Louis Bourgeois
Louise Joséphine Bourgeois (25 de diciembre de 1911 – 31 de mayo de 2010) fue una artista franco-estadounidense. Aunque es más conocida por sus esculturas e instalaciones a gran escala, Bourgeois también fue una prolífica pintora y grabadora.
A lo largo de su dilatada carrera exploró diversos temas, como la domesticidad y la familia, la sexualidad y el cuerpo, así como la muerte y el inconsciente, relacionados con acontecimientos de su infancia, que ella consideraba un proceso terapéutico.
Aunque Bourgeois expuso con los expresionistas abstractos y su obra tiene mucho en común con el surrealismo y el arte feminista, no estaba afiliada formalmente a ningún movimiento artístico concreto.
